Рококо читать ~39 мин.

Расположенный во Франции и возникший как реакция на барочное величие королевского двора Людовика XIV в Версальском дворце, стиль рококо во французской живописи ассоциировался, в частности, с мадам Помпадур, любовницей нового короля Людовика XV, и парижскими домами французской аристократии. Это причудливый и искусно декоративный стиль искусства, название которого происходит от французского слова «rocaille», означающего «рокайль» – каменная кладка в форме морских раковин.

В мире рококо все виды искусства, включая живопись, архитектуру, скульптуру, дизайн интерьера, мебель, ткани, фарфор и другие «предметы искусства» подчинены идеалу элегантной красоты.

Искусство рококо является примером в работах знаменитых художников, таких как Жан-Антуан Ватто (1684-1721), особенно его «fete galante» – вечеринки ухаживания на открытом воздухе; Жан-Онор Фрагонар (1732-1806) с его картинами любви и соблазнения; Франсуа Буше (1703-1770) с его пышными картинами роскошного самообольщения; венецианец Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), известный своими фантастически декоративными фресками Вюрцбургской резиденции (1750-3); и скульптура Клода Мишеля Клодиона (1738-1814), скульптора Триумфальной арки в Париже, наиболее известного своими терракотовыми скульптурами нимф и сатиров. В Великобритании живопись рококо достигла своего зенита в женских портретах Томаса Гейнсборо (1727-1788). На смену рококо пришло неоклассическое искусство, которое стало фирменным визуальным стилем Наполеона во Франции и американской революции.

Истоки

Рококо – легкомысленное, своенравное дитя благородного, величественного барокко. Родитель родился в Италии, ребёнок – во Франции. Барокко (barocco, грубая жемчужина) возникло в начале XVII века и быстро распространилось по всей Европе. Сначала это был преимущественно скульптурный и архитектурный стиль, его величайшим выразителем и гением стал Джанлоренцо Бернини (1598-1680), который, как и Микеланджело до него, был в первую очередь скульптором, но, служа нескольким папам при перестройке Рима, обратился к живописи, театральным декорациям и архитектуре. Его «Экстаз Святой Терезы» и маленькая церковь Сан Андреа аль Квиринале в Риме демонстрируют тенденции, которые привели к стилю рококо: блестящее использование света и тени на дорогих и сложных материалах, таких как цветные мраморы и бронза.

Семнадцатый век был веком величия, сильных религиозных чувств, чётко и убедительно выраженных в ярких визуальных формах в картинах Караваджо и Кортоны, скульптурах Бернини и архитектуре Франческо Борромини (1599-1667). Его самые важные проявления были итальянскими, и это действительно была лебединая песня Италии как творческой державы, поскольку уже после смерти папы Урбана VIII, покровителя Бернини, засияла новая звезда – Франция, которой предстояло продолжить свой метеоритный взлёт на протяжении всего столетия и доминировать в модной и художественной Европе в следующем веке. См. также: Художники рококо.

Стиль рококо во Франции – характерные черты

В 1651 году молодой Людовик XIV достиг совершеннолетия, и к 1660-м годам любые разногласия во Франции были полностью подавлены, так что Людовик мог посвятить своё внимание строительству и украшению своего дворца в Версале. Здесь стиль итальянского барокко был принят и изменён всесильным художником, дизайнером и декоратором интерьеров Людовика, Шарлем Лебреном, чтобы прославить не святых католической церкви, а короля Франции: «Le Roi Soleil».

Абсолютное правление Людовика предполагало не только визуальное доказательство его верховенства, но и тщательно разработанный придворный этикет, такой же строгий и неестественный, как сады, разбитые Ле Нотром вокруг дворца. Эта крайняя формальность ощущалась в таких апартаментах, как знаменитый Зеркальный зал и разноцветная лестница послов, и именно на этом фоне зарождается рококо; Франция демонстрировала, что она уже является арбитром вкуса и жаждет новизны.

Французская архитектура рококо, дизайн и оформление интерьера

Рококо по праву ассоциируется с XVIII веком во Франции, но даже в последние годы предыдущего столетия появляются признаки нового стиля, как, например, в работе придворного архитектора Жюля-Ардуэна Мансара (1646-1708) в Трианоне в Версале и в Марли, другой королевской резиденции. В этих двух зданиях Мансар отказался от усыпляющего использования мрамора и бронзы, обратившись к деревянным панелям и более бледным цветам. Сам масштаб Трианона указывает на желание вырваться из грандиозного дворца, чувство, которое вызвало ряд очень значительных работ в 18 веке. (Отметим также влияние более ранней школы Фонтенбло (1530-1610) на развитие стиля рококо, в частности, её игривую лепнину и другие мотивы, напоминающие рококо).

Людовик XIV, по-видимому, всячески поощрял эту реакцию, о чем свидетельствует его знаменитое предписание Мансарту относительно оформления комнаты совсем юной герцогини де Бургонь в замке Менажери: “Вы должны распространить повсюду ощущение молодости”. Это было в 1699 году, и королю оставалось жить ещё шестнадцать лет, годы, которые должны были определить курс искусства и декора по крайней мере на следующее поколение, не только во Франции, но и за её пределами, на Сицилии и в Австрии.

Если рококо был в первую очередь французским творением, то многие факторы из дальнего зарубежья повлияли на этот стиль и способствовали его развитию, как, например, графические работы таких итальянских художников XVII века, как Стефано Делиа Белла, который долгое время провёл в Париже. В его работах тонкие, пернатые линии обрамляют формы, которые часто являются чисто декоративными по замыслу, как и большая часть искусства рококо.

Многие гравированные книги последних десятилетий семнадцатого века показывают стиль рококо в зачаточном состоянии. Тесная закрученная резьба, столь характерная для фламандского и немецкого ренессанса, и даже для школы Фонтенбло, была освобождена, что сделало её менее строгой и симметричной, и были введены фантастические элементы, неизвестные в оригиналах. Это видно во Франции в мебели Андре-Шарля Булле и в Венеции в мебели Андреа Брустолона, где изогнутые, сложные барочные формы начали модифицироваться примерно в начале века.

