История искусства: истоки и эволюция изобразительного искусства читать ~57 мин.

Хронологический обзор основных движений, стилей, периодов и художников, которые внесли свой вклад в эволюцию и развитие визуального искусства.

Доисторическое искусство происходит из трёх доисторических эпох: палеолита, мезолита и неолита. Самым ранним зарегистрированным искусством являются петроглифы Бхимбетки (набор из 10 купул с гравюрами или канавками), найденные в каменном убежище из кварцита, известном как пещера Аудиториум в Бхимбетке в центральной Индии, датируемые по крайней мере 290 000 лет до нашей эры. Однако может оказаться, что они намного старше (около 700 000 лет до н.э.). За этим примитивным наскальным искусством последовали простые фигурки – например, Венера из Берехат-Рам (Голанские высоты) и Венера из Тан-Тана (Марокко), а с 80 000 лет до н.э. – гравюры на каменных пещерах Бломбос и в купулах (лунках) в скальном убежище Дордонь в Ла Феррасси. Доисторическая культура и творчество тесно связаны с размером мозга и эффективностью, которые напрямую влияют на «высшие» функции, такие как язык, творческое самовыражение и, в конечном итоге, эстетика. Таким образом, с появлением «современных» художников и скульпторов, принадлежащих виду homo sapiens (с 50 000 лет до н.э.), таких как кроманьонец и человек Гримальди, мы видим существенный всплеск великолепных скульптур и живописи позднего палеолита во Франции и на Пиренейском полуострове. Он включает ряд миниатюрных фигурок Венеры «с ожирением» (например, Венеры Виллендорфа, Костенки, Монпазье, Дольни-Вестонице, Мораваны, Брассемпуи, Гагарино, и это лишь некоторые из них), а также резные фигурки из слоновой кости мамонта, найденные в пещерах Фогельхерд и Холе Фельс в Швабской Юре. Однако величайшее искусство доисторической эпохи – это наскальная живопись в Шове, Ласко и Альтамире.

Ниже – быстрый хронологический обзор основных эпох, периодов и движений в истории искусства.

ИСКУССТВО КАМЕННОГО ВЕКА
Африка, Европа, Азия
Океанический нижний палеолит : 2,5млн – 200 000 гг.
Средний палеолит: 200 000 – 40 000 гг.
Верхний палеолит: 40 000 – 10 000.
Мезолит, Европа: около 10 000 – 4000 гг.
Неолит, Европа – около 4000–2000 гг.

БРОНЗОВЫЙ ВЕК
Шумерская культура и искусство: ~3500 до н.э.
Персидская цивилизация: ~3500.
Гробницы Ньюгрейндж: ~3300.
Египетская культура и искусство: ~3100.
Египетские пирамиды: ~2700-1800 лет до н.э.
Минойская культура и искусство: ~2100.
Вавилонская империя : ~1800.

ИСКУССТВО ЖЕЛЕЗНОГО ВЕКА
Микенская культура: около 1500–1100 гг.
Греческая цивилизация: около 600–27 гг.
— архаический период: около 600–500 гг.
— классический период: около 500–323 гг.
— эллинистический период: около 323–27гг.
Этрусское искусство: 700-90
Кельтский Гальштат: около 600-450
Кельтский Ла-Тен: около 450-150
Римское искусство: около 200 лет до н.э. – 400 г. н.э.

ТЁМНЫЕ ВЕКА, СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО
Византийское искусство: около 330–1450 гг. н.э.
Ирландское христианское искусство: около 600–1100 гг.
Каролинги и оттоны: около 775–1050 гг.
Романская культура: около 800–1200 гг.
Готическая культура: около 1150–1400 гг.

РЕНЕССАНС
Прото-ренессанс: около 1300-1400 гг.
Раннее Возрождение: около 1400-1490 гг.
Высокое Возрождение: около 1490-1530 гг.
Северное Возрождение: около 1400-1530 гг.
Маньеризм: около 1530-1600 гг.

ПОСТ-РЕНЕССАНС
Барокко: ~1600-1700
Голландский реализм: ~1600-1700
Рококо: ~1700-1789
Неоклассицизм: с ~1790
Романтизм: с ~1790
Реализм: с ~1830.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
Прерафаэлиты 1848 г.
Импрессионизм 1870-е гг.
Неоимпрессионизм 1870-е гг.
Школа Ньюлин 1880-е гг.
Модерн конец XIX в.
Символизм конец XIX в.
Постимпрессионизм 1880-е гг.
Ле Фов 1898-1908
Экспрессионистское искусство 1900 г.
Die Brucke 1905-11
Der Blaue Reiter 1911-14
Школа Ашкан 1892-1919
Кубизм 1908-1920
Орфизм 1912-16
Пуризм 1920-е
Прецизионизм 1920-е годы
Коллаж 1912 г.
Футуризм 1909-1914
Лучизм 1910-20
Супрематизм 1913-1920-е
Конструктивизм 1917-21
Вортицизм 1913-15
Движение Дада 1916-1924
Де Стейл 1917-31
Школа Баухаус 1919-1933
Неопластизм 1920-40
Ар-деко 1920-е, 30-е
Парижская школа 1900 г.
Neue Sachlichkeit 1920-е
Сюрреализм 1924 г.
Магический реализм 1920-е годы
Entartete Kunst 1930-е годы
Социальный реализм 1920-е, 30-е годы
Социалистический реализм 1929 г.
Школа Сент-Айвс 1930-е годы
Неоромантизм: с 1930-х годов
Органическая абстракция 1940-65
Экзистенциальное искусство 1940-е, 50-е годы
Абстрактный экспрессионизм ок. 1944-64
Art Informel c.1946-60
Ташизм1940-е, 50-е
Arte Nucleare 1951-60
Искусство кухонной мойки середина 1950-х
Сборка 1953 г.
Нео-Дада 1950-е гг.
Оп-арт, оптическое искусство 1960-е
Поп-арт 1958-72
Новый реализм 1960-е
Пост-живописная абстракция 1960-е
Феминистское искусство 1960-е.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
Концептуализм 1960-е годы
Перформанс 1960-е годы
Инсталляция 1960-е годы
Видеоарт 1960-е годы
Минимализм 1960- е годы
Фотореализм 1960-е, 1970-е годы
Экологический лэнд-арт 1960-е годы
Гибкие поверхности ок. 1966-72
Постмодернизм 1970
Пост-Минимализм 1971
Новая субъективность 1970-е годы
Лондонская школа 1970-е годы
Граффити 1970-е годы
Transavanguardia 1979
Неоэкспрессионизм 1980
Бритарт YBA 1980-е годы
Нео-поп конец 1980-х
Stuckism 1999 г.

Вернёмся к наскальной живописи. Эти фрески были написаны в пещерах, зарезервированных как своего рода галерея доисторического искусства, где художники начали рисовать животных и сцены охоты, а также различные абстрактные или символические рисунки. Во Франции это монохромные изображения животных и абстрактные рисунки из пещеры Шове, ручные трафареты в пещере Коскер и полихромные изображения углём и охрой в Печ-Мерле и Ласко. В Испании это полихромные изображения бизонов и оленей в пещере Альтамира. За пределами Европы основные примеры наскального искусства включают произведения искусства аборигенов Убирра (30 000 лет до н.э.), рисунки фигурок животных углём и охрой в пещере Аполлона (с 25 500 лет до н.э.) в Намибии, картины Брэдшоу (с 17 000 лет до н.э.) в Западной Австралии и изображения «ручных трафаретов» в Куэвас-де-лас-Манос (Пещера рук) (с 9500 лет до н.э.) в Аргентине и многие другие.

Мезолитическое искусство (ок. 10 000 – 4000 до н.э.)

На фоне нового климата, улучшенных условий жизни и соответствующих моделей поведения, искусство мезолита даёт больше места человеческим фигурам, демонстрирует более скурпулезное наблюдение и более обширный рассказ в своих картинах. Кроме того, из-за более тёплой погоды оно перемещается из пещер на открытые площадки во многих местах Европы, Азии, Африки, Австралии и Америки. Произведения мезолита включают наскальные рисунки бушменов в районе Уотерберг в Южной Африке, картины в скальных убежищах Бхимбетки в Индии и искусство австралийских аборигенов из Арнемленда. Здесь также представлено больше трёхмерного искусства, в том числе барельефы и отдельно стоящая скульптура. Примеры включают антропоморфные фигурки, обнаруженные в Невали Кори и Гёбекли Тёпе недалеко от Урфы в восточной части Малой Азии, а также статуи Лепенски Вира (например, Бога рыб) в Сербии. Другие примеры переносного искусства эпохи мезолита это браслеты, расписанная галька и декоративные рисунки на функциональных объектах, а также древняя керамика японской культуры Дзёмон. Одно из величайших произведений мезолитического искусства – скульптура «Мыслитель из Чернаводэ» из Румынии.

