Как ценить скульптуру читать ~21 мин.

Как и живопись, скульптура – это, прежде всего, изобразительное искусство, поэтому чем больше мы видим, тем больше наши глаза знакомятся со средой и тем быстрее мы ее воспринимаем. Чтобы помочь вам научиться ценить прекрасное пластическое искусство скульптуры, эта веб-страница содержит объяснения большинства основных школ, от каменного века до наших дней. Она содержит ссылки на эстетику механизма, а также на известных скульпторов и их работы с индивидуальными пояснениями, где это необходимо. Однако никакая учебная статья не может сравниться с посещением галереи скульптур, сада или музея, где можно пройтись по экспонатам и изучить их с разных сторон. Так что ознакомьтесь с нашим списком лучших художественных музеев. В конце концов, скульптура, в отличие от живописи, – это трехмерное искусство и его можно правильно оценить только во плоти.

Как понимать скульптуру каменного века

Доисторическая скульптура впервые появляется в эпоху палеолита (до 10 000 лет до н.э.) в виде двух примитивных изображений: базальтовой статуэтки, известной как Венера Берехат-Рам и фигурки из кварцита, известной нам как Венера Тан-Тан. Обе были датированы углеродным методом примерно 200 000 лет до н.э. или ранее. К сожалению, ни одна из них не выглядит очень реалистичной.

Одновременно с заменой неандертальца анатомически современными людьми, такими как кроманьонец, начиная с 40 000 лет до н.э., искусство процветает по всей Европе. Самые ранние реалистичные скульптуры – это палеолитические резные фигурки из слоновой кости Швабской Юры, на которых изображены птицы, животные и териантропные фигуры, обнаруженные в пещерах Холе-Фельс, Фогельхерд и Холенштейн-Штадель. Эти простые, но красивые работы датируются 35-30 тысячами лет до нашей эры.

В то же время создается разнообразный ассортимент маленьких, толстых, женских скульптур, известных как «статуэтки Венеры», которые археологи с тех пор выкапывают в поселениях каменного века по всей Европе, от России до Гибралтара. Считается, что эти фигурки использовались в качестве символов плодородия и были вырезаны из различных материалов, включая кость мамонта, костяной пепел, керамическую глину, оолитовый известняк, стеатит, змеевик или вулканическую породу. В дополнение к чрезвычайно старому возрасту этих артефактов (Венера из Холе Фельс датируемая 38-33000 лет до н.э. является самой ранней резьбой по слоновой кости и самой старой известной фигурной скульптурой, а необычная Венера из Дольни-Вестонице 26000 лет до н.э. – самая старая известная глиняная скульптура в мире), удивительным является относительное сходство этих фигур.

Самым необычным произведением трехмерного искусства эпохи неолита является румынская терракотовая скульптура, известная как «Мыслитель Чернаводы» (около 5000 лет до н.э.), маленькая фигурка, глубоко погруженная в размышления. Основные моменты эпохи неолита включают Майкопского Золотого Быка (около 2500 лет до н.э.) – замечательную золотую скульптуру, созданную в регионе Северного Кавказа с использованием метода литья по выплавляемым моделям и ослепительная Танцующая девушка из Мохенджо-Даро (около 2500 лет до н.э.), шедевр ранней индийской скульптуры из культуры Хараппан цивилизации долины Инда (3300-1300 гг. до н.э.).

Примечание: методы египетской скульптуры оказали большое влияние на многих греческих скульпторов древности, а также на более позднюю африканскую скульптуру к югу от Сахары.

Учебные вопросы и проблемы

Почему скульптура возникла в каменном веке? Ответ: сочетание факторов, например: социальная организация; лучшая безопасность (доступно больше пещер); климат; больший спрос на символические, ритуальные предметы.
Почему бронзовая скульптура возникла в эпоху неолита? Ответ: более безопасными поселениями разрешены плавка и металлургия; повышенный спрос на личные украшения, а также на более крупные драгоценности. В течение этого доисторического периода следите за постепенным переходом от функциональных артефактов к «искусству ради искусства».

Как оценивать греческую скульптуру

Греческая скульптура, сделанная просто, охватывает архаический период (около 750–500 гг. до н.э.), классический период (около 500–323 гг. до н.э.) и эллинистический период (около 323–100 гг. до н.э.). Объяснение того, как оценивать греческую скульптуру, потребовало бы целого веб-сайта, поэтому вот несколько избранных комментариев о том, как развивалась эта уникальная форма искусства и на что, следовательно, обращать внимание.

