Примитивизм, примитивное искусство читать ~21 мин.

Термин «Примитивное искусство» – это довольно расплывчатое (и неизбежно этноцентрическое) описание, которое относится к культурным артефактам этнических групп, которые, как считается, имеют относительно низкий уровень технологического развития по западным стандартам.

Оно включает африканское искусство (к югу от Сахары), океаническое искусство (острова Тихого океана), искусство аборигенов (Австралия), а также другие виды наскального искусства доисторического периода, а также племенное искусство (например, из Америки и Юго-Восточной Азии). Понятие «примитивных» людей возникло в Эпоху открытий (ок. 1500 г. и далее) и в значительной степени (хотя и не исключительно) связано с христианско-кавказским мировоззрением.

Термин «примитивное искусство» обычно не используется для описания китайских, индийских или исламских произведений искусства, а также произведений любой из основных культур, включая египетскую, греческую или римскую цивилизации.

Термин «Примитивизм», возникший в изобразительном искусстве в конце 19 века, используется для описания любого искусства, характеризующегося образами и мотивами, связанными с таким примитивным искусством. Отмеченный этнографическими формами, часто большой визуальной силы, этот художественный примитивизм берет своё начало в 1890-х годах, когда он появился в таитянских картинах Поля Гогена (1848-1903), и быстро привёл к тенденции среди французских и немецких художников экспрессионистского авангарда. Некоторые из них начали посещать коллекции этнологических экспонатов: в 1902 году англо-американский скульптор Якоб Эпштейн посетил музей Трокадеро в Париже, как и Дерен и Вламинк в 1904-5 годах, и Пикассо в 1907 году; в 1903 и 1906 годах Эрнст Людвиг Кирхнер посетил этнологическую коллекцию в Дрездене; в 1907 году Кандинский увидел новую коллекцию примитивных экспонатов в Берлине, которую также посетили Шмидт-Роттлуфф, Франц Марк и другие.

Влияние примитивизма на западное искусство

С 1906 года такие дилеры, как Поль Гийом, а также такие художники, как Матисс, Пикассо, Дерен и Брак, начали покупать маски и статуэтки африканских племён. В результате влияние «негритянского искусства» на живопись и скульптуру стало весьма заметным в Париже после 1907 года, а в Берлине, Дрездене и Лондоне – после 1912 года. К 1920 году оно стало практически всеобщим и продолжалось до начала 1930-х годов, когда океаническое, индейское и эскимосское искусство стало главным источником вдохновения для сюрреалистов и их последователей.

Среди художников, испытавших наибольшее влияние примитивизма, были немецкие экспрессионисты Эмиль Нольде (1867-1956) и Макс Пехштейн (1881-1955), фовист Анри Матисс (1869-1954), современный румынский скульптор Константин Бранкузи (1876-1957), британский скульптор Якоб Эпштейн (1880-1959), парижский итальянский портретист и скульптор Модильяни (1884-1920), Пабло Пикассо (1881-1973) и многие другие. Русский примитивизм оказал большое влияние на Наталью Гончарову (1881-1962), которая разработала стиль неопримитивистского искусства. Влияние африканского, океанического, аборигенного и другого так называемого примитивного искусства на западных художников продолжается до сих пор и охватывает ряд форм, включая живопись, скульптуру, ассамбляж, боди-арт (например, роспись лица и роспись тела), татуировку, резьбу по дереву и другие.

Примитивистские скульптуры и картины

Хотя первыми примитивизмом заинтересовались художники, наибольшее влияние он оказал на скульптуру. Художник-фовист Андре Дерен даже научился резать известняк, чтобы создавать произведения в стиле примитивизма. Среди величайших произведений искусства, созданных в примитивной манере, можно назвать следующие:

Величайшие скульптуры примитивного стиля

Овири («Дикарка») (1891-93) Поля Гогена.
Скрюченная фигура (1907) Андре Дерена.
Стоящая обнажённая (1907) Андре Дерена.
Поцелуй (1908) Константина Бранкузи.
Женщина, танцующая (1908-12) Эрнста Людвига Кирхнера.
Спящая муза (1910) автор Константин Бранкузи.
Первый шаг (1913) Константина Бранкузи.
Танцовщица с красным камнем (1913) Анри Годье-Бржеска.
Иератическая голова Эзры Паунда (1914) автор Анри Годье-Бржеска.
Ассунта (1921) Георг Кольбе.
Адам (1938) потрясающая статуя неандертальца Якова Эпштейна.
Крадущаяся женщина (Прощание) Анри Лоренса.
Иаков и ангел (1940-41) Якова Эпштейна.
Бабуин и молодой (1952) Пабло Пикассо.
Разделённая голова (1963) бронзовая скульптура в стиле острова Пасхи работы Сезара.

