Романтизм читать ~15 мин.

Несмотря на ранние работы таких предшественников романтизма, как Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541-1614), Адам Эльсхаймер (1578-1610) и Клод Лоррен (1604-1682), это направление в искусстве набрало силу лишь в конце XVIII века. Этому способствовал героический пафос неоклассицизма, занявший к тому времени центральное место в живописи. Этот героический элемент в сочетании с революционным идеализмом породил эмоциональный стиль романтизма, возникший после Французской революции как реакция на сдержанное академическое искусство официальных художественных кругов.

Ключевые идеи романтизма включали в себя возвращение к природе (что проявилось, например, в акценте на спонтанной пленэрной живописи), веру в добрую природу человека, стремление к справедливости для всех и главенство чувств и эмоций над разумом и интеллектом. Художники и скульпторы-романтики стремились выразить свой личный эмоциональный отклик на жизнь, в противоположность сдержанности и универсальным ценностям, которые провозглашало неоклассическое искусство. Архитекторы XIX века также стремились передать дух романтизма в своих проектах: см., например, викторианскую архитектуру (1840-1900).

Среди величайших художников-романтиков были Генрих Фюзели (1741-1825), Франсиско Гойя (1746-1828), Каспар Давид Фридрих (1774-1840), Дж. М. У. Тёрнер (1775-1851), Джон Констебл (1776-1837), Теодор Жерико (1791-1824) и Эжен Делакруа (1798-1863). Романтизм не вытеснил неоклассический стиль, а скорее служил противовесом его строгости и жёсткости. Хотя пик романтизма пришёлся на период до 1830 года, его влияние ощущалось ещё долгое время. Чтобы проследить роль романтической живописи в эволюции искусства XIX века, см. статью: От реализма к импрессионизму (1830-1900).

Истоки

После Французской революции 1789 года за жизнь одного поколения произошли колоссальные социальные изменения. Европу сотрясали политические кризисы, революции и войны. Когда лидеры стран собрались на Венском конгрессе (1815), чтобы переустроить Европу после наполеоновских войн, стало ясно, что надежды народов на «свободу, равенство и братство» не оправдались. Однако за эти бурные 25 лет в сознании людей укоренились новые идеи и взгляды.

Уважение к личности, которое было ключевым элементом неоклассической живописи, породило новое, но родственное ему явление — культ эмоциональной интуиции. Таким образом, на смену холодному и рациональному неоклассицизму пришли эмоции и индивидуальное воображение. Вместо того чтобы восхвалять стоицизм и интеллектуальную дисциплину (неоклассицизм), художники теперь начали превозносить интуицию и чувственное восприятие человека (романтизм). В результате в начале XIX века возникло множество стилей, окрашенных национальными особенностями, которые объединяют под общим названием «романтизм».

Движение зародилось в Германии, где его главной движущей силой стали «мировая скорбь» (Weltschmerz), чувство изоляции и тоска по природе. Позже романтические тенденции проявились также в английской и французской живописи.

О других важных исторических стилистических направлениях, подобных романтизму, см. Художественные движения и школы (начиная примерно со 100 г. до н.э.).

Немецкий романтизм (1800-1850)

В Германии молодое поколение художников отреагировало на перемены эпохи уходом в себя: они погрузились в мир эмоций, вдохновлённый сентиментальной тоской по прошлому, например, по Средневековью, которое теперь идеализировалось как время, когда люди жили в гармонии с собой и миром. В этом контексте картина «Готический собор у воды» Карла Фридриха Шинкеля была так же важна, как и работы «назарейцев» — Фридриха Овербека, Юлиуса Шнорра фон Карольсфельда и Франца Пфорра, которые брали за образец живописные традиции итальянского Раннего Возрождения и немецкого искусства эпохи Альбрехта Дюрера.

В своём обращении к прошлому художники-романтики были близки неоклассицистам, однако их историзм был направлен против рационалистических установок неоклассицизма. Проще говоря, неоклассики обращались к прошлому, чтобы воспеть рационально мыслящую личность, в то время как романтики искали в истории оправдание своим иррациональным эмоциональным порывам.