Одно из первых появлений нового стиля в очень важной обстановке – в спальне Людовика XIV в Версале. Она была переделана около 1701 года в основном в белых и золотых тонах, полностью полагаясь в своём эффекте на чёткие контрасты тонких скульптурных пилястр с богатыми участками позолоченной резьбы и, установленных над каминными трубами, больших зеркал с округлыми вершинами.

Большие площади венецианского зеркального стекла, конечно, были важными декоративными элементами уже при создании Галереи зеркал, а также Зеркальной комнаты в Большом Трианоне: их часто ошибочно отождествляют исключительно с появлением стиля рококо, в котором, действительно, они должны были сыграть важную роль. Однако дизайн спальни Людовика по-прежнему свидетельствует о сильном предпочтении классических ордеров, с декором пилястр в типично академической традиции XVII века.

Одна из проблем любого исследования декора рококо заключается в том, что мы не можем точно определить, сколько в нём от небольшой армии рисовальщиков, чьи ведущие фигуры, такие как Мансарт, оставались за кулисами, а сколько от самих великих архитекторов. Таким образом, если здание или интерьер выдаётся за работу Мансарта или де Котте, то новаторские детали в нём с тем же успехом могли быть созданы «призрачным» дизайнером с определённым чувством фантазии и оригинальностью, которые королевский архитектор выдавал за свои собственные.

Эти рисовальщики, по всей вероятности, были знакомы с книгами декоративных узоров – заимствованных из эпохи Возрождения – иллюстрирующих знаменитые гротески Рафаэля на вилле Мадама и в лоджии Ватикана. Гротески, происходящие от лепных рельефов и росписей в римских гробницах (или гротах, отсюда «гротеск»), играли важную роль во французском декоре уже в 1650-х годах и позже появились в некоторых собственных декорациях Лебрена, например, в Галерее Аполлона в Лувре. Они состояли из изогнутых форм растений и завитков, часто берущих начало в урне или горшке и закручивающихся вверх в регулярном узоре, населённом игривыми обезьянками, насекомыми и другими существами, которые привносят лёгкий асимметричный штрих. Лёгкость этого типа декора была учтена Пьером Лепотром, когда он оформлял королевские покои в Марли в 1699 году.

Интерьеры Лепотра в Марли, к сожалению, известны нам только по рисункам. На них видно, что он отказался от тяжёлых прямоугольных рам вокруг дверей и зеркал, заменив их миниатюрными изогнутыми украшениями, встроенными в углы лепнины, которые сами по себе были более тонкими и элегантными, чем когда-либо прежде. Вместо традиционного расписного и позолоченного потолка Лепотр просто выделил большое белое гипсовое пространство тонкой позолоченной розеткой по центру – этот приём должен был имитироваться как на потолках, так и на обшивке в течение всего периода рококо.

Стиль рококо получил наибольшее развитие в период регентства герцога д’Орлеана (1715-23), городской резиденцией которого был Королевский дворец. Здесь царила свобода, и был задан тон обществу рококо: общество требовало постоянной новизны, остроумия и элегантности – как раз качеств стиля рококо. Общество открыло свои двери для людей, которых Людовик XIV никогда бы не принял: новых богатых и все более значимых интеллектуалов. Во время Регентства большая часть аристократии, которая во время правления Людовика XIV была ограничена Версалем, вернулась в Париж и заказала новые городские дома, как, например, на Вандомской площади, где до сих пор чётко прослеживается переходный стиль.

Их интерьеры не требовали сложных потолочных росписей предыдущего века, и вместо них возникла новая школа художников, которые специализировались на мягко изогнутых trumeaux (над дверями) и небольших расписных панелях, которые составляют большую часть продукции (например) Франсуа Буше (1703-1770). Также с этого периода и до революции постоянно работали скупщики, которые выполняли часто детально проработанную резьбу на буазери, украшенных панелях-рамках.

Примерно в 1720 году переходный стиль начал уступать место чёткому стилю рококо. Термин «рококо», вероятно, происходит от французского «rocaille», которое первоначально относилось к типу скульптурного декора в садовом дизайне. Безусловно, ведущие дизайнеры стиля рококо, Жиль-Мари Оппенордт, Николя Пино и Жюст-Орель Мейссонье, были хорошо осведомлены о нём. Гротески XVII века превратились в арабески под руководством Клода Одрана, учителя Ватто, полные новой фантазии и изысканности.

Основные шаги вперёд были сделаны в отделке интерьеров и живописи, в то время как во внешнем облике мало что изменилось, за исключением того, что на смену тяжеловесности стиля Людовика XIV пришла лёгкая утончённость, и, вместо того чтобы полагаться на классические ордера, такие архитекторы, как Жан Куртонн и Жермен Боффран, создали здания, основной эффект которых заключался в тонкой обработке каменной кладки и умелом расположении изящной скульптуры на фоне сложного рустика. В Париже двумя лучшими примерами являются знаменитый отель де Матиньон 1722-23 годов и отель де Торси 1714 года.

В оформлении интерьеров в эпоху Регентства прослеживается неуклонный прогресс в сторону крайней изощрённости, что демонстрируют Дворец Рояль и Отель д’Асси, а кульминацией становятся такие триумфально изысканные комнаты, как Овальный салон парижского отеля де Субиз (1738-39 гг.) работы Боффрана, чьё влияние на немецкую архитектуру рококо было значительным.

Также прослеживается тенденция к замене огромных серий очень формальных апартаментов, которые предпочитали в период Людовика XIV, на более маленькие, более интимные комнаты, как, например, в Маленьких апартаментах в Версале, где форма более точно следует за функцией. К сожалению, они, как и многие другие величайшие помещения в стиле рококо, бесследно исчезли. Кроме Парижа, много прекрасной архитектуры и декора в стиле рококо было создано в Нанси, где жил свергнутый король Польши.

О других важных направлениях в искусстве и дизайне, схожих с рококо, см. Художественные направления и школы (начиная примерно со 100 г. до н.э.).