Величайшие картины примитивного стиля

«Луна и Земля» (1893, MoMA, Нью-Йорк) Поля Гогена –работа, в которой Гоген отождествляет нецивилизованное женское тело слунными ритмами и регенеративными силами земли.
«Авиньонские демуазели» (1907, MoMA, Нью-Йорк) – новаторская кубистская работа Пабло Пикассо, основанная на африканских формах искусства.
Танец (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург) – монументальная сине-оранжево-зелёная картина Матисса.
Кариатида (1912, Музей искусств Согэцу, Токио), одно из многочисленных «примитивистских» полотен Амедео Модильяни.
«Молодые люди из Папуа»(1913-14, Государственный музей, Берлин), экспрессивное полотно ЭмиляНольде, на котором фигуры местных жителей сочетаются с разбивающимисяволнами.

Кроме того, термин «примитивизм» также используется для описания искусства, созданного «примитивами» – название, данное определённым художникам, обычно самоучкам, чьи картины обычно упрощены по форме и цвету, и лишены традиционных мотивов, таких как кьяроскуро, линейная перспектива и другие виды пропорциональности.

Отличаясь детской образностью, эта категория примитивного искусства в западном стиле также известна как «аутсайдерское искусство», «наивное искусство» или арт-брут («сырое искусство») и является примером творчества Анри Руссо «Ле Дуанье» (1844-1910): например, его шедевры «Спящая цыганка» (1897) и «Сон» (1910), оба в Музее современного искусства, Нью-Йорк. К другим художникам-примитивистам относятся: Пауль Клее (1879-1940), Михаил Ларионов (1881-1964), Л.С. Лоури (1887-1976), Жан Дюбюффе (1901-1985), Фрида Кало (1907-1954), Асгер Йорн (1914-1973), Карел Аппель (1921-2006) и другие представители европейского авангарда 1950-х годов. Крупнейшим холдингом аутсайдерского искусства является коллекция Жана Дюбюффе «Collection de l’Art Brut», расположенная в швейцарской Лозанне. Меньшим собранием является Коллекция аутсайдерского искусства Масгрейва Кинли в Ирландском музее современного искусства (IMMA), где представлены работы таких художников, как Алоиз, Генри Даргер, Мадж Гилл, Хаузер, Дж.Б. Мурри, Освальд Тширтнер, Ван Генк, Вольфли, Земанкова и др.

Доисторическое искусство не является примитивизмом

Все скульптуры (например, фигурки Венеры) и живопись (например, наскальная живопись), созданные в эпоху палеолита (каменного века) – то есть в период до 10 000 лет до н.э. – классифицируются как доисторическое искусство. Поскольку все люди этого периода вели примитивный образ жизни, термин «примитивное искусство» не применим к доисторической эпохе. (См. также: Хронология доисторического искусства.)

Неотъемлемая часть истории и культуры

Заметим, однако, что искусство не является изолированным явлением. Оно является частью культуры, связанной с историей культуры и историей народа. Следовательно, мы должны рассматривать примитивное искусство как общий термин, охватывающий целый ряд исторических явлений; продукты различных рас, менталитетов, темпераментов, исторических событий и влияния окружающей среды. Каждый народ, каким бы примитивным он ни был, выработал особый стиль, отдавая предпочтение определённым объектам и узорам или определённому расположению линий и пространств.

Примитивизм в противоположность академическому искусству

Дегуманизирующие эффекты индустриализации 19 века в сочетании с кровавой бойней Великой войны (1914-18) вызвали у ряда художников разочарование в культуре и ценностях их собственного общества, которое они считали коррумпированным и морально несостоятельным. Изобразительное искусство – особенно официальное «академическое искусство», преподаваемое в академиях, – отождествлялось с этими порочными ценностями. По сравнению с этим «примитивное» искусство казалось более спонтанным, более честным и более эмоционально насыщенным.

