Примитивизм, примитивное искусство читать ~20 мин.

Термин «примитивное искусство» — это довольно расплывчатое и неизбежно этноцентрическое понятие. Оно относится к культурным артефактам тех этнических групп, которые по западным стандартам принято считать технологически менее развитыми.

Это понятие охватывает африканское искусство (к югу от Сахары), океаническое искусство (искусство островов Тихого океана), искусство аборигенов Австралии, а также другие виды наскальной живописи доисторического периода и племенное искусство (например, народов Америки и Юго-Восточной Азии). Представление о «примитивных» народах сформировалось в эпоху Великих географических открытий (приблизительно с 1500 года) и было в значительной степени связано с европейским христианским мировоззрением.

Термин «примитивное искусство» обычно не используется для описания китайских, индийских или исламских произведений искусства, а также произведений любой из основных культур, включая египетскую, греческую или римскую цивилизации.

Термин «примитивизм», возникший в изобразительном искусстве в конце XIX века, используется для описания любого искусства, для которого характерны образы и мотивы, связанные с примитивным искусством. Этот стиль, отмеченный этнографическими формами и большой визуальной силой, берёт своё начало в 1890-х годах с таитянских картин Поля Гогена (1848–1903) и быстро стал популярен среди французских и немецких художников-авангардистов. Многие из них начали посещать этнографические музеи: в 1902 году англо-американский скульптор Якоб Эпштейн посетил музей Трокадеро в Париже, как и Дерен с Вламинком в 1904–1905 годах, а Пикассо — в 1907-м. В 1903 и 1906 годах Эрнст Людвиг Кирхнер посетил этнографическую коллекцию в Дрездене, а в 1907 году Василий Кандинский, Шмидт-Ротлуф, Франц Марк и другие увидели новую коллекцию примитивных экспонатов в Берлине.

Влияние примитивизма на западное искусство

С 1906 года такие арт-дилеры, как Поль Гийом, а также художники Матисс, Пикассо, Дерен и Брак, начали покупать африканские племенные маски и статуэтки. В результате влияние так называемого «африканского искусства» на живопись и скульптуру стало весьма заметным в Париже после 1907 года, а в Берлине, Дрездене и Лондоне — после 1912 года. К 1920 году оно стало практически всеобщим и продолжалось до начала 1930-х годов, когда искусство Океании, американских индейцев и эскимосов стало главным источником вдохновения для сюрреалистов и их последователей.

Среди художников, испытавших наибольшее влияние примитивизма, были немецкие экспрессионисты Эмиль Нольде (1867–1956) и Макс Пехштейн (1881–1955), фовист Анри Матисс (1869–1954), румынский скульптор Константин Бранкузи (1876–1957), британский скульптор Якоб Эпштейн (1880–1959), парижский художник и скульптор Амедео Модильяни (1884–1920), Пабло Пикассо (1881–1973) и многие другие. Русский примитивизм оказал большое влияние на Наталью Гончарову (1881–1962), которая разработала собственный стиль неопримитивизма. Влияние африканского, океанического, аборигенного и другого так называемого примитивного искусства на западных художников продолжается до сих пор и охватывает живопись, скульптуру, ассамбляж, боди-арт (например, роспись лица и тела), татуировки, резьбу по дереву и другие формы.

Примитивистские скульптуры и картины

Хотя первыми примитивизмом заинтересовались художники, наибольшее влияние он оказал на скульптуру. Художник-фовист Андре Дерен даже научился резать по камню, чтобы создавать произведения в этом стиле. Среди величайших произведений искусства, созданных в примитивной манере, можно назвать следующие:

Величайшие скульптуры в стиле примитивизма

«Овири» («Дикарка») (1891–1893) Поля Гогена.
«Скорчившаяся фигура» (1907) Андре Дерена.
«Стоящая обнажённая» (1907) Андре Дерена.
«Поцелуй» (1908) Константина Бранкузи.
«Танцующая женщина» (1908–1912) Эрнста Людвига Кирхнера.
«Спящая муза» (1910) автор Константин Бранкузи.
«Первый шаг» (1913) Константина Бранкузи.
«Танцовщица с красным камнем» (1913) Анри Годье-Бжеска.
«Иератическая голова Эзры Паунда» (1914) автор Анри Годье-Бжеска.
«Ассунта» (1921) Георга Кольбе.
«Адам» (1938) впечатляющая статуя Якоба Эпштейна.
«Крадущаяся женщина» («Прощание») (1940-41) Анри Лоранса.
«Иаков и ангел» (1940–1941) Якоба Эпштейна.
«Бабуин с детёнышем» (1952) Пабло Пикассо.
«Разделённая голова» (1963) бронзовая скульптура в стиле острова Пасхи работы Сезара.

