Христианское искусство

С момента своего зарождения в I веке в Римской империи христианство распространилось по всему миру, став одной из ведущих мировых религий и определив систему ценностей и социальную повестку человечества по меньшей мере до XX века. Возглавляемое сначала Христом и апостолами, оно постепенно сформировало собственную иерархическую организацию — христианскую церковь, которая со временем стала крупнейшим и наиболее влиятельным покровителем искусств.

С самого начала христианская церковь использовала различные виды искусства, чтобы сформировать свою идентичность, укрепить влияние и привлечь последователей. В процессе она разработала собственную христианскую иконографию, опираясь на архитектуру (соборы, церкви, монастыри), скульптуру (статуи Святого Семейства, пророков, апостолов и святых), живопись (запрестольные образы, церковные росписи), декоративное искусство (витражи, мозаики) и иллюминированные рукописи (евангелия, псалтыри). В начале XVI века Церковь заказывала так много произведений библейского искусства, используя деньги от повышенных налогов и продажи индульгенций, что это спровоцировало массовые протесты. Эти протесты переросли в Реформацию и привели к расколу церкви на католическую и протестантскую. Тем не менее можно утверждать, что, по крайней мере на Западе, история искусства — это во многом история христианского искусства.

Историческая справка

В 313 году, после почти трёх столетий гонений (когда искусство было ограничено кольцами, печатями и росписями в катакомбах), христианство наконец получило право на существование. В этом году римские императоры Константин и Лициний издали Миланский эдикт, узаконивший христианское богослужение. Затем, в 380 году, будущее христианства было обеспечено, когда император Феодосий I, последний правитель единой Римской империи, объявил его единственной официальной религией.

В V веке под натиском варваров Римская империя окончательно разделилась на две части: восточную и западную. Восточная, с центром в Константинополе, приняла Восточную православную церковь и прославилась своей иконописью и мозаиками. Западная часть осталась под влиянием Рима и римской церкви. Она пережила расцвет при Карле Великом и Оттонах, а затем полностью восстановила своё влияние благодаря масштабному строительству романских и готических соборов (около 1000 – 1350 гг.). Позже, в 1517 году, немецкий богослов Мартин Лютер начал религиозную революцию, известную как Реформация. Её итогом стало формирование более скромной и менее иерархической формы христианства — протестантизма. С этого времени римскую церковь стали называть Римско-католической. Христианское искусство охватывает традиции католицизма, протестантизма, а также более ранней ветви — Восточной православной церкви.

Раннехристианское искусство в Риме (около 150 – 450)

До легализации христианства в 313 году раннехристианское искусство было немногочисленным. Оно включало фрески на стенах некоторых катакомб (захоронений за пределами городских стен) и в местах собраний, так называемых «домашних церквях»; несколько простых архитектурных сооружений (мартириев), возведённых над могилами мучеников; а также саркофаги с вырезанными эмблемами или рельефами, изображающими Иисуса, Марию и других библейских персонажей. В те ранние времена, когда христиан преследовали, большая часть христианского римского искусства оставалась частью подпольной культуры. Более того, христианство (вместе с его образами) всё ещё развивалось, превращаясь из тайного общества, символы которого были понятны лишь посвящённым, в общественную организацию с общедоступной иконографией. Поэтому поначалу христианская живопись и раннехристианская скульптура использовали мотивы как римского, так и греческого искусства: например, образ «Христа во славе» происходит от римских имперских портретов и изображений греческого бога Зевса. Потребовались столетия, чтобы христианская иконография была стандартизирована и приведена в соответствие с библейскими текстами (канонизирована).

Когда христианство было узаконено, потребность в религиозном искусстве резко возросла. Началось строительство новых церквей, в основе архитектурного дизайна которых лежала римская базилика, ранее использовавшаяся для гражданского управления и правосудия. Типичная базилика имела центральный неф, один или несколько боковых нефов и полукруглую или многоугольную апсиду на одном конце, перекрытую полукуполом. В апсиде располагался пресвитерий с возвышением для епископа и священников, а также алтарь. Также проектировались и строились баптистерии для совершения обрядов, в первую очередь крещения, поскольку некрещёные не могли входить в христианскую базилику.

Большая часть внутреннего убранства этих новых зданий была выполнена мозаикой, хотя встречались и фрески. Скульптурное оформление саркофагов стало более сложным, часто иллюстрируя множество сцен из Библии. Однако отдельно стоящие скульптуры почти не использовались из-за опасений создания языческих идолов. Поэтому стандартом была рельефная скульптура, в основном из камня. Другим популярным видом искусства стала резьба по слоновой кости. В целом IV век ознаменовался большим шагом в развитии искусства: стали использоваться более дорогие материалы и развиваться подробные повествовательные циклы, как, например, в мозаиках Санта-Мария-Маджоре в Риме и в церквях Равенны V века. Кроме того, в V веке в христианских изображениях большее значение стали придавать религиозному смыслу, а не реализму. Таким образом, реалистичная перспектива, пропорции, цвет и свет отошли на второй план, уступив место стандартизированным условностям и символам при изображении библейских персонажей и событий.

Византийское искусство: иконы, мозаика, архитектура (около 450 – 1450)

Византийское искусство, то есть искусство Восточной православной церкви, стало первой по-настоящему расцветшей формой христианского искусства. Оно зародилось в Константинополе (ранее Византий, ныне Стамбул) — столице Восточной Римской империи. Будучи выражением теократического государства, христианское византийское искусство специализировалось на архитектуре, мозаике, настенной росписи и иконописи. Византийские мастера также преуспели в создании ювелирных украшений, работе с золотом и слоновой костью, а также создали самые ранние иллюминированные рукописи (кодексы).

По мере упадка Рима росло могущество Константинополя. В 535 году войска Юстиниана I (482 – 565), византийского императора, правившего с 527 по 565 год, вторглись в Италию (в основном занятую варварами) и в 540 году захватили Равенну, которая стала резиденцией византийского правительства в Италии. С 540 по 600 год по инициативе экзарха Равенны в городе и его портовом пригороде Классе была запущена масштабная программа строительства церквей, включая базилику Сан-Витале и базилику Сант-Аполлинаре-ин-Классе. Базилика Сан-Витале сочетает в себе римский купол, дверные проёмы и ступенчатые башни с византийской многоугольной апсидой, капителями и узкими кирпичами. Она всемирно известна своими византийскими мозаиками, которые считаются наиболее хорошо сохранившимися за пределами Константинополя. Подробнее см.: Мозаики Равенны (около 400 – 600).