Неолитическое искусство (около 4000-2000 до н.э.)

В более «оседлую» и густонаселённую эпоху неолита наблюдался рост таких ремёсел, как гончарное дело и ткачество. Он возник в эпоху мезолита примерно с 9000 лет до н.э. в деревнях южной Азии, после чего процветал в долинах рек Хуан-Хэ и Янцзы в Китае (около 7500 лет до н.э.) – см. Искусство неолита в Китае – затем в плодородном полумесяце Тигра и долине реки Евфрат на Ближнем Востоке (около 7000) – «колыбель цивилизации» – до того, как распространиться на Индию (около 5000), Европу (около 4000), Китай (3500) и Америку (около 2500). Хотя большая часть искусства оставалась функциональной по своей природе, больше внимания уделялось орнаменту и декору. Например, каллиграфия – один из величайших образцов китайского искусства – впервые появляется в этот период. См.: Хронология китайского искусства.

Неолитическое искусство также включает отдельно стоящую скульптуру, бронзовые статуэтки (особенно цивилизации долины Инда), примитивные украшения и декоративные узоры на различных артефактах. Самой впечатляющей формой искусства позднего неолита была архитектура: с крупными каменными сооружениями, известными как мегалиты, начиная от египетских пирамид и заканчивая проходными гробницами Северной Европы, такими как Ньюгрейндж и Ноут в Ирландии, и совокупностями больших вертикальных камней (менгиры), например, в Стоунхенджском каменном круге и Эйвбери Серкл в Англии. (Для получения дополнительной информации см.: мегалитическое искусство). Однако, основным материалом неолитического искусства была керамика, лучшие образцы которой производились в районе Месопотамии (см. Искусство Месопотамии) и в восточном Средиземноморье. Для получения дополнительной хронологии см.: Хронология гончарного дела. Ближе к концу этой эры в Шумере появляются иероглифические системы письма, знаменующие конец предыстории.

Подробнее о доисторической живописи, скульптуре, архитектуре и ремёслах этого периода см.: Искусство каменного века.

Самые известные образцы искусства бронзового века появились в «колыбели цивилизации» Средиземноморья на Ближнем Востоке, во время подъёма Месопотамии (современный Ирак), Греции, Крита (минойская цивилизация) и Египта. Возникновение городов, использование письменных языков и развитие более сложных инструментов привели к созданию гораздо более широкого спектра монументальных и переносных произведений искусства.

Египетское искусство (с 3100 лет до н.э.)

Египет, возможно, величайшая цивилизация в истории древнего искусства, была первой культурой, принявшей узнаваемый стиль искусства. Египетские художники изображали головы, ноги и ступни своих людей в профиль, одновременно изображая глаза, плечи, руки и туловище спереди. Другие художественные условности устанавливали, как следует изображать богов, фараонов и обычных людей, регулируя такие элементы, как размер, цвет и фигуральное положение. Серия замечательных египетских восковых рисунков, известных как фаюмские портреты, предлагает захватывающее представление об эллинистической культуре Древнего Египта. Кроме того, уникальный стиль египетской архитектуры был представлен ряд массивных каменных погребальных камерах внутри пирамид. Египетский опыт в камне оказал огромное влияние на более позднюю греческую архитектуру. Известные египетские пирамиды включают: Ступенчатую пирамиду Джосера (около 2630 г. до н.э.) и Великую пирамиду в Гизе (около 2550 г. до н.э.), также называемую пирамидой Хуфу или «Пирамидой Хеопса».

Шумерское искусство (с 3500 лет до н.э.)

В Месопотамии и Древней Персии шумеры разрабатывали своё собственное уникальное здание – альтернативную форму ступенчатой ​​пирамиды, называемую зиккуратом. Это были не погребальные камеры, а искусственные горы, призванные приблизить правителей и людей к своим богам, которые, согласно легенде, жили высоко в горах на востоке. Зиккураты строили из глиняных кирпичей, обычно украшенных цветной глазурью. См. Шумерское искусство (около 4500–2270 гг. до н.э.).

Персидское искусство (с 3500 лет до н.э.)

На протяжении большей части античности искусство древней Персии было тесно переплетено с искусством её соседей, особенно Месопотамии (современный Ирак), и оказывало влияние – и находилось под влиянием – греческого искусства. Ранние персидские произведения портативного искусства включают замысловатую керамику из Сузы и Персеполя (около 3000 лет до н.э.), но двумя важными периодами персидского искусства была эра Ахеменидов (около 550–330 гг. до н.э.), примером которой являются монументальные дворцы в Персеполе и Сузы, украшенные скульптурой, каменными рельефами и знаменитый «Фриз лучников» (Лувр, Париж), созданный из эмалированного кирпича – и эпоха Сасанидов (226–650 гг. н.э.) – известная своей очень декоративной мозаикой из камня, золота и серебра, посудой, фресками и иллюминированными рукописями, а также ремёслами, такими как изготовление ковров и шёлкоткачество. Но величайшие реликвии сасанидского искусства – это наскальные скульптуры, вырезанные из крутых известняковых скал в Так-и-Бустане, Шахпуре, Накш-и-Ростаме и Накш-и Раджабе.

Минойское искусство (2100-1425 гг. до н.э.)

Первое важное направление эгейского искусства, созданное на Крите минойцами, уходило корнями в его дворцовую архитектуру в Кноссе, Фесте, Акротири, Като Закросе и Маллии, которые были построены с использованием комбинации камня, сырцового кирпича и штукатурки и украшены красочными фресками и росписями, изображающими мифологические символы животных (например, быка), а также ряд мифологических повествований. В эпоху Минойского искусства также процветала резьба по камню (особенно каменные печати) и изделия из драгоценных металлов. За минойским прото-пространственным периодом (около 1700 лет до н.э.), закончившимся сильным землетрясением, последовал ещё более богато украшенный нео-пространственный период (около 1700-1425 гг. до н.э.), который стал свидетелем расцвета культуры, прежде чем был завершён рядом землетрясений 1425 года. Минойские мастера также известны своей керамикой и росписью ваз с множеством морских мотивов. Этот акцент на природе и событиях – а не на правителях и божествах – также очевиден в фресках и скульптурах минойских дворцов.

Металлические изделия бронзового века

Названный в честь металла, который обеспечил ему процветание, период бронзового века стал свидетелем множества замечательных металлических предметов, сделанных из самых разных материалов. Примером этой формы металлургии являются два выдающихся шедевра: «Баран в зарослях» (около 2500 лет до н.э., Британский музей, Лондон) – небольшая иракская скульптура, сделанная из сусального золота, меди, лазурита и красного известняка; и «Майкопский золотой бык» (около 2500 лет до н.э., Эрмитаж, Санкт-Петербург) – миниатюрная золотая Майкопская скульптура, Северный Кавказ, Россия. См. также: Ассирийское искусство (около 1500-612 до н.э.) и Хеттское искусство (около 1600-1180 до н.э.). В этот период также появились китайские изделия из бронзы (с 1750 г. до н.э.), в виде бронзовых бляшек и скульптур, часто украшенных нефритом, из бассейна Жёлтой реки (Хуан-Хэ) в провинции Хэнань, Центральный Китай.

Информацию о цивилизациях бронзового века в Северной и Южной Америке см. в статье «Искусство доколумбовой эпохи», охватывающей искусство и ремесла культур Мезоамерики и Южной Америки.

Чтобы узнать больше об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел того периода, см.: Искусство бронзового века.

История искусства железного века и классической античности (около 1500-200 до н.э.)

Искусство классической античности в этот период пережило огромный рост, особенно в Греции и во всем восточном Средиземноморье. Это совпало с подъёмом эллинской (находящейся под влиянием Греции) культуры.

Микенское искусство (около 1500–1100 гг. до н.э.)

Хотя Микены были независимым городом на греческом Пелопоннесе, термин «микенская» культура иногда используется для описания раннего греческого искусства в целом в течение позднего бронзового века. Первоначально находившееся под очень сильным влиянием минойской культуры, микенское искусство постепенно достигло собственного баланса между живым натурализмом Крита и более формальным художественным языком материка, о чем свидетельствуют многочисленные темперные фрески, скульптуры, керамика, резные драгоценные камни, украшения, стекло и изделия из драгоценных металлов. Кроме того, в отличие от минойской культуры «морской торговли», микенцы были воинами, поэтому их искусство было предназначено в первую очередь для прославления своих светских правителей. К нему относится и несколько гробниц толосов, заполненных золотыми изделиями, декоративным оружием и драгоценностями.

