Французские дизайнеры и художники-декораторы (1640-1792) читать ~24 мин.

На протяжении примерно 1640-1792 годов на развитие декоративного искусства во Франции оказывали сильное влияние дизайнеры орнаментов, которые обычно назначались королём и работали на королевских мануфактурах. Лишь немногие из них были исключительно орнеманистами; большинство из них были знамениты в других областях искусства. Многие из них публиковали книги или образцы своего стиля дизайна на благо других художников и ремесленников. (См. также: Величайшие художники 1000-1850).

Симон Вуэ (1590-1649)

В самом начале XVII века самым выдающимся из ранних французских художников и дизайнеров эпохи барокко был живописец Симон Вуэ, который провёл пятнадцать лет в Италии и находился под влиянием Паоло Веронезе (1528-1588), Рафаэля (1483-1520) и Караваджо (1573-1610). Вуэ помогал в оформлении Люксембургского дворца и создал множество карикатур для гобеленщиков Лувра, где ему были предоставлены апартаменты. Он выполнил огромное количество работ, во многом с помощью своих учеников, среди которых самым выдающимся был Шарль Лебрен (1619-1690). Именно Вуэ – несомненно, под влиянием сложных лепных завитков первой школы Фонтенбло – заложил моду на цветочный декор, которая впоследствии всегда была очень заметна.

По всей видимости, он оказал влияние на скульптора и дизайнера Жана Ле-Потра (1618-1682), который работал в Версале во времена барочного архитектора и придворного фаворита Луи Ле Во (1612-1670). Проекты Ле-Потра – это проекты скульптора, богато украшенные – «перегруженные», возможно, было бы лучшим описанием – классическими фигурами, обычно в высоком рельефе, обнажёнными или почти обнажёнными, в сочетании с прокручивающимися акантами, цветочными и лиственными гирляндами. Это хорошо видно в его проектах дымоходов. Один из них описывается как “в итальянской манере, придуманный и выгравированный Ле-Потром в 1665 году”, а другой, ещё более богатый, с коринфскими колоннами и аллегорической группой и расположенной в центре картиной, как «a la romaine».

Эти работы, проданные в Париже Мариеттом, торговцем печатной продукцией с улицы Сен-Жак, свидетельствуют о продолжающемся итальянском влиянии, унаследованном от XVI века. Проекты лепных потолков Ле Потра были не менее сложными, а проекты целых комнат можно назвать почти апофеозом Большого манера. Шкафы на богато украшенных резных позолоченных подставках соответствуют его более постоянным архитектурным работам, а сам он в целом отличается массивностью и высотой.

Хотя невозможно соотнести существующие интерьеры с его реальными опубликованными проектами, его влияние, должно быть, внесло весьма значительный вклад в формирование стиля Людовика XIV. Другие члены той же семьи также выступали в качестве дизайнеров, в частности архитектор Пьер Ле-Потр (1659-1744), чьи проекты, гораздо менее богато украшенные, предвосхитили стиль Регентства.

Шарль Лебрен (1619-1690)

Ученик Симона Вуэ, Шарль Лебрен закончил историческую картину для кардинала Ришелье, когда ему было всего 15 лет. Под влиянием Пуссена во время визита в Италию он вернулся во Францию и получил несколько заказов, включая декоративные работы в замке Во-ле-Виконт для Николя Фуке (1615-1680), суперинтенданта финансов Франции (1653-61). Кроме того, кардинал Мазарин подарил Лебрена Анне Австрийской, а Людовик XIV поручил ему украсить Галерею Аполлона в Лувре. Ему также было поручено расписать некоторые части Версальского дворца, включая потолок в Galerie des Glaces (Зал зеркал).

Он также отвечал за настенную живопись в Салоне мира, расположенном по соседству, а также за Салон войны. Назначенный главным художником короля, он работал в Сен-Жермене, Марли и Ссо, а в качестве директора гобеленовой фабрики Гобелен производил разнообразные гобелены и разрабатывал мебель, украшения и кованые изделия, следя за каждой деталью производства.