Греческие скульпторы научились многим основам в геометрическую эпоху, хотя их фигурные статуи оставались довольно жесткими. Фигуры обычно изображались в обнаженном виде (мужской курос) или полуодетыми (женская коре). В эпоху архаической скульптуры, когда страна открылась влияниям Черного моря, Леванта и Египта, они научились придавать своим человеческим фигурам большую плавность и большее чувство жизни. Кроме того, они начали развивать «архаичную улыбку» наряду с более реалистичной артикуляцией тела. Затем наступил поистине необыкновенный апогей этого вида искусства.

В эпоху греческой классической скульптуры, особенно в пятом веке до нашей эры, скульптура пережила беспрецедентный всплеск творчества, примером которого являются работы на Парфеноне (447–422 до н.э.). Эти классические нововведения сформировали стилистическую эволюцию скульптуры на тысячи лет вперед. Поза стоящей фигуры стала более утонченной, более реалистичной и в целом более естественной. Другие особенности классических греческих статуй включают в себя атмосферу высочайшего спокойствия в сочетании с заметным динамическим равновесием движений, создающих чувство гармонии и пропорции. Среди ведущих античных скульпторов Древней Греции были Поликлет (V век до н.э.), Фидий (488-431) и Мирон. (Активный 480-444).

В четвертом веке до нашей эры, во второй половине классической эпохи, скульпторы, такие как Пракситель и Лисипп, смягчили человеческую форму, наполнив ее аурой беззаботной грации. Греческие боги мифологии были очеловечены, а их движения и выражения лиц стали более элегантными. Композиция и позы стали более сложными: конечности выступают в зрительское пространство, скульптурные группы располагаются более динамично, а зрители могут обходить их и получать разнообразный вид.

Эллинистическая эпоха засвидетельствовала развитие двух основных стилей: «суровый» стиль, типичный для Венеры Милосской (около 100 лет до н.э.), или более драматический «барочный» стиль, примером которого является Пергамский алтарь Зевса (около 166–166 гг.). до н.э.) и Лаокоон и его сыновья (150-50 гг. до н.э.). Чтобы узнать больше, посетите страницу Пергамской школы эллинистической скульптуры (241–133 до н.э.). В большинстве случаев детали были прорисованы с максимальной реалистичностью. Скульпторы эпохи Высокого Возрождения (Микеланджело) и эпохи барокко (Бернини) испытали сильное влияние эллинистической греческой скульптуры, равно как и искусствоведы-неоклассики, такие как немецкий историк Иоганн Иоахим Винкельманн (1717-1768).

Для получения дополнительной информации о профессиональных критиках, таких как Джон Раскин и другие, см.: Критики и критика визуального искусства (1750-настоящее время).

Греческие скульптуры, которые стоит оценить

Дискобол (~450 г. до н.э.), Мирон, Национальный музей Рима, Рим.
Фарнезский Геракл (5 век), Национальный археологический музей Неаполь.
В Национальном археологическом музее – Зевс или Посейдон (около 460 лет до н.э.), Афины.
Раненая Амазонка (440-30 гг. до н.э.), Капитолийский музей, Рим. Автор Поликлет.
Национальный археологический музей – Молодость Антикиферы (4 век), Афины.
Аполлон Сауроктонос (4 век), Музей Пио Клементино. Автор Пракситель.
Капитолийская колонна Венеры (350-40 гг. до н.э.), Капитолийский музей, Рим. Автор Пракситель.
Фавн Барберини (около 220 лет до н.э.), мрамор, Глиптотека, Мюнхен.
Умирающая Галлия (около 240 лет до н.э.). мраморная копия, Капитолийский музей, Рим.
Ника Самофракийская (около 190 лет до н.э.) мрамор, Лувр, Париж.
Лаокоон и его сыновья (150-50 до н.э.) Хагесандрус / Афенодорос / Полидор.
Фарнезский бык (150 лет до н.э.) Аполлония Траллского.
Мраморная копия «Трех граций» (II век до н.э.), Парижский Лувр.
Венера Милосская (Афродита из Мелоса) (около 100 лет до н.э.). Автор Александрос Антиохийский.