Величайшие картины в стиле примитивизма

«Луна и Земля» (1893, MoMA, Нью-Йорк) Поля Гогена — работа, в которой Гоген отождествляет женское тело, далёкое от цивилизации, с лунными ритмами и плодородными силами земли.
«Авиньонские девицы» (1907, MoMA, Нью-Йорк) — новаторская работа Пабло Пикассо в стиле кубизма, основанная на африканских художественных формах.
«Танец» (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург) — монументальная сине-оранжево-зелёная картина Анри Матисса.
«Кариатида» (1912, Музей искусств Согэцу, Токио) — одно из многочисленных «примитивистских» полотен Амедео Модильяни.
«Молодые люди из Папуа» (1913–1914, Государственный музей, Берлин) — экспрессивное полотно Эмиля Нольде, где фигуры коренных жителей изображены на фоне разбивающихся волн.

Кроме того, термин «примитивизм» также используется для описания творчества художников-«примитивов». Так называют определённых авторов, как правило, самоучек, чьи картины отличаются упрощённой формой и цветом и лишены таких традиционных приёмов, как кьяроскуро, линейная перспектива и другие способы передачи пропорций. Эта категория искусства в западном стиле, отличающаяся детской непосредственностью образов, также известна как «аутсайдерское искусство», «наивное искусство» или ар-брют («грубое искусство»). Ярким его представителем является Анри Руссо по прозвищу «Таможенник» (1844–1910) и его шедевры «Спящая цыганка» (1897) и «Сон» (1910), оба в Музее современного искусства в Нью-Йорке. К другим художникам-примитивистам относят Пауля Клее (1879–1940), Михаила Ларионова (1881–1964), Л. С. Лаури (1887–1976), Жана Дюбюффе (1901–1985), Фриду Кало (1907–1954), Асгера Йорна (1914–1973), Карела Аппеля (1921–2006) и других представителей европейского авангарда 1950-х годов. Крупнейшее собрание искусства аутсайдеров — это «Коллекция ар-брют» Жана Дюбюффе, расположенная в швейцарской Лозанне. Меньшая по размеру Коллекция аутсайдерского искусства Масгрейва Кинли находится в Ирландском музее современного искусства (IMMA). В ней представлены работы таких художников, как Алоиза, Генри Дарджер, Мэдж Гилл, Хаузер, Дж. Б. Мюррей, Освальд Чиртнер, Ван Генк, Вёльфли, Земанкова и др.

Доисторическое искусство — это не примитивизм

Все скульптуры (например, фигурки Венеры) и живопись (например, наскальная живопись), созданные в эпоху палеолита (каменного века), то есть до 10 000 года до н.э., классифицируются как доисторическое искусство. Поскольку все люди того периода вели схожий образ жизни, который мы бы назвали примитивным, термин «примитивное искусство» к доисторической эпохе не применяют, чтобы избежать путаницы. Он используется для обозначения искусства определённых культур в сопоставлении с западной цивилизацией. (См. также: Хронология доисторического искусства.)

Неотъемлемая часть истории и культуры

Следует отметить, что искусство не существует изолированно. Оно является частью культуры, тесно связанной с историей народа. Следовательно, мы должны рассматривать примитивное искусство как общий термин, охватывающий целый ряд исторических явлений — продуктов различных менталитетов, темпераментов, исторических событий и влияний окружающей среды. Каждый народ, каким бы «примитивным» он ни был, выработал особый стиль, отдавая предпочтение определённым объектам, узорам или особому расположению линий и пространств.

Примитивизм в противоположность академическому искусству

Дегуманизирующие последствия индустриализации XIX века и кровавая бойня Первой мировой войны (1914–1918) вызвали у ряда художников разочарование в культуре и ценностях собственного общества, которые они считали коррумпированными и морально несостоятельными. Изобразительное искусство, особенно официальное «академическое искусство», преподаваемое в академиях, отождествлялось с этими изжившими себя ценностями. По сравнению с ним «примитивное» искусство казалось более спонтанным, честным и эмоционально насыщенным.