Романтическое движение провозгласило «творческую интуицию и воображение» основой всего искусства. Таким образом, произведение искусства стало выражением «внутреннего голоса», как говорил ведущий художник-романтик Каспар Давид Фридрих (1774-1840). Однако эта новая субъективность не означала пренебрежения к изучению природы или живописному мастерству. Напротив, художники-романтики сохранили академические традиции, и их техническое мастерство до сих пор считается одной из вершин западного искусства.

Предпочтительным жанром среди романтиков была пейзажная живопись. Природа рассматривалась как зеркало души, а в политически раздробленной Германии она также стала символом свободы и безграничности. Поэтому в иконографии романтического искусства часто встречаются одинокие фигуры, с тоской вглядывающиеся вдаль, а также мотивы vanitas, такие как мёртвые деревья и заросшие руины, символизирующие быстротечность жизни. Подобные мотивы живописи vanitas ранее встречались в искусстве барокко: действительно, живописную трактовку света с её резкими светотеневыми контрастами романтики заимствовали непосредственно у мастеров барокко. В романтизме художник смотрит на объективный мир субъективным взглядом и показывает нам картину, пропущенную через фильтр его чувств.

К тому времени, когда Карлсбадские указы (1819) положили начало эпохе Реставрации в Европе и начались гонения на демагогов, интерес к немецкому романтизму уже угас, а бунтарский дух сменился покорностью и разочарованием. Освободительные идеи немецкого романтизма были отброшены в пользу консервативных ценностей Реставрации.

В условиях такого политического консерватизма художник-гражданин удалился в свою частную идиллию, положив начало периоду бидермейера (1815-1848) — позднего романтизма, примером которого служат работы Морица фон Швинда (1804-1871), Адриана Людвига Рихтера (1803-1884) и Карла Шпицвега (1805-1885). Шпицвег был, пожалуй, самым ярким представителем стиля бидермейер: его излюбленными темами были повествовательные, анекдотические семейные сцены, хотя его жизнерадостные и мирные картины имеют более глубокий смысл. За невинной привлекательностью скрывается сатира на мещанство и материализм немецкой буржуазии. См. также: Немецкое искусство XIX века.

Испанский романтизм (1810-1830)

Франсиско де Гойя (1746-1828) был бесспорным лидером романтического движения в Испании. В его творчестве ярко проявилась склонность к иррациональному, фантастическому и пугающему. К 1789 году он прочно утвердился в качестве официального художника испанского королевского двора. К сожалению, около 1793 года он перенёс тяжёлую болезнь, в результате которой оглох и стал более замкнутым. Во время своего выздоровления (1793-1794) он создал серию из 14 небольших картин на жести, известных как «Фантазии и изобретения», которые ознаменовали собой полный поворот в его стиле, изображая драматический мир фантазий и кошмаров. В 1799 году он опубликовал серию из 80 офортов под названием Los Caprichos, в которых в сатирической манере, напоминающей работы Уильяма Хогарта, высмеивал человеческие пороки. В 1812-15 годах, после Наполеоновской войны, он завершил серию акватинт «Бедствия войны», изображающих сцены с поля боя в тревожной и мрачной манере.

Эти гравюры оставались неопубликованными до 1863 года. В 1814 году, в память о восстании испанцев против французских войск на мадридской площади Пуэрта-дель-Соль и последующем расстреле безоружных горожан, Гойя создал один из своих величайших шедевров — «Третье мая 1808 года» (1814, Прадо, Мадрид). Ещё один шедевр — «Колосс» (1808-12, Прадо, Мадрид). После 1815 года Гойя становится всё более замкнутым. Его серия из 14 работ, известная как «Чёрные картины» (1820-23), включая «Сатурн, пожирающий своего сына» (1821, Прадо, Мадрид), даёт необычайное представление о мире его личных фантазий и воображения.