Как оценить римскую скульптуру (ок. 200 лет до н.э. – ок. 200 г. н. Э.)

Римские художники очень почитали своих греческих коллег и стремились подражать им при каждой возможности. Греческих мастеров поощряли уезжать из Греции и работать в Риме. Несмотря на это, римская скульптура действительно выработала свои собственные способы выражения. В период 200-50 гг. до н.э., когда власть находилась у республиканского правительства, художники разработали особый «римский» вид для своих статуй и портретных бюстов – вид с высокими моральными качествами, сопровождаемый чувством мудрости и решимости. Во время правления Августа (31 г. до н.э. – 14 г. н.э.), в римском искусстве появилась новая форма идеализации, примером которой являются гармоничные пропорции мраморных рельефных скульптур на Ара Пацис Августа (Августовский мир). Мраморная статуя Августа – Порта Августа Прима – еще один такой пример: стоящая фигура имеет позу контрапоста (смещение веса) в греческом стиле и юношеский идеализм, но ее бронированный нагрудник и драпировка плаща демонстрируют строго римский реализм. Действительно, на протяжении всей Римской империи скульпторы разрывались между идеализмом и реализмом, что, по мнению многих историков искусства, было критической эстетической борьбой того времени. Тем не менее, стоит отметить, что большая часть всей скульптуры, созданной в Древнем Риме, была портретными бюстами Императора и что основным мотивом почти всего искусства было прославление величия Рима. Итак, идеализм мог быть важным теоретическим вариантом, но на практике преобладал реализм, как в мотиве, так и в среде.

Возможно, самым большим вкладом римских скульпторов в искусство и, безусловно, средством создания общественного памятника был исторический рельеф. Колонна Траяна, например, расположенная к северу от Римского Форума, известна своей великолепной детализированной спиральной барельефной скульптурой, которая 23 раза обвивает вал памятника, повествуя о победе императора Траяна в войнах с даками. Сам вал имеет высоту 30 метров и ширину 4 метра и построен из 20 массивных блоков каррарского мрамора, каждый весом 40 тонн. Арка Тита является еще одним прекрасным примером исторического рельефа.

Наконец, невозможно оценить римскую скульптуру без упоминания роли римских художников в воспроизведении оригинальных греческих статуй, большинство из которых исчезли. Без этих копий, греческое искусство вряд ли получило бы заслуженную оценку, а итальянский Ренессанс (а значит и история западного искусства вместе с ним) были бы совсем другими.

Римские скульптуры, которые стоит оценить

Август Прима Порта (50 лет до н.э.), мрамор, Музеи Ватикана.
Мраморный Алтарь Мира (Ара Пацис) (9 г. до н.э.), Музей Ара Пацис, Рим.
Император Клавдий в образе Юпитера (41-54 г. н.э.) мрамор, Музей Пио Клементино.
Мраморный Тибр (90–140 гг. Н. Э.), Лувр, Париж.
Мраморная колонна Траяна (113 г. н.э.), Рим.
Мраморный Лансдаун Геракл (около 125 г. н.э.), Музей Джей Пола Гетти, Калифорния, США.
Кентавр на колесе Купидона (около 150 г. н.э.) из мрамора, Лувр.
Мраморные «Танцоры Боргезе» (II век н. Э.), Лувр.
Аталанта (II век н.э.) мрамор, Лувр.
Боевой саркофаг Людовизи (251 г. н.э.) Национальный музей Рима.
Базилика Сан-Марко (300 г. н.э.) Венеция.
Колоссальная голова императора Константина Великого (324 г. н.э.) Капитолийский музей.

Как оценить готическую скульптуру (около 1150-1300 гг., с 1500 г. в Германии)

Готическое искусство было первым стилем, который объединил искусство скульптуры, витража и архитектуры, особенно в великих соборах Шартра, Амьена, Реймса и Нотр-Дам-де-Пари. На смену солидности прежнего романского искусства пришла новая ориентация линий, а высокие арки и контрфорсы в готическом стиле позволили открыть стены для беспрецедентно огромных окон, заполненных прекрасными полупрозрачными картинами, намного превосходящими все, что когда-либо видели до этого. И действительно, развитие готической скульптуры было неразрывно связано с появлением новых форм в архитектуре. Власти христианской церкви строили множество готических соборов, каждый из которых нужно было украсить соответствующим христианским искусством.. Внешне это были скульптурные рельефы и статуи в колоннах; внутри – резные купели, кафедры, статуи, рельефные скульптуры. Вокруг порталов и дверных проемов скульпторы высекли скопления Апостолов, Пророков и Святых вместе с членами Святого Семейства. Стилистически образная готическая скульптура была более мягкой, более реалистичной и в целом более человечной, чем жесткая романская скульптура. Например, тело Христа над главным входом в Шартрский собор невероятно гибкое и реальное, что делает его чувствительным и понятным.