Примитивизм и эстетика

Отнесение картины или скульптуры к категории «примитивных» предполагает существование «непримитивного» искусства. Как описать такую категорию? Модернистское? Прогрессивное? Технологически продвинутое? Ни одно из этих описаний не кажется удовлетворительным, возможно, потому, что такой категории не существует. В конце концов, эстетика — не наука, и не существует понятий «передовая красота» или «примитивная красота».

Мы больше всего ценим искусство, которое нам знакомо

Часто кажется, что полное наслаждение красотой возможно только тогда, когда мы сталкиваемся с произведением искусства, которое либо принадлежит нашей культуре, либо хотя бы поверхностно связано с нашей собственной эстетикой. Сочетания формы и цвета, созданные другими цивилизациями, могут быть весьма привлекательными, но они часто остаются окутанными таинственной атмосферой, которая может быть нам совершенно чужда.

Работы, отражающие стиль «примитивизма», можно увидеть в некоторых лучших художественных музеях мира.

Плохое искусство — не примитивное искусство

Поскольку первая стадия чего-либо обычно несовершенна, у слова «примитивный» появилось популярное значение, обозначающее нечто грубое, лишённое гармонии линий, пространства или цвета, которая и вызывает у нас эмоциональный отклик при взгляде на настоящее произведение искусства. «Примитивное произведение» в этом смысле может быть просто работой дилетанта, лишённой как художественного вдохновения, так и технического мастерства. В этом случае оно не имеет ничего общего с подлинным примитивизмом, а является просто плохим искусством, не имеющим даже документальной ценности.

С другой стороны, если это работа представителя племенной культуры или ребёнка, она будет иметь определённое значение, по крайней-мере, как генетическое или психологическое свидетельство.

Мода диктует эстетику

Художественный стиль — это не статичное, а динамичное явление, связанное с определённым периодом развития культуры и меняющееся вместе с ним. Установлено, что существует своего рода периодичность художественных стилей, соответствующая периодичности вкусов. Однако неясно, в какой степени стиль и эмоциональная реакция на него обусловлены друг другом.

Наиболее очевидной характеристикой современного художественного вкуса является простота. Живя в очень сложном, шумном и до предела механизированном мире, человек XX века выработал сильную тягу к простоте: к простым формам в повседневной жизни, к отказу от орнаментов в архитектуре, мебели и утвари, к предпочтению примитивности и спонтанности утончённости и изысканности.

Именно поэтому простота многих видов примитивного искусства так привлекает современного зрителя. Критик Г. А. Стивенс однажды написал: “Примитивное искусство — это самая чистая, самая искренняя форма искусства, какая только может быть. Отчасти потому, что оно глубоко вдохновлено религиозными идеями и духовным опытом, а отчасти потому, что оно совершенно бессознательно как искусство; в нём нет никаких трюков, которые могли бы быть приобретены недостойными, и никаких технических упражнений, которые могли бы маскироваться под произведения вдохновения”.

Такое суждение, однако, справедливо лишь для сравнительно ограниченных областей искусства примитивных народов. На самом деле «примитивный» художник не всегда так наивен, как хотелось бы думать.

Каковы особенности примитивного искусства?

Техника

Несовершенство технических средств не обязательно характерно для «примитивного искусства». Напротив, материалы, с которыми работает художник-примитивист — камень, кость, дерево, металл, — в основном те же, что и у европейского художника. Даже в живописи пигменты из минералов, растений и компонентов животного происхождения во многих случаях схожи. Средства, имеющиеся в распоряжении примитивиста, соответствуют его культурному уровню и окружению.

В африканском святилище или храме картина маслом на холсте была бы и исторически недостоверной, и эстетически неуместной. Примитивные методы значительно отличаются друг от друга, однако мы находим схожие техники, применяемые в совершенно разных культурах. Например, метод создания скульптур из дерева — это преимущественно рубка, а не резьба. В качестве инструмента часто служит своеобразное тесло.