Центральная фигура французской архитектуры барокко, а также живописи, Лебрен стал фактически диктатором прикладного искусства во Франции, преуспевая как дизайнер, декоратор и администратор. Став директором Французской академии, он использовал её для повышения значимости искусства живописи и скульптуры, а также основал Французскую академию в Риме вместе с Римской премией.

Лебрен продолжал доминировать в области декоративного искусства во Франции до смерти Кольбера, его политического покровителя, в 1683 году. Преемник Кольбера, маркиз де Лувуа (1641-1691), заменил Лебрена Пьером Миньяром (1612-1695), но из-за трудностей того времени королевские мануфактуры уже находились в упадке. Основам, заложенным Лебреном, во многом обязано превосходство французского искусства на протяжении последующих веков.

Даниэль Маро (1650-1712)

Даниэль Маро, сын Жана Маро, был гугенотом, покинувшим Францию после отмены Нантского эдикта, чтобы стать архитектором Вильгельма III в Англии. И отец, и сын были плодовитыми дизайнерами, но Даниэль, безусловно, более известен. Он, по-видимому, специализировался на проектировании кроватей, самого важного предмета домашней мебели в XVII веке.

Либо со стойками (lit a la francaise), над которыми возвышался балдахин, либо с балдахином, поддерживаемым только сзади (lit a la duchesse), его проекты предусматривали портьеры с кистями и валины высочайшего богатства, которые вдохновили на орнамент, известный как ламбрекены, широко используемый в качестве расписного мотива на фаянсе в последние годы XVII века.

Его козырьки были дополнены на каждом углу плюмажами. Некоторые из проектов каминных труб Маро впервые предоставили место для демонстрации фарфоровых и фаянсовых ваз, которые он, возможно, сделал для английской королевы Марии. Очень похожие по дизайну каминные трубы можно найти в Хэмптон-Корте, где королева ввела моду на восточный фарфор и европейскую оловянную эмалированную посуду (делфтскую) в Англии. В своих проектах панно Маро использовал ремешки в сочетании с листвой, особенно акантовыми завитками, цветочными гирляндами и лиственными метёлками, а также гротески, некоторые с популярными аллегорическими сюжетами.

Кроме предметов интерьера, он проектировал консольные столики, шкафы, зеркальные рамы, осветительные приборы и даже такие мелкие предметы, как табакерки. Он также специализировался на разработке тщательно украшенных корпусов для часов с длинным корпусом, которые во Франции называются regulateurs.

Жан Берен Старший (1637-1711)

Заключительный период стиля Луи Кваторза, возможно, лучше всего представлен Жаном Береном Старшим, который работал вместе со своим братом Клодом (ум. 1726), сейчас редко упоминаемым. Он привлёк внимание Лебрена, у которого обучался, работая над Галереей Аполлона в Лувре, и был назначен декоратором Кабинета короля в 1674 году, получив квартиру в Лувре.

Берен создавал не только интерьеры, но и декорации для всевозможных королевских мероприятий, особенно праздников и театральных представлений. Его отличает гротескный орнамент, особенно характерный для последних десятилетий правления короля и оказавший влияние на последующих художников рококо. Его орнаменты, имеющие много общего с декором майолики Урбино после середины XVI века, включают купидонов, забивающих на наковальне пылающее сердце, длиннорогих баранов, маски (mascarons), обезьян и сфинксов.

Сфинксы, кстати, были особенно популярным видом орнамента в первые годы XVIII века, появляясь в самых разных формах, включая декоративные синеты (андироны). Многие из них представляли собой узнаваемые портреты придворных красавиц. Портретные сфинксы, несомненно, заимствованные из этого источника, стали любимы английскими фарфоровыми фабриками Боу и Челси, особенно в середине века; среди представленных на них английских актрис были Китти Клайв и Пег Уоффингтон.