Древнегреческое искусство (около 1100-100 гг. до н.э.)

Древнегреческое искусство традиционно делится на следующие периоды:
❶ Средневековье (около 1100–900 гг. до н.э.).
❷ Геометрический период (около 900-700 гг. до н.э.).
❸ Период восточного стиля (ок. 700-625 г. до н.э.).
❹ Архаический период (ок. 625-500 до н.э.).
❺ Классический период (около 500–323 гг. до н.э.).
❻ Эллинистический период (323–100 гг. до н.э.). К сожалению, почти вся греческая живопись и большая часть греческой скульптуры были утеряны, оставив нам коллекцию руин или римских копий. Греческая архитектура тоже широко известна нам благодаря своим руинам. Несмотря на это крошечное наследие, греческие художники по-прежнему пользуются большим уважением, что свидетельствует о том, насколько они по-настоящему были новаторами.

Как и все мастера Средиземноморья, древние греки позаимствовали ряд важных художественных приёмов у своих соседей и торговых партнёров. Несмотря на это, после смерти македонского императора Александра Великого в 323 г. до н.э., греческое искусство в целом считалось лучшим из когда-либо созданных. Даже римляне, несмотря на их великолепные инженерные и военные навыки, никогда не могли полностью преодолеть своё чувство неполноценности перед лицом греческого мастерства и (к счастью для нас) усердно копировали греческие произведения искусства. Семнадцать веков спустя греческая архитектура, скульптурные рельефы, статуи и керамика будут заново открыты во время итальянского Возрождения и станут краеугольным камнем западного искусства на протяжении более 400 лет.

Тёмные века

После падения микенской цивилизации (12 век до н.э.) Греция вступила в период упадка, известный как Тёмные века, названный так потому, что мы очень мало о нём знаем. Практически прекратились скульптура, живопись и монументальная архитектура.

Геометрический период

Затем, примерно с 900 лет до н.э., эти искусства (созданные в основном для аристократических семей, которые достигли власти в Средние века) снова появились в геометрический период, названный в честь декоративных узоров его керамики.

Восточный период

Следующий период ориентализации характеризовался влиянием ближневосточного дизайна, особенно криволинейных, зооморфных и цветочных узоров.

Архаический период

Архаический период был временем постепенных экспериментов; самой ценимой скульптурной формой была курос (множественное число kouroi), или стоящий обнажённый мужчина. Затем последовал классический период, который представляет собой апогей греческого искусства.

Классический период.

Греческая архитектура процветала на основе системы «классических орденов» (дорических, ионических и коринфских) или правил проектирования зданий, основанных на пропорциях отдельных частей и связей между ними. Комплекс Парфенон на Акрополе в Афинах является высшим примером классической греческой архитектуры: другие известные примеры: Храм Зевса в Олимпии, храм Гефеста, Храм Афины Ники, Театр в Дельфах и Храм Толоса Афины Пронайи. В пластическом искусстве великие классические греческие скульпторы, такие как Поликлет, Мирон и Фидий продемонстрировали мастерство реализма, которое останется непревзойдённым до итальянского Возрождения. Но живопись оставалась наиболее уважаемым видом искусства – особенно панно, выполненное темперой или энкаустической краской – известные греческие художники, такие как Зевксис, Апеллес и Парразий добавили новые техники выделения, затенения и окраски.

Эллинизм

Начало последней фазы эллинизма совпало со смертью Александра и присоединением Персидской империи к греческому миру. В стилистическом отношении классический реализм уступил место большей торжественности и героизму (примером может служить массивная статуя «Колосс Родосский», такого же размера, как Статуя Свободы), а также растущим экспрессионизмом. Этот период характеризуется распространением греческой культуры (эллинизации) по всему цивилизованному миру, включая техники скульптуры и мозаичное искусство. Среди известных эллинистических скульптур: знаменитая «Венера Милосская», «Умирающая Галлия» Эпигона; Пергамский алтарь Зевса (c.166-156 до н.э.); «Крылатая Победа Самофракии»; а также «Лаокоон и его сыновья» Хагесандра, Полидора и Афинодора.

Греческая керамика

Греческая керамика возникла намного раньше, чем другие виды искусства: к 3000 лет до н.э. Пелопоннес уже был ведущим центром гончарного дела. Позже, после захвата материковой части Греции индоевропейскими племенами около 2100 лет до н.э., была представлена ​​новая форма керамики, известная как Минийская керамика. Это был первый греческий тип, сделанный на гончарном круге. Несмотря на это, во 2-м тысячелетии до н.э. на Крите преобладала минойская керамика с её новым стилем «тёмное на светлом». После этого, однако, греческие гончары восстановили инициативу, представляя серию поразительных инноваций в том числе: красивые пропорции Геометрического стиля керамики (900-725), а также Ориентальный (725-600), Чернофигурный (600-480) и Краснофигурный (530-480) стили. Известные греческие керамисты: Экзекий, Клейтий, Эрготим, Неархос, Лидос, художник Амасис, Андокид, Евфимид и Софил (все чернофигурные), а также Дурис, Бригос и Онисим (краснофигурные).

Этрусское искусство (ок. 700-90 до н.э.)

В Этрурии, Италия, древняя виллановская культура уступила место этрусской цивилизации около 700 лет до н.э. Это достигло своего пика в шестом веке до нашей эры, когда их города-государства получили контроль над центральной Италией. Подобно египтянам, но в отличие от греков, этруски верили в загробную жизнь, поэтому гробницы или погребальное искусство были характерной чертой этрусской культуры. Этрусские художники также были известны своими фигурными скульптурами из камня, терракоты и бронзы. Прежде всего этрусское искусство славится своим «Joie de vivre» (радости жизни), например живыми фресками настенной живописи, особенно в виллах богатых. Кроме того, мастерство этрусских ювелиров было высоко оценено по всей Италии и за её пределами. Этрусская культура, сама находящаяся под сильным влиянием греческих стилей, оказала заметное влияние на другие культуры, особенно на стили кельтского искусства Гальштат и Ла-Тен. Этрусская культура пришла в упадок с 396 г. до н.э., когда её города-государства были поглощены Римской империей.

Подробнее об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел Этрурии см.: Искусство этрусков.

Кельтское искусство (ок. 600-100 до н.э.)

Примерно с 600 лет до н.э. Мигрирующие языческие племена из российских степей, известные как кельты, обосновались на Верхнем Дунае в Центральной Европе. Кельтская культура, основанная на исключительных торговых навыках и раннем владении железом, способствовала их постепенному распространению по Европе и привела к появлению двух стилей кельтского искусства, артефакты которых известны нам по нескольким ключевым археологическим памятникам в Швейцарии и Австрии. Два стиля – Гальштат (600-450) и Ла-Тен (450-100). Обе модели были воплощены красивой металлической конструкцией и сложным линейным дизайном. Хотя к началу 1-го тысячелетия нашей эры большинство языческих кельтских художников были полностью поглощены Римской империей, их традиции спиральных, зооморфных, узловых и переплетённых рисунков позже возродились и процветали (600-1100 гг. н.э.) во многих формах гиберно-саксонского искусства (см. ниже), такие как иллюстрированные рукописи и Евангелия, религиозные изделия из металла и скульптура Высокого Креста. Известные примеры кельтского мастерства изготовления металлических изделий включают котёл Гундеструп, Корону Петри и золотой Клад из Бройтера.

Римское искусство (около 200 лет до н.э. – 400 г. н.э.)

Архитектура

В отличие от своих интеллектуальных соседей-греков, римляне были в первую очередь практичными людьми, имевшими естественную тягу к инженерному делу, военным вопросам и строительству империи. Римская архитектура была разработана, чтобы восхищать, развлекать и обслуживать растущее население как в Италии, так и по всей их Империи. Таким образом, римские архитектурные достижения представлены новыми дренажными системами, акведуками, мостами, общественными банями, спортивными сооружениями и амфитеатрами (например, Колизей 72-80 гг. н.э.), характеризующимися значительными достижениями в области использования материалов (например, изобретение бетона) и строительство арок и куполов. Купола не только позволяли покрывать кровлей более крупные здания, но и придавали внешнему виду большее величие и грандиозность. Все это произвело революцию в области архитектуры, в которой преобладали греки, по крайней мере, в форме и размере, если не в творчестве, и предоставило бесконечные возможности для украшения зданий скульптурными рельефами, статуями, фресками и мозаикой. К наиболее известным примерам римской архитектуры относятся: Колизей, Арка Тита и Колонна Траяна.