В результате в готовом изделии получается гранёная поверхность, на которой видны неровные следы инструмента. Эта техника распространена в Западной и Южной Африке, Новой Гвинее и на северо-западе Америки. Цель художника — хорошее мастерство. Условия, в которых он работает, отличаются от условий его «цивилизованных» коллег. Прежде чем приступить к работе, он должен сам собрать, изготовить и подготовить инструменты и материалы.

Возьмём, к примеру, искусство племён североамериканских индейцев. У равнинных индейцев женщины отвечают за геометрический орнамент, а мужчины занимаются изобразительной живописью. В обоих случаях для получения красок необходимо собрать растения или минералы. Затем их нужно сварить или измельчить и смешать со связующим веществом, например жиром, чтобы закрепить пигмент. После этого тщательно подготавливается шкура бизона: её поверхность делают как можно более гладкой.

Даже после сложной подготовки поверхность остаётся настолько шероховатой, что контуры сначала продавливают в основе, и только потом наносят рисунок. Краску приходится наносить несколько раз, чтобы она впиталась в шкуру. Следовательно, полихромная роспись на шкуре — это, по сути, цветное тиснение, а не просто рисунок. Закрепление требует ещё одного сложного процесса, но он применяется только для геометрических узоров. Вся эта подготовительная работа требует высокого мастерства и в значительной степени является механической.

Точно так же работали и европейские художники в прежние времена. Сегодня любой художественный материал можно купить в готовом виде. Только скульпторы по-прежнему связаны со значительной долей ремесленного труда.

В целом, перед художником-примитивистом стоит сложная техническая задача. Однако это не означает, что он не является настоящим художником со своими идеями, а иногда и с подлинным вдохновением. Много лет назад профессор Колумбийского университета Франц Боас встретил индейца с острова Ванкувер, который был хорошим художником, хотя и работал в традиционном стиле северо-западного побережья. Индеец был настолько болен, что оказался прикован к постели. Он сидел, держа кисть между губами, молчал и не обращал внимания на окружающих. Его с трудом можно было заставить говорить, но когда он начинал, то подробно рассказывал о своих видениях и образах, которые уже не мог воплотить. Несомненно, это был “ум и настрой настоящего вдохновенного художника”. Эта тесная связь с ремеслом, похоже, и является причиной того, что примитивный художник так часто добивается успеха.

Примитивный художник не только с самого начала точно знает, чего он хочет, но и с непоколебимым упорством идёт к цели, пока она не будет достигнута.

Видение

Существует мнение, что из-за отсутствия перспективы и других привычных нам эстетических приёмов даже высококачественное примитивное искусство при первом знакомстве кажется гротескным или однообразным. Это может быть справедливо для некоторых его видов, но не для всех. Ввиду большого разнообразия стилей обобщения опасны. Точно так же разительные отклонения от реальности не могут считаться характеристикой исключительно примитивного видения, поскольку они встречаются и в искусстве высокоразвитых культур.

Это особенно верно в отношении отсутствия перспективы, которое можно найти в египетском, византийском и готическом искусстве, а также очевидно в произвольном соотношении конечностей в фигурах, нарисованных Боттичелли или Эль Греко. С другой стороны, художники эпохи палеолита и южноафриканские бушмены делали замечательные попытки изобразить ракурс, наложение цветов, линейную перспективу и светотень.

Некоторые примитивные художники достигли высочайшего уровня в реалистическом изображении. Картины и рисунки бушменов привлекают нас тем, что мы без труда понимаем их. Этот вид графического искусства напоминает наше собственное. Он прост и безыскусен. Следовательно, мы считаем эти работы наивными и «примитивными» в оценочном смысле. Нам не нужно применять какое-то новое или непривычное видение, потому что, в конечном счёте, примитивный художник, как и европейский, работает с натуры.

Это правда, что большая часть примитивного искусства, очевидно, была создана по памяти, и что боги, демоны и фантастические существа являются продуктом воображения художника, хотя некоторые детали могут быть взяты из реальных форм. Но бесчисленные произведения искусства, особенно скульптуры, из Африки, Южных морей и Америки, настолько реалистичны и индивидуальны, что можно с уверенностью предположить, что художники действительно работали с натуры.

