Готическое искусство читать ~14 мин.

Термин «Готический стиль» обозначает стиль европейской архитектуры, скульптуры (и малых искусств), который соединил средневековое романское искусство с ранним Возрождением. Этот период делится на раннюю готику (1150-1250), высокую готику (1250-1375) и интернациональную готику (1375-1450). В первую очередь, это общественная форма христианского искусства, она процветала сначала в Иль-де-Франс и прилегающем регионе в период 1150-1250 годов, а затем распространилась по всей Северной Европе.

Его основной формой выражения была архитектура – примером служили великие готические соборы Северной Франции. О двух основных декоративных стилях см. в разделе «Лучистая готическая архитектура» (ок. 1200-1350 гг.) и более позднем «Пламенеющая готическая архитектура» (1375-1500 гг.). Лучшие образцы готического дизайна включают: Шартрский собор (1194-1250); собор Нотр-Дам (1163-1345); Сент-Шапель (1241-48); и Кёльнский собор (с 1248 года); а также соборы Кентербери, Винчестера, Вестминстерское аббатство и Сантьяго-де-Компостела.

В готическом дизайне плоскостные формы предыдущей романской идиомы были заменены новым акцентом на линии. Вздымающиеся арки и контрфорсы позволили открыть стены для беспрецедентно огромных окон из витражного стекла, заполненных прекрасно вдохновляющими полупрозрачными изображениями библейского искусства, намного превосходящими все, что могла предложить настенная живопись или мозаичное искусство. Все это создавало вызывающую гуманистическую атмосферу, совершенно отличную от романского периода. (В конце XIV века возник более светский готический стиль, известный как интернациональная готика, который распространился в Бургундии, Богемии и Северной Италии).

Готическое искусство, будучи исключительно религиозным искусством, придавало мощный материальный вес растущей власти церкви в Риме. Это не только вдохновляло общественность, а также её светских лидеров, но и прочно установило связь между религией и искусством, что стало одной из основ итальянского Возрождения (1400-1530). Среди известных средневековых художников готического стиля были Джованни Пизано и Симоне Мартини из сиенской школы живописи.

Готическая скульптура

Ранняя готическая скульптура

Как и в романский период, лучшие готические скульпторы работали над архитектурными украшениями. Наиболее важные примеры каменной скульптуры сохранились на порталах, как в церкви Сен-Дени, западные порталы которой (построенные в 1137-40 гг.) сочетают в себе черты, которые оставались общими на протяжении всего готического периода: резной тимпан; резные фигуры, расположенные в вуссуарах, или клиновидных частях арки; и более фигурная резьба, прикреплённая к сторонам портала. В том виде, в котором он сохранился, Сен-Дени довольно разочаровывает; боковые фигуры были утрачены, а остальные сильно отреставрированы.

Тенденция к большему реализму

Общий эффект теперь лучше виден на западном фасаде Шартрского собора, порталы которого иллюстрируют развитие готического стиля. Если сравнить порталы Шартра (ок. 1140-50 гг.) с порталами Реймса XIII века, то можно увидеть, что развитие скульптуры в этот ранний период готического искусства шло в сторону увеличения реализма и отхода от деревянности романской скульптуры. Это было достигнуто не путём непрерывной эволюции, а серией стилистических импульсов.

Первый из этих импульсов можно увидеть в скульптуре на западном фасаде Шартра. Фигуры с их стилизованными жестами и мелкими складками на одежде едва ли «реальны», а их формы тесно связаны с архитектурной композицией. Подобные примеры можно увидеть в соборах Анже, Ле-Мана, Буржа и Сенлиса. Второй творческий импульс исходил (1181-1210) от школы мозанского искусства, в металлических изделиях ювелира Николая Верденского (и его старшего современника Годфруа де Клера), отмеченных изящными, изогнутыми фигурами и мягкими греческими гребневидными и рельефными драпировками (Малденстиль).

Сдержанный вариант этого стиля украшал главные порталы трансептов Шартра (ок. 1200-10 гг.), его также можно увидеть в Реймском соборе. Третий импульс к реализму в готической скульптуре, основанный на византийских прототипах X века, зародился в соборе Нотр-Дам в Париже (ок. 1200). Вместо клубящихся драпировок и изогнутых фигур, этот стиль характеризуется фигурами с квадратным, прямым видом, которые довольно сдержанны в своих жестах. Хорошим примером этого стиля является западный фасад Амьенского собора (ок. 1220-30 гг.).