Живопись, Скульптура

Если римская архитектура была уникально грандиозной, её картины и скульптуры продолжали подражать греческому стилю, за исключением того, что их основной целью было прославление силы и величия Рима. Раннее римское искусство (около 200–27 гг. до н.э.) было детальным, неидеализированным и реалистичным, тогда как более поздние имперские стили (около 27 г. до н.э. – 200 г. н.э.) выглядят более героическими. Посредственная живопись процветала в виде стандартных фресковых росписей интерьера, в то время как более качественная роспись панно выполнялась темперой или энкаустическими пигментами. Римская скульптура также различалась по качеству: помимо десятков тысяч портретных бюстов императоров и других сановников среднего качества, римские скульпторы также создали некоторые изумительные исторические рельефные скульптуры, такие как спиральная скульптура барельефа на колонне Траяна, празднуящая победу Императора в войне против даков.

Подробнее об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел Древнего Рима см.: Римское искусство.

Раннее искусство со всего мира

Хотя обычно считается, что история искусства в основном связана с цивилизациями, происходящими из европейской и китайской культур, значительное количество искусств и ремёсел появилось с самых ранних времён на периферии известного мира. Для получения дополнительной информации об истории и артефактах этих культур см.: Океаническое искусство (из южной части Тихого океана и Австралии), Африканское искусство (из всех частей континента) и Племенное искусство (из Африки, островов Тихого океана, Индонезии, Бирмы, Австралазии, Северной Америки и Аляски).

Константинополь, христианство и византийское искусство

Со смертью в 395 г. н.э. императора Феодосия, Римская империя была разделена на две половины: западная половина, изначально располагавшаяся в Риме, до разграбления в V веке нашей эры, затем Равенна; и восточная половина, расположенная в более безопасном городе Константинополе. В то же время, христианство стало исключительной официальной религией империи. Эти два политических события оказали огромное влияние на историю западного искусства. Во-первых, переезд в Константинополь помог продлить греко-римскую цивилизацию и культуру; во-вторых, рост христианства привёл к появлению совершенно новой категории христианского искусства, который предоставил архитекторам, художникам, скульпторам и другим мастерам то, что стало доминирующей темой в изобразительном искусстве на следующие 1200 лет. Наряду с прототипами форм раннехристианского искусства, большая часть которых пришла из катакомб, это также привело непосредственно к возникновению византийского искусства. См. также: Христианское искусство византийского периода.

Искусство Византии (Константинополь) (330-1450 гг. н.э.)

Византийское искусство было почти полностью религиозным и сосредоточено вокруг христианской архитектуры. Шедевры включают великолепный собор Святой Софии (532–37 гг.) в Стамбуле; Церковь Святой Софии в городе София, Болгария (527-65); и церковь Святой Софии в Салониках. Византийское искусство также повлияло на мозаику Равенны в базиликах Сант-Аполлинаре-Нуово, Сан-Витале и Сант-Аполлинаре-ин-Классе. Светские примеры включают: Большой дворец Константинополя и Цистерну Базилика. Наряду с новыми архитектурными приёмами, такими как использование подвесов для распределения веса потолочного купола, что позволяет создавать более крупные интерьеры, были введены новые декоративные методы, такие как мозаика из стекла, а не из камня. Но восточно-православный вид христианства (в отличие от своего аналога в Риме) не допускал трёхмерных произведений искусства, таких как статуи или горельефы, полагая, что они прославляют человеческий аспект плоти, а не божественную природу духа. Таким образом, византийское искусство (например, живопись и мозаика) разработало особый стиль значимых изображений (иконография), предназначенный для очень простого представления сложной теологии. Например, цвета использовались для выражения различных идей: золото символизировало Небеса; синий, цвет человеческой жизни и так далее.

После 600 г. н.э. византийская архитектура прошла через несколько периодов, таких как средний период (около 600–1100 гг.), Комнинский и палеологский периоды (около 1100–1450 гг.), постепенно становясь все более и более подверженными влиянию восточных традиций строительства и украшений. В Западной Европе византийская архитектура уступила место романскому и готическому стилям, в то время как на Ближнем Востоке она продолжала оказывать значительное влияние на раннюю исламскую архитектуру, о чем свидетельствуют Великая мечеть Омейядов в Дамаске и Купол Скалы в Иерусалиме.

Византийская Живопись

В отсутствие скульптуры, византийские художники специализировались на двухмерной живописи, становясь мастерами панно и миниатюры, особенно икон и иллюминации рукописей. Их работы оказали огромное влияние на художников по всей Западной и Центральной Европе, а также в исламских странах Ближнего Востока.

Ирландское христианское искусство (ок. 600–1100 гг. н.э.)

Расположенная на удалённой периферии Западной Европы Ирландия оставалась свободной от вмешательства со стороны Рима или последовавших за ним варваров. В результате ирландское кельтское искусство не было вытеснено греческими или римскими идиомами и не похоронено в языческих тёмных веках. Кроме того, Церковь смогла создать относительно безопасную сеть ирландских монастырей, которые быстро стали важными центрами религиозного обучения и науки и постепенно распространились на острова у Британии и в некоторые части Северной Англии. Эта монашеская сеть вскоре стала основным покровителем искусств, привлекая многочисленных писцов и художников в свои скриптории для создания серии все более богато украшенных иллюстрированных евангельских рукописей: примеры включают: Катах Кольмсилла (около 560), Книгу Диммы (около 625), Евангелия Дарема (около 650), Книгу Дарроу (около 670) и высшую Келлскую книгу (также называемый Книгой Колумбы), считающийся апогеем западной каллиграфии. В этих евангельских иллюминациях использовались исторически сложившиеся буквы, ромбы, кресты, орнаменты для труб, изображения птиц и животных, иногда занимавшие целые страницы (страницы ковра) с геометрическими или переплетёнными узорами. Творческий успех этих украшенных рукописей был значительно усилен доступностью кельтских украшений и изделий из металла, созданных для светской ирландской элиты, а также возросшими культурными контактами с англосаксонскими мастерами в Англии.

Другой раннехристианской формой искусства, развитой в Ирландии, были религиозные изделия из металла, примером которых являются такие шедевры, как Брошь Тара, Чаша Арда, Чаша Дерринафлан и Храм Мойлаф-Белт, а также кресты для процессий, такие как крест Талли-Лох VIII-IX веков и великий Крест Конга XII века, заказанный Тёрло О’Коннором. Наконец, с конца восьмого века, Церковь начала заказывать ряд больших религиозных крестов, украшенных как сценами из Библии, так и абстрактным переплетением, узловым орнаментом и другими узорами в кельтском стиле. Примеры включают крест Мюредаха в Монастербойсе, графство Лаут, и Высокий крест Ахенни в Типперэри. Эти высокие кресты из Священного Писания процветали между 900 и 1100 годами, хотя строительство продолжалось вплоть до 15 века.

К сожалению, с приходом викингов (около 800-1000 гг.) уникальный вклад Ирландии в западную цивилизацию в целом, и христианство в частности, начал исчезать, несмотря на некоторый вклад искусства викингов. После этого римская культура, движимая Римской церковью, начала вновь утверждаться по всей Европе.

Несколько слов об азиатском искусстве

В отличие от христианства, которое допускает образное изображение Пророков, Святых и Святого семейства, Ислам запрещает все формы человеческой иконографии. Таким образом, исламское искусство вместо этого сосредоточилось на разработке сложных геометрических узоров, иллюминированных текстов и каллиграфии.

В Восточной Азии изобразительное искусство Индии и Тибета включало использование ярко окрашенных фигур, из-за их широкого спектра пигментов и чётких контуров. Живопись в Индии была чрезвычайно разнообразной, как и материалы (более прочный текстиль часто заменял бумагу) и размер (индийские миниатюры были очень специфическими). Китайское искусство специализировалось на церемониальной бронзовой скульптуре, каллиграфии, росписи кистью и резьбе по нефриту, а также на лаковой посуде и китайской керамике. В Японии буддийское храмовое искусство, живопись тушью дзэн, гравюры на дереве Ямато-э и Укиё-э были четырьмя основными видами японского искусства.

