Как ценить скульптуру читать ~21 мин.

Как и живопись, скульптура – это прежде всего изобразительное искусство. Чем больше мы видим, тем лучше наши глаза знакомятся с этим видом искусства и тем быстрее мы учимся его воспринимать. Чтобы помочь вам научиться ценить прекрасное пластическое искусство скульптуры, эта статья предлагает обзор большинства основных школ, от каменного века до наших дней. Здесь рассматриваются эстетические принципы, а также рассказывается об известных скульпторах и их работах с необходимыми пояснениями. Однако никакая статья не заменит посещения галереи, сада скульптур или музея, где можно обойти экспонаты и изучить их с разных сторон. Поэтому мы рекомендуем ознакомиться с нашим списком лучших художественных музеев. В конце концов, скульптура, в отличие от живописи, – это трёхмерное искусство, и по-настоящему оценить его можно только воочию.

Как понимать скульптуру каменного века

Доисторическая скульптура впервые появляется в эпоху палеолита (до 10 000 лет до н.э.) в виде двух примитивных объектов: базальтовой статуэтки, известной как Венера из Берехат-Рама, и фигурки из кварцита, известной как Венера из Тан-Тана. Их возраст, определённый по геологическим слоям, составляет 200 000 лет до н.э. или даже более. Впрочем, обе они имеют лишь условное сходство с человеческой фигурой.

С появлением современного человека, кроманьонца, который постепенно вытеснил неандертальца, начиная с 40 000 лет до н.э. искусство расцветает по всей Европе. Самые ранние реалистичные скульптуры – это палеолитические резные фигурки из слоновой кости Швабской Юры, изображающие птиц, животных и териантропные фигуры. Они были обнаружены в пещерах Холе-Фельс, Фогельхерд и Холенштайн-Штадель. Эти простые, но выразительные работы датируются 35–30 тысячелетиями до н.э.

В то же время создаётся множество небольших женских фигурок с подчёркнутыми формами, известных как «палеолитические венеры», которые археологи находят на стоянках каменного века по всей Европе, от России до Гибралтара. Считается, что эти статуэтки использовались как символы плодородия. Их вырезали из различных материалов: кости мамонта, керамической глины (иногда с добавлением костяного пепла), оолитового известняка, стеатита, серпентина или вулканической породы. Кроме чрезвычайной древности этих артефактов (например, Венера из Холе-Фельс, датируемая 38–33 тыс. до н.э., является древнейшей резьбой по слоновой кости и старейшей известной фигуративной скульптурой, а уникальная Венера из Дольни-Вестонице, 26 тыс. до н.э., – старейшая в мире керамическая скульптура), поражает их стилистическое сходство.

Самым необычным произведением трёхмерного искусства эпохи неолита является румынская терракотовая скульптура «Мыслитель из Чернаводэ» (около 5000 лет до н.э.) – небольшая фигурка, глубоко погружённая в размышления. Важными памятниками более позднего времени являются Майкопский золотой бык (около 2500 г. до н.э.) – выдающаяся золотая скульптура, созданная на Северном Кавказе в технике литья по выплавляемой модели, и знаменитая Танцующая девушка из Мохенджо-Даро (около 2500 г. до н.э.), шедевр ранней индийской скульптуры Хараппской цивилизации, или цивилизации долины Инда (3300–1300 гг. до н.э.).

Примечание: Техники египетской скульптуры оказали большое влияние на многих греческих скульпторов древности, а также на более позднюю африканскую скульптуру к югу от Сахары.

Учебные вопросы и проблемы

Почему скульптура возникла в каменном веке? Ответ: Этому способствовало сочетание нескольких факторов: развитие социальной организации, повышение безопасности (стало доступно больше пещер для жилья), изменение климата и возросшая потребность в символических и ритуальных предметах.
Почему бронзовая скульптура возникла в бронзовом веке? Ответ: Появление более безопасных поселений позволило развивать плавку и металлургию; возрос спрос на личные украшения и предметы роскоши. В этот доисторический период можно проследить постепенный переход от функциональных артефактов к «искусству ради искусства».

Как оценивать греческую скульптуру

Упрощённо говоря, история греческой скульптуры охватывает архаический период (около 750–500 гг. до н.э.), классический период (около 500–323 гг. до н.э.) и эллинистический период (около 323–100 гг. до н.э.). Объяснение того, как оценивать греческую скульптуру, потребовало бы целого сайта, поэтому здесь мы приведём лишь несколько ключевых комментариев о развитии этой уникальной формы искусства.