Французская живопись рококо

Парадоксально, но стиль рококо был провозглашён в живописи гораздо раньше, чем в других видах искусства, фламандским художником, Жаном-Антуаном Ватто (1684-1721). Он переехал в Париж около 1702 года и начал работать художником театральных сцен, а затем стал учиться у хранителя Люксембургского дворца Клода Одрана, художника, писавшего в декоративном стиле позднего барокко.

Именно серия картин Рубенса «Жизнь Марии Медичи» в Люксембургском дворце произвела на Ватто наибольшее впечатление и через него повлияла на ход развития французской живописи рококо. Он изучал их вместе с великими венецианскими художниками и, по словам Майкла Леви, хотя у него “не было публичной карьеры, не было больших заказов от церкви или короны; он редко выполнял масштабные картины: у него не было интереса к написанию исторических сюжетов”, он стал величайшим французским художником первой половины века.

Картины Ватто – см: Паломничество на Китеру (1717) Лувр, Париж; Шарлоттенбург, Берлин – с их сочетанием цвета Рубенса и его собственного тонкого эротизма, всегда были более чем немного меланхоличными. Лирическое качество его картин, с его намёком на утончённую аморальность, было именно тем, что искало французское общество в годы Регентства: Ватто не только удовлетворял вкус, но и создавал его. Подробнее о наготе в живописи рококо см: Женская нагота в истории искусства.

Два других крупных художника периода французского рококо, Франсуа Буше (1703-1770) (известный также как директор гобеленовой фабрики Гобеленов) и  Жан-Онор Фрагонар (1732-1806), оба они представляли совершенно иную разновидность стиля, чем Ватто, и часто считается, что они вульгаризировали то, что Ватто усовершенствовал. В то время как Ватто добивался всеохватывающей ауры аристократической отстранённости, Буше и Фрагонар производили более интимный и очевидный эффект.

Важно отметить, что карьера Буше началась как гравёра картин Ватто, и с тех пор его карьера стала традиционно успешной. Получив Римскую премию, он работал в Италии с 1727 по 1731 год. В 1734 году он стал академиком, и с помощью своего друга и любовницы Людовика XV, мадам де Помпадур, он стал самым востребованным художником во Франции по всем видам картин, но в особенности за его яркие мифологические картины на классические сюжеты. В них, часто выполненных в несколько неприкрыто эротическом ключе, Буше, как и Ватто, обнаружил сильный долг перед Рубенсом и венецианским искусством, особенно перед Паоло Веронезе, своим лучшим предшественником в живописи блестяще одетых и представленных мифологий. Буше стал директором Академии в 1765 году и в целом внёс очень важный вклад в движение рококо своими многочисленными картинами и проектами гобеленов и других украшений.

В нереальности большинства его поздних форм вспоминается чувство возмущения сэра Джошуа Рейнольдса, обнаружившего, что Буше оставил модели. По сравнению с нереальным миром Ватто, декорации Буше ещё менее реальны, а контраст с Томасом Гейнсборо, который создавал свои пейзажи из кусочков зеркала, веток и мха, ещё более экстремален. Миниатюрные деревья окружают деревенские здания, которые кажутся сделанными из сахарной глазури, а вода выглядит так, как будто она сделана из стекла. Здесь нет настоящего света и тени, возможно, для того, чтобы не слишком контрастировать с окружающим бледным и неглубоким декором рококо буазери, в который он был вписан.

В то время как существовал ряд великих индивидуальных художников, были также семьи живописцев, которые следовали почти неизменной стилистической традиции. К ним относятся Койпели, которые выполнили потолок капеллы в Версале, Ван Лоос и Де Тройс, все они писали неизменно забавные картины для высших классов и для растущих средних классов, которые впервые появляются в период рококо в качестве важных покровителей и в некоторой степени объясняют возросший спрос на портреты. Некоторые из самых восхитительных изображений изысканности общества можно найти в портретах Натье, Друэ, Рослина и, конечно же, самого Буше, чьё тонкое изображение мадам де Помпадур является одним из лучших портретов любой женщины того века. См. также портреты в стиле рококо Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842), придворного портретиста французской королевы Марии-Антуанетты.

Наряду с портретом возникло множество других специализированных направлений живописи, например, натюрморт, где первенствовали Жан Батист Удри (1686-1755) и Франсуа Депортес (1661-1743).

В этих «меньших» областях выдающимся является один человек: Жан Шарден (1699-1779). Его восхитительно простые и глубоко искренние жанровые сюжеты и натюрморты обладают качеством, которое на первый взгляд ближе по ощущениям к голландскому реализму – с добавлением французской точности и чувствительности – чем к преобладающему стилю рококо. Из крошечного изображения делфтской вазы с несколькими цветами или из простого двухфигурного этюда может родиться шедевр. Именно их деликатность и утончённость связывают их с рококо. Другим выдающимся жанровым художником рококо был «моралист» Жан-Батист Грёз (1725-1805).

Французская мебель и декоративное искусство рококо

Такая же деликатность характеризует французскую мебель и большую часть французского декоративного искусства этого периода. Примерно между 1715 и 1770 годами французские дизайнеры создали мебель, которая остаётся непревзойдённой по красоте линий и деталей, тонкости отделки и дороговизне искусно использованных материалов. Также в этот период появилось большинство типов мебели, с которыми мы знакомы сегодня: письменный стол (bureau plat), секретер (различных типов, в частности, с опускающимся фасадом и цилиндрический) и диван во многих обличиях (канапе, lits de repos).

Тяжёлые предметы позднего XVII века, инкрустированные латунью и черепаховой скорлупой в манере Булле, начиная с эпохи Регентства были заменены более мелкими и лёгкими предметами, что совпало с уменьшением размеров комнат и снижением формальности. Комод поднимался с пола на изящных изогнутых ножках, а фасады буфета покрывались изящным ормолу, который часто стекал по всему изделию и в котором можно найти много лучших украшений рококо.