Своих отличительных черт византийская архитектура достигла во времена правления Юстиниана. При нём в Константинополе были построены четыре главные церкви: Святых Сергия и Вакха (начало 526 г.), Святой Ирины (начата в 532 г.), Святых Апостолов (536 – 546), чей проект был воспроизведён в соборе Святого Марка в Венеции, и самая большая из них — собор Святой Софии (532 – 537 гг.), который был преобразован в мечеть в 1453 году, а ныне является музеем. Увенчанный массивным куполом, вес которого передавался на угловые опоры через революционные вогнутые треугольные элементы из камня, называемые парусами, и украшенный золотой мозаикой и разноцветным мрамором, собор Святой Софии стал кульминацией римской инженерной мысли и главным источником вдохновения для более поздних построек на Ближнем Востоке, включая Голубую мечеть.

Мозаичное искусство было важнейшей чертой византийского искусства на протяжении почти тысячи лет и по своему значению сопоставимо со скульптурой в Древней Греции или алтарной живописью в Венеции XVI века. Мерцающие при свечах и часто украшенные сусальным золотом, эти изысканные композиции из стекла подчинялись строгим правилам в отношении цвета, размера и построения. Мозаика преследовала две основные цели: украшать дом Господень (и вызывать благоговение у зрителя), а также обучать неграмотных верующих основам Евангелия. Отдельные части мозаики (тессеры) часто намеренно размещались под разными углами, чтобы создать игру света и цвета.

Быстрый рост арабского могущества в VII веке и связанные с этим экономические трудности Византийской империи привели к переоценке арабской культуры и исламского искусства. В VIII (726 – 787) и IX (814 – 842) веках это привело к «иконоборчеству» — периоду, когда был наложен запрет на все фигуративные произведения искусства. Это вызвало сильное недовольство византийских мастеров-мозаичистов. Многие противники иконоборчества эмигрировали в Рим. Другие, как ни парадоксально, отправились в арабские города, где создали одни из самых прекрасных абстрактных мозаик. Примерами могут служить мозаики в мечети Купол Скалы (688 – 691, Иерусалим) и Великой мечети Омейядов (715, Дамаск).

Сегодня Равенна остаётся лучшим и практически единственным местом, где сохранились византийские мозаики. Среди них: «Христос — Добрый пастырь» (450, мавзолей Галлы Плацидии); «Крещение Христа» (VI век, Арианский баптистерий); «Императрица Феодора» (547, базилика Сан-Витале); «Христос перед Понтием Пилатом» (550, Сант-Аполлинаре-Нуово). В Стамбуле стоит увидеть мозаики в Южной галерее (около 1260 г.) собора Святой Софии и «Успение Богородицы» (1310, церковь монастыря Хора). За пределами бывшей Византийской империи, в Салониках, можно посмотреть мозаики в базилике Святого Димитрия (650 г.), а в Венеции — выдающиеся мозаики апсиды начала XII века в соборе на острове Торчелло.

Настенная роспись была значительно дешевле мозаики и поэтому предназначалась для более бедных церквей. Однако по мере роста экономических трудностей эта альтернатива становилась всё более распространённой. Для росписей были характерны крупномасштабные «архитектурные» композиции — византийские художники-монументалисты обычно использовали всю стену как «холст», наполняя её повествовательными деталями без строгого соблюдения единства времени и места. Известные сохранившиеся византийские фрески: росписи в погребальной камере (450 – 500) в Никее (Изник); «Оплакивание Христа» (1164, церковь Святого Пантелеимона, Нерези, Македония); «Распятие» (1209, церковь Святых Иоакима и Анны, Студеница, Сербия).

Учитывая теократический характер византийской культуры, неудивительно, что она больше известна своими иконами, чем фресками. Эти небольшие переносные панно-диптихи (иногда называемые «путевыми иконами») с изображением Иисуса Христа, Девы Марии или святых, впервые появившиеся в начале IV века, были чрезвычайно популярны. Ими заполняли церковные алтарные преграды (иконостасы) и частные дома. После победы иконопочитателей над иконоборцами в 842 году производство икон резко возросло, а техника иконописи распространилась в Греции и на Руси, особенно в Киеве, Новгороде и Москве. К известным образцам византийских икон относятся: «Богоматерь Одигитрия» (середина V века, монастырь Одигон, Константинополь, ныне утрачена); «Святой Пётр» (около 550, монастырь Святой Екатерины, гора Синай); «Святой Михаил» (около 950 – 1000, сокровищница Сан-Марко, Венеция); «Владимирская икона Божией Матери» (около 1131, Третьяковская галерея, Москва); «Донская икона Божией Матери» (около 1380, Третьяковская галерея, Москва) Феофана Грека, основателя новгородской школы иконописи (около 1100 – 1500); и «Богоматерь Одигитрия» (1502 – 1503) Дионисия, одного из первых мастеров московской школы живописи (около 1500 – 1700).

Византийская христианская книжная иллюстрация, по-видимому, зародилась в конце V века с Евангелий Гаримы (недавно датированных 390 – 660 гг.). Среди других древних христианских иллюстрированных рукописей — Евангелие Раввулы (около 586, Лаврентьевская библиотека, Флоренция). Обе рукописи, вероятно, были созданы в сирийском или иерусалимском монастыре.

Средневековое христианское искусство: иллюминированные рукописи (450 – 1200)

С падением Рима и распадом Римской империи Западная Европа вступила в Тёмные века (около 400 – 800) — период политической нестабильности и культурного застоя. Единственной объединяющей силой оставалось христианство, но после разграбления Рима его влияние было ограничено. Христианская культура продолжала процветать лишь в Ирландии, отрезанной от континентальной Европы. Фактически ирландское монашеское искусство сыграло решающую роль в сохранении идей классической античности и библейского учения. В искусстве раннего Средневековья в Ирландии доминировало создание иллюминированных рукописей, таких как «Катах» святого Колумбы (около 610), Книга из Дарроу (около 650 – 680), Евангелие из Личфилда (около 730), Евангелие из Эхтернаха (690 – 715), Линдисфарнское Евангелие (698) и потрясающая Келлская книга (около 800). Из-за сильной традиции кельтского искусства большинство ирландских иллюстраторов использовали абстрактные кельтские узоры, а не фигуративные изображения, которые предпочитали континентальные художники.

Используя навыки, унаследованные от традиций кельтской металлообработки, ирландские монастыри также производили высококачественную церковную утварь, например чашу из Арды (VIII – IX век, Национальный музей Ирландии), украшенную в стиле латенского искусства.

