Настурции и танец, Анри Матисс читать ~4 мин.

На полотне Анри Матисса изображена мастерская художника, где яркие цветы настурции визуально сливаются с фрагментом его знаменитой картины «Танец». Это произведение мастерски стирает грань между реальным пространством комнаты и нарисованным миром на холсте.

Название: «Настурции и «Танец»» (Nasturtiums with the Painting "Dance" II)
Художник: Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954)
Техника: Картина маслом на холсте
Жанр: Интерьер
Направление: Фовизм, экспрессионизм
Находится: Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Анри Матисс (Henri Matisse), наряду с Пабло Пикассо (Pablo Picasso) (1881–1973) и Марселем Дюшаном (Marcel Duchamp) (1887–1968), признан одним из ведущих живописцев двадцатого века. Мастер занимался живописью, скульптурой и создавал сценографию для «Русских сезонов» (1920). Начав с пуантилизма, он пришёл к эмоциональной работе с цветом. Матисс возглавил фовизм — авангардное экспрессионистское течение Парижа 1905–1906 годов. Он был видным деятелем Парижской школы. Позже живописец переехал на юг, к солнцу Ниццы и Французской Ривьеры. Там он творил до самой смерти в возрасте 84 лет.

Матисс создал эту работу летом 1912 года в мастерской. Студия примыкала к его дому в Исси-ле-Мулино — тогда небольшом городке в нескольких километрах к юго-западу от Парижа. Усадьбу окружал просторный сад. Однако художник предпочитал писать срезанные растения, стоящие в вазах внутри помещения. Он стремился передать на холсте чувство, вызываемое этими объектами, игнорируя точное копирование их внешнего вида.

Даже пары веток настурции хватало для пробуждения нужного настроения. Летом того же года художника попросили сформулировать его понимание искусства. Матисс указал на столик с цветами и произнёс: “Возьмите этот стол, к примеру, я не буквально рисую этот стол, но эмоцию, которую он во мне вызывает”.

Студия в Исси-ле-Мулино была специально спроектирована для работы с крупными форматами. Свет проникал сквозь большие окна, создавая идеальные условия для смешивания чистых пигментов. Именно здесь Матисс хранил свои масштабные полотна, прислонив их к стенам. Одно из таких полотен стало полноправным участником новой композиции. Автор мастерски использовал приём картины в картине, размывая физические границы объектов.

На скульптурном станке-треноге стоит зелёная ваза. Она переполнена круглыми листьями и цветущими побегами настурций. Оранжевые цветы с красными кончиками огибают форму сосуда, сливаясь с ним в единый узор. Ветви вырываются за пределы ёмкости и спадают вдоль её изгибов.

На заднем плане виднеются три обнажённые фигуры из огромного полотна «Танец» 1909 года. Эта работа стояла у стены мастерской. Фигуры подхватывают ритм вьющихся растений, кружась вокруг ярко-зелёного холма. Настурции словно оживляют танцовщиц, втягивая их в новую сцену. Подставка стола опирается двумя ножками на реальный пол студии. Третья ножка неправдоподобно вторгается в пространство старой картины, касаясь травы нарисованного фона. Фигуры переданы такими же крупными пятнами ярких цветов, как пол и мебель.

Только цветы в вазе сохраняют чёткую привязку цвета к контуру. Лишь сам сосуд и станок видны зрителю полностью. В комнате отсутствуют углы. Стол и холст на фоне фрагментированы, их края срезаны рамой. Самостоятельность этих предметов намеренно приглушена в пользу общей декоративности. Жизненная сила настурций пульсирует через всё пространство. “Картина всегда должна быть декоративной, — говорил Матисс в то лето, — когда я работаю, я никогда не пытаюсь думать, только чувствовать”.

Отказ от строгой перспективы характерен для зрелого творчества мастера. Плоскости сливаются, образуя единое цветовое поле. Зритель теряет ориентацию в пространстве, где трёхмерные объекты обретают двухмерность. Такое решение заставляет глаза свободно скользить по поверхности. Зрительное напряжение создаётся за счёт контраста тёплых оранжевых тонов и холодных сине-зелёных участков.

Полотно «Настурции и «Танец»» — вторая из двух версий одного сюжета, созданных почти одновременно. Первая работа сейчас хранится в Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве. В московском варианте линия пола проведена по диагонали, а краска лежит плотным слоем.

Во второй версии мы видим интерьер строго фронтально. Краска нанесена тонко и свободно. Светлый, нетронутый грунт холста проступает сквозь мазки, формируя контуры вместо тёмных линий первого варианта. Воздушное, наполненное светом пространство заменяет привычную геометрию. Отвечая на вопрос о причинах создания повторения, автор объяснил: “Потому что это естественно; концепция изменилась, здесь я был захвачен цветом”.

Картина стала одной из первых работ живописца, показанных в Америке. В 1913 году её выставили вместе с двенадцатью другими творениями автора на Международной выставке в Нью-Йорке. Знаменитая Арсенальная выставка познакомила местную публику с передовыми современными художниками Европы.

В 1923 году холст приобрёл Скофилд Тейер (Scofield Thayer) — ранний американский сторонник модернизма. Будучи совладельцем и редактором журнала The Dial, он иллюстрировал авангардную литературу репродукциями из личной коллекции. За несколько лет Тейер купил сотни современных картин, скульптур и гравюр. В 1982 году он умер в возрасте девяноста двух лет. По его завещанию Метрополитен-музей получил огромную коллекцию современного искусства, жемчужиной которой стала эта композиция с настурциями.