В этом ремесле рококо великолепно использовались инкрустированные породы дерева всех видов, часто импортированные с Востока, что способствовало как высокой стоимости изделия, так и увлечению экзотикой, которое проникло во французское общество и привело к использованию (часто совершенно неуместному) таких терминов, как «a la polonaise», «a la grecque» и «a la chinoise». В мебели главным проявлением этого интереса к Востоку было использование импортного или имитирующего лака, причём многие хорошие образцы восточного лака сильно страдали в процессе препарирования и переделки.

Проявление роскоши в изделиях рококо, конечно, не ограничивалось мебелью, и суровый внешний вид многих ансамблей рококо сегодня вводит в заблуждение. Фривольность и отделка – оборки, ленты, сложные навесы на кроватях, дверях и окнах, фестоны из бахромы, резинок и безделушек – часто ассоциирующиеся только с викторианцами, добавляли атмосферу роскоши и комфорта, качество, мало известное во французских интерьерах XVII века.

Несмотря на чрезвычайную строгость системы гильдий, а возможно, даже благодаря ей, французская мебель достигла в XVIII веке такого совершенства, что к ней стремились во всей Европе. Правила гильдии поощряли специализацию и стимулировали сыновей мастеров продолжать ремесло своих отцов перспективой экономических преимуществ. Результатом стало исключительное профессиональное мастерство и возникновение настоящих династий столяров и краснодеревщиков, передававших секреты своего ремесла от отца к сыну.

Таким образом, менуазье занимался только созданием собственно формы мебели; эбенист создавал сложные слои инкрустации и поверхностного декора, а другой мастер отвечал за установку золочёной бронзы на подготовленную основу; ни одной гильдии не разрешалось вторгаться на территорию другой. Как и в других видах искусства, в каждой области возникали великие имена: Фолиот, Леларж, Сене, Крессент, и все больше немцев: Оэбен, Ризенер, Вайсвейлер. Они заняли влиятельные должности, и подписанная работа одного из этих мастеров была столь же востребована, как картина Буше или Фрагонара.

Рококо был стилем, в котором преобладало женское начало, что проявлялось в мебели в упругих и часто чувственных изгибах, хрупком внешнем виде и даже в терминологии: duchesse (герцогиня) и sultane (фаворитка). Цветы украшали большую часть настенных панелей и мебели того периода, а многие буазери рококо содержат сложные тромпы гирлянд и цветочных спреев, населённых крошечными птицами и животными, прямыми потомками гротеска.

Небольшие размеры большей части мебели, особенно предметов, предназначенных для письма, почти исключают её использование мужчиной, хотя, как ни парадоксально, одно из лучших творений этого периода, письменный стол самого Людовика XV, выполненный Эбеном и Ризенером между 1760 и 1769 годами, имеет большие размеры и удивительно мужественный вид.

Фарфор иногда включался в дизайн французской мебели, обычно в виде расписных дощечек или дисков в бронзовых рамах. Большая часть фарфора была изготовлена на фабрике в Севре. Людовик XV сам выделил средства на поддержку фарфорового предприятия в Венсенне, недалеко от Парижа, специально для имитации мейсенского фарфора, которое в 1756 году переехало в Севр. Хотя Венсен-Севр не был первым заводом по производству фарфора во Франции (Руан и Сен-Клу работали в последние годы XVII века), он, безусловно, был самым успешным в производстве твёрдого фарфора, а среди его дизайнеров были такие известные художники, как Буше.

О том, какое значение придавалось севрскому фарфору, свидетельствует количество отдельных изделий или сервизов, таких как сервиз, изготовленный для императрицы Марии Терезии в 1758 году и отправленный Людовиком XV в качестве дипломатического подарка. Среди других известных сервизов – сервизы для Екатерины Великой и мадам дю Барри. Цвета, доведённые до совершенства в Севре, не сильно отличаются от тех, что встречаются на картинах Буше – зеленовато-голубые и чудесный розовый, известный как роза Помпадур. Типы производимых предметов варьировались от настенных бра до чернильниц и ваз для попурри, некоторые из лучших образцов которых находятся в художественной коллекции Уоллеса в Лондоне.

Чтобы узнать больше о фарфоре рококо и скульптуре рококо, прочитайте о двух важных французских скульпторах Жане-Батисте Пигале (1714-1785) и Этьене Морисе Фальконе (1716-1791).

Стиль рококо во Франции представлял собой её величайший художественный вклад до возникновения импрессионизма в XIX веке и охватывал все виды искусства в такой степени, как нигде в Европе, кроме Германии. Удивительное качество французского рококо объясняется поддержанием высочайших стандартов на протяжении всего времени. Дополнительную привлекательность ему придаёт покровительство таких фигур, как мадам де Помпадур, с которой отождествляют этот стиль, и он стоял в конце долгой традиции лучших французских ремесел.

Стиль рококо в Италии – характерные черты

Большую часть истории рококо в Италии составляет история живописи в Венеции – особенно живописи великого гения Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770) – поскольку именно там находятся важные произведения стиля в его наиболее оригинальной форме. За исключением некоторых зданий Юварры и Бернардо Иттоне, итальянская архитектура первой половины века довольно прямолинейно переходит от стиля позднего барокко к раннему неоклассицизму, с небольшими признаками определённого стиля рококо.

Итальянская архитектура рококо, дизайн интерьера и декор

Архитектура и декоративное искусство На рубеже веков доминировали работы двух людей, Бернини и Борромини, но в особенности последнего. Однако вскоре ведущим архитектором в Риме стал Фердинандо Фуга (1699-1782), флорентиец, величайшими работами которого были Палаццо делия Консулта (1732-37) и фасад Санта Мария Маджоре (1741-43). В первом случае тонкий ритм создавался не массивными колоннами, а тонко соразмерными и слегка утопленными панелями.