Стиль скульптуры высокой готики также зародился во Франции, откуда он распространился на Италию, Германию, Нидерланды и другие страны. Используя более витиеватый стиль, большинство скульпторов поздней готики обращались не к архитектурным скульптурам, а к частным гробницам и памятникам. Посмотрите, например, ряд погребальных скульптур в Вестминстерском аббатстве, где памятники (из пурбеков, бронзы, алебастра и фреста) украшены полами и гробницами, выполненными итальянскими мастерами мозаики, нанятыми королем Генрихом III. Поздняя готика получила классический акцент в Италии, где скульпторы использовали греческие и римские модели и более эмоциональный акцент в Германии, где такие скульпторы, как Вейт Штосс и Тильман Рименшнайдер сосредоточились на страданиях Христа, а не на условностях форм (см., например, Пьета Роттген, 1300, Рейнский краеведческий музей, Бонн). Кроме того, именно в эпоху готики скульпторам удалось добиться индивидуального признания.

Важную готическую скульптуру можно увидеть в Шартрском соборе (1194-1250); Соборе Парижской Богоматери (1163–1345); Реймсском соборе (1211–1275); Амьенском соборе (1220–1270); Кафедральном соборе Бургоса, Испания, строительство которого началось около 1221 года; Кёльнском соборе, который был построен в 1248 году, но завершен не раньше 1880 года; а также соборах в Сантьяго-де-Компостела, Магдебурге, Трире, Страсбурге, Фрайбурге, Наумбурге, Кентербери, Солсбери, Эксетере, Винчестере и Вестминстерском аббатстве и многих других.

Готические скульптуры для оценки

Кроме изучения огромного количества архитектурной скульптуры собора, можно также оценить следующие предметы.

Страшный суд (около 1210 г.) Южный Транс, Нотр-Дам (Париж).
Западный фасад Уэллсского собора (около 1230 г.) Уэллс, Великобритания.
Луч славы (после 1242 г.) Дом Святого Стефана и Сикста, Хальберштадт.
Западный портал Юбе (около 1250 г.) Наумбургский собор, Наумбург.
Мраморная кафедра (1265-8) Дуомо, Сиена. Никола Пизано.
Триптих Славной Богородицы (около 1290 г.), Музей средневековья, Париж.
Богородица Жанны д’Эврё (1324-39) Серебро, эмаль, золото и жемчуг, Лувр.
Алтарь Святой Марии (1477-89) Церковь Святой Марии, Краков, Польша. Автор Штосс.
Алтарь Святой Крови (1504 г.) Церковь Св. Якоба, Ротенбург. Автор Рименшнайдер.

Известные готические скульпторы

Никола Пизано (около 1206–1278); Джованни Пизано (1250-1314 гг.); Арнольфо ди Камбио (около 1240–1310 гг.); Джованни ди Бальдуччо (1290–1339 гг.); Андреа Пизано (1295–1348); Филиппо Календарио (до 1315-1355 гг.); Андре Боневё (1335-1400); Клаус Слютер (ок. 1340–1406); Вейт Штосс (около 1447–1533); Тильман Рименшнайдер (1460-1531). Биографии выдающихся готических скульпторов см.: Величайшие скульпторы.

Как оценить скульптуру эпохи Возрождения (около 1400-1600 гг.)