Примитивизм и эстетика

Отнесение картины или скульптуры к категории «примитивных» предполагает существование «непримитивного» искусства. Как мы должны описать такую категорию «непримитивного» искусства? – Модернистское? Прогрессивное? Технологически продвинутое? Ни одно из этих описаний не кажется удовлетворительным. Возможно, потому, что такой категории не существует. В конце концов, эстетика не является наукой – не существует такой вещи, как «передовая красота» или «примитивная красота».

Мы больше всего ценим искусство, которое нам знакомо

Довольно часто кажется, что полное наслаждение красотой возможно только тогда, когда мы сталкиваемся с произведением искусства, которое либо принадлежит к нашему роду культуры, либо хотя бы поверхностно связано с нашей собственной эстетикой или идеалами художественной красоты. Сочетания формы и цвета, созданные иностранными цивилизациями, могут иметь много привлекательного, но они остаются окутанными таинственной атмосферой, которая может быть нам совершенно чужда.

Работы, отражающие стиль «примитивизма», можно увидеть в некоторых лучших художественных музеях мира.

Плохое искусство – не примитивное искусство

Поскольку первая стадия чего-либо обычно неразвита и незакончена, для слова «примитивный» выросло популярное значение, обозначающее нечто грубое – лишённое той определённой гармонии линий, пространства или цвета, которая является источником наших эмоциональных ощущений, когда мы смотрим на настоящее произведение искусства. Примитивное произведение» в этом смысле может быть просто работой бездельника, которому не хватает ни художественного вдохновения, ни технического мастерства, и в этом случае оно не имеет ничего общего с настоящей примитивностью, а является просто плохим искусством, не имеющим даже документальной ценности, чтобы его рекомендовать.

С другой стороны, если это работа дикаря или ребёнка, она будет иметь некоторое значение, по крайней мере, как генетическое или психологическое доказательство.

Мода диктует эстетику

Художественный стиль – это не статичное, а динамичное явление, связанное и изменяющееся с определённым периодом развития культуры. Установлено, что существует нечто вроде периодичности художественных стилей, соответствующей периодичности вкусов. Неясно, в какой степени стиль и эмоциональная реакция на него обусловлены друг другом.

Наиболее очевидной характеристикой современного художественного вкуса является простота. Живя в очень сложном мире, шумном и механизированном до предела, человек двадцатого века развил в себе сильную тенденцию к простоте – простоте во внешних формах повседневной жизни, отвращению к орнаментам в архитектуре, мебели и утвари, предпочтению примитивности и спонтанности, а не утончённости и изысканности.

Именно поэтому простота многих примитивных видов искусства так привлекает его. Критик Г.А. Стивенс однажды написал: “Примитивное искусство – это самая чистая, самая искренняя форма искусства, какая только может быть, отчасти потому, что оно глубоко вдохновлено религиозными идеями и духовным опытом, а отчасти потому, что оно совершенно бессознательно как искусство, в нём нет никаких трюков, которые могут быть приобретены недостойными, и никаких технических упражнений, которые могут маскироваться под произведения вдохновения”.

Такое суждение, однако, оправдывается лишь сравнительно ограниченными разделами искусства примитивных рас. На самом деле «примитивный» художник не всегда так наивен, как хотелось бы думать.

Каковы особенности примитивного искусства?

❶ Техника

Неадекватные технические средства не обязательно характерны для «примитивного искусства». Напротив, материалы, из которых работает художник-примитивист – камень, кость, дерево, металл – в основном те же, что и у европейского художника. Даже в живописи красящие пигменты из минералов, овощей и даже животных во многих случаях похожи. Средства, имеющиеся в распоряжении примитивиста, соответствуют его культурному уровню и его окружению.

В африканском святилище или храме картина маслом на холсте была бы и исторически недостоверной, и эстетически неприятной. Примитивные методы значительно отличаются друг от друга, однако мы находим схожие техники, применяемые в совершенно разных областях. Например, метод создания скульптур из дерева – это преимущественно рубка, а не резьба. Инструментом служит своеобразная лопатка.

В результате в готовом изделии получается гранёная поверхность, на которой видны неровные следы инструмента. Эта техника распространена в Западной и Южной Африке, Новой Гвинее и Северо-Западной Америке. Цель художника – хорошее мастерство. Условия, в которых он работает, отличаются от условий его «цивилизованных» коллег. Прежде чем приступить к художественной работе, он должен сначала собрать, изготовить и подготовить инструменты и материалы, и обычно ему приходится делать все это в одиночку.