Романское искусство (каролингское, оттоновское) (ок. 775-1050)

На континенте возрождение средневекового христианского искусства началось с Карла I Великого, короля франков, коронованного папой Львом III в 800 году императором Священной Римской империи. Придворные скриптории Карла Великого в Ахене создали ряд великолепных иллюстрированных христианских текстов, таких как Евангелие Годескалька, Евангелия от Лорша и Евангелия от Святого Медарда Суассонского. По иронии судьбы, его главная архитектурная работа – Палатинская капелла в Ахене (около 800 г.) – возникла под влиянием не церкви Святого Петра или других церквей в Риме, а базилики Сан-Витале в Равенне в византийском стиле. Империя Каролингов быстро распалась, но искусство Каролингов стало важным первым шагом в распространении средневекового искусства и возрождения континентальной культуры. Кроме того, многие из романских и готических церквей были построены на основе каролингской архитектуры. Ранние романские архитектурные достижения Карла Великого были продолжены императорами Священной Римской империи Оттонами I-III в стиле, известном как Оттоновское искусство, которое превратилось в полноценный «романский» стиль (в Англии и Ирландии романский стиль обычно называют нормандской архитектурой).

Церковь вкладывает средства в искусство, чтобы донести своё послание

Распространение романского искусства в 11 веке совпало с восстановлением римского христианства и влияние последнего на светские власти привело к повторному завоеванию христианством Испании (ок. 1031 г.), а также к крестовому походу с целью освободить Святую Землю от власти ислама. Успех крестоносцев и приобретение ими Святых Реликвий вызвали волну новых соборов по всей Европе. В дополнение к своему влиянию на международную политику, Рим обладал растущей властью через сеть епископов и связи с монашескими орденами, такими как бенедиктинцы, цистерцианцы, картезианцы и каноники августинцев. Из этих монастырей его должностные лица осуществляли растущую административную власть над местным населением, в частности, право собирать налоговые поступления, которые они направляли на религиозные работы, особенно строительство соборов (включая скульптуру и изделия из металла, а также архитектуру), иллюстрированные манускрипты Евангелия и культурологию – процесс, примером которого является могущественный бенедиктинский монастырь в Клюни в Бургундии.

Романская архитектура (c.1000-1200)

Несмотря на то, что она основана на греческой и римской античности, романская архитектура не отражала ни творчества греков, ни инженерного мастерства римлян. В ней использовались толстые стены, круглые арки, опоры, колонны, паховые своды, узкие щелевые окна, большие башни и декоративные аркады. Основную нагрузку на здание несли не арки или колонны, а массивные стены. А его крыши, своды и контрфорсы были относительно примитивными по сравнению с более поздними стилями. Прежде всего, интерьеры были тусклыми и сравнительно окаймлёнными тяжёлыми каменными стенами. Тем не менее, романская архитектура вновь представила две важные формы изобразительного искусства: скульптуру (которая была приостановлена ​​после падения Рима) и витражи, хотя и в меньшем масштабе.

Готическое искусство (c.1150-1400)

В значительной степени финансируемая монашескими орденами и местными епископами, готическая архитектура использовала ряд технических достижений в виде остроконечных арок и других факторов дизайна, чтобы внушать трепет, вдохновлять и мотивировать массы. Таким образом, исчезли массивно толстые стены, маленькие окна и тусклые интерьеры, появились высокие потолки («достигающие небес»), тонкие стены и витражи. Благодаря этому интерьер многих соборов превратился в вдохновляющие святилища, где неграмотные прихожане могли увидеть историю Библии, проиллюстрированную прекрасными витражами огромных окон. Действительно, готический собор рассматривался архитекторами как представляющий вселенную в миниатюре. Почти каждый элемент разработывался так, чтобы передать богословское послание, а именно, устрашающую славу Бога и упорядоченную природу его вселенной. Религиозное готическое искусство – то есть архитектура, рельефная скульптура и отдельно стоящая скульптура – лучше всего иллюстрируется соборами Северной Франции, особенно Нотр-Дам де Пари; Реймс и Шартр, а также Кёльнский собор, Венский собор Святого Стефана и, в Англии, Вестминстерское аббатство и Йоркский собор.

Возрождение европейского изобразительного искусства между 1300 и 1600 годами под сильным влиянием интернациональной готики, широко известное как «Возрождение», было уникальным и (во многих отношениях) необъяснимым явлением, не в последнюю очередь из-за
❶ чумы Чёрной смерти (1346), которая уничтожила треть населения Европы;
❷ 100-летней войны между Англией и Францией (1339–1439) и 
❸ Реформации (около 1520 г.) – ни одно из этих событий не способствовало развитию изобразительного искусства. К счастью, некоторые факторы в центре Флоренции и Рима в стиле эпохи Возрождения – особенно энергия и огромное богатство флорентийской семьи Медичи, а также папские амбиции Папы Сикста IV (1471-84), Папы Юлия II (1503-13), Папы Льва X (1513-21) и Папы Павла III (1534-45) – преуспели в преодолении всех естественных препятствий, несмотря на то, что Церковь при этом почти разорилась.

Искусство эпохи Возрождения было основано на классицизме – признании искусства классической античности, вере в благородство человека, а также на художественных достижениях как в линейной перспективе, так и в реализме. Оно развилось в трёх основных итальянских городах: сначала Флоренция, затем Рим и, наконец, Венеция. Хронология эпохи Возрождения обычно обозначается следующим образом:

• Проторенессанс (около 1300–1400 гг.).
Этот вводный период во многом был вызван революционным стилем живописи Джотто (1270–1337), чей цикл фресок в Капелле Скровеньи (Капелла Арены) в Падуе привнёс в живопись новый реализм, бросил вызов многим из использовавшихся тогда иконографических условностей.

• Раннее Возрождение (c.1400-1490)
Частично вызванный обнаружением копии «De Architectura» («Десять книг об архитектуре») римского архитектора I века Витрувия (c.78-10 до н.э.) и великолепный дизайн Филиппо Брунеллески 1418 года купола готического собора Флоренции (1420-36), этот период деятельности был сосредоточен во Флоренции. Среди главных художников раннего Возрождения были архитектор Филиппо Брунеллески (1377-1446), скульптор Донателло (1386-1466) и художник Томмазо Мазаччо (около 1401-28). Позже важными участниками были Пьеро делла Франческа (1420-1492), Антонио дель Поллайоло (1432-1498) и Боттичелли (1445-1510), а также северянин Андреа Мантенья (1431-1506).

• Высокое Возрождение (ок. 1490-1530)
Считающееся апогеем итальянского Возрождения и его эстетических идеалов красоты и гармонии, Высокое Возрождение было сосредоточено в Риме и в нём преобладала живопись Леонардо да Винчи (1452-1519) (например, «Тайная вечеря», «Мона Лиза») и Рафаэля (1483-1520) (например, «Афинская школа»), а также бессмертные произведения Микеланджело (1475-1564) (включая шедевры итальянской скульптуры эпохи Возрождения, такие как как «Пьета» и «Давид», а также фреска Сикстинской капеллы «Бытие»). Среди других ведущих художников высокого Возрождения были члены венецианской школы живописи, такие как Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе и Тинторетто.

Архитектура эпохи Возрождения использовала предписания, заимствованные из Древней Греции и Рима, но сохранила многие современные черты византийских и готических изобретений, такие как купола и башни. Среди выдающихся архитекторов были: Донато Браманте (1444-1514), величайший представитель архитектуры Высокого Возрождения; Бальдассаре Перуцци (1481-1536), выдающийся архитектор и дизайнер интерьеров; Микеле Санмикели (1484-1559), ведущий ученик Браманте; Якопо Сансовино (1486-1570), самый знаменитый венецианский архитектор; Джулио Романо (1499-1546), главный специалист по проектированию зданий в стиле итальянского позднего ренессанса; Андреа Палладио (1508-1580), влиятельный теоретик; и, конечно же, сам Микеланджело, который помогал спроектировать купол базилики Святого Петра в Риме.

• Северное Возрождение (c.1400-1530)
В Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия), Возрождение развивалось иначе. Влажный климат, не подходящий для фресковой живописи, способствовал раннему использованию масел, в то время как различные навыки и темперамент привели к раннему развитию гравюры и к изобретению печатного станка Иоганном Гутенбергом в 1450-х годах. В большинстве стран Северной Европы Реформация вызвала серьёзную утрату покровительства и, как следствие, упадок крупномасштабных религиозных работ. На её месте возникли новые традиции портретной живописи и других станковых работ, которые, в конечном итоге, привели к прекрасным натюрмортам и жанровой живописи голландского реализма.