Искусство эпохи Возрождения, особенно скульптура, было основано на новом приливе уважения к греческому искусству. Скульпторы эпохи Возрождения, хотя и занимались в основном религиозными произведениями, были сильно вдохновлены твердой верой в гуманизм и благородство человека. Таким образом, человеческая форма, особенно обнаженный мужчина, была излюбленным объектом. Однако, чтобы лучше всего оценить итальянскую скульптуру эпохи Возрождения, следует знать, что многие итальянские художники находились под сильным влиянием мастерства, реализма и эмоциональности готических произведений. Несмотря на это, скульпторы раннего Возрождения добились заметных улучшений: например, они наполнили свои статуи более глубокими эмоциями (см. «Давид Донателло»), 1440-3, Барджелло, Флоренция) и наполнили их новой энергией и смыслом. Они были первыми, кто вновь представил конную статую. Пять лучших скульпторов раннего Возрождения, которых стоит изучить – это Якопо делла Кверчия (около 1374-1438), Лоренцо Гиберти (1378-1455), Донателло (1386-1466), Антонио Поллайоло (1432-1498) и Андреа дель Верроккьо (1435-1488). В частности, обратите внимание на энергичный и даже брутальный характер фигур Донателло, которые также довольно грубые и необработанные. Но см. Также: Давид Донателло. См. также Конную статую Бартоломео Коллеони Верроккьо (1495, Кампо ди Санти Джованни и Паоло, Венеция). Получивший образование ювелира Поллайоло был наследником жилистого экспрессионизма Донателло: см., например, его Геракл и Антей (1470, Национальный музей Барджелло, Флоренция).

В скульптуре эпохи Высокого Возрождения доминировал и олицетворял совершенство Микеланджело (1475-1564). По словам ученого историка искусства Энтони Бланта, фигуративные работы Микеланджело, такие как Пьета (1497-9, базилика Святого Петра, Рим), Давид (1501-4, Галерея Академии, Флоренция) и Умирающий раб (1513-16, Лувр) обладали не только «сверхчеловеческими качествами», но и «чувством мрачной тревоги отражающей трагедию человеческой судьбы». Мраморные статуи Микеланджело безупречной красоты отражают его абсолютное техническое мастерство. В героической мужской обнаженной натуре он остается непревзойденным художником. К своим 29 годам он уже создал два величайших произведения в истории скульптуры. Другие важные резчики по камню Высокого Возрождения это венецианец Якопо Сансовино (1486-1570) и флорентиец Баччо Бандинелли (1493-1560). К северу от Альп были представлены известные скульпторы: Ганс Мульшер (около 1400–1467 гг.); Джорджо да Себенико (1410-73); Мишель Коломб (1430-1512); Грегор Эрхарт (c.1460-1540), а также Штосс и Рименшнайдер, упомянутые выше. Биографии выдающихся скульпторов эпохи Возрождения см.: Величайшие скульпторы.

Другие скульптуры эпохи Возрождения, которые стоит оценить

Святой Марк (1411 г.) Орсанмикеле, Флоренция. Донателло.
Аввакум (1426), музей оперы Дуомо, Флоренция. Донателло.
Врата рая (1425-52) Флорентийский баптистерий. Автор Лоренцо Гиберти.
Конная статуя Гаттамелата (1444-53) Сиена. Донателло.
Мария Магадалина (ок. 1455) Национальный музей Барджелло. Донателло.
Оплакивание мертвого Христа (1463 г.) Болонья. Никколо Дель Арка.
Геракл и Антей (1470 г.) Национальный музей Барджелло. Антонио Поллайоло.
Давид (c.1475) Национальный музей Барджелло. Андреа дель Верроккьо.
Неверие святого Фомы (1483) Орсанмикеле. Андреа дель Верроккьо.
Венера и Амур (около 1550 г.), Музей Гетти, Калифорния. Автор Якопо Сансовино.

Как оценить скульптуру маньеристов (1530-1600)

По сравнению с гармонией и балансом произведений Высокого Возрождения, скульптура маньеризма была гораздо более преувеличенной и выразительной, что в некоторой степени отражало неопределенность Европы, раздираемой религиозным разделением. Различные художественные импульсы маньеризма лучше всего иллюстрирует Джамболонья (1529–1608), чья бессмертная работа Похищение сабинянок (1581–153, Пьяцца делла Синьора, Флоренция) обладает поистине потрясающей выразительностью; и Бенвенуто Челлини (1500-1571) – см., например, его Персея (1545-54, Пьяцца делла Синьора, Флоренция). Однако сравните это с тихой выразительностью лежащей Святой Сесилии (1600, Трастевере, Рим) Стефано Мадерно (1576-1636). Другие скульпторы-маньеристы, достойные изучения – это Хуан де Жуни (1507-1577) и Алонсо Берругете (около 1486-1561), которые представили идеи Возрождения и маньеризма в Испании и Франческо Приматиччо (1504-1570), который сделал то же самое для Франции в Школе Фонтенбло, основанной при Франциске I. О лучших французских скульпторах того периода см.: Жан Гужон (ок. 1510-68), Жермен Пилон (1529-1590), Бартелеми Приер (1536-1611) и Адриан де Ври (1560-1626).