Прежде всего, скульпторы древней Мексики и Перу (которые, конечно, были далеко не примитивными), должно быть, обращались напрямую к природе, и их работы, по сути, являются шедеврами портретного искусства. В Африке прекрасные головы из Ифе, несомненно, являются натурными портретами, хотя какое-то внешнее влияние могло быть причиной этого необычайно высокого уровня скульптуры. Но мы находим натурные портреты и у более примитивных африканских племён: на Берегу Слоновой Кости, в Камеруне и в бассейне реки Конго. Портреты существуют и в Тихоокеанском регионе. Маори в Новой Зеландии разработали то, что можно назвать «схематическим» портретом, где узоры татуировки — безошибочное средство идентификации — позволяли сохранить память об отдельных предках через их изобразительное представление.

Термины «реалистическое» или «натуралистическое» искусство обычно применяются к работам, которые сделаны с натуры и, следовательно, соответствуют природе. Но их значение, хотя и достаточно определённое в скульптуре, имеет тенденцию становиться двусмысленным в изобразительном искусстве. Говоря о натуралистической картине, мы имеем в виду, что она соответствует оптическому впечатлению от модели, наблюдаемой в данный момент под определённым углом. Но в другом смысле мы можем говорить о натурализме или реализме, если художник изображает все реально существующие детали, не только те, которые он видит в данный момент, но и те, о которых он знает.

В большинстве примитивных искусств реализм именно такого, «интеллектуального» рода. Пожалуй, наивысшего развития он достигает в «рентгеновских» рисунках Австралии, Меланезии и прибрежных районов Британской Колумбии и Южной Аляски. Здесь художник изображает каждую деталь тела, включая позвоночник, рёбра и внутренние органы, поскольку считает их не менее важными, чем характерные черты внешнего облика.

На северо-западе Америки есть монументальные настенные росписи, изображающие косаток и других животных с детальным показом позвонков и рёбер. Типичным для всей северо-западной американской графики является стилизованное изображение сустава. Этот метод присущ лишь нескольким регионам Тихоокеанского бассейна, и предполагается, что он может быть одним из признаков западного влияния в какой-то отдалённый период прошлого. Интеллектуальный реализм такого рода не может претендовать ни на наивность, ни на простоту. Это, как ни парадоксально, утончённый вид примитивности.

Акцентирование определённых черт в фигуре часто приводит к игнорированию других, так что от реалистического изображения постепенно отказываются. В конечном итоге его заменяет символизм, где для передачи идеи объекта достаточно нескольких характерных черт, которые могут быть стилизованы и преобразованы в условные знаки. На крайней стадии развития изолированный коготь и одно крыло могут символизировать ворона. Но здесь мы уже покинули сферу натуралистического искусства и вошли в область абстрактного или условного дизайна.

Геометрические формы встречаются как в декоративных рисунках, так и в виде узоров в текстиле и плетёных изделиях. Разнообразие этих узоров бесконечно, хотя некоторые из них, такие как зигзаги, меандры, треугольники и различные виды крестов, часто встречаются у совершенно разных народов. На самом деле они почти универсальны и не обязательно указывают на историческую связь между культурами. Например, четырёхугольные меандры мы находим не только в Древней Греции и Китае, но и у индейцев Южной Америки, меланезийцев и африканских народов. Но при определённом сочетании узоров, какими бы общими ни были отдельные элементы, художник создаёт особый стиль с выраженным национальным колоритом. Это позволяет нам отнести украшенный предмет к определённому народу, а часто и к определённому периоду, что, конечно, относится к изучению искусства в целом, а не только примитивного.

Во многих случаях предполагается, что декоративные узоры символизируют материальные объекты — животных, растения и так далее, в честь которых они названы. Связь между узором и его символическим значением возникает двумя путями: либо путём намеренного упрощения изобразительного дизайна, как в Северо-Западной Америке, либо, наоборот, путём наблюдения случайного сходства между геометрическим узором и его натуралистической интерпретацией.

В декоративных узорах индейских племён в верховьях реки Шингу в штате Мату-Гросу (Бразилия) преобладают два своеобразных мотива: простой равносторонний чёрный треугольник, называемый «улури», и параллелограмм, четыре угла которого обозначены маленькими равносторонними треугольниками. Последний узор называется «меришу». Это название рыбы, которая имеет почти квадратную форму, как камбала. Четыре чёрных треугольника в углах обозначают голову, спинной, хвостовой и брюшной плавники. «Улури» — это название единственного элемента одежды, который носят женщины племени. Он состоит из сложенного куска пальмового листа в форме равностороннего треугольника и крепится с помощью набедренной повязки.

