Абстрактная скульптура читать ~13 мин.
Введение: скульптура XIX века: образная и функциональная
Скульптура девятнадцатого века была образной и функциональной и в ней доминировал растущий материализм обществ по обе стороны Атлантики. Вероятно, львиная доля всех скульптурных работ была направлена на поминовение важных личностей (например, Мемориал Альберта в Лондоне), событий (например, эмиграция в Америку, Статуя Свободы) или мест (например, Вашингтон, здание Капитолия США, Париж, Триумфальная арка). По иронии судьбы, растущая функциональность искусства – наиболее заметная в архитектуре небоскрёбов в конце 19-го века в Америке, которая не требовала внутреннего или внешнего скульптурного оформления, – возможно, помогла проложить путь для введения абстракции. Но прежде чем это могло произойти, нужно было сломить мёртвую хватку, которую традиционное академическое искусство опиралось на теорию и практику живописи и скульптуры.
Кубизм: революция в начале 20-го века
Изобретение кубизма (fl.1908-14) Пабло Пикассо (1881-1973) и Жоржа Брака (1882-1963) потрясло мир искусства до его основ. Это была форма абстрактного искусства, которая (в своей живописи) отвергала линейную перспективу и полностью фокусировалась на плоскости картины. Несмотря на новую полуабстракцию, введённую в «Поцелуе» (1907, Музеул де Арта Крайова) Константином Бранкузи (1876–1956) и в «Крадущемся рисунке» (1907, Музей современного искусства, Вена) Андре Дерена (1880–1954), раньше ничего подобного кубизму не было. Хотя первыми, кто применил принципы кубизма, были художники, скульпторы не сильно отставали. Работы стали более геометрическими, перспектива стала уплощённой и более раздробленной. Вскоре стал появляться целый новый стиль трёхмерных работ. Примеры: «Женщина, идущая» (1912, частная коллекция) Александра Архипенко (1887–1964); The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY), Джейкоб Эпштейн (1880-1959); Большая лошадь (1914, Национальный музей современного искусства, Париж) Раймонда Дюшана-Вильона (1876-1918); «Человек с гитарой» (1915, МоМА, Нью-Йорк), Жак Липчиц (1891–1973); Фруктовое блюдо с виноградом (1918) Анри Лоренса (1885-1954); «Голова женщины» (1917–20, МоМА, Нью-Йорк), Наум Габо (1890–1977); и Торс (1924-6, МоМА, Нью-Йорк) Антуана Певснера (1886-1962).
Кубизм был слишком радикальным, чтобы стать частью творческого мейнстрима. Тем не менее, до 1920 года он доминировал в авангардном художественном сообществе, где нерепрезентативное искусство прочно закрепилось.
Футуризм: его влияние на кинетическое искусство
Итальянский футуризм (эт.1909-14) не был затронут кубистской революцией (особенно в её живописи), его общая направленность была иной. Он призван подчеркнуть динамизм, технологии и скорость современного мира. До войны, главным скульптурным шедевром движения был, несомненно, «Уникальные формы преемственности в космосе» (1913; отливки в MoMA NY, Tate London и в других местах) Умберто Боччони (1882–1916). Однако наибольшее влияние движение оказало на развитие кинетического искусства, поэтому футуристическая скульптура охватывает такие работы, как: «Птица в космосе» (1925–31, Kunsthaus, Цюрих) Константина Бранкузи (1876–1957); «Вращающиеся таблички» (1920, Галерея искусств Йельского университета, Нью-Хейвен) Марселя Дюшана (1887-1968); «Kinetic Construction» (1919-20, Tate Collection, London), Наум Габо (1890-1977); «Алюминиевые листья», «Красная почта» (1941, Фонд семьи Липман) и «Арка лепестков» (1941, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк), автором которых является Александр Колдер (1898-1976), изобретатель мобильных телефонов; Relief Mobile 5 (1954, Музей современного искусства, Сент-Этьен) Пол Бери (1922-2005); и «Сигнал: Космическое животное-насекомое» (1956, коллекция Тейт, Лондон) Такиса (Panayiotis Vassilakis) (р. 1925).
Абстрактная Скульптура Дада
Дадское движение (1916-24) было анти-искусством и не могло оказывать широкое влияние. Тем не менее, это оказало значительное влияние на тип материала, из которого можно сделать предметы искусства. В то время как ранее большинство скульптур было вырезано или отлито из дерева, камня, глины или бронзы, Дада поощряла использование нетрадиционных материалов, включая различные виды металла, картона, резины, проволоки, текстиля, бетона, стекла и даже общих отходов. Пожалуй, самый необычный пример дадаистской скульптуры – это конструкция Мерцбау Курта Швиттерса (1887-1948). Кроме того, авангардные «готовые изделия», созданные Марселем Дюшаном (1887–1968), такие как «Велосипедное колесо» (1913, Национальный музей современного искусства, Париж), Бутылочная стойка (1914, Национальный музей современного искусства). (Paris) и Fountain (1917, копия в Musee National d’Art Moderne, Paris) – также были квинтэссенцией дадаизма, поскольку они подрывали условности академического искусства.