Четвёртый стиль реализма зародился в Реймсе у мастера, названного в честь его самой известной фигуры – мастера Жозефа. Не обращая внимания ни на жестикуляционную сдержанность Амьена, ни на драпировки Мульденштиля, он создал (ок. 1240) фигуры с характеристиками, которые сохранялись в течение последующих 150 лет: а именно, изящные позы и лица и плотные драпировки, свисающие длинными V-образными складками, которые окутывают фигуру. Готическая соборная скульптура оказала широкое влияние на позднеготических художников и иллюминаторов, включая великого провансальского художника Энгеррана де Шарантона (Куартона) (ок. 1410-1466), создателя Авиньонской Пьеты (1454-6, Лувр, Париж).

В Германии похожая история, за исключением того, что немецкая готическая скульптура имеет тенденцию быть более эмоциональной – см. Страсбургский и Магдебургский соборы. Драматический пример такой эмоциональности можно найти в западном хоре (ок. 1250 г.) собора Наумбурга. См. также Немецкое готическое искусство (ок. 1200-1450).

Скульптура высокой готики

В целом, в этот период наблюдался упадок архитектурной скульптуры. В связи с тем, что в готической архитектуре эпохи ранней готики основное внимание уделялось геометрическим узорам, это неудивительно. Было завершено несколько порталов, например, на западном фасаде собора в Бурже, но они представляют ограниченный интерес. Напротив, тип скульптуры, который развивался с большой скоростью, был более частным, примером которого служили гробницы и другие погребальные памятники. К ним относятся гробницы, обычно украшенные маленькими фигурками в нишах – фигурками, известными как плакальщицы, поскольку они обычно представляли членов семьи, находящихся в трауре. Позже, в начале XIV века, появились изображения профессиональных плакальщиц в тяжёлых одеждах.

Начало этой скульптурной тенденции положил Людовик IX в своих памятниках своим предкам и ближайшим родственникам, расположенных в основном в Сен-Дени (1260-70), хотя и сильно пострадавших во время Французской революции. Можно найти и более ранние прецеденты: усилия Людовика IX способствовали популяризации идеи династического мавзолея, и многие другие важные персоны последовали его примеру.

В Англии, как и во Франции, большая часть виртуозной резьбы была вложена в частные гробницы и памятники. Лучшим из сохранившихся готических мавзолеев является Вестминстерское аббатство, где памятники, вырезанные из различных материалов (в частности, пурбека, бронзы, алебастра и камня), дополнены полами и гробницами, выполненными итальянскими мозаичистами, нанятыми Генрихом III. Гробница Эдуарда II (ок. 1330-35 гг.) в Эксетерском соборе, примечательная своим сложным средневековым балдахином, является ещё одним прекрасным примером английской готики.

Примером немецкой высокой готики являются элегантные драпированные фигуры вокруг хора Кёльнского собора (освящён в 1322 году), а также впечатляющие фигуры на западном фасаде Страсбургского собора (вырезаны после 1277 года), на которые, по-видимому, оказал сильное влияние мастер Жозеф из Реймса. Как обычно, немецкая скульптура имеет тенденцию быть гораздо более выразительной, чем аналогичные французские работы.

В Италии наиболее важными скульпторами XIII века были Никола Пизано (1206-1278) и его сын Джованни Пизано (1250-1314). Оба работали в основном в Тоскане, и оба выполнили кафедры, которые считаются их основными завершёнными работами: Никола известен скульптурами в пизанском баптистерии (1259-60) и сиенском соборе (1265-68), а кафедра Джованни в Сан Андреа Пистойя (закончена в 1301 году), хотя технически менее изысканна, эмоционально гораздо более драматична.

В Милане святилище для тела святого Петра Мученика было вырезано Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290-1349) в стиле, заимствованном из мастерской Пизано. Среди более известных последователей Пизано – Арнольфо ди Камбио (1240-1300/10) и Тино ди Камаино, работавший при неаполитанском дворе (ок. 1323-37). Скульптура Арнольфо ди Камбио отличается массивностью и бесстрастностью. Он преуспел в создании формальных композиций, таких как погребальная капелла и гробница папы Бонифация VIII. Также он был первым архитектором Флорентийского собора (основан в 1296 году). Тино ди Камаино добился известности как скульптор гробниц, и самая большая коллекция его работ находится в Неаполе. Подробнее см: Флорентийский собор, Брунеллески и Ренессанс (1420-36).

Другим известным итальянским готическим скульптором был Андреа Пизано (1295-1348) (он же Андреа да Понтедера). Самые известные его скульптуры были выполнены во Флоренции, наиболее значительными из них были три бронзовые двери для баптистерия Флорентийского собора (завершены в 1336 году). На него оказала большое влияние скульптура Джованни Пизано, а также живопись проторенессансного художника Джотто, из-за чего Андреа делал свои фигуры довольно коренастыми и массивными.