Французский романтизм (1815-1850)

Во Франции, как и во всей Европе, Наполеоновские войны закончились изгнанием Наполеона и волной реакционной политики Реставрации. Франция вновь стала монархией. В изобразительном искусстве это привело к мощному подъёму романтизма, который до этого сдерживался господством неоклассицистов, таких как придворный художник Жак Луи Давид (1748-1825) и другие влиятельные члены Французской академии. Французские художники-романтики были шире в своих взглядах, чем их немецкие коллеги: они не ограничивались пейзажем и редкой жанровой живописью, но также исследовали портрет и историческую живопись.

Другим направлением романтизма XIX века, которое активно развивали французские художники, была ориенталистская живопись — как правило, жанровые сцены из жизни Северной Африки. Среди лучших её представителей были академист Жан-Леон Жером (1824-1904), а также более смелый в своих поисках Эжен Делакруа.

Первым крупным художником-романтиком во Франции был лучший ученик Жака-Луи Давида — Антуан-Жан Гро (1771-1835). Летописец наполеоновских кампаний и искусный портретист, Гро придерживался академического стиля, но в то же время оказал значительное влияние на Жерико и Делакруа.

Теодор Жерико (1791-1824) был важным пионером романтического движения во Франции. Его шедевр «Плот ‘Медузы’» (1819, Лувр) произвёл скандал на Парижском салоне 1820 года. Ни один художник до него не изображал ужас так реалистично. Воздействие картины усиливалось тем, что она была основана на реальной катастрофе. Мощная композиция Жерико решительно порывала с расчётливой, интеллектуализированной живописью академического неоклассицизма.

Объёмность фигур в сочетании с продуманной композицией, где сам плот подчёркивает отчаяние и безнадёжность потерпевших. Это символическое изображение кораблекрушения (в том числе и общественных надежд) придаёт картине тот же драматизм, который отличал работы старых мастеров эпохи барокко, таких как Рубенс и Веласкес. Жерико применил романтический подход и в знаменитой серии портретов пациентов психиатрической лечебницы.

Эжен Делакруа (1798-1863), ставший лидером французского романтизма после ранней смерти Жерико, писал картины, яркие цвета и экспрессивная манера письма которых были призваны пробуждать эмоции и волновать душу. Тем самым он сознательно возобновил многовековой спор о главенстве рисунка и цвета. Тому, что он считал академической сухостью неоклассицизма, ярким представителем которого был Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867), Делакруа противопоставил динамизм и колористические решения в духе Тициана и Рубенса. Его шедевром в романтическом стиле является «Свобода, ведущая народ» (1830, Лувр), написанная по случаю Июльской революции 1830 года.

Делакруа также был страстным исследователем цвета в живописи, в частности взаимодействия цвета и света. Он обнаружил, что “плоть обретает свой истинный цвет только на открытом воздухе, и особенно на солнце. Если человек держит голову у окна, он совсем другой, чем в комнате; в этом кроется глупость студийных этюдов, которые стремятся воспроизвести неправильный цвет”.

Одним из важных результатов его колористических поисков стало открытие, что цвета можно оптически усилить, располагая рядом их дополняющие пары, — факт, который с большим интересом восприняли импрессионисты. Сам Делакруа находился под сильным влиянием Джона Констебла, великого английского пейзажиста, который также оказал огромное влияние на художников «барбизонской школы», посвятивших себя в 1830-х годах живописи на пленэре в лесу Фонтенбло.

Среди других французских художников, работавших в традициях романтизма, были Пьер-Поль Прюдон (1758-1823), Анн-Луи Жироде-Триозон (1767-1824), Франсуа Жерар (1770-1837), Жорж Мишель (1763-1843), Антуан-Жан Гро (1771-1835) и Жан-Батист-Камиль Коро (1796-1875). Особняком стоит творчество исторического живописца Поля Делароша (1797-1856), который специализировался на мелодраматических исторических сценах, часто с участием английских монархов, таких как «Казнь леди Джейн Грей» (1833, Национальная галерея, Лондон). При жизни он пользовался огромной популярностью и сколотил состояние на продаже гравюр со своих картин.

