Colorito (Живопись) в сравнении с Disegno (Рисованием) читать ~4 мин.

В итальянском искусстве эпохи Возрождения термин colorito (от итал. «цвет, окраска»), или «колорито», обозначает приоритет цвета как основного выразительного средства в живописи. Этот принцип был характерен для венецианских художников, которые ставили мастерское владение цветными пигментами и тональными нюансами выше других аспектов изобразительного искусства.

Главной альтернативой ему был принцип disegno (от итал. «рисунок, замысел»), или «дизеньо», который ставил во главу угла искусство рисунка. Сторонники дизеньо считали его основой интеллектуального замысла картины, что ставило рисунок выше простого умения работать с красками. Этот спор об эстетике, разгоревшийся в период Раннего (ок. 1400–1490) и Высокого Возрождения (ок. 1490–1530), продолжался вплоть до XIX века и находил отклик в трудах многих представителей академического искусства.

Дизеньо и колорито: Флоренция против Венеции

Вопрос о первенстве рисунка (disegno) или цвета (colorito) в искусстве решался по-разному во Флоренции и в Венеции. Художники этих двух центров итальянского Ренессанса по-разному подходили к изображению природы, что приводило к созданию произведений, отличавшихся не только техникой, но и самой концепцией. В эпоху флорентийского Возрождения художники искали вдохновение в гуманизме и гармонии классической античности. Для них дизеньо — рисунок и замысел — был отправной точкой творчества и главным средством для реалистичного изображения натуры.

У художников эпохи Возрождения в Венеции был иной взгляд. Их могущественная республика, благодаря морской торговле, имела тесные связи с византийским искусством, известным мерцающими золотыми мозаиками и иконами, со своими особыми канонами изображения. Поэтому неудивительно, что венецианское искусство развивалось в русле колористического подхода. Этому способствовала и активная торговля цветными пигментами, такими как ультрамарин (лазурит), киноварь, индийский лак, вердигрис и индиго. (См. также: Цветовая палитра эпохи Возрождения.) Влажный климат города также благоприятствовал масляной живописи, позволявшей добиваться сложных цветовых и тональных эффектов, в отличие от фрески и темперы. См. также: Наследие венецианской живописи в европейском искусстве.

Для достижения наибольшего натурализма венецианские живописцы придавали первостепенное значение цвету. По их мнению, без него невозможно правдиво передать эффекты света и, следовательно, подлинный облик предметов. Венецианская школа живописи уделяла большое внимание процессу наложения и смешивания красок для достижения сияющего богатства палитры. Ярким примером, иллюстрирующим разницу между дизеньо и колорито, служат венецианские алтарные образы (ок. 1500–1600). См. также краткий обзор: Живопись Тициана и венецианский колорит (ок. 1500–1576).

ФЛОРЕНЦИЯ ПРОТИВ ВЕНЕЦИИ: в двух словах
Для художников флорентийского Возрождения картина состояла из формы и цвета; для венецианцев она была сочетанием формы с цветом. Для флорентийцев цвет был качеством, которое добавлялось к рисунку. Для венецианцев он был от рисунка неотделим. См: Венецианская живопись.

См. также наше эссе по изобразительному искусству «Как ценить картины».

Флорентийские художники — мастера дизеньо

По словам известного флорентийского художника и биографа Джорджо Вазари (итал. Giorgio Vasari; 1511–1574), дизеньо (рисунок) является «отцом трёх наших искусств — архитектуры, скульптуры и живописи». Это мнение идеально отражает взгляды художников Флоренции и Центральной Италии, использовавших рисунок как средство анализа и познания анатомии человека и мира природы. Они начинали работу над композициями с детальных предварительных набросков, которые затем переносили на основу для живописи. Эту технику отточили такие флорентийские мастера, как Паоло Уччелло (ок. 1397–1475), Пьеро делла Франческа (ок. 1415–1492), Андреа дель Кастаньо (ок. 1421–1457), Сандро Боттичелли (1444–1510), Джованни Анджело ди Антонио (известный как Фра Карневале; ок. 1420–1484), Леонардо да Винчи (1452–1519); скульпторы Донателло (1386–1466), Андреа дель Верроккьо (1435–1488) и Микеланджело (итал. Michelangelo Buonarroti; 1475–1564); а также архитекторы Филиппо Брунеллески (1377–1446) и Леон Баттиста Альберти (1404–1472). Тем не менее и во Флоренции были мастера, уделявшие особое внимание цвету. Примером служит Доменико Венециано (ок. 1410–1461), чьё творчество, испытавшее венецианское влияние, стало важным вкладом в живопись флорентийской школы. Его знаменитый алтарь Святой Лючии (ок. 1445–1447, Галерея Уффици) — шедевр флорентийской живописи, демонстрирующий блестящее владение цветом. (См. также: Лучшие рисунки эпохи Возрождения).

Венецианские художники — мастера колорито

Венецианские художники, напротив, зачастую разрабатывали композиции прямо на холсте. Для определения формы они предпочитали использовать не чёткие линии, а наслоения цветных мазков, что предвосхитило технику импрессионизма XIX века. Даже в венецианских набросках виден интерес к тому, как свет воздействует на объект и как цвет передаёт его форму. Утверждая превосходство колорито над дизеньо, венецианская школа рассматривала рисунок лишь как подготовительный этап к главной задаче — поиску и нанесению правильного цвета. Если во Флоренции главным поборником дизеньо и интеллектуального подхода к искусству почитали Микеланджело, то в Венеции «апостолом» колорито и натурализма считался Тициан (итал. Tiziano Vecellio; ок. 1488/1490–1576). Его последователями были другие выдающиеся мастера, такие как Джованни Беллини (ок. 1430–1516), Джорджоне (ок. 1477–1510), Тинторетто (1518–1594) и Паоло Веронезе (1528–1588).

Связанные термины см.: Глоссарий цвета в искусстве.