Готическая живопись

Несмотря на создание романской живописи на стенах церквей и в евангельских рукописях, Европа всё ещё не была готова к живописи как основному виду общественного искусства. Гобелены всё ещё были популярны (и более тёплы) в качестве декоративного покрытия стен, в то время как большинство готических соборов, с их недостатком пространства стен, имели меньшую потребность в настенной живописи, чем романские церкви. Вместо этого для создания цветовых эффектов готические архитекторы полагались на витражи, которые теперь стали намного больше, чем в романский период.

В других жанрах живописи новый стиль оказал значительное влияние: так, алтарное искусство и иллюминированные рукописи были оживлены готической идиомой.

О других важных исторических стилистических направлениях, подобных готике, см. Художественные движения, периоды, школы (начиная примерно со 100 г. до н.э.).

Готическая живопись во Франции

Ранняя готическая живопись отошла от византийского искусства в сторону большего натурализма, приняв форму более мягкого, более реалистичного стиля, общие характеристики которого сохранились до середины 13 века. Во Франции этот стиль особенно заметен в серии великолепных Библий Морализи – библейских рукописей, содержащих отрывки из Библии в сопровождении моральных толкований и иллюстраций, расположенных наподобие витражей, выполненных для французского королевского двора в 1230-40 гг.

В Англии этот стиль прослеживается в многочисленных рукописях, например, в Эймсберийской Псалтыри (ок. 1240 г.; Колледж Всех Душ, Оксфорд). В Германии готические художники избегали этого изящного стиля, предпочитая витой, угловатый стиль, называемый Закенштиль. Например, в Соестском алтаре (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Берлин) драпировка изображена в резких угловатых формах и часто падает на острие, напоминающее сосульку. Готические иллюминированные рукописи также оказали влияние на развитие панельной живописи и фресок в Северной Европе.

Готическая книжная иллюстрация

Чтобы оценить готическую книжную иллюстрацию, необходимо изучить иллюминированные рукописи, которые лились из скрипториев различных монастырей с начала тринадцатого века: Часословы, требники, Апокалипсисы, Псалтыри и Библии. См., например, Бревиарий Бельвиля (1326) и Часы Жанны д’Эврё (1328) Жана Пюселя (1290-1334).

В этих шедеврах готический художник, уже не являясь простым участником архитектурного ансамбля, может дать волю своей фантазии и потакать всем своим прихотям. Фигуры иногда удлинены до грани карикатуры, подобно модным рисункам наших дней (см. вторую часть Арундельской псалтыри в Британском музее). Гротескные существа, а также юмористические или макабрические штрихи встречаются повсеместно. По мере развития типажа он становится все более беспокойным. Глазу не даётся ни минуты покоя. Замысловатые декоративные фоны, бордюры из листьев плюща, сделанные ещё более колючими, чем их задумала природа, позднее – пейзажные фоны (около середины XV века), с кучами искусных цветов на переднем плане, сцены из современной жизни, спорт и развлечения, пиры, путешествия, кулинария (такими миниатюрами переполнена Псалтырь Луттрелла 1340 года в Британском музее).

Можно подумать, что в XIV веке жизнь на северо-западе Европы была одной огромной путаницей восхитительных деталей, детской, наполненной живыми игрушками. См. также: История иллюминированных рукописей.

На живопись высокой готики большое влияние оказала современная скульптура. Впервые это стало ясно в Париже, где Людовик IX был одним из главных покровителей. В евангеларии (рукописи, содержащей четыре Евангелия) из дворцовой капеллы Сент-Шапель (1241-48) Людовика IX можно увидеть, как ранний готический стиль резко сменяется стилем драпировки, включающим крупные, угловатые складки мастера Жозефа (Bibliotheque Nationale). Одновременно росло внимание к деталям, почти как к самоцели. Так, например, лица, в частности, стали упражнениями в виртуозном чистописании.

Если некоторые фигуративные детали, такие как лица и руки, по-прежнему изображались в основном с помощью линии, то драпировки и другие формы, как правило, моделировались с помощью света и тени. Это «открытие света» началось примерно в 1270-80 годах, но особенно ассоциируется со знаменитым парижским иллюминатором, известным как мастер Оноре, который был активен примерно в 1288-1300 годах. Возможно также, что оно было стимулировано событиями в итальянской живописи.

Французский стиль быстро распространился в Англии. Хотя Генрих III не был книжным червём, ряд рукописей, созданных для его семьи, содержат иллюстрации в том же изящном и тонком стиле художников Людовика IX. Точно так же в Вестминстерском аббатстве сохранились некоторые масштабные картины, в частности, «Вестминстерский ретабло». Более поздние изменения в английской живописи, примером которых являются такие работы, как Псалтырь королевы Марии (ок. 1330 г., Британский музей), включали все более пышные украшения бордюров. См. также: Изготовление иллюминированных рукописей.