Величайшими художниками Северного Возрождения были: голландец Ян Ван Эйк (1390–1441), известный яркими красками и детальным реализмом; разносторонний немец Альбрехт Дюрер (1471-1528), известный своим рисунком, автопортретами, маслом, акварелью, ксилографией и гравюрами; Роберт Кампен (1375–1444) мастер Флемалле, неуловимый, но выдающийся художник, обучавший Ван дер Вейдена и один из основателей голландской школы; бельгиец Рогир ван дер Вейден (1400-1464), известный своими яркими религиозными картинами; голландский художник Иероним Босх (1450-1516), известный своими морализаторскими фантазиями, иллюстрирующими грехи человека; суровый религиозный фанатик Матиас Грюневальд (1470-1528), чей драматический стиль искусства оказал влияние на более поздние школы экспрессионизма; портретисты Лукас Кранах (1472–1553) и Ганс Гольбейн (1497–1543).

Среди величайших скульпторов Северного Возрождения были: немецкий скульптор (работал с липой) Тильман Рименшнайдер (1460-1531), известный своими рельефами и отдельно стоящей деревянной скульптурой; и резчик по дереву Вейт Стосс (1450-1533), известный своими изящными запрестольными образами.

Подробнее см.: Искусство Нидерландов эпохи Возрождения (1430-1580); Немецкое искусство Возрождения (1430-1580) и Фламандская живопись.

• Маньеризм (1530–1600).
Этот стиль возник отчасти как реакция на идеалистические формы Высокого Возрождения, а отчасти как отражение смутных времён – Мартин Лютер начал Реформацию, а сам Рим только что был разграблен наёмниками. Художники-маньеристы привнесли в свои работы новую выразительность, о чем свидетельствуют изумительная скульптура «Похищение сабинянок» Джамболоньи и фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле. К другим важным представителям маньеризма относятся Эль Греко (1541-1614 гг.) и Караваджо (1571-1610 гг.), чьё драматическое использование света и тени повлияло на целое поколение Караваджистов.

Искусство барокко (c.1600-1700)

Именно в этот период католическая контрреформация начала свою деятельность в попытке отвлечь массы от протестантизма. Возобновление покровительства изобразительному искусству и архитектуре было ключевой чертой этой пропагандистской кампании и привело к более грандиозному и театральному стилю в обеих областях. Этот новый стиль, известный как барокко, по сути, был кульминацией драматического маньеризма.

Архитектура барокко в полной мере использовала театральный потенциал городского пейзажа, примером которого является площадь Святого Петра (1656-67) в Риме перед базиликой Святого Петра с его куполом. Его архитектор Джанлоренцо Бернини (1598–1680) использовал ряд расширяющихся колоннад на подходе к собору, создавая у посетителей впечатление, что их обнимают руки католической церкви. Весь подход построен в гигантском масштабе, чтобы вызвать чувство благоговения.

В живописи величайшим представителем католического искусства Контрреформации был Питер Пауль Рубенс (1577-1640) – «Принц художников и художник князей». Среди других ведущих католических художников были Диего Веласкес (1599-1660), Франсиско Сурбаран (1598-1664) и Николя Пуссен (1594-1665).

В протестантской Северной Европе эпоха барокко была отмечена расцветом жанровой живописи голландского реализма, стиля, уникально подходящего для новых буржуазных покровителей небольших интерьеров, жанровых картин, портретов, пейзажей и натюрмортов. Возникло несколько школ голландской живописи 17-го века, в том числе школы Харлема, Делфта, Утрехта и Лейдена. Среди ведущих участников были два бессмертных художника – Рембрандт (1606-1669) и Ян Вермеер (1632-1675), а также Франс Снайдерс (1579-1657), Франс Хальс (1581-1666), Адриан Брауэр (1605-1638), Ян Давидс де Хем (1606-1684), Адриан ван Остаде (1610-1685), Давид Тенирс Младший (1610-1690), Герард Терборх (1617-1681), Ян Стен (1626-1679), Питер де Хуч (1629-1683) и пейзажисты Эльберт Кёйп (1620-1691), Якоб ван Рейсдал (1628-1682), Майндерт Хоббема (1638-1709) и другие.

Искусство рококо (1700-1789)

Этот новый стиль декоративного искусства, известный как рококо, больше всего повлиял на дизайн интерьера, хотя пострадали также архитектура, живопись и скульптура. По сути, как реакция на серьёзность барокко, рококо был беззаботным, почти причудливым стилем, который вырос во французском дворе Версальского дворца, а затем распространился по Европе. Дизайнеры в стиле рококо использовали всю гамму штукатурок, фресок, гобеленов, мебели, зеркал, фарфора, шелка и других украшений, чтобы дать домовладельцу полный эстетический опыт. В живописи стиль рококо отстаивали французские художники Ватто (1684-1721), Фрагонар (1732-1806) и Буше (1703-1770). Но самые заметные работы были созданы венецианцем Джамбаттистой Тьеполо (1696-1770), чьи фантастические фрески на стенах и потолке подняли рококо на новый уровень. Посмотрите, в частности, на ренессанс французского декоративного искусства (1640-1792), созданный французскими дизайнерами, особенно в форме французской мебели, в Версале и других королевских замках в стиле Луи Кватора (XIV), Луи Кинза (XV) и Луи Сиз (XVI). Как бы то ни было, рококо символизировало упадническую праздность и упадок французской аристократии. Из-за этого он был сметён Французской революцией, положившей начало новому более суровому неоклассицизму, более соответствующему эпохе Просвещения и Разума.

Неоклассическое искусство (расцвет около 1790-1830 гг.)

В архитектуре неоклассицизм произошёл от более сдержанных «классических» форм барокко, практикуемых в Англии сэром Кристофером Реном (1632-1723), спроектировавшим собор Святого Павла. Ещё одно возвращение к классическим орденам греко-римской античности, стиль характеризовался монументальными структурами, поддерживаемыми колоннами и увенчанными классическими куполами эпохи Возрождения. Используя такие инновации, как многослойные купола, он придавал дворцам, церквям и другим общественным строениям дополнительное величие. К известным неоклассическим зданиям относятся: Пантеон (церковь Святой Женевьевы) (Париж), спроектированный Жаком Жерменом Суффло (1756-1797), Триумфальная арка (Париж), спроектированная Жаном Шалгреном, Бранденбургские ворота (Берлин), спроектированные Карлом Готтардом Лангхансом (1732-1808) и здание Капитолия Соединённых Штатов, спроектированное англичанином Бенджамином Генри Латробом (1764-1820), а затем Стивеном Халлетом и Чарльзом Булфинчем. См. также эпоху американского колониального искусства (1670-1800).

Художники-неоклассики также обращались к классической античности в поисках вдохновения и подчёркивали достоинства героизма, долга и серьёзности. Саиые показательные примеры: французский политический художник Жак-Луи Давид (1748-1825), немецкий портретист и исторический художник Антон Рафаэль Менгс (1728-1779), а также французский мастер академического художественного стиля, Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867). Скульпторы неоклассицизма: Антонио Канова (1757-1822), Бертель Торвальдсен (1770-1844) и Жан-Антуан Гудон (1741-1828).

Подробнее об истории живописи, скульптуры и архитектуры этого периода см.: Неоклассическое искусство.

Движение романтизма (расцвет около 1790-1830 гг.)

В отличие от универсальных ценностей, исповедуемых неоклассицизмом, художники-романтики выражали более личный ответ на жизнь, больше полагаясь на свои чувства и эмоции, а не на разум и интеллект. Этот идеализм, как и неоклассизм, был поощрён Французской революцией, поэтому на некоторых художников повлияли оба стиля. Природа была важным предметом для романтиков, и стиль иллюстрируется английской школой пейзажной живописи, пленэрной живописью Джона Констебла (1776-1837), Коро (1796-1875) вместе с членами французской школы барбизона и Американской школой пейзажной живописи Гудзон, а также более экспрессионистским Дж. М. У. Тёрнером (1775-1851). Возможно, однако, что величайшим художником-романтиком-пейзажистом, возможно, является Каспар Давид Фридрих (1774-1840). Повествовательная или историческая живопись была ещё одним важным жанром в романтизме: ведущими представителями являются: Франсиско Гойя (1746-1828), Генри Фузели (1741-1825), Джеймс Барри (1741-1806), Теодор Жерико (1791-1824) и Эжен Делакруа (1798-1763), а также более поздних представителей восточной живописи, угрюмых прерафаэлитов и символистов.

Для получения дополнительной информации об истории романтической живописи и скульптуры см.: Романтизм в искусстве.

Реализм (c 1845 г.)