Конструктивистская Абстрактная Скульптура
Абстрактная скульптура до, во время и после Первой мировой войны продолжала находиться под сильным влиянием авангардных событий в Париже, но также и в дореволюционной России, где художественный и политический пыл смешался с модернистскими школами, такими как вайонизм, супрематизм и конструктивизм. Последний – единственный из трёх, в котором задействовано трёхмерное искусство, – призвал скульпторов конструировать (не вырезать, моделировать или отливать) конструкции из промышленных материалов (металл, стекло, пластик). Стиль иллюстрируется в таких работах, как: Строительство № 557 (1919) Константина Медунецкого (1899-1935); Башня Огня (1919-20) Иоганна Иттена (1888-1967); Памятник Третьему Интернационалу (1920, Национальный музей современного искусства, Париж) Владимира Татлина (1885-1953); и Пространственное строительство № 12с (1920, МоМА, Нью-Йорк) Александра Родченко (1891-1956). «Бесконечная колонна» Бранкузи (1938, Тыргу-Жиу, Румыния) также может быть включена в категорию конструктивистской скульптуры.
Абстрактная Скульптура Де Стейл (De Stijl)
В течение 1920-х годов в Голландии геометрическая абстракция достигла своего апогея в движении де Стейл (1917-31), которое первоначально поощряло неопластизм – изобретённый Питом Мондрианом (1872-1944) – и элементаризм – основанный Тео Ван Дусбургом (1883- 1931), человеком, который также ввёл термин конкретное искусство. Де Стейл имел сравнительно сильные успехи в архитектуре, живописи и среди современных дизайнеров, таких как те, кто работал в Баухаузской школе дизайна, но не среди скульпторов. Между тем Париж оставался бесспорным центром абстрактного искусства, не в последнюю очередь потому, что он привлекал беженцев из тоталитарных государств России и Германии, где абстракция была запрещена как буржуазная или вырожденная. Две важные группы для художников-абстракционистов, которые возникли в Париже в этот период, были Cercle et Carre и Abstraction-Creation.
Авангардистские группы абстрактных художников (1930-е гг.) Cercle et Carre (1929-31)
Cercle et Carre (круг и квадрат) была выставочной группой (и журналом) как для абстрактных скульпторов, так и для художников, сформированной в Париже в 1929 году критиком Мишелем Сефором (1901–1999) и художником Хоакином Торрес-Гарсия (1874–1949), В центре внимания была геометрическая абстракция, но она оставалась открытой для всех типов нерепрезентативных работ – слабость, которая побудила Тео Ван Дусбурга (1883-1931), первосвященника геометрического или не объективного искусства, запустить свой собственный журнал под названием «Искусство конкретики», в 1930 году. Cercle et Carre провела только одну выставку, которая состоялась в Galerie 23 в апреле 1930 года, но это была первая в истории художественная выставка, посвящённая исключительно абстрактному искусству. Участвовали более сорока художников, в том числе Кандинский (1866–1944), Пит Мондриан (1872–1944), Жорж Вантонгерлоо (1886–1965), Курт Швиттерс (1887–1948) и другие.
Abstraction-Creation (1931-36)
Активность Cercle et Carre продлилась менее двух лет и в феврале 1931 года появилась новая ассоциация, известная как Abstraction-Creation, которая была посвящена исключительно не-объективному (геометрическому) искусству. Среди основателей были бельгийский скульптор и художник Жорж Вантонгерлоо, а также французские художники Жан Гелион (1904–1887 гг.) и Огюст Хербин (1882–1960 гг.). Более поздние участники представили сливки европейских абстрактных скульпторов, таких как Жан Арп (1886-1966), Антуан Певснер (1886-1962) и его брат Наум Габо (1890-1977), Эль Лисицкий (1890-1941), Александр Колдер (1898) -1976, Барбара Хепуорт (1903–1975) и Бен Николсон (1894–1982). «Абстракция-творчество» проводила ряд групповых выставок и один раз в год публиковала иллюстрированный журнал (1932–36) «Абстракция-творчество: нефигуративный Арт». Пример скульптуры «Абстракция-творение» – «Бесконечная лента» (1935) Макса Билла (1908–1994 гг.), Швейцарского экс-скульптора Баухауза, которая иллюстрирует концепцию поверхности Мёбиуса, которая становится изогнутой на 180 градусов вокруг его продольной оси пространственной структурой. Это приводит к математическому парадоксу полосы, которая имеет только одну поверхность и ребро, но принимает форму непрерывного цикла. Якобы ограниченные геометрической абстракцией, многие из членов Abstraction-Creation перешли к геометрическим формам искусства, таким как кинетическое искусство.
