Живопись цветового поля:
определение, характеристика, история читать ~6 мин.

Термин «живопись цветового поля» относится к особому стилю американского абстрактного экспрессионизма, связанного с Нью-Йоркской школой. Его основоположниками считаются Клайффорд Стилл (1904–1980), Барнетт Ньюман (1905–1970) и Марк Ротко (1903–1970). Это абстрактное искусство характеризовалось большими плоскостями сплошного цвета, которые при просмотре с близкого расстояния буквально окутывали зрителя. Художники намеренно избегали изображения форм, выделяющихся на фоне. Вместо этого форма, фон и холст образовывали единое целое. Картина, воспринимаемая как поле, а не как окно, увлекала взгляд за свои края.

Стиль был рассчитан в первую очередь на эмоциональное воздействие. В конце 1950-х годов второе поколение художников, включая Хелен Франкенталер (1928–2011), Морриса Луи (1912–1962), Кеннета Ноланда (1924–2010) и Жюля Олицки (1922–2007), разработало более обезличенный и формалистский подход, лишённый эмоциональных и духовных элементов. Этот метод, названный художественным критиком Клементом Гринбергом (1909–1994) постживописной абстракцией, был представлен на выставке 1964 года в Музее искусств округа Лос-Анджелес. Позже это привело к возрождению живописи цветового поля в Британии, примером чего стали работы Робина Денни (1930–2007), Джона Хойланда (1934–2011), Ричарда Смита (1931–2016) и других.

История

Живопись цветового поля возникла из независимых поисков Стилла, Ротко и Ньюмана в конце 1940-х годов. Они стремились создать вечную форму искусства, способную преодолеть этический коллапс, вызванный хаосом Второй мировой войны, — живопись, которая говорила бы сама за себя. Отвергая фигуративность, они также избегали жестикуляционной манеры Виллема де Кунинга и Джексона Поллока. Впрочем, «живопись действия» Поллока можно рассматривать как новаторскую попытку создать «всеохватывающее» поле цвета, напоминающее огромные полотна Моне с водяными лилиями.

Появление живописи цветового поля фактически разделило абстрактный экспрессионизм на два направления:
жестикуляционное, полное контрастов и действия;
гладкое, плоское, с большими полями насыщенного цвета и относительно свободное от мелких деталей.

Представители второго стиля, такие как Стилл, Ротко и Ньюман, уделяли больше внимания формальным элементам — линии, форме, цвету, — чем повествованию или контексту. Этот акцент на формализме активно поддержал влиятельный критик Клемент Гринберг, чья протекция обеспечила стилю широкое признание. С коллекциями, в которых представлены образцы живописи цветового поля, можно ознакомиться в художественных музеях Америки.

Художники первого поколения

Марк Ротко никогда не признавал ярлык «художник цветового поля». Он специализировался на масштабных полотнах, где цветовые блоки, казалось, парили над цветным фоном, вызывая сильный эмоциональный отклик.

Хорошим примером служит его работа «Пурпурный, чёрный, зелёный на оранжевом». Комментируя свои картины, он однажды сказал: “Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, обречённости… и тот факт, что многие люди ломаются и плачут перед моими картинами, показывает, что я передаю эти базовые чувства”. Ротко добился большого успеха в середине 1950-х, а в 1954 году журнал Fortune назвал его работы «многообещающей инвестицией». См. также: Картины Марка Ротко (1938–1970).

Клайффорд Стилл, выросший на просторах Северной Дакоты и штата Вашингтон, традиционно считается первым художником цветового поля благодаря серии работ, выставленных им в 1947 году. Для этих полотен характерны сопоставление различных цветов, неровные вспышки цвета и резкие текстурные контрасты, созданные техникой импасто. Этот стиль оказался популярнее гладких поверхностей Ньюмана, и репутация Стилла в 1950-е годы резко возросла.

Роберт Мазервелл (1915–1991) создал несколько работ, сочетающих поля цвета с жестикуляцией (например, серия «Элегия к Испанской республике»), тем самым смешав оба направления абстрактного экспрессионизма. Однако его поздние картины, такие как «Открытая серия» конца 1960-х и 1970-х годов, полностью воплощают принципы цветового поля.