Третьим видом христианского искусства, появившимся в Ирландии в Средние века, была скульптура высоких крестов (около 750 – 1150 гг.). Это были каменные монументы различного размера, основанные на кельтском кресте. Эти памятники, украшенные абстрактными узорами или повествовательными сценами из Библии (редко и тем и другим), представляют собой важнейший корпус отдельно стоящей скульптуры, созданный в период между падением Рима (около 450 г.) и началом итальянского Возрождения (около 1400 г.).

Средневековое христианское искусство на континенте развивалось схожим образом, хотя и с некоторым опозданием. Каролингское искусство (около 750 – 900), например, в королевстве Карла Великого, было вдохновлено византийскими, а не ирландскими образцами. Монастырские скриптории в Ахене, Париже, Реймсе, Меце и Туре создали прекрасные образцы средневековой живописи, такие как «Евангелистарий Годескалька» (около 783), «Утрехтская псалтырь» (около 830) и «Великая Библия» (около 840). На смену каролингскому влиянию пришло оттоновское искусство при императорах Священной Римской империи Оттоне I, II и III (900 – 1050). Вдохновлённое каролингскими техниками и византийскими элементами, такими как использование сусального золота, оттоновское искусство славилось богато украшенными рукописями, включая «Перикопы Генриха II» (около 1010), «Бамбергский Апокалипсис» (около 1020), «Кодекс Хитды» (около 1025) и «Золотой кодекс из Эхтернаха» (около 1053). См. также: Немецкое средневековое искусство (около 800 – 1250).

Новая христианская архитектура также появилась при Карле Великом — см., например, надвратную капеллу Лоршского монастыря (792 – 805) и Палатинскую капеллу в Ахене (800) — и при Оттонах — см. церковь Святого Кириака в Гернроде (961) и Бамбергский собор (начало строительства в 1004 г.).

Кроме того, на континенте возродились ювелирное дело и обработка драгоценных металлов, а также скульптура. Однако средневековая скульптура (по крайней мере, при Оттонах) была сосредоточена на церковной утвари — алтарях, гробницах, дверях, подсвечниках, а не на украшении архитектуры. Создавались и фрески, такие как «Воскрешение дочери Иаира» и «Исцеление кровоточивой женщины» (около 980, церковь Святого Георгия, Райхенау).

Романская церковная архитектура (около 1000 – 1150)

Оттоновская архитектура и культура во многом пересекаются с романским искусством — термином, который описывает новый общеевропейский стиль христианской архитектуры. Это была первая крупная кампания по строительству церквей, инициированная Римом и новыми монашескими орденами. Она охватывала соборы, аббатства и приходские церкви. (В Великобритании романский стиль известен как нормандская архитектура.) Романская архитектура была во многом вдохновлена классическими римскими образцами и характеризовалась новой монументальностью, отражая растущую стабильность эпохи и возрождение европейской христианской культуры после нескольких столетий упадка.

К наиболее известным романским церквям и религиозным сооружениям относятся: церковь Клюни II (981, Бургундия); монастырская церковь Сан-Пере-де-Родес (1022, Каталония); аббатская церковь Святого Михаила в Хильдесхайме (1033, Германия); собор в Или (1080, Англия); Пизанский собор (после 1083, Италия); монастырь Гранд-Шартрёз (1084, Гренобль); Даремский собор (после 1093, Англия); Шпайерский собор (1106, Германия); аббатская церковь Сент-Фуа (1120, Франция); баптистерий Сан-Джованни во Флоренции (1128, Италия); церковь Клюни III (1130, Франция); Майнцский собор (1137, Германия); Крак-де-Шевалье (после 1142, Хомс, Сирия); церковь аббатства Фонтене (1147, Франция); Вормсский собор (1200, Германия); базилика Святой Марии Магдалины в Везле (1215).

Романской архитектуре приходилось справляться с растущим числом паломников, посещавших места хранения святых реликвий по всей Европе. Во Франции и Испании, например, строились массивные церкви, чтобы вместить огромные толпы верующих на пути Святого Иакова (Камино де Сантьяго) — маршруте паломничества к собору в Сантьяго-де-Компостела (1075 – 1211) в Галисии, на северо-западе Испании, где хранятся мощи апостола Иакова. Другие романские церкви на этом пути включали паломническую церковь Сент-Этьен (1063, Невер) и базилику Сен-Сернен (1120, Тулуза).

Для украшения своих церквей романские архитекторы использовали витражи, фрески и скульптуру.

Производство витражей было сосредоточено в таких центрах, как Рейнская область (Германия), Иль-де-Франс и Пуатье. Впервые обрамлённые свинцом, композиции основывались на сильных цветовых контрастах (синий, насыщенный красный, жёлтый). (См. также: Витражи: материалы и методы.) Известные примеры — «Пророк Осия» (1130, южная стена Аугсбургского собора) и «Распятие Христа» (1165, собор в Пуатье). Фрески, как и в византийских церквях, использовались для обучения неграмотных прихожан. Их стиль, как правило, был динамичным и оживлённым, а испанские художники создавали фрески с чертами романского и исламского искусства. Скульптура размещалась в основном на фасадах церквей и отличалась статичным, несколько скованным стилем. Самым известным романским художником был, вероятно, скульптор Гислеберт (работал в 1120 – 1135 гг.), известный своими рельефами на порталах собора Святого Лазаря в Отёне.

Готическая архитектура и книжная живопись (около 1150 – 1375)

Готическое искусство также было тесно связано с христианской архитектурой и возрождением интереса к науке и математике, особенно к евклидовой геометрии. Если романский стиль был известен своей массивностью, толстыми стенами, узкими окнами и тусклыми интерьерами, то готическая архитектура поражала высокими сводами, огромными витражами и просторными, хорошо освещёнными помещениями. Использование стрельчатых арок для распределения веса потолка и революционных аркбутанов для поддержки стен позволило архитекторам создать церковь, которая в полной мере отражала славу Божью. Готический стиль впервые появился в аббатстве Сен-Дени близ Парижа (начало строительства в 1140 г.) и менее чем за столетие произвёл революцию в проектировании соборов по всей Европе. Высшим выражением готической сакральной архитектуры считается Сент-Шапель (1241 – 1248) в Париже.

Среди других известных готических соборов — соборы в Лане (1160), Париже (Нотр-Дам, 1160), Шартре (1194), Бурже (1195), Реймсе (1211), Амьене (1220), Солсбери (1220), Бургосе (1220), Линкольне (1230), Кёльне (1248), Фрайбурге (1275), Йорке (1280), Руане (1281), Сиене (около 1290), Барселоне (1298), Орвието (1330), Милане (1386) и Севилье (1402), а также Вестминстерское аббатство в Лондоне (1245).