Первый блок (Unit One) (1933-35)
Ещё одна ассоциация художников-абстракционистов была создана в Великобритании в 1933 году под названием Unit One. Среди участников были лидеры современной британской скульптуры, а именно Мур и Хепворт, а также художник Пол Нэш (1889-1946). В апреле 1934 г. ассоциация опубликовала книгу под названием «Первый блок: современное движение в английской архитектуре, живописи и скульптуре», приуроченная к их единственной групповой выставке в галерее мэра в Лондоне, позднее выставка отправилась в Белфаст, Суонси, Ливерпуль и Манчестер. Несмотря на книгу и выставку, у группы не было манифеста или программы, фактически она включала в себя как абстракцию, так и сюрреализм, два стиля, которые представлялись на отдельных выставках в Лондоне в 1936 году. В результате это всегда было борьбой за сохранение целенаправленной групповой идентичности и первый блок был должным образом распущен в 1935 году. Тем не менее, он оказал значительное влияние на британское авангардное искусство середины 1930-х годов (см. также школу Сент-Айвз (c.1939-75)).
Органическая абстракция и сюрреалистическая фантазия (1930-е годы)
Вдохновлённая природными формами, биоморфная / органическая абстракция в скульптуре иллюстрируется в таких работах, как «Концентрация человека» (1934, Национальный музей современного искусства, Париж) и «Деметра» (1961, Музей Израиля, Иерусалим), оба – Жан Арп (1887-1966); Мать и дитя (1934, Tate Collection, Лондон) Барбары Хепуорт (1903-1975); Абстракция (1940, Музей Джорджии О’Киф, Санта-Фе) Джорджа О’Кифа (1887-1986); Крадущаяся женщина (Прощание) (1940-41) Анри Лоренса; и Две формы (1966, Сорайский мрамор, частная коллекция Staehein, Цюрих) Генри Мура (1898-1986). Одна из самых мощных сюрреалистических скульптур – «Женщина с перерезанным горлом» (La Femme Egorgee, 1932, Частная коллекция) Альберто Джакометти (1901-1966). Метаморфическая ракообразная женщина с перерезанным горлом лежит на земле в конвульсии, сочетающей в себе акт любви и смертельные муки. Более причудливый сюрреализм представлен такими скульптурами, как «Фигура с зонтиком» (1931) и «Объект» (1936), обе Хуана Миро (1893-1983); Лунная спаржа (1935) Макса Эрнста (1891-76); и «Глаза, нос и щека» (1939, Tate Collection, London) Ф.Э. Маквильяма (1909-1992).
Послевоенная Абстрактная Скульптура (c.1945-65)
Несмотря на усилия различных абстрактных художников и групп, фигуративное искусство оставалось преобладающим в межвоенные годы (1920-40). Однако влияние Второй мировой войны на изобразительное искусство было глубоким, не в последнюю очередь потому, что в умах людей оставалось очень мало сильных образов, которые были либо ненасильственными, либо вообще значимыми после Холокоста и огромного числа погибших на войне. (См. Также искусство Холокоста 1933-45 гг.). Фотосъёмка и киносъёмка также начали очаровывать общественное воображение, оставляя меньше места для образных изображений, сделанных вручную. В результате абстракция внезапно взлетела, по крайней мере, в живописи. Американский абстрактный экспрессионизм шёл впереди, параллельно с Art Informel и Tachisme в Европе.
Абстрактная Скульптура Нео-дада
В отличие от абстрактной скульптуры был и немного другой курс. Вместо того, чтобы сосредоточиться на нефигуративном предмете, он сконцентрировался на материалах, отсюда и название искусства сборки – формы трёхмерного визуального искусства, созданного из предметов повседневного обихода, которые, как говорят, были «найдены» художником. Популярная в Америке в 1950-х и 1960-х годах, сборка эффективно преодолела разрыв между коллажем и скульптурой, в то время как использование нехудожественных материалов – особенность нео-дада-искусства – предвосхитило использование произведений массового производства в поп-арте. Собрание скульптуры иллюстрируется работами Луизы Невельсон (1899–1988), такими как «Зеркальное изображение 1» (1969, Музей изобразительных искусств, Хьюстон), а также Жаном Дюбуффе (1901–85) и его Памятником «Стоячий зверь» (1960, Центр Джеймса Р. Томпсона, Чикаго). Эта идиома была значительно усилена важной выставкой – «Искусством сборки» – в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1961 году.