По мере развития XIX века, растущее осознание прав человека плюс социальное влияние промышленной революции заставило некоторых художников отойти от идеалистических или романтических сюжетов в пользу более приземлённых предметов, изображённых в более реалистичном стиле натурализма. Этот новый фокус (в некоторой степени предвосхищенный Уильямом Хогартом в 18 веке, см. Английская фигуративная живопись) был проиллюстрирован стилем реализма, который возник во Франции в 1840-х годах, прежде чем распространился по Европе. Этот новый стиль привлекал художников всех жанров, особенно Гюстава Курбе (1819-1877) (жанровая живопись), Жана Франсуа Милле (1814-1875) (пейзаж, деревенская жизнь), Оноре Домье (1808-1879) (городская жизнь) и Илью Репина (1844-1930) (пейзаж и портреты).

Импрессионизм (1870-80 гг.)

Французский импрессионизм, отстаиваемый, прежде всего, Клодом Моне (1840-1926), был спонтанным цветочувствительным стилем плейнаризма, берущим своё начало от Жана-Батиста Камиля Коро и техник барбизонской школы, чьей задачей было изобразить мгновенные эффекты естественного света. Сюда входили сельские пейзажи (Альфред Сислей (1839-1899)), городские пейзажи (Камиль Писсарро (1830-1903)), жанровые сцены (Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Поль Сезанн (1839-1906) и Берта Моризо (1841-1895)), а также фигуративные картины и портреты (Эдуард Мане (1832-83), Джон Сингер Сарджент (1856-1925)). Другие художники, связанные с импрессионизмом, это, например, Джеймс Макнила Уистлер (1834–1903) и Уолтер Сикерт (1860–1942).

Импрессионисты стремились точно воспроизвести мимолётные моменты на природе. Таким образом, если объект выглядел темно-фиолетовым – возможно, из-за падающего или отражённого света – тогда художник писал его фиолетовым. Цветовые схемы натуралистов в академическом стиле, которые разрабатывались теоретически или, по крайней мере, в студии, не позволяли этого. В результате импрессионизм предложил совершенно новый живописный язык – тот, который проложил путь для более революционных художественных движений, таких как кубизм, – и часто рассматривается историками и критиками как первая современная школа живописи.

В любом случае, этот стиль оказал огромное влияние на парижское и мировое искусство и стал воротами для ряда движений, связанных с цветом, включая постимпрессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, дивизионизм, фовизм, интимизм, американский люминизм, тонализм и т.д. а также американский импрессионизм, Ньюлинская школа и Камден Таун группа, французские Les Nabis и общее экспрессионистское движение.

Постимпрессионизм (с 1885 г.)

По сути, обобщающий термин, охватывающий ряд разработок и реакций на импрессионизм, постимпрессионизм, собрал художников, которые использовали цветовые схемы импрессионистского типа, но были недовольны ограничениями, налагаемыми простым воспроизведением природы. Неоимпрессионизм с его техникой пуантилизма был основан Жоржем Сёра и Полем Синьяком (1863-1935), в то время как главными постимпрессионистами были Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Поль Сезанн. Вдохновлённая синтетизмом Гогена и клуазонизмом Бернара, постимпрессионистская группа Ле Наби продвигала более широкую форму декоративного искусства, другой стиль, известный как Интимизм, который касался жанровых сцен домашнего, интимного интерьера. Проиллюстрированный работами Пьера Боннара (1867–1947) и Эдуарда Вюйара (1868–1940), он параллелен другим спокойным работам, таким как интерьеры Джеймса МакНила Уистлера и Питера Вильгельма Ильстеда (1861–1933) под влиянием голландских реалистов. Другим очень важным движением – анти-импрессионистским, а не постимпрессионистским – был символизм (расцвет 1885-1900), который впоследствии оказал влияние на фовизм, экспрессионизм и сюрреализм. Также обратите внимание, что многие художники-постимпрессионисты приняли формы и эстетику классицизма как ответ на пассивный натурализм импрессионистского искусства. Это привело к широкому распространению классического возрождения в современном искусстве, известного как «возврат к порядку», между 1900 и 1930 годами.

Подробнее об арт-политике во Франции см.: Парижский салон.

Колоризм: фовизм (1900 г.)

Термин «фовес» (дикие звери) впервые был использован искусствоведом Луи Воксель на выставке Осеннего салона в Париже в 1905 году при описании ярких картин Анри Матисса (1869–1954), Андре Дерена (1880–1954) и Мориса де Вламинка (1876-1958). Среди других фовистов были более поздние кубисты Жорж Брак (1882-1963), Рауль Дюфи (1877-1953), Альбер Марке (1875-1947) и Жорж Руо (1871-1958). Большинство последователей фовизма перешли к экспрессионизму или другим движениям, связанным с Парижской школой.

Скульптура XIX века – начала XX века

Скульптурные традиции, хотя и никогда не являются независимыми от живописи, в первую очередь, связаны с пространством и объёмом, в то время как вопросы масштаба и функции также выступают в качестве отличительных факторов. Таким образом, в целом скульптура медленнее отражала новые тенденции современного искусства XIX века, что давало таким скульпторам, как Огюст Роден (1840-1917), возможность следовать монументализму, основанному на идеологии неоклассицизма, если не идеологии Возрождения. Общественное измерение скульптуры также способствовало прославлению викторианских ценностей и исторических личностей, которые также были выполнены в величественной манере прежних времён. Так продолжалось до появления таких художников, как Константин Бранкузи (1876-1957) и Умберто Боччони (1882-1916), когда скульптура действительно начала меняться на рубеже веков.

Экспрессионистское искусство (с 1900 г.)

Экспрессионизм – это общий стиль живописи, который направлен на выражение личной интерпретации сцены или объекта, а не на отображение его реальных особенностей, он часто характеризуется энергичной манерой рисования, пропитанной краской, интенсивными цветами и смелыми линиями. Среди ранних экспрессионистов были Винсент Ван Гог (1853-1890), Эдвард Мунк (1863-1944) и Василий Кандинский (1866-1944). В течение первых трёх десятилетий 20 века возник ряд школ немецкого экспрессионизма. К ним относятся: Die Brucke (1905-11), группа, основанная в Дрездене в 1905 году, которая смешала элементы традиционного немецкого искусства с постимпрессионистскими и фовистскими стилями, примером которых являются работы Эрнста Людвига Кирхнера, Карла Шмидт-Ротлуффа, Эрика Хеккеля и Эмиль Нольде; Der Blaue Reiter (1911-14), свободное объединение художников из Мюнхена, включая Василия Кандинского, Франца Марка, Августа Маке и Пауля Клее; Die Neue Sachlichkeit (1920-е годы) – послевоенная сатирическая реалистическая группа, в которую входили Отто Дикс, Джордж Гросс, Кристиан Шад и, в меньшей степени, Макс Бекманн. Экспрессионизм должным образом распространился по всему миру, породив многочисленные производные как в фигуративной живописи (например, Фрэнсис Бэкон), так и в абстрактном искусстве (например, Марк Ротко). См. также: История экспрессионистской живописи (1880-1930).

Декоративное искусство: ар-нуво (1890-1910) и ар-деко (1920-30-е годы)

Ар-нуво (конец 19 – начало 20 века)

Стиль Art Nouveau обрёл известность в т.ч. благодаря Югендстилю в Мюнхенском Сецессионе (1892 г.) и Берлинском Сецессионе (1898), а также в Венском Сецессионе (1897 г.), а также Stile Liberty в Италии и Modernista в Испании, Уильяму Моррису в Великобритании, а также под влиянием движения искусства кельтского возрождения и японизма. Его популярность проявилась на Всемирной выставке 1900 года в Париже, откуда он распространился по Европе и США. Он был известен своими замысловатыми плавными узорами извилистых асимметричных линий, основанных на формах растений (восходящих к кельтским культурам Гальштата и Ла-Тен), а также женскими силуэтами и формам. Ар-нуво оказал большое влияние на искусство плаката, дизайн и иллюстрацию, дизайн интерьера, изделия из металла, изделия из стекла, ювелирные изделия, а также живопись и скульптуру. Среди ведущих имён: Альфонс Муха (1860-1939), Обри Бердсли (1872-98), Юджин Грассет (1845-1917) и Альбер Гийом (1873-1942). См. также: История плаката.

Ювелирное искусство (1880-1917 гг.)

Невероятные образцы подлинных художественных украшений, созданных величайшими ювелирами России, можно найти в статье о Пасхальных яйцах Фаберже.