В других эскизах Берена мы видим китайские фигуры в высоких конических шляпах под прокрученным балдахином с ярко выраженным китайским колоритом, изогнутые карнизы которого заимствованы у китайской пагоды. Эти китайские мотивы стали следствием интереса короля к китайскому искусству, проявившегося в Трианоне де Фарфор в Версале и в восточном убранстве замка Мёдон, принадлежавшего дофину, умершему в 1711 году. Мода получила заметный импульс после посольства короля Сиама в 1688 году.

Эскизы Берена широко использовались ремесленниками всех мастей. Большая часть декора типичного маркетри из латуни и черепахового панциря Андре-Шарля Булля, очевидно, вдохновлена этим источником, а фаянсовые мастера из Мустье использовали гротески Берена для примечательной серии блюд.

Булль (1642-1732) был также самостоятельным дизайнером, работавшим не только на короля, но и на самых известных финансистов конца XVII века, таких как Антуан Кроза (1655-1738) и Самуэль Бернар (1651-1739). Его мастерство бронзовщика и дизайнера особенно заметно в его люстрах и бра, некоторые из которых предвосхищают асимметрию рококо. В его частной коллекции были ренессансные рисунки Рафаэля, восковые макеты, множество гравюр и многие другие произведения искусства.

Робер де Котт (1656-1735)

Робер де Котт, ученик и шурин Жюля Хардуэна-Мансара (1646-1708), был орнеманистом, а также архитектором, который в итоге стал главным архитектором короля и директором мануфактур короля около 1699 года. Он оказал значительное влияние на развитие стиля Регентства и, вероятно, сотрудничал с Береном и Булля.

Клод Жилло (1673-1721); Клод III Одран (1658-1734)

К этому же периоду относится искусный дизайнер Клод Жилло, известный своими театральными декорациями и сценами из Итальянской комедии, в которых использовались популярные сатиры, гротески, и обезьяны.

Клод Одран, консерватор в Люксембурге, был художником, украсившим многие замки и создавшим гобелены с мотивами, которые Берен сделал привычными. Он также создал известные серии гобеленов в Гобелене: «История Дон Кихота» и «История Ясона» (по мотивам Де Труа), обе в сотрудничестве с Пьером Франсуа Козеттом, впоследствии директором самого важного отдела гобеленовой мануфактуры в Гобелене.

Антуан Ватто (1684-1721)

Жилло и Одран связаны с Жаном-Антуаном Ватто, сыном мастера-плиточника из Валансьенна, который был одновременно художником и влиятельным дизайнером. В 1704 году он был учеником Жилло, а чуть позже, в 1709 году, привлёк внимание Одрана.

Живопись Ватто сегодня имеет тенденцию затмевать его работу и влияние как дизайнера, но его арабески (общий термин для формы, принятой гротесками в XVIII веке) вдохновили эбениста и скульптора Шарля Крессента (1685-1768), и он также разработал популярных обезьян. Действительно, сингери художника Жана-Батиста Мари Юэ (1745-1811) в Шантийи одно время приписывали руке Ватто. Его характерные сюжеты галантности пользовались широкой популярностью и в 1740-х годах были скопированы на мейсенский фарфор.

Позднее Ватто получил покровительство финансиста Антуана Кроза, а его репутация в то время была настолько высока, что по инициативе Жана де Жюльена, одного из его друзей, было выгравировано семьсот его картин в качестве Recueil Jullienne.

Гигант французской живописи, он умер на руках своего друга, торговца картинами Герсена. Дизайны Ватто отличаются фантастичностью, почти не имевшей аналогов в то время, и оказали значительное влияние на развитие дизайна в первой половине XVIII века, и хотя его ранние работы как дизайнера слабо перекликаются с работами Берена, они являются очевидным и важным источником фазы рококо. С другой стороны, дизайн Жилло в большей степени связан с XVII веком.