Другие примеры нео-дадаистского «мусорного искусства» включают «Пейзаж реки Гудзон» (1951, Музей американского искусства Уитни) и «Австралию» (1951, МоМА, Нью-Йорк), оба Дэвида Смита (1906–1965); Без названия (дерево, металлические детали, гвозди) (1960, Музей современного искусства Нью-Йорка), Хесус Рафаэль Сото (р.1923) и некоторые «комбайны» Роберта Раушенберга (1925-2008), такие как First Landing Jump (содержащие живопись, ткань, металл, кожу, электрические светильники, кабели, масляную краску, доски) (1961, МоМА, Нью-Йорк). Без названия (промышленный войлок) (1967, Кунстхалле, Гамбург) Роберта Морриса (р. 1931) является ещё одним примером использования необычных материалов в скульптуре, как и минималистский памятник Владимиру Татлину (трубки с неоновым освещением) (1975, Национальный музей современного искусства им. Джорджа Помпиду, Дэн Флавин (1933–96).
Дадаисты также превозносили бессмысленное искусство и что может быть более абсурдным, чем самоуничтожение скульптуры? Без сомнения, это был важный элемент в философии творчества Жана Тингуэли (1925-1991), непревзойдённого мастера саморазрушающейся скульптуры, чей шедевр обычно считается данью уважения Нью-Йорку (1960, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Отличным примером абстрактной поп-скульптуры является жанр художественного слова, принятый Робертом Индианой (р. 1928) в его серии скульптур LOVE.
Абстрактная металлическая скульптура (1960-е годы)
В 1960-х годах также началась новая широкая традиция металлической скульптуры – от переносной до монументальной. К таким работам относились: «Скульптура для большой стены» (1956-7, МоМА, Нью-Йорк) Эллсворта Келли (р. 1923); Полдень (1960, МоМА, Нью-Йорк) сэра Энтони Каро (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) Тони Смита (1912-1980); Сломанный Обелиск (1963-9, МоМА, Нью-Йорк) Барнетта Ньюмана (1905-1970); «Ангел бури» (1973-74, Квадрат Шаба, Шалон-сюр-Сон) Марка Ди Суверо (р.1933) и ряд работ Эдуардо Чиллида (1925-2002), кульминацией которого стала его береговая линия «Гребень ветра» (1977, залив Сан-Себастьян, Испания).
Минималистская скульптура
Минимализм, реакция на все более сложные вариации абстрактного экспрессионизма, был пуристическим движением, которое охватывало живопись, скульптуру, архитектуру и дизайн. Он искал свою собственную художественную правду во множестве ультра-упрощённых структур в геометрическом стиле, обычно сделанных из промышленных материалов. Это остаётся одной из самых малоизвестных форм актуального искусства. Минималистские абстрактные скульптуры: Клетка II (1965, МоМА, Нью-Йорк) Уолтера де Мария (р.1935); Серийный проект I (ABCD) (1966, MoMA, NY) Сол Левитт (1928-2007); Эквивалент 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) Карла Андре (р. 1935); и Без названия (Stack) (1967, MoMA, NY) Дональда Джадда (1928-1994). Для так называемой «пост-минималистской» скульптуры см. Работы Евы Гессе (1936-1970).
Монументальные рефераты
Постмодернистское искусство одержимо воздействием, и создание части монументальной скульптуры – хороший способ достигнуть этого. Жанр был поддержан несколькими художниками, в том числе: Аллен Джонс (р.1937), см. Dancers (1987, Коттон Атриум, Лондон Бридж Сити, Лондон); Ричард Серра (р. 1939), см. «Дело времени» (2004, Гуггенхайм, Бильбао); Джонатан Борофски (р.1943), см. «Ходячий человек» (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY); и Аниш Капур (р.1954), см. Marsyas (2002, Турбинный зал, Тейт Модерн, Лондон).
- Абстрактные картины, 100 лучших нерепрезентативных картин
- Художники-абстракционисты, Ирландия: нерепрезентативные ирландские художники / скульпторы
- Абстрактное искусство
- Абстракционизм: кубизм, де стейл
- Биоморфная абстракция: органические формы в скульптуре и живописи
- Игорь Дрёмин: Фестиваль абстракции
- Современная живопись и концептуальный символизм
- Как нарисовать абстрактную картину: первые шаги
Если вы заметили грамматическую или смысловую ошибку в тексте – пожалуйста, напишите об этом в комментарии. Спасибо!
Сиреневым отмечены тексты, которые ещё не готовы, а синим – те, что уже можно прочитать.
Комментирование недоступно Почему?