На фоне этих панелей располагались высокодекоративные окна, а венчала все это большая центральная скульптура ангелов, поддерживающих картуш. Это гораздо более скульптурный эффект, чем любое французское здание той же даты, и он больше связан с немецким рококо. Тот же центральный акцент можно найти в фасаде Санта-Мария Маджоре, но там весь фасад задуман как открытая лоджия, разбавленная лишь лёгкой скульптурой. В других местах Рима другие архитектурные начинания приближались к духу рококо, как, например, в Испанской лестнице (1723-25 гг.) работы Франческо де Санктиса.

В то время как французские архитекторы, такие как Боффран, искали экономичные средства для выражения изысканности своих интерьеров в экстерьере, итальянские архитекторы всё ещё были в большей степени озабочены экстерьером как средством выражения непосредственного впечатления. Они часто посвящали этому свои силы в ущерб интерьерам и в результате добивались успеха только внутри зданий, где были задействованы огромные пространства, как в некоторых работах Филиппо Юварры (1678-1736).

Юварра родился в Мессине в семье серебряных дел мастера и обучался в Риме у Карло Фонтана, добившись первых успехов в качестве дизайнера сложных и декоративных сценических декораций, опыт, который впоследствии пригодился ему. После назначения первым архитектором короля при Савойском дворе в 1714 году он побывал в Португалии, Лондоне и, в 1719-20 годах, в Париже, где, вероятно, увидел французское рококо в его ранней стадии.

По возвращении он стал в Италии ближайшей параллелью французского архитектора-дизайнера, занимаясь не только архитектурой, но и интерьерами, мебелью и прикладным искусством. Его выдающимися достижениями являются охотничий домик, который он спроектировал в 1729-1733 годах для двора в замке Ступиниджи, церковь Кармине (1732-35) в Турине и святилище Суперга близ Турина (1717-31). Из них Ступиниджи – его самое захватывающее творение. Гигантские крылья излучаются от куполообразного центрального ядра, над которым возвышается бронзовый олень, белый внешний вид подготавливает к невероятной пространственной акробатике и цвету внутри центрального Большого зала, который близок многим архитектурным фантазиям и театральным рисункам Юварры.

Здесь широко используется иллюзионистская живопись, trompe l’oeil урны, заполняющие гигантские ниши, нарисованные над многочисленными дымоходами в зале, а плавно покачивающаяся галерея проходит вокруг стен и, кажется, пронзает большие опоры. Это театральный тур де форс. По сравнению с ним, Суперга и Кармине кажутся немного педантичными, но первый из них сенсационно расположен на вершине холма, доминируя над окрестностями своим элегантным портиком и высоким куполом с луковичными башнями.

Сравним с Юваррой был Бернардо Иттоне (1704-1770), который работал исключительно в Пьемонте, где он родился и куда вернулся после учёбы в Риме и редактирования «Architettura Civile» великого барочного архитектора Гуарини. Его самые значительные работы находятся в малоизвестных деревнях Пьемонта и объединяют пространственную сложность Гуарини с лёгкостью и бриолином Юварры. В этом ключе его шедеврами являются святилище в Валлинотто (1738-39) и церковь Санта-Кьяра в Бра 1742 года.

В то время как домашняя архитектура Виттоне является пешеходной, архитектура Юварры таковой не является, а его интерьеры в стиле рококо являются одними из лучших в Италии. В отличие от Франции, Италия не управлялась одним монархом, поэтому покровительство обычно ограничивалось определённым районом страны, как в случае с Юваррой.

Его покровителю, Витторио Амадео II Савойскому, повезло иметь такого способного придворного архитектора, и для него Юварра спроектировал фасад Палаццо Мадама в Турине (1718-21), а также некоторые из немногих интерьеров, которые по качеству приближаются к французским; такова Китайская комната Королевского дворца в Турине с её лаковыми и позолоченными буазери, возможно, под влиянием книги орнаментов Ж.А. Мейссонье, опубликованной в 1734 году. Сравнение интерьеров Юварры с другими итальянскими интерьерами показывает, что он один стоял на равных с другими европейскими дизайнерами.

Итальянская мебель и декоративное искусство

К сожалению, история итальянской мебели рококо не так проста, как французской. Стиль семнадцатого века накладывается на восемнадцатый, и предметы, которые якобы можно датировать до начала века, на самом деле часто оказываются гораздо более поздними. Большая часть мебели Юварры остаётся довольно тяжёлой, используя природные формы совсем не так, как французские дизайнеры, такие как Николя Пино или Мейссонье.

Великолепие, оставшееся от эпохи барокко, всё ещё было доминирующим настроением для всех крупных интерьерных проектов, и не было ощущения, как во Франции или даже Германии, малого масштаба. Поэтому создавались более сложные, но столь же внушительные предметы мебели и обстановки. В то время как французский вкус был направлен на постоянную новизну, итальянские интерьеры мало изменились после того, как первоначальный поворот к рококо был принят. Как и во Франции, и в большей степени в Англии, новые богатые или умеренно обеспеченные люди теперь старались идти в ногу с современными тенденциями.

Что удивляло большинство иностранных путешественников в Италии, так это пустота больших апартаментов, которые скрывались за фасадами большинства больших дворцов. Кроме нескольких великолепных апартаментов, которые можно было увидеть, во дворцах было много ничем не примечательных комнат, и их содержимое не могло сравниться с французской мебелью и шиком парижских стилей, которые итальянцы заменили безвкусной экстравагантностью. Картины Пьетро Лонги венецианских интерьеров вызывают в памяти скудно обставленные комнаты многих итальянских домов в стиле рококо.

Фигуры Андреа Брустолона и Антонио Коррадини доминировали в венецианском дизайне в начале века, их тяжёлые барочные формы продолжали создаваться последующими мастерами и после их смерти, почти до конца века. Тем не менее, венецианцы были единственными итальянцами, которые серьёзно восприняли стиль рококо и подражали французам, производя преувеличенные комоды bombe, часто стоящие на крошечных, хрупких ножках. В области итальянской мебели XVIII века известно не так много великих имён, и в основном вспоминаются отдельные значимые произведения, такие как расписной и позолоченный камин Г. М. Бонзаниго в Королевском дворце в Турине.