Возьмём, к примеру, художника из племени североамериканских индейцев. Среди равнинных индейцев именно женщины отвечают за геометрический тип декоративного искусства. Мужчины ограничиваются репрезентативными картинами. В обоих случаях для получения красок необходимо собрать растения или минералы. Затем их нужно сварить или измельчить и смешать с размером или жиром, чтобы закрепился пигмент. Затем необходимо тщательно подготовить буйволиную шкуру и сделать её поверхность как можно более гладкой для нанесения рисунка.

Даже после очень сложного подготовительного процесса поверхность остаётся настолько шероховатой, что контуры сначала должны быть вдавлены в грунт, прежде чем можно будет выполнить рисунок, а рисунок должен быть повторён несколько раз, чтобы тщательно вдавить пигмент в шкуру. Следовательно, полихромная картина на самом деле является цветной гравюрой, а не простым рисунком. Закрепление требует ещё одного сложного процесса, но он применяется только в геометрических узорах. Вся эта подготовительная работа требует искусного мастерства и в значительной степени является механической.

Так же, как и работа европейского художника в прежние времена. Сегодня любой художественный материал можно купить в готовом виде. Только скульпторы всё ещё связаны со значительной долей механического мастерства.

Вообще говоря, перед художником-примитивистом стоит сложная техническая задача. Однако это не означает, что он не является настоящим художником, у которого есть свои идеи, а иногда и подлинное художественное вдохновение. Много лет назад профессор Колумбийского университета Франц Боас встретил индейца с острова Ванкувер, который был хорошим художником, хотя его работы были выполнены в традиционном стиле северо-западного побережья. Этот индеец был так серьёзно болен, что был прикован к постели. Во время болезни он сидел, держа кисть между губами, молча и не обращая внимания на окружающую обстановку. Его с трудом можно было заставить говорить, но когда он говорил, то подробно рассказывал о своих видениях рисунков, которые он уже не мог выполнить. Несомненно, это был “ум и отношение настоящего вдохновенного художника”. Эта тесная связь с прочным ремеслом, похоже, является причиной того, почему примитивный художник так часто добивается успеха.

Примитивный художник не только с самого начала точно знает, чего он хочет, но и продолжает с непоколебимым постоянством, пока это не будет достигнуто.

❷ Ви́дение

Было высказано предположение, что из-за отсутствия перспективы и других эстетических средств даже примитивное искусство высокого качества при первом знакомстве с ним кажется нам гротескным или однообразным. Это может быть справедливо для некоторых видов примитивного искусства, но не может быть принято для всех. Ввиду большого разнообразия совершенно разных видов, обобщения опасны. Аналогично, насильственные отклонения от реальности не могут быть приняты как характеристика чисто примитивного видения, поскольку они встречаются и в искусстве высокоразвитых культур.

Это особенно верно в отношении отсутствия перспективы, которое можно найти в египетском, византийском и готическом искусстве, но также очевидно в произвольном соотношении конечностей в фигурах, нарисованных Боттичелли или Эль Греко. С другой стороны, художники палеолита и южноафриканские бушмены создали замечательные попытки ракурса, наложения цветов, линейной перспективы и цветовой тени.

Некоторые первобытные художники достигли высочайшего уровня в реалистическом изображении. Картины и рисунки бушменов привлекают нас тем, что мы без труда понимаем их. Этот вид графического искусства напоминает наше собственное. Он прост и безыскусен. Следовательно, мы считаем эти работы наивными и «примитивными» в оценочном смысле. Нам не нужно применять какое-то новое или непривычное видение, потому что, в конечном счёте, примитивный художник, как и европейский, работает с натуры.

Это правда, что большая часть первобытного искусства, очевидно, была создана по памяти, и что боги, демоны и фантастические существа являются продуктом воображения художника, хотя некоторые детали могут быть взяты из реальных форм. Но бесчисленные произведения искусства, особенно скульптуры, из Африки, Южных морей и Америки, настолько реалистичны и индивидуальны, что можно с уверенностью предположить, что художники действительно работали с натуры.

Прежде всего, скульпторы древней Мексики и Перу (которые, конечно же, были далеко не примитивными), должно быть, смотрели прямо на природу, и их работы, по сути, являются шедеврами портретной живописи. В Африке прекрасные головы из Ифе, несомненно, являются натурными портретами, хотя какое-то иностранное влияние может быть ответственно за этот необычайно высокий стандарт скульптуры. Но мы находим натурные портреты среди ещё более примитивных африканских племён, на Берегу Слоновой Кости, в парковых зонах Камеруна и в бассейне реки Конго. Портреты существуют и в Тихоокеанском регионе. Маори в Новой Зеландии разработали то, что можно назвать «схематическим» портретом, когда узоры татуировки, этого безошибочного средства идентификации, сделали возможным сохранение памяти об отдельных предках через изобразительное представление.