Архитектурная скульптура была ещё одной важной особенностью готики. Статуи-колонны и рельефы с фигурами из Ветхого Завета, а также изображения Христа и Святого Семейства были обычным явлением. Готическая скульптура развивалась постепенно. Сначала появился повышенный реализм, заметно отличающийся от скованности романского стиля; затем — более изящные фигуры с мягкими драпировками; далее — фигуры с более строгим, прямолинейным видом и сдержанными жестами. Наконец, появились фигуры в изящных позах с тяжёлыми драпировками, ниспадающими длинными V-образными складками. Среди величайших скульпторов — Никола Пизано (около 1206 – 1278) и Арнольфо ди Камбио (около 1240 – 1310).

Скульпторы поздней готики, работавшие в Германии в XV и начале XVI веков, создали серию великолепных резных деревянных алтарей-триптихов, непревзойдённых по своему изяществу. Среди этих мастеров резьбы по дереву были Михаэль Пахер (1435 – 1498), Фейт Штосс (1447 – 1533), Тильман Рименшнейдер (1460 – 1531) и Грегор Эрхарт (около 1460 – 1540), известные эмоциональностью и выразительностью своих персонажей. См.: Немецкое готическое искусство (около 1200 – 1450).

Готические художники также создавали религиозные произведения, но уже не для украшения стен церквей, где огромные витражи теперь обеспечивали цвет и библейские сюжеты, ранее представленные фресками. Взгляните, например, на полупрозрачные витражи в Шартрском соборе (около 1194 – 1250). Вместо этого готические художники сосредоточились на иллюминированных манускриптах, таких как французские нравоучительные Библии (1230 – 1240), Le Somme le Roi (1290), Манесский кодекс (1310), «Часослов Жанны д’Эврё» (1328), Псалтырь Бонны Люксембургской (1349), а также английские Эймсберийская псалтырь (1240), Псалтырь королевы Марии (1330), Арундельская и Латтреллская псалтыри (1340). Это лишь некоторые из множества часословов, миссалов, псалтырей и других иллюстрированных евангельских текстов, вышедших из монастырских скрипториев того периода. Особого внимания заслуживают работы Жана Пюселя (1290 – 1334). Подробнее см.: История иллюминированных рукописей (600 – 1200).

К концу готической эпохи при европейских королевских дворах возник изысканный стиль, ставший своего рода мостом между готикой и культурой Ренессанса. Известный как интернациональная готика (около 1375 – 1450), этот стиль проявился в ряде христианских иллюминированных рукописей, достигших своего пика в таких работах, как «Великолепный часослов герцога Беррийского» (1416) братьев Лимбург; «Часослов маршала Бусико» Жакмара де Эсдена (около 1355 – 1414) и «Миссал Жана де Мартин» Ангеррана Картона (около 1410 – 1466).

Итальянский Ренессанс

В христианском искусстве XIV века, в эпоху Проторенессанса, доминировали Джотто — см. фрески капеллы Скровеньи (около 1303 – 1310) — и Дуччо ди Буонинсенья (1255 – 1318) — см. знаменитый полиптих для Сиенского собора, известный как «Маэста» (1308 – 1311). Затем во Флоренции наступило раннее Возрождение, символом которого стал городской собор — подробнее см.: Флорентийский собор, Брунеллески и эпоха Возрождения (1420 – 1436), а также творчество Мазаччо (фрески капеллы Бранкаччи) и Донателло (статуя Давида). Если в христианском искусстве XV века доминировала Флоренция, то центром искусства XVI века стал Рим, где величайшими покровителями были папа Сикст IV (1471 – 1484), папа Юлий II (1503 – 1513), папа Лев X (1513 – 1521) и папа Павел III (1534 – 1549).

XVI век также стал Золотым веком искусства в Венеции: см. венецианские алтари (1500 – 1600) и венецианскую живопись.

Бессмертные религиозные картины эпохи Возрождения: «Бичевание Христа» (1460) Пьеро делла Франческа; «Тайная вечеря» (1495 – 1498) и «Мадонна в скалах» (1484) Леонардо да Винчи; «Оплакивание мёртвого Христа» (около 1490) Андреа Мантеньи; «Сикстинская Мадонна» (1513) и «Преображение» (1518 – 1520) Рафаэля; «Вознесение Девы Марии» (1516 – 1518) Тициана; «Вознесение Пресвятой Девы Марии» (1524 – 1530) Корреджо на потолке купола Пармского собора; «Брак в Кане Галилейской» (1563) и «Пир в доме Левия» (1573) Паоло Веронезе; «Распятие» (1565) Тинторетто. Среди величайших образцов христианской скульптуры Возрождения: «Врата Рая» (1425 – 1452, Флорентийский баптистерий) Лоренцо Гиберти; «Неверие святого Фомы» (1467) Андреа Верроккьо; многочисленные произведения религиозной терракотовой скульптуры флорентийской семьи делла Роббиа; «Пьета» (1500), «Давид» (1504) и гробница папы Юлия II (1505 – 1545) Микеланджело. Но, безусловно, самым культовым произведением христианского искусства XVI века являются фрески Сикстинской капеллы, написанные Микеланджело. К ним относятся росписи потолка со сценами из книги Бытия (1508 – 1512), в частности, «Сотворение Адама».

Для анализа многих из вышеперечисленных шедевров см.: Анализ известных картин.

По иронии судьбы, архитектура христианского Ренессанса была основана на образцах языческой греческой архитектуры и широко использовала дорический, ионический и коринфский ордера. Выдающиеся примеры: купол Флорентийского собора (1420 – 1436) и церковь Сан-Лоренцо (1420 – 1469), спроектированные Брунеллески; церковь Санта-Мария-делле-Карчери (1485 – 1506) работы Джулиано да Сангалло; базилика Святого Петра (1506 – 1626) работы Браманте, Рафаэля, Микеланджело, Джакомо делла Порта, Карло Мадерно и Бернини; церковь Сан-Джорджо-Маджоре (1562) работы Палладио.