Греческие скульпторы освоили многие основы ещё в геометрическую эпоху, хотя их статуи оставались довольно статичными. Фигуры обычно изображались в обнажённом виде (мужской курос) или задрапированными (женская кора). В эпоху архаической скульптуры, когда Греция открылась влияниям с Чёрного моря, из Леванта и Египта, мастера научились придавать своим фигурам большую плавность и ощущение жизни. Кроме того, они начали использовать «архаическую улыбку» и добились более реалистичной анатомии. Затем наступил поистине необыкновенный расцвет этого вида искусства.

В эпоху греческой классической скульптуры, особенно в V веке до н.э., ваяние пережило беспрецедентный творческий подъём, примером которого служат работы на Парфеноне (447–422 гг. до н.э.). Эти классические инновации определили стилистическое развитие скульптуры на тысячи лет вперёд. Поза стоящей фигуры стала более сложной, реалистичной и естественной. Другие черты классических греческих статуй — это атмосфера величайшего спокойствия в сочетании с динамическим равновесием, создающим ощущение гармонии и пропорциональности. Ведущими скульпторами Древней Греции были Поликлет (V век до н.э.), Фидий (488–431 гг. до н.э.) и Мирон (активен в 480–444 гг. до н.э.).

В IV веке до н.э., во второй половине классической эпохи, такие скульпторы, как Пракситель и Лисипп, смягчили человеческую форму, наполнив её аурой беззаботной грации. Греческие боги были очеловечены, их движения и выражения лиц стали более элегантными. Композиция и позы усложнились: конечности выступали в пространство зрителя, скульптурные группы располагались более динамично, а зрители могли обходить их и рассматривать с разных ракурсов.

Эллинистическая эпоха стала временем развития двух основных стилей: сдержанного классицизирующего стиля, примером которого служит Венера Милосская (около 100 г. до н.э.), и более драматичного «барочного» стиля, который можно видеть в Пергамском алтаре Зевса (около 180–160 гг. до н.э.) и скульптурной группе «Лаокоон и его сыновья» (150–50 гг. до н.э.). Чтобы узнать больше, посетите страницу Пергамской школы эллинистической скульптуры (241–133 гг. до н.э.). В большинстве случаев детали прорабатывались с максимальным реализмом. Скульпторы Высокого Возрождения (Микеланджело) и барокко (Бернини) испытали сильное влияние эллинистической греческой скульптуры, как и теоретики неоклассицизма, например, немецкий историк Иоганн Иоахим Винкельманн (1717–1768).

Для получения дополнительной информации о профессиональных критиках, таких как Джон Рёскин и другие, см.: Критики и критика визуального искусства (1750-настоящее время).

Греческие скульптуры, которые стоит оценить

Дискобол (около 450 г. до н.э.), римская копия, Национальный музей Рима. Автор Мирон.
Геракл Фарнезский (римская копия III в. н.э. с греческого оригинала Лисиппа IV в. до н.э.), Национальный археологический музей, Неаполь.
Артемисионский Посейдон (или Зевс) (около 460 г. до н.э.), Национальный археологический музей, Афины.
Раненая амазонка (440–430 гг. до н.э.), римская копия, Капитолийский музей, Рим. Автор Поликлет.
Антикитерский эфеб (IV в. до н.э.), Национальный археологический музей, Афины.
Аполлон Сауроктон (IV в. до н.э.), римская копия, Музей Пио-Клементино. Автор Пракситель.
Капитолийская Венера (римская копия II в. н.э. с оригинала IV в. до н.э.), Капитолийский музей, Рим. Автор Пракситель.
Фавн Барберини (около 220 г. до н.э.), мрамор, Глиптотека, Мюнхен.
Умирающий галл (около 230 г. до н.э.), мраморная копия, Капитолийский музей, Рим.
Ника Самофракийская (около 190 г. до н.э.), мрамор, Лувр, Париж.
Лаокоон и его сыновья (150–50 гг. до н.э.), Музеи Ватикана. Авторы: Агесандр, Афинодор и Полидор.
Фарнезский бык (около 150 г. до н.э.), Национальный археологический музей, Неаполь. Авторы: Аполлоний Траллийский и Тавриск.
Три грации (II в. до н.э.), мраморная копия, Лувр, Париж.
Венера Милосская (Афродита Мелосская) (около 100 г. до н.э.), Лувр, Париж. Автор Александрос Антиохийский.

