Дизайн в стиле ар-деко читать ~7 мин.

Эстетика ар-деко, запечатлённая в геометрии знаменитых небоскрёбов Нью-Йорка — Крайслер-билдинг и Рокфеллер-центра, доминировала в современном искусстве и международном дизайне с 1925 года до начала 1940-х.

Ар-деко стал своеобразным синтезом, объединившим различные направления. Подобно более раннему Движению искусств и ремёсел или криволинейному стилю модерн, это направление стремилось к созданию единой стилистической среды. Оно охватывало все виды искусства, стирая границы между уникальным творчеством и массовым производством.

Влияние стиля распространялось на декоративное искусство: дизайн интерьеров, мебель, ювелирные изделия, текстиль и моду. Не менее значимым оно было в промышленном дизайне и прикладном искусстве архитектуры, а также в живописи и графике.

Стиль отражал восхищение современными технологиями. Для него характерны чёткие линии, строгая геометрия, обтекаемые аэродинамические контуры и контрастные, порой резкие цветовые решения. Изначально ар-деко позиционировался как синоним роскоши — это была своеобразная реакция на вынужденный аскетизм Первой мировой войны. Мастера использовали редкие и дорогие материалы: серебро, горный хрусталь, слоновую кость, нефрит и лак.

Однако экономические потрясения Великой депрессии трансформировали подход дизайнеров. Чтобы сохранить актуальность, стиль адаптировался под новые реалии, внедряя более доступные материалы массового производства. Хром, бакелит (ранний пластик) и нержавеющая сталь позволили ар-деко завоевать популярность среди среднего класса, который ценил элегантность и функциональность.

О других художественных и дизайнерских движениях, родственных ар-деко, см. Художественные движения, периоды, школы (примерно с 100 года до н.э.).

Происхождение термина

Название «ар-деко» является сокращением от названия выставки Exposition Internationale des Arts Décoratifs Industriels et Modernes (Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств), состоявшейся в Париже в 1925 году. Организатором выступило Общество художников-декораторов (La Société des Artistes Décorateurs).

Группу возглавляли такие мастера, как Эктор Гимар (Hector Guimard, 1867–1942), Эжен Грассе (Eugène Grasset), Рауль Лашеналь (Raoul Lachenal), Поль Фолло (Paul Follot), Морис Дюфрен (Maurice Dufrêne) и Эмиль Декур (Émile Decoeur). Некоторые из них ранее работали в эстетике модерна, однако искали новые выразительные средства. Стоит уточнить, что термин «ар-деко» вошёл в широкий обиход значительно позже. Его популяризировал историк искусства Бевис Хиллиер (Bevis Hillier) в своей книге «Ар-деко 20-х и 30-х годов», опубликованной лишь в 1968 году.

Исторический контекст и формирование стиля

Визуальный язык ар-деко сформировался под влиянием нескольких мощных течений начала XX века. Геометрическая строгость была заимствована у кубизма (критики даже называли ар-деко «укрощённым кубизмом»). Индустриальная эстетика пришла из конструктивизма и футуризма, воспевавших машины и скорость. Насыщенная цветовая палитра, вероятно, была вдохновлена парижским фовизмом.

Особое место в иконографии ар-деко занимали древние культуры. Открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году вызвало всплеск египтомании: мотивы пирамид, сфинксов и лотосов стали повсеместными. Художники также обращались к искусству ацтеков (ступенчатые зиккураты) и классической античности. В отличие от модерна, ар-деко не претендовал на глубокую философскую базу — его целью была декоративная выразительность.

Период расцвета стиля совпал с эпохой «ревущих двадцатых», пережил Великую депрессию 1930-х и завершился с началом Второй мировой войны. К концу 1930-х годов ар-деко стал восприниматься как излишне вычурный, не соответствующий суровой военной действительности. Возрождение интереса к нему произошло в 1960-х годах, параллельно с развитием поп-арта, и повторилось в 1980-х благодаря вниманию графических дизайнеров к ретро-эстетике.

Характеристики и эволюция форм

Архитектура ар-деко стала символом научного прогресса, роста коммерции и скоростей нового века. Здания устремлялись вверх, используя ступенчатые формы (setbacks), которые контрастировали с растительными орнаментами модерна. Этот стиль идеально подходил для «храмов» новой эпохи: кинотеатров, вокзалов и трансатлантических лайнеров, таких как «Куин Мэри».

В основе композиции лежала математическая геометрия. Архитекторы вдохновлялись гранёными формами Вавилона и Ассирии, монументальностью пирамид Древнего Египта и зиккуратами ацтекской Мексики. Параллельно развивалась тема «машинного века» — образы авиации, радио и первых небоскребов.

Визуальный словарь ар-деко легко узнаваем:
Трапециевидные и треугольные формы;
Зигзагообразные и шевронные узоры;
Мотив «солнечных лучей» (sunburst). Этот элемент встречается везде: от дамских туфелек и решёток радиаторов автомобилей до интерьеров Радио-сити-мюзик-холла и шпиля Крайслер-билдинга Уильяма ван Алена (William van Alen).

Важно различать две фазы стиля. Ранний ар-деко 1920-х, известный как «зигзаг-модерн», тяготел к вертикали и богатому орнаменту. В 1930-х годах, под влиянием аэродинамики, сформировался «стримлайн-модерн» (обтекаемый стиль). Для него характерны скруглённые углы, горизонтальные линии «скорости» и использование хромированных деталей, напоминающих элементы кораблей и самолетов.