Жан-Батист Удри (1689-1755)

Художник Жан-Батист Удри, возможно, был наиболее влиятельным в области декоративного искусства как директор сначала гобеленовых мастерских Бове, а затем мануфактуры Гобелен, должность, которую он занимал во время правления Людовмка XV. Его смерть практически ознаменовала конец организации искусств Кольбером, хотя королевское покровительство практически не уменьшилось.

Как художника Удри особенно привлекали животные и погоня, и его работы были чрезвычайно популярным источником для создания всевозможных украшений. Его стиль не похож на стиль Депорта, с которым его иногда путают. Депортес был немного более ранним художником, работавшим над аналогичными сюжетами и помогавшим украшать многие главные замки того времени, включая Версаль и Марли, а также Шантийи, принадлежавший принцу де Конде.

Франсуа Лемуан (1688-1737)

Франсуа Лемуан также вдохновил некоторые виды декоративного искусства своего времени. Одной из его главных работ было оформление Салона д’Эркюль в Версале, а многие его картины были гравированы Лораном Карсом, гравёром галантных праздников Ватто .

Жиль-Мари Оппенор (1672-1724)

При Жиль-Мари Оппеноре тенденция к рококо стала более заметной. Оппенорд был архитектором регента и повлиял на дизайн мебели Крессента. Он в чем-то обязан Франческо Борромини (1590-1667), архитектору раннего барокко, чьё влияние прослеживается в некоторых проектах Оппенорда.

Сегодня Оппенорд, вероятно, наиболее известен своими коваными железными конструкциями, которые в то время вошли в моду для балконов и лестниц в дополнение к воротам, которые всегда были популярны для входов в замки. Он также обратил внимание на консольные столики на опорах из кованого и литого чугуна и другие предметы железной мебели, включая даже prie-Dieu, которые, по-видимому, предназначались скорее для садов и внешних дворов, чем для интерьеров.

Николя Пино (1684-1754)

Николя Пино был учеником как Мансарта, так и архитектора Жермена Боффрана (1667-1754). Сначала он, по-видимому, был менестрелем, занимавшимся в основном резьбой буазери, особенно при петербургском дворе, где он пробыл десять лет.

В России он выступал также в качестве архитектора и дизайнера интерьеров, а по возвращении в Париж в 1726 году стал ведущим дизайнером. Его работы были менее ярко выраженными асимметричными, чем у некоторых его современников, и заслужили одобрение архитектора Ж.Ф. Блонделя, который был одним из первых критиков экстравагантностей рококо.

Жак Верберкт (1704-1771)

Жак Верберкт из Антверпена был менюизером и резчиком, который работал в основном над буазери, особенно в сотрудничестве с архитектором Анж-Жаком Габриэлем (1698-1782), в стиле рококо, менее выраженном, чем у Мейссонье.

Жюст-Орель Мейссонье (1695-1750)

Несмотря на уже упомянутые ранние примеры асимметрии, особые черты развитого стиля рококо стали очевидны не ранее времени Жюста-Ореля Мейссонье, родившегося в Турине. Он работал в основном как ювелир и орнеманист, став orfevre du Roi (ювелиром короля) в 1726 году. Двумя годами позже он был назначен dessinateur du cabinet du Roi, сменив Жана Берена Младшего (1678-1726), но о его работе в этом качестве почти ничего не сохранилось.

На самом деле Мейссонье почти ничего нельзя приписать, кроме его книг по дизайну, но именно они, вероятно, оказали наибольшее влияние на развитие рококо. Значительная часть его работ была выполнена для иностранной знати и включала в себя часовые шкафы, боевые приспособления, консольные столики и другую мебель, буазери, и – что несколько естественно – серебряные ювелирные изделия всех видов. Среди его серебряных изделий некоторые раковинные солонки были очевидным источником вдохновения для нескольких фарфоровых заводов, включая Челси и Боу в 1750-х годах. Другие серебряные изделия с морскими сюжетами на основании из асимметричных завитков оказали влияние на фарфоровое производство в Саксонии и Англии, хотя в Венсене и Севре таких работ было немного, поскольку используемый фарфор для них не подходил, и основания из позолоченной бронзы были заменены. Опоры для столов и сидений Мейссонье были почти так же искусно украшены, как и его серебро. Ещё более совершенными были проекты гравёра и ювелира П.Э. Бабеля, чьи виньетки и орнаменты пользовались популярностью.