Другие скульптуры маньеристов, которые стоит оценить:
Погребение (1541-44), Музей скульптуры, Вальядолид. Хуан де Жуни.
Соляной погреб Франциска I (1543 г.) Художественно-исторический музей. Бенвенуто Челлини.
Зал герцогини д’Этамп (1544 г.) Шато Фонтенбло. Приматиччо.
Фонтан Нептуна (1559-75) Пицца Синьора. Бартоломео Амманати.
Меркурий (1564-80) Национальный музей Барджелло, Флоренция. Джамболонья.
Дева Мария в горе и страданиях (1585) Лувр, Париж. Жермен Пилон.
Меркурий и Психея (1593) Лувр, Париж. Адриан де Фрис.
Поднимающаяся лошадь (1615) Музей Гетти, Калифорния. Адриан де Фрис.

Как оценить скульптуру барокко (ок. 1600-1700)

В эпоху барокко доминировало религиозное искусство. Скульптура в стиле барокко, являющаяся частью пропагандистской кампании католической контрреформации, была разработана, чтобы вдохновлять зрителей иллюстрациями католической литургии и тем самым побуждать верующих вернуться в единую истинную Церковь. Чтобы лучше всего оценить искусство барокко, внимательно посмотрите на работы Бернини (1598–1680), величайшего деятеля своего времени. Среди его лучших работ – Экстаз святой Терезы (1647-52, Капелла Корнаро, Рим); Плутон и Прозерпина (1621–1616, Галерея Боргезе, Рим); Аполлон и Дафна (1622-1655) Галерея Боргезе, Рим; и Смерть блаженной Людовики Альбертони (1671-4, Сан-Франческо-а-Рипа, Рим). Обратите внимание на то, как фигуры и драпировка Бернини, кажется, парят в воздухе и как он обращается с твердыми материалами скульптуры, как если бы они были абсолютно пластичными. Среди других важных скульпторов эпохи барокко были более сдержанный Алессандро Альгарди (1598–1654), фаворит Папы Иннокентия X и фламандский скульптор Франсуа Дюкенуа (1594–1643), чьи классические работы были полной противоположностью динамичной напряженности Бернини. Во Франции идиома была хорошо представлена ​​Альгарди-подобным Франсуа Жирардоном (1628-1715), более свободным Антуаном Койсевоксом (1640-1720) и менее последовательным, но иногда более блестящим Пьером Пюже (1620-94). В Испании скульпторы, достойные изучения, это Хуан Мартинес Монтанес (1568–1649) и Алонсо Кано (Гранада, 1601–1667), а в Германии обратите внимание на работы Андреаса Шлютера (1664–1714).

Скульптуры в стиле барокко, которые стоит оценить

Святой Себастьян (1600) Сан-Сальваторе, Венеция. Алессандро Виттория.
Анхельское сообщение (1608) Орвието. Франческо Мочи.
Алтарь Богородицы (1616 г.) Церковь Уберлинген, Германия. Йорг Зурн.
Святая Сюзанна (1633 г.) Санта-Мария-ди-Лорето, Рим. Франсуа Дюкнуа.
Похоронный памятник Папе Льву XI (1634-44), собор Святого Петра, Рим. Альгарди.
Экстаз святого Филиппа Нери (1638), Санта-Мария-ин-Валличелла. Альгарди.
Папа Лев изгоняет Аттилу от ворот Рима (1653 г.), собор Святого Петра. Альгарди.
Кающаяся Мария Магдалина (1664) Вальядолид, Испания. Педро де Мена.
Аполлон, за которым ухаживают нимфы Фетиды (1666-72), Версаль. Франсуа Жирардон.
Фонтан Аполлона (1671 г.), Версальский дворец. Жан Батист Туби.
Милон Кротонский (1671–1682), Лувр, Париж. Пьер Пюже.
Конная статуя Фридриха Великого (1708 г.) Андреас Шлютер.
Плутон, похищающий Прозерпину (1710 г.), Музей Гетти, Калифорния. Франсуа Жирардон.