Материалы также эволюционировали. Наряду с традиционными для модерна стеклом и деревом, ар-деко активно внедрял алюминий, нержавеющую сталь, пластик. Экзотика оставалась в моде: дизайнеры использовали акулью кожу (шагрень), кожу зебры и инкрустации редкими породами дерева.

География стиля: Архитектура

Ар-деко стал подлинно глобальным стилем. Его вариации можно встретить в Великобритании, Испании, Кубе, Индонезии, Филиппинах, Аргентине, Румынии, Австралии, Новой Зеландии, Индии и Бразилии. В архитектуре он ознаменовал возвращение к симметрии и монументальности, свойственной неоклассицизму, но в современной интерпретации.

Ар-деко в Северной Америке

Нью-Йорк является заповедником архитектуры небоскрёбов той эпохи. Знаковые проекты включают:

Здание Ченин (Chanin Building, 1927–1929) архитекторов Слоана и Робертсона.
Крайслер-билдинг (1928–1930) Уильяма ван Алена.
Эмпайр-стейт-билдинг (1929–1931) бюро Shreve, Lamb & Harmon.
Здание Макгроу-Хилл (1929–1930) Реймонда Худа.
Здание Ньюс (Daily News Building, 1929–1930) Реймонда Худа и Джона Мида Хауэллса.
Рокфеллер-центр (1932–1939) консорциума архитекторов под руководством Рейнхарда и Хофмайстера.

В Техасе стиль проявился в зданиях мэрии Хьюстона и Музее авиационного терминала 1940 года. В Бомонте выделяется здание суда округа Джефферсон (1931). Миссури гордится зданием Kansas City Power and Light (1931), ставшим символом эпохи. Вокзал Цинциннати в Огайо (1933) — ныне музейный центр — демонстрирует масштаб транспортной архитектуры. Майами во Флориде известен своим историческим районом Арт-деко с высокой концентрацией зданий этого периода.

Ар-деко в мире

Куба. Гавана сохранила множество архитектурных памятников, среди которых выделяется здание Бакарди (Edificio Bacardí), облицованное гранитом и терракотой.

Южная Америка. В Бразилии значительное наследие ар-деко находится в Рио-де-Жанейро и Гоянии. В Монтевидео (Уругвай) доминантой служит Паласио Сальво (1929), долгое время бывшее высочайшим зданием континента.

Великобритания. Лондонское метро и отели (например, «Стрэнд Палас») активно использовали элементы стиля. Известен также фасад Восточной трибуны бывшего стадиона «Арсенала» — Хайбери.

Азия и Океания. Мумбаи (Индия) занимает второе место в мире после Майами по количеству зданий в стиле ар-деко. Шанхай (Китай) располагает более чем пятьюдесятью объектами, многие из которых спроектированы венгром Ласло Худеком (László Hudec). Индонезия сохранила отели и офисные здания 1920-х годов, такие как «Савой Хоманн» в Бандунге.

Австралия. Мельбурн и Сидней богаты примерами стиля: от мемориала АНЗАК до театра «Минерва» и универмага Майер.

Изобразительное искусство и персоналии

В живописи и скульптуре термин «ар-деко» применяется реже, однако стилистика эпохи отчётливо читается в работах многих художников XX века. Ярчайшим представителем является Тамара де Лемпицка (Tamara de Lempicka, 1898–1980). Ее полотна, такие как «Музыкант» (1929) и «Автопортрет в зелёном Бугатти» (1925), сочетают гламурную подачу с «мягким кубизмом».

Скульптор Пол Маншип (Paul Manship, 1885–1966) создал знаменитую позолоченную статую Прометея (1933), украшающую площадь Рокфеллер-центра. В графике доминировал Адольф Жан-Мари Мурон (Adolphe Jean-Marie Mouron, 1901–1968), известный под псевдонимом Кассандр. Его плакаты стали эталоном рекламного дизайна, а сам художник удостоился Гран-при на выставке 1925 года. Подробнее о мастерах жанра: История плакатного искусства.

В орбиту стиля входили и другие мастера: Рене Бюто, Рафаэль Делорм, Жан Габриэль Домерг и Жан Дюпа. Даже бывшие кубисты — Андре Лот, Робер Делоне и Фернан Леже — создавали работы, вписывающиеся в эстетику выставки 1925 года. Соня Делоне (Sonia Delaunay) успешно переносила принципы авангардной живописи на текстиль и моду. Фовист Рауль Дюфи разработал серию масштабных декоративных панно.

Дизайн и прикладное искусство

Дизайн ар-деко объединил кубистскую геометрию, театральность костюмов «Русских сезонов» Сергея Дягилева и ритмы джазовой культуры. В моде тон задавал Поль Пуаре (Paul Poiret), основатель ателье «Мартин». Иллюстраторы Жорж Барбье (George Barbier), Эрте (Erté, Роман Тыртов) и Шарль Мартен (Charles Martin) создавали визуальный образ эпохи на страницах журналов.

Мебельный дизайн достиг высот благодаря таким мастерам, как Жак-Эмиль Рульман (Jacques-Émile Ruhlmann), чьи работы отличались изысканностью, и Эйлин Грей (Eileen Gray), экспериментировавшей с лаком и металлом. В работе с металлом, стеклом и керамикой выделялись Жан Дюнан (Jean Dunand), Рене Лалик (René Lalique) и Пьер Шаро (Pierre Chareau).

Наследие ар-деко оказалось долговечным. Как и модерн, этот стиль стремился к тотальному охвату всех сфер жизни. После периода забвения он оказал заметное влияние на современное искусство, став источником вдохновения для постмодернизма и современного дизайна интерьеров.