Христианское искусство Северного Возрождения

В искусстве Северного Возрождения (около 1430 – 1580) доминировала фламандская школа живописи, часть более широкого движения нидерландского Ренессанса. Упрощённо говоря, Северное Возрождение началось мощным взлётом, быстро утвердилось как передовая школа масляной живописи, а затем постепенно пришло в упадок. Алтарное искусство таких художников, как Ян ван Эйк (см. его Гентский алтарь, 1432) и Рогир ван дер Вейден («Снятие с креста», 1440), а также невероятно сложные работы Хуго ван дер Гуса (Алтарь Портинари, 1475), практически не имели себе равных. Исключение составляют необычные фантастические картины Иеронима Босха — см. «Сад земных наслаждений» и триптих «Воз сена» (которые жадно коллекционировал строгий католический монарх Испании Филипп II), а также сложные жанровые картины Питера Брейгеля Старшего («Перепись в Вифлееме», 1566; «Избиение младенцев», 1564; «Притча о слепых», 1568).

Примечание: религиозную живопись XV века во Франции возглавляли провансальский художник Ангерран Картон (1410 – 1466), прославившийся своей «Авиньонской пьетой» (около 1455, Лувр), и придворный художник Жан Фуке (1420 – 1481), известный таким произведением, как «Меленский диптих» (около 1450 – 1455).

Фламандский реализм и точность также очевидны в работах немецких художников, таких как Стефан Лохнер («Страшный суд», 1440-е гг.), Лукас Кранах Старший («Адам и Ева», 1528), Ганс Бальдунг Грин («Алтарь Девы Марии» во Фрайбургском соборе, 1514) и Ганс Гольбейн Старший («Сцены из Страстей Христовых», Кайсхаймский алтарь, 1502). Среди других немецких мастеров — экспрессионист Маттиас Грюневальд (Изенгеймский алтарь, 1510 – 1515), разносторонний гравёр и художник Альбрехт Дюрер («Четыре всадника Апокалипсиса», 1498, гравюра на дереве) и Мартин Шонгауэр («Мадонна в розовой беседке», 1473).

Историческая справка: протестантская Реформация
В 1517 году немецкий монах и богослов Мартин Лютер — несомненно, под влиянием более раннего восстания Савонаролы (1452 – 1498) во Флоренции — начал религиозное движение против коррупции в Римской церкви, которое привело к расколу в христианстве. Протестующих стали называть протестантами, а те, кто остался верен традиционной церкви, называли себя католиками. Протестантизм (который, в свою очередь, разделился на четыре основных течения: лютеранство, кальвинизм, англиканство и анабаптизм) укоренился в странах Северной Европы, таких как Нидерланды, Германия (кроме Баварии) и Великобритания, в то время как страны Южной Европы — Франция, Италия и Испания (а также её владения, например, Фландрия) — остались католическими.

Искусство эпохи Реформации

Примерно с 1520 года, когда Северное Возрождение ощутило влияние выступления Лютера против порочной практики Римской церкви, утвердилась новая эстетика в виде протестантского реформационного искусства. Она отражала христианскую повестку протестантского движения, отвергала гуманистическое искусство и идеологию Высокого Возрождения и провозглашала более строгий религиозный опыт с минимумом декора. В результате количество заказов на религиозное искусство от протестантских церковных властей значительно сократилось, и художники в протестантских странах были вынуждены переключиться на светские жанры, такие как бытовая живопись, портрет, пейзаж и натюрморт.

Протестантское искусство

Протестантизм проповедовал сдержанную, личную форму богослужения, сосредоточенную на прямых отношениях между Богом и человеком, без посредничества пап, епископов и других церковнослужителей. Он также не придавал большого значения декоративным или церемониальным аспектам религии. Из-за этого протестантское искусство отдавало предпочтение сдержанным, нравоучительным изображениям повседневной жизни или простым повествовательным сценам из Библии, а не драматическим богословским сюжетам, связанным со Страстями, Распятием и Воскресением Христа. Другие приемлемые сцены включали изображения грешников, прощённых Христом, что соответствовало протестантской идее о том, что спасение возможно только по благодати Божьей. Протестантское искусство также было менее масштабным, чем католическое, что отражало более скромный, личный подход к религии. По той же причине книжные иллюстрации и гравюры стали более популярными, в то время как католические картины и скульптуры подвергались нападениям иконоборцев, примером чего является Иконоборческое восстание 1566 года. Однако протестантские церковные власти в равной степени осознавали силу искусства в просвещении и влиянии на прихожан. В результате они активно использовали различные формы печатной графики, что позволяло делать изображения широко доступными для публики по очень низкой цене.

Протестантская эстетика достигла апогея в эпоху голландского барокко (около 1600 – 1680 гг.). Этот период, известный как Золотой век голландского искусства, стал свидетелем окончательного развития реализма, заложенного ранее фламандскими художниками. Хотя портреты и пейзажи также были популярны, этот период наиболее известен как вершина развития бытовой живописи голландского реализма и натюрморта. Ведущие жанровые художники эпохи Реформации принадлежали к разным школам. Адриан ван Остаде и католик Ян Стен представляли харлемскую школу; Ян Вермеер и Питер де Хох — делфтскую школу; Хендрик Тербрюгген и Геррит ван Хонтхорст — утрехтскую школу; Геррит Доу — лейденскую школу; Самуэль ван Хогстратен и Николас Мас были членами дордрехтской школы; Карел Фабрициус, Герард Терборх и Габриэль Метсю принадлежали к амстердамской школе.

Многие из этих бытовых картин содержат тонкие моральные послания о том, как вести христианскую жизнь, а также не столь тонкие намёки на опасности порока. Эта сдержанная протестантская иконография разительно контрастировала с яркими библейскими сценами, такими как «Распятие» и «Оплакивание», которые предпочитало католическое искусство. Ещё один пример этого моралистического искусства — натюрморты. Жанр, известный как ванитас, представлял собой композиции из еды и других предметов, расставленных на столе, с символическими посланиями, осуждающими чревоугодие и чувственные удовольствия. Существовали две разновидности картин ванитас: «роскошные натюрморты» (pronkstilleven) и «завтраки» (ontbijtjes). Представителями пронкстиллевена были Хармен ван Стенвейк (1612 – 1656), Ян Давидс де Хем (1606 – 1684) и Виллем Кальф (1622 – 1693). Ведущими мастерами онтбейтиса были Виллем Клас Хеда (1594 – 1680) и Питер Клас (1597 – 1660).

Однако даже в протестантском Амстердаме сохранялся скромный спрос на религиозные картины. Одним из самых важных заказов, полученных молодым Рембрандтом, были пять картин на тему Страстей Христовых для принца Фредерика Генриха Оранского — ведущего военачальника в голландских войнах против католической Испании. Кроме своего таланта портретиста, Рембрандт стал величайшим религиозным художником голландского протестантизма. Среди его известных работ: «Ослепление Самсона» (1636), «Жертвоприношение Исаака» (1636), «Сусанна и старцы» (1647), «Вирсавия» (1654), «Иаков благословляет сыновей Иосифа» (1656) и «Возвращение блудного сына» (1666 – 1669).