Как оценить римскую скульптуру (ок. 200 г. до н.э. – ок. 200 г. н.э.)

Римские художники глубоко почитали своих греческих коллег и стремились подражать им при каждой возможности. Греческих мастеров поощряли переезжать из Греции и работать в Риме. Несмотря на это, римская скульптура выработала собственный язык. В период республики (200–50 гг. до н.э.) художники создали особый «римский» стиль для своих статуй и портретных бюстов – суровый облик, выражающий высокие моральные качества, мудрость и решимость. Во время правления Августа (31 г. до н.э. – 14 г. н.э.) в римском искусстве появилась новая форма идеализации, примером которой являются гармоничные пропорции мраморных рельефов на Алтаре Мира Августа (Ara Pacis Augustae). Мраморная статуя Августа из Прима-Порта – ещё один такой пример: поза контрапоста (перенос веса тела на одну ногу) выполнена в греческом стиле, лицо отличается юношеским идеализмом, но доспехи и драпировка плаща демонстрируют чисто римский реализм. Действительно, на протяжении всей истории Римской империи скульпторы разрывались между идеализмом и реализмом, что, по мнению многих историков искусства, было основной эстетической дилеммой того времени. Тем не менее стоит отметить, что большая часть скульптуры, созданной в Древнем Риме, – это портретные бюсты императора, а основным мотивом почти всего искусства было прославление величия Рима. Таким образом, идеализм мог быть важной теоретической опцией, но на практике преобладал реализм, как в сюжетах, так и в исполнении.

Возможно, величайшим вкладом римских скульпторов в искусство и, безусловно, главным средством создания публичных монументов был исторический рельеф. Колонна Траяна, например, расположенная к северу от Римского Форума, знаменита своей великолепной, детализированной спиральной барельефной скульптурой, которая 23 раза обвивает ствол памятника, повествуя о победе императора Траяна в дакийских войнах. Сам ствол имеет высоту 30 метров и ширину 4 метра и построен из 20 массивных блоков каррарского мрамора, каждый весом 40 тонн. Арка Тита является ещё одним прекрасным примером исторического рельефа.

Наконец, невозможно оценить римскую скульптуру, не упомянув о роли римских художников в копировании оригинальных греческих статуй, большинство из которых исчезли. Без этих копий греческое искусство вряд ли получило бы заслуженное признание, а итальянский Ренессанс (а значит, и вся история западного искусства) был бы совсем другим.

Римские скульптуры, которые стоит оценить

Август из Прима-Порта (I в. до н.э.), мрамор, Музеи Ватикана.
Алтарь Мира (Ара Пацис) (9 г. до н.э.), мрамор, Музей Ара Пацис, Рим.
Император Клавдий в образе Юпитера (41–54 гг. н.э.), мрамор, Музей Пио-Клементино.
Тибр (90–140 гг. н.э.), мрамор, Лувр, Париж.
Колонна Траяна (113 г. н.э.), мрамор, Рим.
Геракл Лансдаун (около 125 г. н.э.), мрамор, Музей Гетти, Калифорния, США.
Кентавр, укрощаемый Амуром (около 150 г. н.э.), мрамор, Лувр.
Танцоры Боргезе (II в. н.э.), мрамор, Лувр.
Аталанта (II в. н.э.), мрамор, Лувр.
Саркофаг Людовизи (251 г. н.э.), Национальный музей Рима.
Тетрархи (около 300 г. н.э.), порфир, Базилика Сан-Марко, Венеция.
Колоссальная голова императора Константина Великого (324 г. н.э.), Капитолийский музей.

Как оценить готическую скульптуру (около 1150–1300 гг., в Германии — до 1500 г.)

Готическое искусство было первым стилем, который объединил скульптуру, витражное искусство и архитектуру, что особенно ярко проявилось в великих соборах Шартра, Амьена, Реймса и Парижа. На смену массивности романского искусства пришла новая устремлённость линий вверх. Высокие своды и контрфорсы в готическом стиле позволили прорезать стены огромными окнами, заполненными великолепными витражами, чья красота превосходила всё виденное ранее. Развитие готической скульптуры было неразрывно связано с появлением новых архитектурных форм. Церковь возводила множество готических соборов, каждый из которых нуждался в украшении соответствующим христианским искусством. Снаружи это были скульптурные рельефы и статуи-колонны; внутри – резные купели, кафедры, статуи и рельефы. Вокруг порталов и дверных проёмов скульпторы высекали сонмы апостолов, пророков и святых вместе с членами Святого семейства. Стилистически готическая скульптура была мягче, реалистичнее и в целом человечнее, чем суровая романская скульптура. Например, фигура Христа над главным входом в Шартрский собор невероятно пластична и реалистична, что делает образ сострадательным и близким зрителю.