Более или менее современниками Мейссонье, работавшими в схожем с ним стиле, но без его акцента на асимметрии, были братья Слодц. Двое из них работали на короля в качестве дизайнеров и скульпторов: Антуан Себастьен (1695-1754) был dessinateur de la chambre du Roi, на этом посту его сменил брат Поль Амбруаз (1702-1758). В 1739 году они стали сотрудничать с гравёром Шарлем-Николя Кошеном Младшим (1714-1790), который помогал им создавать декорации для придворных праздников и государственных церемоний. По словам одного современного критика, Слодтцы были хороши в оформлении праздников, но по-настоящему они выкладывались на похоронах.

Жан-Жак Башелье (1724-1806)

Жан-Жак Башелье, художник и орнеманист, последователь Жана Шардена, помогал украшать замки и отели, прежде чем был назначен директором мастерских на Венсеннском фарфоровом заводе. Поощряемый мадам де Помпадур, он стал художественным директором в 1751 году и в значительной степени ответственен за развитие севрского стиля в декорировании фарфора, введя использование бисквитного (то есть неглазурованного) фарфора для изготовления фигурок.

Франсуа Буше (1703-1770)

Влияние в середине века Франсуа Буше, сына художника-вышивальщика, трудно переоценить. Один из самых разносторонних живописцев своего времени, он мог создавать сцены галантности, мифологические сюжеты, шинуазри, картины животных, религиозные сюжеты, театральные декорации, дизайн фарфора, гобеленовые карикатуры и многое другое.

Хотя сегодня он больше всего известен своими женскими обнажёнными фигурами, на самом деле они составляли сравнительно небольшую часть его творчества. В 1743 году в «Списке лучших художников» он упоминается как мастер исторической живописи, живущий на улице Гренель-Сент-Оноре, напротив улицы Дез-Экрю, ученик Лемуана, преуспевающий также в пейзажах, гротесках и орнаментах в манере Ватто, и столь же искусный в живописи цветов, фруктов, животных, архитектуры, а также предметов галантности и моды.

Буше, избранный в Академию в 1734 году, был близким другом Мейссонье, который стал крестным отцом его сына в 1736 году. В этом году была опубликована серия гравюр Симона Франсуа Равене (1706-1774) и Жака-Филиппа Ле Баса (1707-1783) из книги Буше «Крис де Пари», которая впоследствии послужила источником вдохновения для Мейсенского фарфорового завода при создании серии фигурок.

В 1736 году по предложению директора Удри он представил Гобелену эскизы новой серии гобеленов с иллюстрациями к «Дон Кихоту», которые стали предтечей многих других. К 1737 году его картины продавались так же быстро, как и снимались с мольберта, как кабинетные, так и предназначенные для более постоянного размещения, например, на окнах. Он накапливал коллекцию китайского фарфора, возможно, примерно с 1740 года, когда он начал серию китайских фарфоров, «Пять чувств, представляющих различные китайские развлечения», а затем «Suite de Figures Chinoises», которая вдохновила фарфоровые фигурки и группы в Мейсене, позже скопированные в Англии. Этот этап творчества Буше, по-видимому, начался, когда он гравировал дизайн для каталога Герсена, который специализировался на восточном искусстве всех видов.

Буше работал в Парижской опере, создавая костюмы и декорации для балета «Галантные индейцы», в 1743 году. Менее известны его проекты модных позолоченных бронзовых креплений и интерьеров. Затем последовала его дружба с мадам де Помпадур (урождённой Жанной Антуанеттой Пуассон, любовницей Людовика XV с 1745 года до её смерти в 1764 году) и его проекты для Севрской фарфоровой фабрики. Маркиза получила для него должность premier peintre du Roi.