Профессор Макс Шмидт (бывший сотрудник Этнографического музея в Берлине) показал, что узоры «улури» и «меришу» возникают случайно при плетении корзин — основного ремесла племён шингу. Они появляются из-за использования светлых и тёмных полос пальмового листа, пересекающихся друг с другом в различных комбинациях. Очевидно, что оба названия были даны узорам позже, после того как их вид вызвал ассоциацию с известными объектами.

Таким образом, особая техника, используемая мастерами, часто приводила к развитию символических узоров и специфического орнаментального стиля. Случайное сходство может легко породить ассоциации, которые дают восприимчивому художнику импульс либо доработать узор до более полного представления того, на что он уже похож, либо просто взять его за образец.

Существует предположение, что первые художники каменного века могли вдохновляться странными природными формами, такими как камни причудливой формы или скальные выступы. Однажды в Лондоне один антиквар показал мне камень в форме головы быка, который, по его мнению, был примером резьбы эпохи палеолита. Предмет действительно имел удивительное сходство с быком, но при ближайшем рассмотрении оказалось, что это естественное образование, и сходство было чисто случайным.

Не только форма, но и цвет материала, используемого в скульптуре, может повлиять на вдохновение художника. Приведём пример из высокой культуры: китайцы, которые мастерски работают с твёрдым камнем различных цветов (нефрит, агат, халцедон, розовый кварц), часто невероятно искусно адаптируют случайную форму и цвет камня в своих резных сосудах и фигурах. Если на куске белого агата обнаруживается красная прожилка, резчик может изготовить белую вазу, окружённую веткой вишни, и так расположить её, чтобы красная прожилка создавала эффект ягоды. Точно так же зелёная прожилка может вдохновить его на изображение лягушки или ящерицы.

Обобщения особенно опасны, когда речь идёт о суггестивном эффекте технических форм. У индейцев Гайаны мы находим тот же тип плетёных корзин, что и в других бассейнах Южной Америки, но здесь тёмные и светлые полосы намеренно и очень искусно располагаются для изображения фигур животных (обычно ягуаров и змей), так что речь уже не идёт о случайных эффектах и их последующей интерпретации.

Понимание эффектов искусственного украшения в определённой степени выходит за пределы человеческой расы. Человек в его раннем состоянии, возможно, был впечатлён красотой природы задолго до того, как начал сам создавать художественные формы или подражать линиям и фигурам, встречающимся в его среде. Некоторые современные примитивные народы явно ценят красоту природы, а в Меланезии есть племена, которые в своём декоративном искусстве пытаются изобразить даже такие явления, как радуга и сияние моря, с помощью символических орнаментов, а не в натуралистическом стиле. Для полной оценки произведения искусства его следует рассматривать, насколько это возможно, в той обстановке, для которой оно было создано.

Это особенно верно для примитивного искусства из-за его совершенно иного культурного фона. Нельзя ожидать, что статуя предка или божества, созданная в африканских условиях освещения и предназначенная для того, чтобы всегда оставаться во мраке святилища, произведёт тот же эффект, если её изъять из первоначального окружения и выставить в стеклянном шкафу в европейском музее. Появятся другие светотеневые эффекты, и они могут быть не менее привлекательными, но они не будут оригинальными и придадут статуе чужеродную ноту.

ПЛАКАТЫ
Многие примеры примитивного искусства доступны в Интернете в виде плакатов.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
См.: История искусства.

КАТЕГОРИИ ИСКУССТВ
О скульптуре и ассамбляже: Пластические искусства. Об орнаментальном дизайне: Декоративное искусство. О произведениях искусства из утилизируемых материалов: Джанк-арт. Общая классификация: Изобразительное искусство.

ВЕЛИЧАЙШЕЕ ИСКУССТВО
Список 10 лучших художников и скульпторов: Лучшие художники всех времён. Чтобы узнать о лучших произведениях живописи, см.: Величайшие картины всех времён. Чтобы узнать о лучших образцах пластического искусства, см.: Величайшие скульптуры всех времён.