Стиль высокой готики также зародился во Франции, откуда распространился в Италию, Германию, Нидерланды и другие страны. Используя более сложный, витиеватый стиль, большинство скульпторов поздней готики работали не над архитектурным декором, а над частными гробницами и памятниками. Взгляните, например, на погребальные скульптуры в Вестминстерском аббатстве, где памятники из пурбекского мрамора, бронзы, алебастра и фристона соседствуют с мозаичными полами и гробницами, выполненными итальянскими мастерами, нанятыми королём Генрихом III. Поздняя готика приобрела классический оттенок в Италии, где скульпторы ориентировались на греческие и римские модели, и более эмоциональный — в Германии. Там такие мастера, как Фейт Штосс и Тильман Рименшнейдер, сосредоточились на страданиях Христа, а не на формальных условностях (см., например, Пьету Рёттгена, около 1300 г., Рейнский краевой музей, Бонн). Кроме того, именно в готическую эпоху скульпторы начали добиваться индивидуального признания.

Выдающиеся образцы готической скульптуры можно увидеть в Шартрском соборе (1194–1250); соборе Парижской Богоматери (1163–1345); Реймсском соборе (1211–1275); Амьенском соборе (1220–1270); соборе в Бургосе, Испания (строительство начато около 1221 г.); Кёльнском соборе (строительство начато в 1248 г., завершено в 1880 г.); а также в соборах Сантьяго-де-Компостела, Магдебурга, Трира, Страсбурга, Фрайбурга, Наумбурга, Кентербери, Солсбери, Эксетера, Винчестера, Вестминстерском аббатстве и многих других.

Готические скульптуры для оценки

Кроме изучения огромного количества архитектурной скульптуры соборов, можно также оценить следующие отдельные произведения.

Страшный суд (около 1210 г.), южный трансепт собора Нотр-Дам, Париж.
Скульптуры западного фасада Уэлского собора (около 1230 г.), Уэлс, Великобритания.
Распятие (после 1242 г.), Хальберштадтский собор.
Скульптуры западной алтарной преграды (около 1250 г.), Наумбургский собор.
Мраморная кафедра (1265–1268), Сиенский собор. Автор Никола Пизано.
Триптих Преславной Девы (около 1290 г.), Музей Клюни, Париж.
Богоматерь Жанны д’Эврё (1324–1339), серебро, эмаль, золото, жемчуг, Лувр.
Алтарь Святой Марии (1477–1489), Мариацкий костёл, Краков, Польша. Автор Фейт Штосс.
Алтарь Святой Крови (1499–1504), церковь Св. Иакова, Ротенбург-об-дер-Таубер. Автор Тильман Рименшнейдер.

Известные готические скульпторы

Никола Пизано (ок. 1206–1278); Джованни Пизано (1250–1314); Арнольфо ди Камбио (ок. 1240–1310); Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290–1339); Андреа Пизано (1295–1348); Филиппо Календарио (до 1315–1355); Андре Боневё (ок. 1335–1400); Клаус Слютер (ок. 1340–1406); Фейт Штосс (ок. 1447–1533); Тильман Рименшнейдер (1460–1531). Биографии выдающихся готических скульпторов см.: Величайшие скульпторы.

Как оценить скульптуру эпохи Возрождения (около 1400–1600 гг.)