В Америке романтическую традицию исторической живописи Делакруа продолжил американский художник немецкого происхождения Эмануэль Готлиб Лойце (1816-1868), чьим шедевром является «Вашингтон, пересекающий Делавэр» (1851, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

Романтизм в Англии (ок. 1820-1850)

Джон Констебл (1776-1837) принадлежал к английской традиции романтизма, которая отвергала идеализированные композиции в духе Каспара Давида Фридриха в пользу натурализма, свойственного голландскому барокко XVII века, а также Клоду Лоррену (1604-1682). Эта традиция стремилась найти баланс между глубокой чувствительностью к природе и достижениями в области живописной техники и рисунка. Примером последних стали систематические этюды неба и облаков в 1820-х годах, которые характеризуют творчество Констебла. Точное наблюдение за природой позволило ему отойти от главенства линии и строить свои работы из свободных цветовых пятен.

Это раскрепощение цвета особенно характерно для живописи Уильяма Тёрнера (1775-1851). Для Тёрнера, возможно, величайшего из всех английских художников-романтиков, наблюдение за природой — лишь один из элементов для реализации его живописных амбиций. Настроение его картин создаётся не столько тем, что он пишет, сколько тем, как он это делает, особенно его работой с цветом и кистью. Многие его полотна написаны быстрыми, энергичными мазками. Густые, пастозные мазки (импасто) чередуются с тонкими, прозрачными слоями краски (alla prima), а тональные решения строятся на сильных светотеневых контрастах.

Часто требуется некоторое время, чтобы изображённый объект проявился из этого вихря цвета и фактуры. Так, например, в его картине «Снежная буря: Пароход у входа в гавань» (1842, Галерея Тейт, Лондон), Тёрнер не столько изображал метель и шторм, сколько переводил их на язык живописи. В этом Тёрнер является важным предшественником современной абстрактной живописи.

Более непосредственное влияние его искусство оказало на импрессионистов, которые, в отличие от художников-романтиков, были реалистами: их интересовали не видения света, усиливающие экспрессию, а реальные световые эффекты в природе. Эта тенденция к реализму проявилась около 1850 года. В это время усилился разрыв между эмоциями и реальностью. Романтики, включая такие группы, как прерафаэлиты, сосредоточились на эмоциях, фантазиях и искусственно созданных мирах — стиль, очень созвучный эпохе викторианского искусства (1840-1900). Прекрасным примером являются чрезвычайно популярные сентиментальные портреты собак кисти сэра Эдвина Ландсира (1802-1873). В то же время реалисты придерживались более натуралистического подхода, который охватывал такие разные течения, как французский реализм (с его социально значимыми темами) и импрессионизм.

К другим английским художникам-романтикам относятся Уильям Блейк (1757-1827) и Джон Мартин (1789-1854).

Влияние романтизма

Романтический стиль живописи стимулировал появление многочисленных школ, таких как Барбизонская школа пленэрного пейзажа и Норвичская школа пейзажистов; «назарейцы» — группа католических немецких и австрийских художников; символизм (ярким представителем которого был Арнольд Бёклин, 1827-1901) и движение эстетизма.

Самыми влиятельными представителями английского фигуративного романтизма викторианской эпохи были члены «Братства прерафаэлитов», основанного Уильямом Холманом Хантом (1827-1910), Данте Габриэлем Россетти (1828-1882), автором «Благовещения» и других работ, и Джоном Эвереттом Милле (1829-1896), наиболее известным своей романтической картиной «Офелия». Позднее к движению примкнули или испытали его влияние и другие художники, в том числе Эдвард Бёрн-Джонс (1833-1898), выдающийся художник, дизайнер витражей и гобеленов для компании William Morris & Co, и Джон Уильям Уотерхаус (1849-1917), создавший знаменитую картину «Леди из Шалот».