Католическое искусство Контрреформации

Римско-католическая церковь ответила на протестантскую Реформацию Контрреформацией. Искусство католической Контрреформации было призвано донести отличительные принципы католической литургии и веры, чтобы укрепить популярность католицизма. Оно возникло в то же время, когда в Италии набирал популярность маньеризм — очень выразительный стиль, который использовал искажение для достижения эффекта, как, например, в картине Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей» (1535, Уффици). Обеспокоенные тем, что католическое искусство придаёт слишком большое значение декоративным качествам в ущерб религиозным ценностям и теряет своё воспитательное воздействие на прихожан, католические власти постановили, что библейское искусство должно быть прямым и убедительным в своём повествовании, точным, а не вымышленным, и, прежде всего, должно поощрять благочестие. Нагота и другие неприемлемые изображения были запрещены. Примером благочестивого художника-маньериста, который адаптировал свой стиль в соответствии с учением Церкви, был Федерико Бароччи (1526 – 1612).

Единственной целью искусства Контрреформации было прославление Бога и католических традиций, а также пропаганда таинств и святых. Так, фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле подверглась резкой критике за наготу, за изображение безбородого Иисуса и за включение языческого персонажа Харона. Картина Паоло Веронезе «Тайная вечеря» подверглась нападкам за то, что на ней, помимо огромной толпы людей, были изображены экстравагантные костюмы, пьяные немцы и карлики. Веронезе решил проблему, просто переименовав картину в «Пир в доме Левия».

Католическая церковь начала Контрреформацию, чтобы бороться за сердца и умы христиан, «перешедших» в протестантизм. С этой целью в 1540 году папой Павлом III было официально учреждено Общество Иисуса (Societas Jesu), основанное Игнатием де Лойолой и широко известное как орден иезуитов. Оно стало важным учебным органом и миссионерским орденом. Искусство иезуитов было призвано вдохновлять. Архитектору Джакомо Бароцци да Виньоле было поручено спроектировать церковь нового ордена — церковь Святого Имени Иисуса (Иль-Джезу) (1568 – 1573), для которой художник барокко Джованни Баттиста Гаулли написал сказочные потолочные фрески в технике тромплей (trompe-l’œil). Другая иезуитская церковь, Сант-Иньяцио, стала местом создания, возможно, величайшего образца квадратуры из когда-либо созданных — «Триумф святого Игнатия Лойолы» (1691 – 1694) Андреа Поццо. Это один из лучших образцов живописи Контрреформации и яркий пример различий между протестантским и католическим искусством.

Рубенс (1577 – 1640)

Благочестивый католик, фламандский художник Питер Пауль Рубенс стал самым влиятельным представителем живописи Контрреформации в Северной Европе. Известный своими крупномасштабными религиозными и историческими картинами, полными чувственных красок и драматизма, он вращался в высших кругах европейского общества как художник и дипломат. Несмотря на дистанцию, отделявшую Рубенса от обычного прихожанина, некоторые из его католических картин, такие как знаменитый триптих «Снятие с креста» (1612), очень трогательны, а его влияние на последующих художников было огромным. См. также: «Самсон и Далила» (1610).

Караваджо (1571 – 1610)

Итальянский художник раннего барокко Караваджо был одним из героев художественной кампании католической Контрреформации. Не из-за своего благочестия, а потому что он изображал Христа, Деву Марию, апостолов и святых с невероятным натурализмом. Безупречный реализм Караваджо был идеальным стилем для послания Церкви. Он придавал ключевым библейским событиям непосредственность, которой не мог добиться ни один другой художник. Отказавшись от стилистических условностей позднего маньеризма — стиля, понятного лишь образованному меньшинству, — он мгновенно добился того вдохновляющего эффекта, которого требовал Тридентский собор. Среди его величайших работ: «Призвание апостола Матфея» (1600), «Мученичество святого Матфея» (1600), «Обращение Савла» (1601), «Ужин в Эммаусе» (1602), «Положение во гроб» (1601 – 1603), «Распятие святого Петра» (1601) и «Успение Богоматери» (1601 – 1606). Его драматическое использование света и тени было продолжено после его смерти последователями в стиле, получившем название караваджизм.

Эль Греко (1541 – 1614) и испанская школа

Испания — единственное европейское государство, вышедшее из долгой религиозной борьбы между христианством и исламом (мусульманское правление на большей части Пиренейского полуострова длилось с 718 по 1492 год). Поэтому неудивительно, что испанская школа живописи создала форму христианского искусства, которая соответствовала бескомпромиссной преданности страны католичеству. Её величайшим представителем был Доменикос Теотокопулос, известный как Эль Греко. После обучения византийской иконописи он работал в Венеции, а затем поселился в Испании. Здесь он создал серию экстатических портретов Христа и святых, интенсивность выражения которых напрямую обращалась к духовным чувствам зрителя. Эти мощные священные картины с их удлинёнными фигурами, искажённой перспективой и неестественными цветовыми схемами сделали Эль Греко отцом искусства Контрреформации в Испании. Его самые известные католические картины: «Троица» (1577 – 1579); «Снятие одежд с Христа» (1579); «Погребение графа Оргаса» (1586); «Христос, изгоняющий торговцев из храма» (1600); «Воскресение» (1600), а также «Снятие пятой печати» (1608). Хотя в них не было натурализма Караваджо, эти картины были духовными шедеврами и, таким образом, полностью соответствовали доктринальным требованиям Ватикана.

После Эль Греко пришёл Франсиско де Сурбаран (1598 – 1664), художник, находившийся под сильным влиянием испанского квиетизма, который специализировался на крупномасштабных священных картинах для религиозных орденов, таких как картезианцы, капуцины, доминиканцы и другие. Современник Сурбарана, Хусепе де Рибера (1591 – 1652) был ключевой фигурой в неаполитанской школе живописи (1600 – 1656) и одним из первых последователей Караваджо. Работы обоих художников известны своей визуальной правдивостью, смелой светотенью и тенебризмом, которые придавали им драматизм и насыщенность. См. также: «Христос Распятый» (1632) Диего Веласкеса.