Искусство Возрождения, особенно скульптура, было основано на новом витке интереса к античному искусству. Скульпторы Ренессанса, хотя и работали в основном над религиозными сюжетами, были вдохновлены гуманистической верой в благородство человека. Поэтому человеческое тело, особенно обнажённое мужское, стало излюбленным объектом изображения. Однако, чтобы лучше оценить итальянскую скульптуру эпохи Возрождения, следует помнить, что многие итальянские художники находились под сильным влиянием мастерства, реализма и эмоциональности готических произведений. Несмотря на это, скульпторы раннего Возрождения добились заметных нововведений: например, они наделили свои статуи более глубокими эмоциями (см. «Давида» Донателло, 1440–1443 гг., Барджелло, Флоренция) и наполнили их новой энергией и смыслом. Они были первыми, кто возродил жанр конной статуи. Пять ведущих скульпторов раннего Возрождения — это Якопо делла Кверча (ок. 1374–1438), Лоренцо Гиберти (1378–1455), Донателло (1386–1466), Антонио дель Поллайоло (1432–1498) и Андреа дель Верроккьо (1435–1488). В частности, обратите внимание на энергичный и даже брутальный характер фигур Донателло, которые порой кажутся грубыми и необработанными. Но см. также: Давид Донателло. См. также Конную статую Бартоломео Коллеони Верроккьо (1480–1495, Кампо Санти-Джованни э Паоло, Венеция). Получивший образование ювелира, Поллайоло был наследником «жилистого» экспрессионизма Донателло: см., например, его скульптурную группу «Геракл и Антей» (1470, Национальный музей Барджелло, Флоренция).

Вершиной скульптуры эпохи Высокого Возрождения стало творчество Микеланджело (1475–1564). По словам историка искусства Энтони Бланта, работы Микеланджело, такие как «Пьета» (1497–1499, собор Святого Петра, Рим), «Давид» (1501–1504, Галерея Академии, Флоренция) и «Умирающий раб» (1513–1516, Лувр), обладали не только «сверхчеловеческими качествами», но и «чувством мрачной тревоги, отражающей трагедию человеческой судьбы». Мраморные статуи Микеланджело, безупречные по красоте, отражают его абсолютное техническое мастерство. В изображении героической мужской натуры он остаётся непревзойдённым художником. К 29 годам он уже создал два величайших произведения в истории скульптуры. Другие важные мастера Высокого Возрождения — венецианец Якопо Сансовино (1486–1570) и флорентиец Баччо Бандинелли (1493–1560). К северу от Альп работали такие известные скульпторы, как Ганс Мульчер (ок. 1400–1467); Джорджо да Себенико (ок. 1410–1475); Мишель Коломб (ок. 1430–1512); Грегор Эрхарт (ок. 1460–1540), а также упомянутые выше Штосс и Рименшнейдер. Биографии выдающихся скульпторов эпохи Возрождения см.: Величайшие скульпторы.

Другие скульптуры эпохи Возрождения, которые стоит оценить

Святой Марк (1411), Орсанмикеле, Флоренция. Автор Донателло.
Пророк Аввакум (1426), Музей собора, Флоренция. Автор Донателло.
Врата Рая (1425–1452), Флорентийский баптистерий. Автор Лоренцо Гиберти.
Конная статуя Гаттамелаты (1444–1453), Падуя. Автор Донателло.
Кающаяся Мария Магдалина (ок. 1455), Национальный музей Барджелло. Автор Донателло.
Оплакивание мёртвого Христа (1463), Болонья. Автор Никколо дель Арка.
Геракл и Антей (1470), Национальный музей Барджелло. Автор Антонио дель Поллайоло.
Давид (ок. 1475), Национальный музей Барджелло. Автор Андреа дель Верроккьо.
Неверие святого Фомы (1483), Орсанмикеле. Автор Андреа дель Верроккьо.
Венера и Амур (около 1550 г.), Музей Гетти, Калифорния. Автор Якопо Сансовино.

Как оценить скульптуру маньеристов (1530–1600)

По сравнению с гармонией и равновесием произведений Высокого Возрождения, скульптура маньеризма была более экспрессивной и преувеличенной, что отчасти отражало нестабильность Европы, раздираемой религиозными конфликтами. Различные художественные импульсы маньеризма лучше всего иллюстрирует творчество Джамболоньи (1529–1608), чья бессмертная работа «Похищение сабинянок» (1581–1583, Пьяцца делла Синьория, Флоренция) обладает потрясающей выразительностью; и Бенвенуто Челлини (1500–1571) – см., например, его «Персея с головой Медузы» (1545–1554, Пьяцца делла Синьория, Флоренция). Однако сравните это с тихой выразительностью лежащей Святой Цецилии (1600, Санта-Чечилия-ин-Трастевере, Рим) Стефано Мадерно (1576–1636). Другие скульпторы-маньеристы, достойные изучения, – это Хуан де Хуни (1507–1577) и Алонсо Берругете (ок. 1486–1561), которые принесли идеи Ренессанса и маньеризма в Испанию, и Франческо Приматиччо (1504–1570), который сделал то же самое для Франции в школе Фонтенбло, основанной при Франциске I. Среди лучших французских скульпторов того периода: Жан Гужон (ок. 1510–1568), Жермен Пилон (1529–1590), Бартелеми Приёр (1536–1611) и Адриан де Врис (1560–1626).