К 1754 году Буше обратился к пасторали, задав новую моду, и в следующем году стал директором Гобелена, сменив Удри. Его связь с Винсенном началась незадолго до 1754 года, когда Башелье попросил его о помощи, и он предоставил эскизы для модельеров Фернекса и Сюзанны. Влияние Буше уменьшилось после смерти его друга и покровителя, мадам де Помпадур, в 1764 году, хотя его репутация сохранилась до конца его жизни. Он умер у своего мольберта в 1770 году.

Жак Франсуа Блондель (1705-1774)

Более экстравагантные аспекты искусства рококо никогда не находили всеобщего одобрения. Одним из первых критиков был Жак Франсуа Блондель, чья «Французская архитектура» в восьми томах, опубликованных в 1752-1756 годах, и «Курс гражданской архитектуры» (1771-7) оказали большое влияние. Его проекты буазери, не отступая от преобладающего духа времени, в соответствии с его опубликованными взглядами, гораздо менее экстравагантны, чем многие работы его современников. О некоторых пластинах, созданных по мотивам работ Пино, он говорит, что они «разнообразны и не слишком соответствуют вкусу времени».

Шарль Этьен Бризе (1680-1743)

Дымоходы Шарля Этьена Бризе, опубликовавшего в 1743 году книгу об искусстве строительства загородных домов с табличками, гравированными Бабелем, и использовавшего Пино для выполнения некоторых заказов, отличаются большим пространством, отведённым для зеркал. К этому времени зеркала в камине дополняли зеркала в пирсах, расположенных напротив, придавая помещению простор. Бабель гравировал и другие проекты интерьеров, в частности, для Боффрана, и на него оказал большое влияние Мейссонье, но насколько его работы такого рода были оригинальными, представляется проблематичным.

Жан Пиллеман (1728-1808)

Дизайнер шинуазри, который требует упоминания, – это Жан Пиллеман, художник, акварелист и гравёр, работавший для князя Лихтенштейна и Станисласа Лечинского. В Англии его характерные шинуазри вдохновили на украшение фарфора, эмалей и предметов искусства.

Уже в 1737 году он извиняется за то, что привёл несколько примеров асимметричных узоров, объясняя, что это всего лишь уступка вкусу момента, и ссылаясь на абсурдные сочетания раковин, драконов, тростника, пальм и листвы, вошедшие тогда в моду. Менее известна его пейзажная живопись в манере Буше.

Неоклассический стиль

Истоки неоклассического искусства проследить не так просто. В своих ранних проявлениях оно сначала называлось «греческим стилем» , а затем «этрусским стилем», но ни одно из этих названий не является особенно подходящим. Правда, встречаются некоторые ранние греческие мотивы, особенно волнообразный узор, используемый в качестве орнамента фриза, и что некоторые римские мотивы были заимствованы из этрусского искусства, которое, в свою очередь, было заимствовано из греческого искусства, но об этрусках было известно так мало, что на них претендовали все виды вещей, на которые они не имели строгого права. Например, когда Джозайя Веджвуд (1730-1795) открыл в Стаффордшире фабрику по производству неоклассической керамики, он назвал её «Этрурия». В XIX веке произошло возрождение этой «этрускомании», но в целом источниками неоклассики обычно были римское искусство, причём провинциальное и буржуазное римское искусство, из Помпей, а не из столицы.

Возможно, самым важным отдельным влиянием стало издание компиляции графа де Кайлюса, начавшееся в 1752 году. Ее влияние на декоративное искусство трудно измерить, хотя она стала кульминацией серии нападок на более экстравагантные аспекты рококо, начатых Кайлюсом почти за двадцать лет до этого. Каталог коллекции сэра Уильяма Гамильтона был опубликован в роскошном издании с гравюрами в 1766-7 годах. Сэр Уильям (1730-1803) был послом при Неаполитанском дворе с 1764 по 1800 год и известен как муж любовницы Нельсона, Эммы.