Духовное напряжение, которого достигали испанские художники, было заметно и в работах испанских скульпторов, таких как Алонсо Берругете (около 1486 – 1561), величайший скульптор эпохи Возрождения в Испании, чьи шедевры включают алтарь монастыря Ла Мехорада в Вальядолиде (1526) и хоры в соборе Толедо (1539 – 1543); Хуан де Хуни (1507 – 1577), известный своей эмоциональной выразительностью, как в двух его скульптурных группах «Погребение Христа» (1544 и 1571); Хуан Мартинес Монтаньес («Бог дерева»), известный своими деревянными распятиями и религиозными фигурами, такими как «Милосердный Христос» (1603) и алтарь Сантипонсе (1613); и Алонсо Кано («испанский Микеланджело»), шедевром которого является «Непорочное зачатие» (1655).

Бернини (1598 – 1680) и итальянская школа

Ни один другой итальянский художник не воплотил искусство католического барокко лучше, чем Джанлоренцо Бернини, чьи произведения религиозного искусства включали скульптурный шедевр «Экстаз святой Терезы» (1645 – 1652) в специально спроектированной капелле Корнаро церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Стиль барокко породил мелодраматическую архитектуру, примером которой является проект Бернини для площади Святого Петра (1656 – 1667) и колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме. В Риме соперником Бернини по положению (но не по стилю творчества) был уроженец Франции Никола Пуссен (1594 – 1665), основоположник французского классицизма, чьи религиозные полотна включали «Мученичество святого Эразма» (1628), «Чума в Ашдоде» (1630), «Сбор манны небесной» (1639), «Моисей, попирающий корону фараона» (1645) и «Святое семейство на ступенях» (1648). Другими конкурентами Бернини были Франсуа Дюкенуа (1594 – 1643) и Алессандро Альгарди (1598 – 1654).

Примечание. Немецкая барочная скульптура также могла вызывать трепет. Посмотрите, например, на необычный Высокий алтарь Девы Марии (1613 – 1616) в церкви Святого Николая в Юберлингене, созданный мастером-резчиком Йоргом Цюрном (1583 – 1638).

Церковные росписи (квадратура)

Вероятно, самой зрелищной формой христианской церковной живописи были потолочные фрески (так называемая квадратура), часто выполненные с элементами обмана зрения (trompe-l’œil). Это украшение сводчатых или купольных потолков церквей началось в эпоху Возрождения в Италии. Примеры эпохи Ренессанса: фреска Sala delle Prospettive (около 1517, Вилла Фарнезина) Бальдассаре Перуцци и «Вознесение Девы Марии» (1524 – 1530) Корреджо, украсившее купол Пармского собора.

Фрески в стиле барокко включают знаменитую фреску «Аврора» (1621 – 1623, Вилла Людовизи, Рим) Гверчино и Агостино Тасси; «Вознесение Девы Марии» (1625 – 1627) на куполе церкви Сант-Андреа-делла-Валле Джованни Ланфранко (1582 – 1647); фрески Палаццо Барберини кисти Пьетро да Кортона, в том числе «Аллегория Божественного Провидения» (1633 – 1639); и «Апофеоз святого Игнатия» (1688 – 1694, Сант-Иньяцио, Рим) Андреа Поццо.

Примечательные фрески в стиле рококо созданы Джамбаттистой Тьеполо. К ним относятся, например, фрески Палаццо Лабиа (около 1745) в Венеции, фрески в Вюрцбургской резиденции (1750 – 1753) в Германии и фреска «Апофеоз Испании» (1763 – 1766) в Королевском дворце Мадрида.

Архитектурные росписи церквей

Интересной особенностью христианской графики периода барокко были архитектурные рисунки, гравюры и картины с изображением церковных интерьеров. Тремя ведущими представителями этого жанра были: художник из Харлема Питер Санредам, известный своей архитектурной точностью и изображениями побелённых церковных интерьеров («Интерьер церкви Бюркерк в Утрехте», 1645); Эманюэл де Витте, который меньше интересовался технической точностью и больше — атмосферой церкви («Интерьер португальской синагоги в Амстердаме», 1680); и итальянский живописец (ведутист) Джованни Паоло Панини («Интерьер собора Святого Петра в Риме», 1731).

Церковная архитектура барокко

Архитектура барокко отказалась от сбалансированной симметрии Ренессанса в пользу драматических изогнутых линий и поверхностей, которые объединяли искусство и архитектуру в одно динамическое целое, создавая иллюзорные эффекты света, цвета и текстуры. Для церквей в стиле барокко характерно сочетание куполов, богато украшенных часовен, фресок в технике квадратуры и других декоративных элементов, примером чего служат эти четыре сооружения.

Базилика Святого Петра (Рим) (1506 – 1626)
Построенная на месте захоронения Святого Петра во времена императора Константина I, базилика Святого Петра является одной из главнейших святынь католического мира. Нынешнее здание было спроектировано Донато Браманте, Микеланджело, Карло Мадерно и Бернини и олицетворяет художественный переход от Ренессанса к барокко. Увенчанное куполом высотой 132 метра, оно наполнено бесценными произведениями искусства, в том числе мраморной скульптурой Микеланджело «Пьета» (1500), вырезанной художником из цельного блока каррарского мрамора в возрасте 25 лет. Собор Святого Петра прочно ассоциируется с раннехристианской церковью, папством, Контрреформацией и считается величайшим зданием своего времени.

Базилика Санта-Мария-делла-Салюте, Венеция (1631 – 1687)
Спроектированная итальянским архитектором Бальдассарре Лонгеной в знак благодарности Деве Марии за избавление города от чумы, эта двухкупольная базилика, расположенная на полуострове между Гранд-каналом и набережной Дзаттере в Венеции, сочетает в себе черты греческого, исламского и классического барочного стилей. Это одна из самых известных достопримечательностей города.

Собор Святого Павла, Лондон (1674 – 1710)
Спроектированный сэром Кристофером Реном, собор Святого Павла стоит на месте первоначальной церкви, основанной в 604 году. Собор, резиденция епископа Лондона, был построен в рамках крупной программы восстановления после Великого лондонского пожара, которую курировал Рен. Его купол высотой 111 метров — одна из самых известных достопримечательностей Лондона.

Аббатство Мельк, Австрия (1702 – 1736)
Спроектированное и построенное австрийским архитектором Якобом Прандтауэром, оно сочетает элементы итальянского барокко с традиционным австрийским дизайном. Церковь аббатства, расположенная на высоких скалах с видом на реку Дунай, имеет высокий купол и две башни. Экстерьер аббатства представляет собой массу волнистых поверхностей, а его интерьеры были украшены многими ведущими художниками Австрии. В нём находится несколько знаменитых достопримечательностей, включая Мраморный зал, Императорскую лестницу и библиотеку с обширной коллекцией редких средневековых текстов.