Другие скульптуры маньеристов, которые стоит оценить:
Погребение Христа (1541–1544), Национальный музей скульптуры, Вальядолид. Автор Хуан де Хуни.
Солонка Франциска I («Сальера») (1543), Музей истории искусств, Вена. Автор Бенвенуто Челлини.
Декор в комнате герцогини д’Этамп (1544), дворец Фонтенбло. Автор Приматиччо.
Фонтан Нептуна (1559–1575), Пьяцца делла Синьория. Автор Бартоломео Амманати.
Меркурий (1564–1580), Национальный музей Барджелло, Флоренция. Автор Джамболонья.
Скорбящая Богоматерь (1585), Лувр, Париж. Автор Жермен Пилон.
Меркурий и Психея (1593), Лувр, Париж. Автор Адриан де Врис.
Вздыбленная лошадь (1615), Музей Гетти, Калифорния. Автор Адриан де Врис.

Как оценить скульптуру барокко (ок. 1600–1700)

В эпоху барокко доминировало религиозное искусство. Скульптура барокко, будучи частью пропагандистской кампании католической Контрреформации, была призвана вдохновлять верующих впечатляющими сценами из католической доктрины и тем самым побуждать их вернуться в лоно истинной Церкви. Чтобы лучше всего оценить искусство барокко, внимательно посмотрите на работы Джованни Лоренцо Бернини (1598–1680), величайшего мастера своего времени. Среди его лучших работ – «Экстаз святой Терезы» (1647–1652, капелла Корнаро, Рим); «Плутон и Прозерпина» (1621–1622, Галерея Боргезе, Рим); «Аполлон и Дафна» (1622–1625), Галерея Боргезе, Рим; и «Смерть блаженной Людовики Альбертони» (1671–1674, Сан-Франческо-а-Рипа, Рим). Обратите внимание на то, как фигуры и драпировки Бернини словно парят в воздухе и как он обрабатывает твёрдые материалы, будто они абсолютно пластичны. Среди других важных скульпторов барокко были более сдержанный Алессандро Альгарди (1598–1654), фаворит папы Иннокентия X, и фламандский скульптор Франсуа Дюкенуа (1594–1643), чьи классицизирующие работы были полной противоположностью динамике Бернини. Во Франции этот стиль представляли Франсуа Жирардон (1628–1715), работавший в сдержанной манере, близкой к Альгарди, более свободный в творчестве Антуан Куазевокс (1640–1720) и менее последовательный, но порой более яркий Пьер Пюже (1620–1694). В Испании достойны изучения Хуан Мартинес Монтаньес (1568–1649) и Алонсо Кано (1601–1667), а в Германии обратите внимание на работы Андреаса Шлютера (1664–1714).

Скульптуры в стиле барокко, которые стоит оценить

Святой Себастьян (1600), Сан-Сальваторе, Венеция. Автор Алессандро Витториа.
Благовещение (1608), Орвието. Автор Франческо Моки.
Главный алтарь (1616), Мюнстер, Юберлинген, Германия. Автор Йорг Цюрн.
Святая Сусанна (1633), Санта-Мария-ди-Лорето, Рим. Автор Франсуа Дюкенуа.
Надгробие папы Льва XI (1634–1644), собор Святого Петра, Рим. Автор Альгарди.
Экстаз святого Филиппа Нери (1638), Санта-Мария-ин-Валличелла. Автор Альгарди.
Папа Лев I останавливает Аттилу (1646–1653), собор Святого Петра. Автор Альгарди.
Кающаяся Мария Магдалина (1664), Вальядолид, Испания. Автор Педро де Мена.
Аполлон, обслуживаемый нимфами (1666–1672), Версаль. Автор Франсуа Жирардон.
Фонтан Аполлона (1671), Версальский дворец. Автор Жан-Батист Тюби.
Милон Кротонский (1671–1682), Лувр, Париж. Автор Пьер Пюже.
Конная статуя курфюрста Фридриха Вильгельма (1708), Берлин. Автор Андреас Шлютер.
Похищение Прозерпины (1710), Музей Гетти, Калифорния. Автор Франсуа Жирардон.