Барнетт Ньюман пришёл к этому стилю позже. В 1947 году он курировал выставку для галереи Бетти Парсонс под названием «Идеографическая картина», где были представлены работы Ротко, Стилла и Ханса Хофмана. Название отсылало к «идеографии» — знакам в доисторической наскальной живописи, которые передают идею, а не изображение объекта.

Ньюман искал форму искусства, которая была бы более вечной, чем образы, взятые из природы. В 1948 году он написал эссе «Возвышенное — сейчас», ставшее теоретической основой живописи цветового поля. Он утверждал, что в эпоху этической неопределённости художники должны стремиться к абсолютной красоте (возвышенному), а не к относительной. Его работы обычно представляют собой плоские области цвета, разделённые тонкими вертикальными линиями, которые он называл «молниями» — своего рода вспышками космического света.

Хотя Ньюман публично настаивал на ненарративности своих работ, позже он давал им названия, подразумевающие некое содержание. Так, свою тёмную картину 1949 года он назвал «Авраам» — имя его отца, скончавшегося в 1947 году.

Минималистичный стиль Ньюмана оказался менее популярен, чем экспрессивная манера Поллока, де Кунинга или даже Ротко. Признание пришло к нему лишь в середине 1960-х годов.

Джексон Поллок также создал множество нежестикуляционных работ, в частности полуфигуративные картины с чёрными пятнами 1951 года и полноцветные работы 1952 года. К тому времени он уже был самым известным американским художником.

Второе поколение художников цветового поля

В конце 1950-х годов под сильным влиянием работ Хелен Франкенталер новая группа художников, в частности Кеннет Ноланд, Моррис Луис и Жюль Олицки, стала придерживаться ещё более формалистского подхода. Если их предшественники, такие как Ньюман и Ротко, всегда ставили целостность формы выше жеста, то новое поколение стремилось устранить из своих работ любые субъективные следы, включая мазки кисти.

В 1964 году Клемент Гринберг назвал этот новый формализм «постживописной абстракцией» и организовал выставку 30 представителей стиля в Музее искусств округа Лос-Анджелес.

Эти художники, лишённые метафизических устремлений и не беспокоясь о декоративности своих работ, создали новый тип сверхгладкой живописи без неровностей текстуры или формы. К художникам второго поколения также относят: Эла Хелда (1928–2005), Эллсворта Келли (1923–2015) и Фрэнка Стеллу (р. 1936) — все трое более известны как представители живописи жёстких контуров, — а также Джоан Митчелл (1926–1992), Ричарда Дибенкорна (1922–1993), Джина Дэвиса (1920–1985) и других.

Упадок

В 1960-е годы формалистское направление живописи цветового поля (названное Гринбергом «постживописной абстракцией») распалось на более мелкие группы, такие как Вашингтонская школа цвета, живопись жёстких контуров, лирическая абстракция и минимал-пейнтинг. Большинство этих течений продолжали придерживаться редукционистской программы, стремясь очистить искусство от излишней риторики и аллюзий, используя при этом тщательно спланированный, психологический подход к цвету.

Поколение 1960-х годов представило свою абстракцию как самоцель. Однако в конце 1960-х — начале 1970-х этот путь привёл многих художников в творческий тупик, известный как минимализм, который, в свою очередь, эволюционировал в постминимализм и процессуальное искусство.

Те художники, кто избегал минимализма, оказались на втором плане, вытесненные новыми жанрами постмодернистского искусства, такими как видео и инсталляция, а также более сложными формами концептуального искусства, о чём свидетельствует, например, список лауреатов Премии Тёрнера. (См. Современное искусство).

Тем временем в Европе

В Европе происходила схожая фрагментация: основное движение абстрактного экспрессионизма ар-информель распалось на множество стилей и направлений, таких как ташизм, Art Non Figuratif, лирическая абстракция и другие.

Картины в стиле живописи цветового поля в основном находятся в художественных музеях Америки.