Термины «реалистическое» или «натуралистическое» искусство обычно применяются к работам, которые сделаны с натуры и, следовательно, соответствуют природе. Но их значение, хотя и достаточно определённое в скульптуре, имеет тенденцию становиться двусмысленным, когда применяется к изобразительному искусству. Если мы говорим о натуралистической картине, мы имеем в виду, что она соответствует оптическому впечатлению от модели, наблюдаемой в данный момент под определённым углом. Но в другом смысле этого слова мы можем говорить о натурализме или реализме, если художник изображает все реально существующие детали, не только те, которые он может видеть в данный момент, но и те, о которых он знает.

В большинстве примитивных искусств реализм именно такого рода. Пожалуй, наивысшего развития он достигает в «рентгеновских» рисунках Австралии, Меланезии и прибрежных районов Британской Колумбии и Южной Аляски. Здесь художник изображает каждую деталь тела, включая позвоночник, ребра и внутренние органы, поскольку считает их не менее важными, чем характерные черты внешнего облика человека. Этот удивительный метод часто проистекает из материального интереса художника к конкретным деталям, а не из эстетической оценки.

На северо-западе Америки есть монументальные настенные картины, изображающие косаток (или других животных), которые отличаются изображением позвонков и рёбер. Типичным для всей северо-западной американской графики является стилизованное изображение сустава. Этот странный изобразительный метод присущ лишь нескольким регионам Тихоокеанского региона, и предполагается, что он является одним из признаков того, что этот район мог быть затронут западным влиянием в какой-то отдалённый период прошлого. Интеллектуальный реализм такого рода не может претендовать ни на наивность, ни на простоту. Это (как ни парадоксально) утончённый вид примитивности.

Акцентирование определённых черт в фигуре часто приводит к игнорированию других, так что от реалистического изображения постепенно отказываются. В конечном итоге его заменяет символизм, где для передачи идеи объекта достаточно нескольких характерных черт, которые могут быть стилизованы и преобразованы в условные знаки. На крайней стадии развития изолированный коготь и одно крыло могут символизировать ворона. Но здесь мы уже покинули сферу натуралистического искусства и вошли в сферу абстрактного или условного дизайна.

Геометрические формы встречаются как в декоративных рисунках, так и в виде узоров в текстиле и плетёных изделиях. Разнообразие этих узоров бесконечно, хотя некоторые из них, такие как зигзагообразные полосы, фретки, треугольники, различные виды крестов и т.д., часто встречаются у совершенно разных народов. На самом деле, они почти универсальны, и не обязательно указывают на историческую связь между несколькими видами искусства, в которых они встречаются: Например, четырёхугольные фретки мы находим не только в Древней Греции и Китае, но и у индейцев Южной Америки, меланезийцев, африканских банту и других африканских народов. Но при определённом сочетании узоров, какими бы общими ни были отдельные элементы, художник создаёт особый стиль с выраженным национальным колоритом, что позволяет нам отнести украшенный предмет к определённому народу, а часто и к определённому периоду. Это, конечно, относится к изучению искусства в целом и не ограничивается примитивным искусством.

Во многих случаях предполагается, что декоративные узоры символизируют материальные объекты – животных, растения и так далее, в честь которых они названы. Связь между узором и его символическим значением возникает двумя путями: либо путём намеренного упрощения репрезентативного дизайна, как в Северо-Западной Америке, либо, наоборот, путём наблюдения случайного сходства между геометрическим узором и его натуралистической интерпретацией.

В декоративных узорах индейских племён в верховьях реки Ксингу в штате Матту-Гросу (Бразилия) преобладают два своеобразных узора: простой равносторонний чёрный треугольник, называемый улури, и параллелограмм, четыре угла которого обозначены маленькими равносторонними треугольниками. Последний узор называется меришу. Это название рыбы, которая имеет почти квадратную форму, как камбала. Четыре чёрных треугольника в углах обозначают голову, спинной плавник, хвостовой плавник и брюшной плавник. Улури – это название единственной одежды, которую носят женщины племени, на самом деле это скорее гигиеническая защита от насекомых, чем одежда. Она состоит из сложенного куска пальмового листа в форме равностороннего треугольника площадью едва ли два квадратных дюйма и заканчивается промежностной лентой, привязанной к шнурку, который служит поясом.