В Италии, даже больше, чем во Франции, возник явно ненасытный спрос на диковинные или необычные предметы, искусно расписанные в венецианском стиле деревенскими сценами или цветами, инкрустированные, но никогда не обладающие таким искусством, как французские эбенисты. Лакировка, обильная позолота, зеркала, расписное стекло и комбинации других материалов привели к обескураживающему и не всегда счастливому смешению стилей.

Выдающимся мастером инкрустации был Пьетро Пиффетти (1700-1777), который работал для Савойского дома в Турине, создавая очень индивидуальную мебель, сочетая инкрустацию из дерева и слоновой кости с такими изысками из металла, как маски на углах и крепления для ножек.

В Королевском дворце в Турине хранятся некоторые захватывающие дух предметы, буквально покрытые инкрустацией из слоновой кости и иногда кажущиеся поддерживаемыми исключительно случайно, настолько хрупкими были ножки под их сложными верхними частями. В Музее Чивико в Турине находится карточный стол работы Пиффетти, с клеймом и датой 1758 года, с совершенно убедительным тромпелем игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева.

В области мелкого искусства в Италии не было произведено ничего значительного по сравнению с другими странами Европы, и, конечно, ни одна керамическая фабрика не могла соперничать с севрской. Но две фабрики производили фарфор, большая часть которого, безусловно, очень красива – Виново в Пьемонте и Каподимонте под Неаполем. Фарфор Каподимонте отличается блеском красок, часто в неожиданных сочетаниях, как, например, в знаменитой фарфоровой комнате из дворца в Портичи (1754-59 гг.).

Итальянская живопись рококо

Рококо возникло в Италии несколько позже, чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более лёгком стиле живописи позднего барокко, представленном в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747).

Затем, в течение 25 лет, Венеция создала Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), его сына, Джандоменико (1727-1804), Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-1785), Франческо Гварди (1712-1793), Джованни Баттиста Пиранези (1720-1778) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720-1780). Все они, за исключением двух последних, провели свою трудовую жизнь в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 году.

Лонги и в меньшей степени молодой Тьеполо изображали повседневную жизнь Венеции, первый – на небольших полотнах, второй – в рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто писали открытые сцены на каналах и пьяцца. Пиранези, хотя и родился в Венеции, приехал в Рим в 1738 году. Не известно ни одной его картины, и его слава полностью основывается на его гравюрах с изображением архитектуры и руин.

Старший Тьеполо наиболее известен своей необыкновенной фресковой росписью парадной столовой (Kaiseraal) и потолка Большой лестницы (Trepenhaus) в вюрцбургской резиденции князя-епископа Карла Филиппа фон Грейффенклау, которая, несомненно, является самым большим и образным шедевром в его карьере. Центральным элементом стала величественная фреска «Аполлон, приводящий невесту» (1750-1) в центре Трепенхауса, работа, которая подводит величественный итог итальянской традиции фресковой живописи, начатой Джотто (1270-1337) четырьмя сотнями лет ранее.

Тьеполо

В старшем Тьеполо, и только в нём одном, можно говорить о чистом стиле рококо, во многом родственном позднему барокко, но создающем совершенно новый тип визуального опыта. Неудивительно, что в его работах присутствуют многие из величайших венецианских качеств прошлого: цвет и оригинальное воображение Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, а также его любовь к пышной классической архитектуре как фону для богатых сцен истории и мифологии.

Искусственность атмосферы в его ранних фресках сразу связывает Тьеполо с основным направлением искусства рококо, но в то время, когда он не мог много знать о современной французской живописи. С тех пор его карьера развивалась с метеорическим успехом вплоть до его затмения в Мадриде в конце жизни от рук неоклассицистов под руководством Менгса (1728-1779).

Самый большой заказ он получил в 1750 году, когда отправился в Вюрцбург, чтобы написать фрески для только что построенного дворца, и оставался там до 1753 года, украшая лестницу (самая большая настенная роспись в мире), Кайзерсааль и капеллу. Незадолго до отъезда в Вюрцбург Тьеполо украсил палаццо Лабиа в Венеции историей Антония и Клеопатры, одним из своих самых выразительных воссозданий классической истории.

Сравнение стиля Тьеполо со стилем его точного современника, Буше, показывает иной и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его леденяще элегантные, но всё ещё сладострастные обнажённые натуры и его тонкое сопоставление типов, как, например, на лестнице в Вюрцбурге, где «континенты» блестяще контрастируют друг с другом, более оригинальны и сложны, чем у Буше. Не случайно Буше восхищался Тьеполо больше всех остальных; «гораздо больше, чем Ватто, его искусство – это искусство театра, со сценой, которая намеренно возвышается над нами, и актёрами, которые держатся на расстоянии», – говорит Майкл Леви. Его искусство – последнее, которое действительно представляет аристократические идеалы, вскоре заменённые республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе-государстве, как Венеция в восемнадцатом веке

Видовые художники

В то время как Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, существовали vedutisti, или видовые художники, такие как Каналетто (1697-1768), чья великая слава привела его в Англию между 1746 и 1756 годами, и его племянник Бернардо Беллотто (1720-1780).

Картины Франческо Гварди (1712-1793) являются триумфом атмосферного исследования и понимания необычных эффектов венецианского света на воде и архитектуре. Используя минимальную палитру, сведённую в некоторых случаях почти полностью к простым зелёным и серым цветам, Гварди создаёт пейзажи и виды каналов почти так же, как Тьеполо исполняет фигуры, и с помощью волшебных цветовых точек изображает людей, спешащих или занятых разговором на площади Сан-Марко или любой из многочисленных площадей Венеции, которые он так явно любил.

Пьетро Лонги (1702-1785), напротив, специализировался на несколько аляповатых изображениях современной жизни; в их аляповатости, однако, кроется их большое очарование, а также в часто восхитительно неожиданном выборе темы, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский посланник» (Ка’ Реццонико, Венеция).