Пришедший ему на смену причудливый стиль рококо (около 1700–1789 гг.) просуществовал недолго. Его яркими представителями были Гийом Кусту (1677–1746), Жан-Батист Пигаль (1714–1785), фаворит мадам де Помпадур, и его главный соперник Этьен-Морис Фальконе (1716–1791), который специализировался на эротических фигурах с несколько вольной интерпретацией эллинистических образцов. Немецкое рококо в скульптуре воплотил дрезденский мастер Бальтазар Пермозер (1651–1732). В конце 1780-х годов рококо был сметён идеалами Французской революции, которые заложили основу для более серьёзного и строгого стиля неоклассицизма.

Как оценить неоклассическую скульптуру (расцвет около 1790–1830 гг.)

Неоклассическая скульптура вновь подчеркнула ценность героизма, долга и гражданственности. Чтобы лучше понять неоклассицизм, стоит вспомнить слова выдающегося немецкого историка искусства Иоганна Винкельмана (1717–1768), который считал, что искусство должно избегать крайних страстей и выразительности, являя собой образец благородной сдержанности. Несомненно, величайшим и самым влиятельным скульптором неоклассицизма был Антонио Канова (1757–1822), среди заказчиков которого были Наполеон Бонапарт, Екатерина Великая и австрийский император Франциск II. Его самой знаменитой скульптурой была, вероятно, монументальная статуя обнажённого Наполеона в образе Марса-миротворца (1802–1806) – см. либо оригинальный мрамор (Веллингтонский музей, Лондон), либо бронзовую копию в Пинакотеке Брера в Милане. Также внимательно посмотрите на «Тесея и Минотавра» (1781–1783, Музей Виктории и Альберта, Лондон) и портрет Полины Боргезе в образе Венеры (1804–1808, Галерея Боргезе, Рим).

Среди других неоклассических скульпторов, заслуживающих внимания: австрийский портретист Франц Ксавер Мессершмидт (1736–1783), известный своими карикатурными бюстами «Характерные головы»; французский реалист Жан-Антуан Гудон (1741–1828); беззаботный французский скульптор малых форм Клодион (1738–1814); а также известные английские художники Джозеф Ноллекенс (1737–1823), Джон Флаксман (1755–1826) и сэр Ричард Уэстмакотт (1775–1856). К концу XVIII века датский скульптор Бертель Торвальдсен (1770–1844) показал себя достойным преемником Кановы в своём преклонении перед греческими формами. О том, как развивалось объёмное искусство в Ирландии, см.: Ирландская скульптура: история, скульпторы.

Другие неоклассические скульптуры для оценки

Венера (1773), Музей Гетти, Лос-Анджелес. Автор Джозеф Ноллекенс.
Портрет Вольтера (1781), Комеди-Франсез. Автор Жан-Антуан Гудон.
Аполлон, венчающий себя (1781), Музей Гетти, Калифорния. Автор Антонио Канова.
Повешенный (1770–1783), Вена. Автор Франц Ксавер Мессершмидт.
Атамант, впавший в безумие (1790), Икворт, Великобритания. Автор Джон Флаксман.
Амур и Психея (1787–1793), Лувр, Париж. Автор Антонио Канова.
Кающаяся Магдалина (1796), Палаццо Бьянко, Генуя. Автор Антонио Канова.
Персей с головой Медузы (1797–1801), Музеи Ватикана. Автор Канова.
Конная статуя Иосифа II (1795–1806), Вена. Автор Франц Антон фон Цаунер.
Вступление Александра Македонского в Вавилон (1812), Палаццо дель Квиринале, Рим. Автор Бертель Торвальдсен.
Ясон с золотым руном (1803–1828), Копенгаген. Автор Бертель Торвальдсен.
Христос и двенадцать апостолов (1821–1838), Копенгаген. Автор Бертель Торвальдсен.

Дополнительные ресурсы

Как ценить современную скульптуру
Оценка искусства: Как ценить искусство
Величайшие скульптуры всех времён.

ВИДЫ СКУЛЬПТУРЫ
О бронзе – статуях и рельефах см.: Бронзовая скульптура.
О формах наскальной резьбы см.: Каменная скульптура.
О пентелийском, каррарском и паросском мраморе см.: Мраморная скульптура.
О скульптурах из дерева: Резьба по дереву.

ЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА
Подробнее о различных типах и стилях традиционного искусства см.: Определение искусства.