Многочисленные гравированные эскизы, а также труды Шарля-Николя Кошана (1714-1790) способствовали той же цели, и влияние Пиранези, знакомого как с Клериссо, так и с Робертом Адамом, было, конечно, немалым.

Характер современных нападок на рококо можно проиллюстрировать цитатой из Кошена, опубликованной в Mercure de France в 1754 году. Он начинает с того, что призывает ювелиров, бронзовщиков и резчиков по дереву, украшающих квартиры, соблюдать определённые законы, продиктованные разумом. Он пишет: “Когда они делают подсвечник, мы просим их сделать его прямым, а не перекошенным, как если бы какой-то негодяй получил удовольствие от того, что испортил его. Мы не осмелимся спорить со вкусом внутреннего убранства наших зданий. Мы даже не станем просить о сдержанности в использовании пальм, которые в таком изобилии растут в квартирах, на дымоходах, вокруг зеркал, на стенах и повсюду. Подавить их – значит лишить наших декораторов последнего ресурса. Но мы, по крайней мере, можем надеяться, что, когда вещь может быть квадратной, они воздержатся от её искажения, и что, когда фронтон может быть законно полукруглым, они не будут портить его S-образными завитками, которые они, похоже, позаимствовали у мастера письма.”

Отсутствие выдающихся дизайнеров в новом стиле на первых порах объясняется тем, что те, кто пользовался известностью, уже работали у короля, чья привязанность к рококо была непоколебимой. Кошен утверждает, что малоизвестный художник Луи Лоррен был первым, кто использовал такие типичные для Людовика XVI мотивы, как сваги, урны и плетёный кабельный орнамент. Нельзя упускать из виду и роль, которую сыграли немецкие эбенисты, начиная с франко-немецкого краснодеревщика Жана-Франсуа Оэбена (1721-1763).

В Севре модели для бисквитных фигурок Этьена-Мориса Фальконе (1716-1791) не остались без влияния нового движения, хотя его работы для фарфорового завода в чем-то обязаны дизайну Буше. «Леда и лебедь» Фальконе около 1760 года и макет для «Амура и Психеи» появились в Салоне 1761 года. Основания просты и больше не украшены камнями, характерными для венсенских и ранних севрских фигур.

О своих ранних работах «Baigneuse» и «Nymphe qui sort du Bain», обе до 1760 года, Фальконе заметил, что они более благородны и в целом менее подвержены изменениям моды, что подразумевает уступку преобладающим изменениям. В изготовлении популярных ваз для украшения каминных труб или для горшков с повидлом стиль Людовика XVI был хорошо заметен к 1765 году, а в 1772 году огромное украшение стола из бисквита воспроизводило одну из потолочных росписей Галереи Аполлона в Лувре, выполненных в XVII веке.

Жак-Жермен Суффло (1713-1780)

Жак-Жермен Суффло, архитектор Пантеона, который вместе с Кошеном сопровождал маркиза де Мариньи (1727-1781) в его итальянском путешествии, в молодости учился в Академии в Риме. Поначалу он был дизайнером рококо, едва отличимым от остальных, но, тем не менее, был недоволен этим стилем и уже в 1744 году высказывался о “мудрой и богатой простоте греков и римлян”. Второе путешествие в Италию стало его дорогой в Дамаск, и по возвращении он энергично пропагандировал возвращение к классицизму, став в процессе одним из величайших архитекторов.

См. также: великий архитектор барокко Жюль Хардуэн Мансар (1646-1708).