Христианское искусство в современную эпоху (1750 – 2000)

К середине XVIII века католические страны были переполнены соборами, церквями, аббатствами и монастырями — в некоторых городах, таких как Неаполь, их количество было почти абсурдным. В результате церковные заказы стали иссякать. В то же время с наступлением эпохи Просвещения, промышленной революции и политических потрясений, таких как Французская революция 1789 года, христианская церковь в Европе уступила свои позиции национализму, социализму и другим системам ценностей. Более того, у Церкви стало меньше денег, которые можно было потратить на религиозные статуи или другие виды искусства. К XIX веку церковь была уже менее значимым покровителем искусств, чем монархи и аристократия, в то время как спрос среднего класса на портреты, топографические пейзажи и другие светские произведения быстро рос. Художники могли сделать успешную карьеру, сосредоточившись на портретном искусстве или различных видах пейзажной живописи, никогда не обращаясь к религиозным сюжетам — нечто ранее немыслимое в католических странах, но давно ставшее нормой в протестантских.

Значительное количество новых церквей возводилось только в Новом Свете. Основным архитектурным стилем был, как правило, неоренессанс: см., например, Балтиморскую базилику в неоклассическом стиле (1806 – 1821), первый римско-католический собор в Соединённых Штатах, спроектированный Бенджамином Латробом; собор Святого Патрика в готическом стиле в Нью-Йорке (1858 – 1879) по проекту Джеймса Ренвика; Троицкую церковь Ричарда Апджона в Нью-Йорке (1839 – 1846), ещё один шедевр неоготики; Троицкую церковь в Бостоне (1872 – 1877), спроектированную Генри Гобсоном Ричардсоном в неороманском стиле.

Только один крупный новаторский образец христианской церковной архитектуры был создан в Европе в XIX веке — Храм Святого Семейства в Барселоне (Саграда Фамилия, начат в 1883 г.), спроектированный Антонио Гауди в очень декоративном неоготическом стиле. Прославляя Святое Семейство и таинства католической веры, эта необычная церковь с древовидными сводами включает пять нефов и восемнадцать башен (по проекту). Построенное из камня и бетона, здание частично украшено керамической плиткой и многочисленными скульптурами, но до сих пор не полностью завершено. Сам Гауди был вдохновлён движением «Искусства и ремёсла» и связан со школой каталонского модернизма.

Уменьшение числа новых церквей означало меньше заказов на скульптуру и церковное убранство. Но некоторые новые работы всё же появлялись, такие как «Христос-Искупитель» (1926 – 1931), огромная статуя из талькохлорита с видом на Рио-де-Жанейро в Бразилии. Это самая большая статуя в стиле ар-деко в мире, спроектированная Эйтором да Силва Коштой и выполненная скульптором Полем Ландовски. Среди других примечательных произведений современной христианской скульптуры: «Тарцизий, христианский мученик» (1868, мрамор, Музей Орсе), вырезанный Александром Фальгьером; «Книга Бытия» (1929 – 1931, Художественная галерея Уитворта, Манчестер) и «Адам» (1938, Харвуд-хаус), обе работы Джейкоба Эпстайна.

Христианская живопись больше всего пострадала от упадка религиозной веры, хотя и в эту эпоху были созданы некоторые исключительные работы. Двумя заметными группами религиозных художников были назарейцы и представители русской школы.

Принадлежавшие к романтическому крылу немецкого искусства XIX века, назарейцы были группой художников-идеалистов из Вены, чьи духовные картины напоминали немецкое средневековое искусство и живопись раннего Возрождения. Среди ведущих участников были Фридрих Овербек, Франц Пфорр, Вильгельм фон Шадов и Юлиус Шнорр фон Карольсфельд. Их прозвали назарейцами из-за их библейской одежды, длинных волос и благочестивого образа жизни.

Русское искусство XIX века подарило миру выдающиеся произведения христианской живописи. Среди ведущих художников были: Антон Лосенко (1737 – 1773), профессор исторической живописи в Петербургской Академии художеств (см. его вдохновлённые Ренессансом работы «Чудесный улов» и «Жертвоприношение Авраама»); и влиятельный Александр Иванов (1806 – 1858), среди работ которого огромное полотно «Явление Христа народу» (1837 – 1857), на создание которого ушло 20 лет. Позже в том же веке несколько членов группы передвижников создали замечательные христианские картины, отличающиеся уникальной духовной силой. Среди них: «Тайная вечеря» (1863) Николая Ге; «Воскрешение дочери Иаира» (1871) Ильи Репина; «Христос в пустыне» (1872) и «Что есть истина?» (1890) Николая Ге; «Христос и грешница» (1887) Василия Поленова.

Среди других выдающихся христианских картин современных художников: «Анжелюс» (1859) барбизонского реалиста Жана-Франсуа Милле; «Христос перед Пилатом» (1881) венгерского реалиста Михая Мункачи; «Въезд Христа в Брюссель в 1889 году» (1888) Джеймса Энсора, лидера движения символизма; «Христианская реликвия» (1893) испанского художника-соцреалиста Хоакина Сорольи; незаконченная картина «Адам и Ева» (1918) венского мастера Густава Климта; «Ecce Homo» (1925) немецкого экспрессиониста Ловиса Коринта; серия «Кричащий папа» (1953) Фрэнсиса Бэкона, вдохновлённая «Портретом папы Иннокентия X» Веласкеса (1650); фрески Марка Ротко для часовни Католического университета Святого Фомы в Хьюстоне; «Распятие 3.85» (1985) Антонио Сауры, вдохновлённое «Распятием» Веласкеса (1631).

Кроме того, существует множество экспрессионистских работ французского художника-католика Жоржа Руо, в частности его серии «Святой Лик», «Распятие» и «Поругание Христа», которые делают его одним из самых важных христианских художников XX века. Подобной чести мог бы удостоиться и художник еврейского происхождения Марк Шагал, чьё творчество в жанре еврейского искусства и сцены из Ветхого Завета были позже дополнены серией на религиозные темы — «Библейское послание», которая сейчас экспонируется в музее в Ницце. Шагал также выполнил ряд витражей для соборов Меца (1968) и Реймса (1974), а также для синагоги Хадасса недалеко от Иерусалима. Кроме того, он был известен своими гобеленами, которые он создавал для Кнессета.

Другой современный христианский гобелен — это 23-метровый «Христос во славе» (1962), заказанный для собора в Ковентри и созданный по эскизу Грэма Сазерленда (1903 – 1980). Он был соткан мануфактурой Pinton Frères в Феллетене, Франция.

Христианское искусство читать ~38 мин.