Но Италия никогда не была так счастлива со стилем рококо, как с предшествующим стилем барокко или неоклассицизмом, оба из которых были более тяжёлыми и способными выразить grandezza, столь любимую итальянским постренессансным искусством. Однако у Тьеполо это проявляется в изменённой форме, и именно его имя остаётся выдающимся.

Стиль рококо в Англии – характерные черты

Из всех европейских стран, которые приняли стиль барокко или внесли в него свой вклад, Англия была той, которая уделяла меньше всего внимания рококо.

Английская архитектура рококо, дизайн и оформление интерьеров

По крайней мере, в архитектуре Англия перешла непосредственно от барочного стиля Рена и Ванбруга к палладианству, переход настолько быстрый, что не допускал никакого промежуточного развития. В таких зданиях, как Strawberry Hill Уолпола, Твикенхем, построенный в 1748 году, и Arbury, Уорикшир, того же времени, и других готических зданиях, возведённых в эпоху архитектуры конца восемнадцатого века, именно настроение помещает эти произведения в категорию рококо, а не какие-либо отношения с рокайлем.

На самом деле английский готический стиль делится на две отдельные категории – «ассоциативный» и «рококо», последний представляет собой легкомысленную форму декора, слабо основанную на средневековых прецедентах, но достаточно фривольную, чтобы стать почти аналогом континентального рококо в его чувстве заброшенности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, разработал свой собственный словарь готического декора, который распространился по Англии так же быстро и эффективно, как арабески континентального рококо. Но, кроме этого, рокайль в Англии коснулся лишь нескольких интерьеров, некоторой высококачественной мебели, некоторых картин и фарфора, в частности, изделий Челси и Боу.

Самым ранним примером рокайля в Англии был заказ, данный герцогом Кингстонским великому французскому дизайнеру Мейссонье в 1735 году на набор столовой мебели из серебра. Но это был довольно редкий случай, и дизайн рококо обычно ограничивался гравированным декором на формах собре, почти полностью не затронутых стилем.

Новые тенденции распространялись в основном благодаря книгам с образцами, таким как «The Gentleman’s or Builder’s Companion» Матиаса Лока или Джонса 1739 года, в которых детали рококо или квази-рококо были доступны каждому мастеру, который мог себе это позволить. Тот факт, что это были только детали, оторванные от окружающей обстановки, объясняет зачастую аляповатое качество большей части английской мебели в стиле рококо, поскольку нельзя было ожидать, что мастер сможет оценить органическую природу стиля по одним лишь фрагментам.

Как и в Италии и Франции, вкус мецената XVIII века часто распространялся на Восток в той или иной форме. Это объясняет несколько примечательных комнат в стиле рококо в Англии, таких как спальня в Ностелл Приори, Йоркшир, 1745 года, или, что наиболее важно. Клейдон Хаус в Бакингемшире (ок. 1768 г.), где ряд комнат был оформлен неким Лайтфутом, о котором мало что известно. В этих комнатах, однако, стиль ни в коем случае не является таким чистым, как континентальное рококо.

Декоративное искусство рококо появляется в интерьерах других английских городских и загородных домов и иногда отличается высочайшим качеством – в частности, в зале в Рэгли, в соседнем Хэгли и в закрученной штукатурке братьев Франчини, которые выполнили много лепнины в Ирландии и особенно прославились своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от совершенных, всеобъемлющих схем континента.

Английская мебель и декоративное искусство

В отличие от французских, английские краснодеревщики обычно не подписывали свои изделия, и поэтому сравнительно мало известно о таких людях, как Джон Линнелл, Джон Кобб, Бенджамин Гудисон и Уильям Вайл, которые, по-видимому, много работали по новой моде. Однако имя Чиппендейла является выдающимся не только из-за качества его работ, но и благодаря его публикации «The Gentleman and Cabinet-maker’s Director» (1754).

В его проектах зеркал и каминов, часто с привкусом шинуазри, можно увидеть экзотические примеры стиля рококо, столь же тщательные, как французский буазери, но предназначенные для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть целой декоративной схемы. Подобным образом, сложная и фантастическая резьба в зале в Клейдоне изолирована в классической обстановке.

Английская живопись

В живописи два английских художника сделали определённые уступки рококо – Уильям Хогарт (1697-1764) и  Томас Гейнсборо (1727-1788). Хогарт резко выступил против исторической живописи в стиле барокко, к которой так стремились «любители», и ввёл в свои работы так называемую «линию красоты», которую он объяснил в своём «Анализе красоты» (1753) и которая представляла собой змеевидную линию, скорее похожую на вытянутую букву «S». Это, конечно, была форма многих украшений рококо.

Гейнсборо, с другой стороны, начал свою жизнь как художник небольших, ходульных портретов, а затем, после переезда в модный Бат, выработал более сложный стиль. Он написал несколько портретов в стиле рококо, удивительно близком к Буше, их плавающие кисти и перьевые пейзажи, яркие розовые и серебристо-серые тона были более рококо, чем в любой современной английской живописи. См. также портретист общества Регентства Томас Лоуренс.

Неоклассицизм охватил Англию после возвращения Роберта Адама в страну в 1758 году, но даже его целомудренный и эпический стиль повторяет изысканное, тщательное качество большинства французских декораций рококо, а его «Готика» – это такое же рококо, как и любая другая декорация того периода в Англии. Швейцарская портретистка и историческая художница, Анжелика Кауффман (1741-1807), которой восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за её портреты, работала с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшений.

Стиль рококо в Германии – характерные черты

В отличие от превосходной сдержанности лучшего французского рококо, Германия предлагает захватывающий дух диапазон некоторых из самых возмутительных и великолепных архитектурных и интерьерных украшений рококо в истории европейского искусства.

Немецкая архитектура, дизайн и оформление интерьеров в стиле рококо

Этот высокий стандарт совершенства распространился с архитектуры на прикладное искусство – мебель, предметы обстановки и фарфор, хотя они редко превосходили французские. Ни Франция, ни Италия, ни Англия XVIII века не могут соперничать с такими архитектурными шедеврами, как Мельк или Дрезденский Цвингер, а по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает другие страны. Возможно, это объясняется тем, что то, что мы сейчас называем Германией, в XVIII веке было разделено на несколько различных княжеств, королевств и епископств, поэтому определённое соперничество должно было определять создание зданий большого значения – в отличие от Франции или Англии, где действительно важные заказы неизменно доставались небольшому числу покровителей.