Причудливая скульптура в стиле рококо (около 1700-1789 гг.) Приходила и уходила, примером чему служат Гийом Кусту (1677-1746), Жан-Батист Пигаль (1714-1785), фаворит мадам де Помпадур и его главный соперник Этьен-Морис Фальконе (1716-1791), который специализировался на эротических фигурах с несколько ложной связью с эллинистической греческой скульптурой. Скульптура немецкого рококо была воплощена дрезденским скульптором Бальтазаром Пермозером (1651-1732). В конце 1780-х годов декадентское рококо было сметено идеалами Французской революции, которые заложили основу для более серьезного и сурового стиля неоклассицизма.

Как оценить неоклассическую скульптуру (расцвет около 1790-1830 гг.)

Неоклассическая скульптура вновь подчеркнула достоинства героизма, долга и серьезности. Чтобы лучше понять неоклассицизм, обратите внимание на то, что выдающийся немецкий историк искусства Иоганн Винкельманн (1717-1768) заявил, что он избегает крайних страстей и выразительности, а вместо этого является образцом благородной сдержанности. Несомненно, величайшим и самым влиятельным скульптором неоклассицизма был Антонио Канова (1757-1822), клиентами которого были Наполеон Бонапарт, Екатерина Великая и австрийский император Франциск II. Его самой знаменитой скульптурой была, вероятно, монументальная статуя обнаженного Наполеона (1802–1886 гг.) – см. либо оригинальный мрамор (Веллингтонский музей, Лондон), либо бронзовую копию в пинакотеке Брера, Милан. Также внимательно посмотрите на «Тесей и Минотавр» (1781–1781, Музей Виктории и Альберта, Лондон) и портрет Полины Наполеон-Боргезе в образе Венеры (1807, Галерея Боргезе, Рим).

Среди других неоклассических скульпторов, заслуживающих внимания: австрийский портретист Франц Ксавер Мессершмидт (1736-1783), известный своими карикатурными бюстами, известными как «Головы персонажей»; французский реалист Жан-Антуан Удон (1741-1828); беззаботный французский скульптор малых размеров Клодион (1738-1814); а также известные английские художники Джозеф Ноллекенс (1737-1823), Джон Флаксман (1755-1826) и сэр Ричард Уэстмакотт (1775-1856). К концу 18 века датский скульптор Бертель Торвальдсен (1770-1844) показал себя достойным преемником Кановы в своем почитании греческих форм. О том, как развивалось объемное искусство в Ирландии, см.: Ирландская скульптура: история, скульпторы.

Другие неоклассические скульптуры для оценки

Венера (1773 г.), Музей Гетти, Лос-Анджелес. Джозеф Ноллекенс.
Портрет Вольтера (1781) Комеди-Франсез. Жан-Антуан Гудон.
Аполлон венчает себя (1781 г.), Музей Гетти, Калифорния. Антонио Канова.
Повешенный (1770-83) Вена. Франц Ксавер Мессершмидт.
Ярость Афама (1790) Икворт, Великобритания. Джон Флаксман.
Психея, пробужденная Эросом (1787-93) Лувр, Париж. Антонио Канова.
Кающаяся Магдалина (1796 г.) Палаццо Бьянко, Генуя. Антонио Канова.
Персей и голова Медузы (1797–1801) Музеи Ватикана. Канова.
Конная статуя Иосифа II (1795-1806) Франца Антона фон Заунера.
Александр Великий входит в Вавилон (1812 г.) Бертель Торвальдсен.
Ясон с золотым руном (1828) Копенгаген. Бертель Торвальдсен.
Христос и двенадцать апостолов (1838) Копенгаген. Бертель Торвальдсен.

Дополнительные ресурсы

Как ценить современную скульптуру
Оценка искусства: Как ценить искусство
Величайшие скульптуры всех времен.

ВИДЫ СКУЛЬПТУРЫ
О бронзе – статуях и рельефах см.: Бронзовая скульптура.
О формах наскальной резьбы см.: Каменная скульптура.
О пентелийском, каррарском и парианском камнях см.: Мраморная скульптура.
О скульптурах из дерева: Резьба по дереву.

ЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА
Подробнее о различных типах и стилях традиционного искусства см.: Определение искусства.