Профессор Макс Шмидт (бывший сотрудник Этнографического музея в Берлине) показал, что узоры улури и мерешу возникают случайно в плетёных корзинах, которые являются основным ремеслом у племён сингу. Они возникают, в частности, из-за использования светлых и тёмных полос пальмового листа, пересекающихся друг с другом в различных комбинациях. Очевидно, что оба названия были применены к ним позже, после того, как появление узоров вызвало ассоциацию идей.

Подобным образом, особая техника, используемая мастерами, часто приводила к развитию символических узоров и специфического орнаментального стиля. Случайное сходство может легко породить ассоциации, которые дают восприимчивому художнику импульс либо доработать природный объект в более полное представление того, на что он уже похож, либо просто взять его за образец.

Существует предположение, что первые художники каменного века могли вдохновляться странными природными формами, такими как камни причудливой формы или скальные выступы. Однажды в Лондоне один антиквар показал мне камень в форме головы быка длиной около двух с половиной дюймов, который, по его мнению, является примером резьбы эпохи палеолита. Этот предмет действительно имел удивительное сходство с быком, но при ближайшем рассмотрении оказалось, что это естественное образование, и сходство было чисто случайным.

Не только форма, но и цвет материала, используемого в скульптуре, может повлиять на вдохновение художника. Приведём пример из сферы высокой культуры: китайцы, которые имеют особый вкус к работе с твёрдым камнем различных цветов (нефрит, агат, халцедон, розовый кварц и т.д.), часто невероятно искусно адаптируют случайную форму и цвет камня в своих резных сосудах и фигурах. Если случайно на куске белого агата обнаруживается красная прожилка, резчик может изготовить белую вазу, окружённую вишнёвыми брызгами, и так расположить её, чтобы красная прожилка создавала эффект вишни. Точно так же зелёная прожилка может вдохновить его на изображение лягушки или ящерицы.

Обобщения особенно опасны, когда речь идёт о суггестивном эффекте технических форм. У индейцев Гайаны мы находим тот же тип плетёных корзин, что и в других бассейнах Южной Америки, но здесь тёмные и светлые полосы намеренно и очень искусно расположены для изображения фигур животных (обычно ягуаров и змей), так что речь уже не идёт о случайных эффектах и их последующей интерпретации.

Понимание эффектов искусственного украшения в определённой степени выходит за пределы человеческой расы. Человек в его раннем некультурном состоянии, возможно, был впечатлён красотой природы задолго до того, как он начал сам создавать художественные формы или подражать линиям и фигурам, встречающимся в его естественной среде. Некоторые современные примитивные народы явно ценят красоту природы, а в Меланезии есть племена, которые в своём декоративном искусстве пытаются изобразить даже такие явления, как радуга и сияние моря, с помощью символических орнаментов, а не в натуралистическом стиле. Для полной оценки произведения искусства его следует рассматривать, насколько это возможно, в той обстановке, для которой оно было создано.

Это особенно верно для первобытного искусства из-за его странного и совершенно иного культурного фона. Нельзя ожидать, что статуя предка или божества, созданная в африканских условиях освещения и предназначенная для того, чтобы всегда оставаться во мраке святилища или храма, произведёт тот же эффект, когда она будет изъята из своего первоначального окружения и выставлена в стеклянном шкафу в европейской комнате. Другие светотеневые эффекты могут появиться, и они могут быть не менее привлекательными, но они не оригинальны и придают статуе чужеродную ноту.

ПЛАКАТЫ
Многие примеры примитивного искусства доступны в Интернете в виде плакатов.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
См.: История искусства.

КАТЕГОРИИ ИСКУССТВ
О скульптуре и сборке: Искусство пластики. Об орнаментальном дизайне: Декоративное искусство. О произведениях искусства, сделанных из утилизируемых материалов: Джанк-арт. Общая классификация: Изобразительное искусство.

САМОЕ ВЕЛИКОЕ ИСКУССТВО
Список 10 лучших художников и скульпторов: Лучшие художники всех времён. Чтобы узнать о лучших масляных красках и акварелях, см.: Величайшие картины всех времён. Чтобы узнать о лучшем пластическом искусстве, см.: Величайшие скульптуры всех времён.