Немецкое рококо, как видно, берет своё начало в римских церквях эпохи барокко, таких как Сант Андреа аль Квиринале Бернини, где сочетаются цвет, свет и сложная скульптура. Впервые в Германии это проявилось в церкви аббатства Вельтенбург, построенной после 1714 года, с её овальным куполом, срезанным изнутри, чтобы открыть фресковое видение небес над головой.

Цвет был главной тетивой немецкого рококо – розовый, сиреневый, лимонный, голубой – все они сочетались или использовались по отдельности для достижения потрясающего эффекта, как в Амалиенбурге, недалеко от Мюнхена. Более тяжёлые, изогнутые формы барокко превращаются в немецком рококо в более стаккатные ритмы, и можно обнаружить влияние крупного барочного памятника, такого как балдаккино Бернини в соборе Святого Петра, преобразованного Бальтасаром Нойманом (1687-1753) (1687-1753) в конфекцию порядка главного алтаря в Верзехенхайлиген, возможно, самой сложной и удовлетворительной из немецких церквей.

В то время как формы помещений во Франции в XVIII веке практически не менялись, а план церковных зданий почти не менялся, немецкие архитекторы рококо исследовали все возможности. Стены не только качаются, несмотря на свои огромные масштабы, но целые секции кажутся вырезанными, в результате чего огромные потолки с фресками, которые полностью доминируют в большинстве этих церквей, кажутся парящими над молящимися.

Одной из наиболее интересных особенностей немецкой архитектуры рококо является драматическое расположение некоторых из наиболее важных образцов, таких как аббатство Мельк Прандтауэра, начатое в 1702 году. Две большие башни, намеренно расположенные на видном месте высоко над Дунаем, доминируют над внутренним двором, открытым для внешнего мира большой аркой палладианского типа. Такое чувство драматизма и полного вовлечения верующих как снаружи, так и изнутри, также присутствует в Эттале, но в обратном смысле, когда монастырь доминирует над окружающими горами.

Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно, самые изысканные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где Франсуа Кювиллис (1695-1768), будучи придворным карлистом и архитектором, участвовал в строительстве многих зданий, возможно, самым прекрасным из них является Амалиенбург.

Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь жены курфюрста, обладает, по словам Хью Хонора, «лёгкой элегантностью и нежностью». Его плавно покачивающийся фасад, неглубокий рустик и необычные фронтоны предвещают одну из самых красивых комнат в Европе – знаменитый Зеркальный зал с его серебряными рокайлями на пудрово-голубом фоне и сверкающим стеклом. На противоположном конце шкалы – мюнхенский Резиденц-театр Кювиллиса (1751-53 гг.), в котором богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты обрамляют весь зрительный зал, ярко контрастируя с красным дамастом и бархатом стен и сидений.

В Потсдаме и Дрездене никогда не создавался стиль рококо, столь же изысканный, как в Мюнхене, но такие здания, как Цвингер (1709-19) работы Поппельмана в Дрездене, поражают своими масштабами и обилием декоративных деталей. Влияние этого типа архитектуры ощущается и в маленьком дворце Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), который был построен для Фридриха Великого.

По масштабу, пышности и непреодолимому величию деталей рококо Германии занимает первое место в Европе.

Подробнее об интерьерах рококо в России см. работы Бартоломео Растрелли (1700-1771).

Более поздние разновидности рококо

Стиль рококо так и не угас в провинциальной Франции. С приходом историзма в 1820-х годах многие мастера сравнительно легко стали создавать целые интерьеры и здания в стиле «второго рококо», который так любили Луи Филипп и его королева, и примеры которого можно найти по всему Парижу.

Возрождение архитектуры и дизайна в стиле рококо пришло в Англию уже в 1828 году с палатой Ватерлоо в Эпсли Хаус, интерьерами Ланкастер Хаус и салоном Елизаветы в замке Бельвуар. Естественно, он пришёлся по душе богачам того времени, и Ротшильды оформили в этом стиле несколько домов, а в 1880-х годах в поместье Уоддесдон даже были созданы интерьеры XVIII века.

Королевское одобрение стилю дал Людвиг Баварский в своих дворцах Линдерхоф и Херренкимзее того же периода. Этот стиль стал общепринятым в оформлении многих новых отелей конца девятнадцатого и начала двадцатого веков, а «Le gout Ritz» стал синонимом роскоши и элегантности.

Краткое введение в архитектурные аспекты этого художественного стиля см: Архитектура рококо.

ЦВЕТА ДЛЯ ЖИВОПИСИ
Подробнее о цветных пигментах, используемых художниками в стиле рококо, см.: Цветовая палитра восемнадцатого века.

ДВИЖЕНИЯ, СТИЛИ, ШКОЛЫ
Информацию об основных направлениях в живописи и скульптуре см.: История искусства.

САМЫЕ ВЕЛИКИЕ ИСКУССТВАВ МИРЕ
Список лучших масляных и акварельных красок можно найти в разделе Величайшие картины всех времён. Список лучших скульптурных работ можно найти на странице Величайшие скульптуры всех времён.

ВЕЛИКИЕ ЕВРОПЕЙСКИЕ ХУДОЖНИКИ
Биографии и картины величайших художников Европы с эпохи Возрождения до 1800 года см.: Старые мастера.

ТОП-ХУДОЖНИКИ МИРА
Самые красивые картины от Лучших художников в стиле пейзажа. Лучшие натюрморты см.: Лучшие художники натюрмортов. Лучшие портреты см.: Лучшие портретисты. Чтобы узнать о лучших исторических картинах, см.: Лучшие исторические художники.

ЭСТЕТИКА
Обсуждение красоты в изобразительном искусстве здесь: Определение и значение искусства.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
Подробности в Хронологии истории искусства.