Подробнее о международных готических иллюминациях 14/15 века, см: Жан Пюсель (1290-1334), братья Лимбур (ум. в 1416: см. их Великолепный часослов герцога Беррийского) и Жан Фуке (1420-81: см. его экстраординарный Меленский диптих).

Итальянская готическая живопись

В XIII веке и Рим, и Тоскана имели процветающие живописные традиции, и оба находились под сильным влиянием средневекового искусства, созданного в Византийской империи. К сожалению, поскольку большая часть римских работ была впоследствии уничтожена, свидетельства того, что происходило в столице, приходится искать за пределами города – в частности, в Ассизи, где верхняя церковь Святого Франциска была украшена обученными в Риме фресковыми художниками между 1280 и 1300 годами, в частности Чимабуэ (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Как и в случае всего готического декоративного искусства, стилистические изменения в Италии происходили в направлении большего реализма. К концу XIII века итальянские художники начали использовать свет для моделирования фигур. Они также добились неожиданных успехов в манипулировании линейной перспективой, чтобы оптимизировать пространственный дизайн в своей живописи. Более того, лучшие художники развили способность создавать фигуры, которые, казалось, действительно общались друг с другом, жестами или выражением лица. Хорошим примером этого является работа мастера Исаака в верхней церкви в Ассизи.

В отличие от Северной Европы, в Италии сохранилась сильная традиция крупномасштабных фресок, обычно выполнявшихся в технике «фресковой живописи» – метода, при котором пигмент наносится на свежую известковую штукатурку и впитывается в неё. Темы фресковой живописи включали библейские или житийные повествования, а величайшим представителем готической живописи был художник Джотто ди Бондоне (1267-1337), классической работой которого были фрески капеллы Скровеньи в Падуе: например, знаменитые Предательство Христа (Поцелуй Иуды) (1305) и Оплакивание Христа (1305). Однако, несмотря на значительно возросший реализм работ Джотто, он не смог избежать влияния своих византийских предшественников, чьё влияние отчётливо прослеживается во всей композиции.

В Тоскане развитие готического стиля лучше всего иллюстрирует Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255-1319 гг.), самый известный художник сиенской школы проторенессансного искусства, создатель алтаря Маэста (1308-11), бывшего главным алтарём Сиенского собора, и Строгановской Мадонны (1300). Последняя была одной из великих готических панельных картин, выполненных с использованием темперы на дереве. Однако мастерство Дуччо в создании реалистичного пространства было гораздо слабее, чем у Джотто, и его работа не имеет такого же драматического воздействия.

Из последующих флорентийских и сиенских художников, Симоне Мартини (1285-1344), работавший при папском дворе в Авиньоне, вероятно, самый известный. Например, его Триптих Благовещения (1333) для Сиенского собора. Среди других важных художников были братья Пьетро и Амброджо Лоренцетти. См. работу последнего «Аллегория хорошего и плохого правления» (1338-9, Палаццо Пубблико, Сиена.

Примерно к 1350 году итальянские художники заняли уникальное положение в Европе. Их уникальная марка живописи предренессанса – с её достижениями в искусстве повествовательной композиции – отличала их от художников остальной Европы. Их усовершенствования в изображении реальности было нелегко игнорировать, и северные художники прилагали напряжённые усилия, чтобы адаптировать итальянский натурализм к северным целям. С появлением масляной краски фламандская и нидерландская школы вскоре догнали, а порой и превзошли своих южных коллег. Но это уже другая история.

Список готических художников

К ведущим представителям готического стиля искусства относятся:

Скульпторы
 – Николай Верденский (ок. 1181-1210)
 – Никола Пизано (1206-1278)
 – Иосиф Мастер из Реймса (ок. 1240-77) – Джованни Пизано (1250-1314)
 – Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290-1349)
 – Арнольфо ди Бальдуччо (ок. 1290-1349)
 – Арнольфо ди Камбио (1240-1300/10)
 – Андреа Пизано (1295-1348)
 – Тино ди Камаино (ок. 1323-37)
 – Филиппо Календарио (до 1315-1355)

Скульпторы поздней готики
 – Вейт Штосс (ок.1447-1533)
 – Адам Крафт (ок.1455-1509)
 – Тильман Рименшнайдер (ок.1460-1531)
 – Грегор Эрхарт (ок.1460-1540)

Художники
 – Мастер Оноре (ок.1288-1300 гг.)
 – Чимабуэ (Ченни ди Пеппи) (1240-1302)
 – Дуччо ди Буонинсегна (ок. 1255-1319 гг.)
 – Джотто ди Бондоне (1267-1337)
 – Симоне Мартини (1285-1344)
 – Пьетро Лоренцетти (ок. 1320-45)
 – Амброджо Лоренцетти (ок. 1319-48)