Другой важной группой художников-романтиков была Школа реки Гудзон, работавшая в период 1825-1875 годов. Её основоположником считается Томас Даути, чьи спокойные, умиротворённые композиции оказали большое влияние на последующих художников школы. Среди других её членов были Томас Коул (известный драматическими и яркими пейзажами), Ашер Б. Дюран, Фредерик Эдвин Чёрч, Дж. Ф. Кенсетт, С. Ф. Б. Морзе, Генри Инман и Джаспер Кропси. Подгруппа художников Школы реки Гудзон представила стиль люминизм, процветавший в 1850-1875 годах. Пейзажи люминистов, примером которых служат работы Фредерика Чёрча, Альберта Бирштадта и художника из Миссури Джорджа Калеба Бингема (1811-1879), отличались интенсивными, часто драматическими световыми эффектами. Этот стиль также прослеживается в призрачно-прекрасных работах Уистлера, таких как «Крепускул в телесном и зелёном цвете: Вальпараисо» (1866) и «Ноктюрн в синем и серебряном: Челси» (1871).

Величайшие картины эпохи романтизма

Произведения романтизма хранятся во многих лучших художественных музеях мира. Вот краткий список избранных работ.

Карл Фридрих Шинкель (1781-1841)
Готический собор у воды (1813) Старая национальная галерея, Берлин.
Джон Констебл (1776-1837)
Телега для сена (1821) Национальная галерея, Лондон.
Дж. М. У. Тёрнер (1775-1851)
«Сражающийся ‘Темерэр’, ведомый к месту последней стоянки на слом» (1839) Национальная галерея, Лондон.
Корабль с невольниками (1840) Музей изящных искусств, Бостон.
Снежная буря: Пароход у входа в гавань (1842) Галерея Тейт, Лондон.
Дождь, пар и скорость — Большая Западная железная дорога (1844) Национальная галерея, Лондон.
Каспар Давид Фридрих (1774-1840)
Зимний пейзаж (ок. 1811) Национальная галерея, Лондон.
Мужчина и женщина, созерцающие луну (1824) Старая национальная галерея, Берлин.
Франсиско Гойя (1746-1828)
Третье мая 1808 года в Мадриде (1814) Музей Прадо, Мадрид.
Сатурн, пожирающий своего сына (1821) Музей Прадо, Мадрид.
Уильям Блейк (1757-1827)
Ночь радости Энитармон (Геката) (1795) Галерея Тейт, Лондон.
Сатана, призывающий мятежных ангелов (ок. 1808) Музей Виктории и Альберта, Лондон.
Теодор Жерико (1791-1824)
Плот «Медузы» (1819) Лувр, Париж.
Эмануэль Готлиб Лойце (1816-1868)
Вашингтон, пересекающий Делавэр (1851) Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Эжен Делакруа (1798-1863)
Смерть Сарданапала (1827) Лувр, Париж.
Свобода, ведущая народ (1830) Лувр, Париж.
Джон Мартин (1789-1854)
Великий день гнева Его (1853) Галерея Тейт, Лондон.
Жан-Батист-Камиль Коро (1796-1875)
Воспоминание о Мортфонтене (1864) Лувр, Париж.
Виль-д’Авре (1867) Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Арнольд Бёклин (1827-1901)
Оплакивание Марии Магдалины у тела Христа (1867) Художественный музей, Базель.

Неоромантизм

В Париже в начале 1920-х годов появилась группа художников-фигуративистов, чьи задумчивые картины вскоре получили название неоромантических. Среди них было трио выходцев из России: Евгений Берман, его брат Леонид и Павел Челищев. Однако в британском изобразительном искусстве термин «неоромантизм» обозначает образный, квазиабстрактный стиль пейзажа, созданный Полом Нэшем (1889-1946), Грэмом Сазерлендом (1903-1980) и другими в конце 1930-х и 1940-х годах. Вдохновлённые отчасти визионерскими пейзажами Уильяма Блейка и Сэмюэла Палмера, неоромантические картины часто включали фигуры, были обычно мрачны по настроению, но иногда демонстрировали поразительную экспрессивность. Среди других значимых неоромантиков были Майкл Айртон, Джон Крэкстон, Айвон Хитченс, Джон Минтон, Джон Пайпер и Кит Воган.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
Хронология и даты см.: Хронология истории искусства.

Информация о других направлениях и периодах в искусстве см.: История искусства.