Другие художники-декораторы неоклассицизма

Глядя на новые разработки по ту сторону Ла-Манша, вдохновлённые братьями Адам, где Роберт Адам был назначен архитектором Георга III в 1762 году, трудно не прийти к выводу, что возрождённый классицизм в Англии не остался без влияния во Франции. Стиль рококо так и не смог закрепиться в Англии, прежде всего потому, что в ней так прочно укоренился палладианский стиль. Фарфоровые фабрики и гугенотские серебряники переняли его, а Гораций Уолпол совершил легкомысленный экскурс в возрождённую готику в Строберри-Хилл, но основное течение почти незаметно перетекло из палладианского классицизма в версию Адама. И Шарль-Луи Клериссо (1721-1820), и Жан-Симон Руссо де ла Роттьер (1747-1820) черпали что-то из адамовских проектов.

С Роттьером был связан скульптор Клод Мишель, прозванный Клодионом (1738-1814), а другим скульптором, оказавшим влияние на новое движение, которому покровительствовал Кайлюс, был Эдме Бушардон (1698-1762), вернувшийся из Италии в 1733 году, чьи работы вдохновили фарфоровые модели в Мейсене и других местах. (О других сторонниках нового стиля см. Скульпторы-неоклассики.)

Несмотря на то, что мадам де Помпадур в своих личных апартаментах сделала жест в сторону ранних фаз нового стиля, мода гораздо больше привлекала некоторых современных сборщиков налогов и финансистов, таких как Гримод де ла Рейньер (1758-1837), чей салон был спроектирован Клериссо, возможно, уже в 1769 году, и чей особняк на нынешней улице Буасси д’Англас в итоге стал американским посольством. Жан Демосфен Дюгурк (1749-1825), служивший в Гард-Мёбле, оказал значительное влияние на более поздний неоклассический дизайн, а Жан-Шарль де ла Фосс (1721-1790), начинавший как дизайнер в стиле рококо, все больше обращался к более классическому стилю.

Юбер Робер (1733-1808)

Художник, чьи работы заслуживают внимания, – Юбер Робер, один из близких людей Фрагонара. Впоследствии дизайнер Королевских садов и хранитель Королевской коллекции, он попал под влияние Иоганна Иоахима Винкельмана (1717-1768) в Италии, куда он отправился в 1754 году, познакомившись с Паннини. Его выбор темы, обычно архитектурной, принёс ему прозвище Робер де Руин, а его успех в качестве декоратора салонов, вероятно, был обусловлен интересом Дидро, который восхищался его работами. Его дружба с мадам Жоффрен помогла молодому Роберу утвердиться.

Роль художников и ремесленников

Стоит помнить, что французское декоративное искусство в течение полутора веков, о которых мы рассказываем, включало в себя множество различных видов искусства и было делом рук многих. Каждый мастер на гобеленовых станках, на фарфоровых фабриках, в мастерских ювелиров, эбенистов и менюистов, каждый живописец, гравёр и скульптор, добавивший что-то новое, что было воспринято в другом месте, вносил свой вклад в полную картину и помог создать величайшее в истории искусства представление о декоре и дизайне интерьера.

Упомянутые здесь художники были также дизайнерами того или иного рода, или художниками стен и потолков в дополнение к станковым картинам, которые заметно повлияли на общие тенденции. Но не стоит упускать из виду и тех, кто, ограничиваясь в большей степени станковыми картинами, часто оказывал влияние на декоративное искусство, выступая в качестве источника вдохновения. То же самое можно сказать и о скульпторах. Как правило , скульпторы были более тесно связаны с декоративным искусством, чем живописцы.

Людовик XIV, Людовик XV и Мария-Антуанетта как меценаты сыграли влиятельную роль в эволюции стилей в XVII и XVIII веках, причём Людовик XV при содействии мадам де Помпадур и в некоторой степени мадам дю Барри, Но они находились на вершине пирамиды, которая расширялась к своему основанию и охватывала дворянство, сборщиков налогов и финансистов Парижа, а затем и провинции прямо пропорционально их удалённости от столицы и состоянию коммуникаций с ней.

Антикварную мебель, прекрасные гобелены и другие произведения декоративного искусства Версаля или эпохи Людовика XIV, Людовика XV или Людовика XVI, можно увидеть в некоторых лучших художественных музеях мира.