Школа Баухаус (Германия, 1919-1933)

Образованная от двух немецких слов «bau» (строительство) и «haus» (дом), школа искусства и дизайна Bauhaus была основана в 1919 году архитектором Вальтером Гропиусом. Чрезвычайно влиятельные как в архитектуре, так и в дизайне, а также в методах преподавания, его инструкторами были такие художники, как Йозеф Альберс, Лионель Фейнингер, Пауль Клее, Василий Кандинский, Оскар Шлеммер, Ласло Мохоли-Надь, Анни Альберс и Йоханнес Иттен. Его миссия заключалась в том, чтобы соединить искусство с повседневной жизнью, поэтому дизайну повседневных предметов придавалось такое же значение, как и изящному искусству. Важные заповеди Баухауза включали в себя простой чистый дизайн, массовое производство и практические преимущества хорошо спроектированного дома и рабочего места. В конце концов, Баухаус был закрыт нацистами в 1933 году, после чего несколько его учителей эмигрировали в Америку: Ласло Мохоли-Надь поселился в Чикаго, где он основал Новый Баухаус в 1937 году, а Альберс устроился в колледж Блэк Маунтин в Северной Каролине.

Ар-деко (1920-е, 1930-е годы)

Стиль дизайна, известный как ар-деко, был продемонстрирован в 1925 году на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже и стал очень популярным стилем декоративного искусства, дизайна и архитектуры в межвоенные годы (широко использовался архитекторами кино и отелей). Его влияние также проявилось в дизайне мебели, текстильных тканей, керамики, ювелирных украшений и стекла. Реакция на ар-нуво, новая идиома ар-деко устранила плавные криволинейные формы последнего и заменила их геометрическими формами, вдохновлёнными кубизмом и прецизионизмом. Известные образцы архитектуры ар-деко включают Эмпайр-стейт-билдинг и Нью-Йоркский Крайслер-билдинг. На ар-деко также повлияли простые архитектурные конструкции Баухауза.

Кубизм (c.1908-12)

Изобретённый Пабло Пикассо (1881-1973) и Жоржем Браком (1882-1963) чтобы быть «революционным движением» современного искусства, кубизм был более интеллектуальным стилем живописи, который исследовал весь потенциал двумерной картинной плоскости предлагая разные виды одного и того же объекта, обычно расположенные в серии перекрывающихся фрагментов. Это похоже на то, как фотограф может сделать несколько снимков объекта под разными углами, прежде чем разрезать их ножницами и беспорядочно разместить на плоской поверхности. Этот «аналитический кубизм» (возникший из «Авиньонских девиц» Пикассо) быстро уступил место «синтетическому кубизму», когда художники начали включать «найденные предметы» в свои полотна. Например создавая коллажи, сделанные из газетных вырезок. Среди художников-кубистов: Хуан Грис (1887-1927), Фернан Леже (1881-1955), Робер Делоне (1885-1941), Альбер Глез (1881-1953), Роджер де ла Френэ (1885-1925), Жан Метцингер (1883-1956) и Фрэнсис Пикабиа (1879-1953), художник-авангардист Марсель Дюшан (1887-1968) и скульпторы Жак Липшиц (1891-1973) и Александр Архипенко (1887-1964). (См. также Русское искусство). Недолговечный, но очень влиятельный кубизм породил совершенно новый, более обширный стиль абстрактного искусства и оказал значительное влияние на развитие более поздних стилей, таких как: Орфизм (1910-13), Коллаж (с 1912 г.), Пуризм (1920-е гг.), Прецизионизм (1920-е, 1930-е), Футуризм (1909-1914), Лучизм (около 1912-14), Супрематизм (1913-1918), Конструктивизм (около 1919-32), Вортицизм (около 1914-15), Де Стейл (1917-31) и строгий геометрический стиль конкретного искусства, известный как Неопластизм.

Сюрреализм (1924 г.)

В значительной степени основанный на антиискусственных традициях движения Дада (1916–24), а также на психоаналитических идеях Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, сюрреализм был самым влиятельным художественным стилем межвоенного периода. По словам его главного теоретика Андре Бретона, он стремился объединить бессознательное с сознательным, чтобы создать новую сюрреалистическую «сверхреальность». Движение охватило огромный диапазон стилей, от абстракции до реализма, обычно перемежающихся «нереальными» образами. Среди выдающихся сюрреалистов Сальвадор Дали (1904-1989), Макс Эрнст (1891-1976), Рене Магритт (1898-1967), Андре Массон (1896-1987), Ив Танги (1900-1955), Хуан Миро (1893-1983), Джорджо де Кирико (1888-1978), Жан Арп (1886-1966) и Ман Рэй (1890-1976). Движение имело большое влияние в Европе в 1930-е годы, было основным предшественником Концептуализма и до сих пор продолжает находить сторонников в изобразительном искусстве, литературе и кинематографии.

Американское искусство начала ХХ века (1900-1945)

Американская живопись периода 1900-1945 годов была реалистичной по стилю и все больше фокусировалась на строго американских образах. Это было результатом реакции на Оружейную выставку (1913 г.) и европейского гипермодернизма, а также на изменение социальных условий в стране. Позже это стало патриотическим ответом на Великую депрессию 1930-х годов. Также обратите внимание на американские достижения в архитектуре небоскрёбов начала 20 века. Для получения дополнительной информации см.: Американская архитектура (1600-настоящее время). Конкретные направления живописи включали Ашканскую школу (1900-1915); Прецизионизм (1920-е гг.), воспевающий новый индустриальный ландшафт Америки; более социально ориентированный городской стиль Соцреализм (1930-е годы); Американская сценическая картина (ок. 1925-45), которая охватывала работы Эдварда Хоппера и Чарльза Берчфилда, а также Регионализм Среднего Запада (1930-е годы), отстаиваемый Грантом Вудом, Томасом Харт Бентон и Джоном Стюартом Карри.

Примечание: отголоски американского регионализма можно увидеть в одобряемом правительствами стиле социалистического реализма (ок. 1920-1980), который процветал в России, Китае и других тоталитарных государствах в начале 20 века и позже.

Абстрактный экспрессионизм (1945-60)

Первое международное движение современного искусства, пришедшее из Америки (его иногда называют Нью-Йоркской школой – см. также американское искусство), это был преимущественно абстрактный стиль живописи, который следовал экспрессионистскому направлению, основанному на цвете, а не кубистской идиоме, хотя он также включает ряд других стилей, что делает его более общим движением. В абстрактном экспрессионизме выделяются четыре варианта: во-первых, «автоматический» стиль «живописи действия», изобретённый Джексоном Поллоком (1912–1956) и его женой Ли Краснер (1908–1984). Во-вторых, монументальные цветные плоскости, созданные Марком Ротко (1903-1970), Барнеттом Ньюманом (1905-1970) и Клиффордом Стиллом (1904-1980), – стиль, известный как Живопись цветового поля./a>. В-третьих, жестовая фигуративность Виллема Де Кунинга (1904–1997). В-четвёртых, геометрические абстракции Йозефа Альберса (1888–1976), например «Посвящение площади».

Очень влиятельная абстрактная экспрессионистская живопись продолжала оказывать влияние на художников более двух десятилетий. Она была представлена в Париже в 1950-х годах Жан-Полем Риопелем (1923-2002) при помощи книги Мишеля Тапи Un Art Autre (1952). В то же время в Америке возник ряд новых движений, таких как живопись Hard-edge (жёсткие грани), примером которой является Фрэнк Стелла. В конце 1950-х – начале 1960-х годов в работах Хелен Франкенталер и других появилась чисто абстрактная форма живописи Цветового поля, а в 1964 году известный искусствовед Клемент Гринберг помог ввести дальнейшее стилистическое развитие, известное как «Пост-живописная абстракция». Абстрактный экспрессионизм впоследствии повлиял на множество различных школ, включая Оп-арт, флюксус, поп-арт, минимализм, неоэкспрессионизм и другие.

Поп-арт (конец 1950-60-х годов)

Мост между современным искусством и постмодернизмом, Поп-арт использовал популярные образы и современные формы графического искусства, чтобы создать живую, впечатляющую идиому, которую мог бы понять и оценить любой человек. Он появился одновременно в Америке и Великобритании в конце 1950-х годов, в то время как европейская форма (Nouveau Realisme) появилась в 1960 году. Первыми в Америке Роберт Раушенберг (1925-2008) и Джаспер Джонс (1930 г.р.), тесно связывали поп-арт с движениями начала 20 века, такими как сюрреализм. Это была явная реакция на закрытый интеллектуализм абстрактного экспрессионизма, от которого художники поп-арта стремились дистанцироваться, используя простые, легко узнаваемые образы (из телешоу, мультфильмов, комиксов и т.д.), А также современные технологии, такие как трафаретная печать. Среди известных имён в американском поп-арте: Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (р. 1928), Алекс Кац (р. 1927), Рой Лихтенштейн (1923-1997), Клас Ольденбург (род. 1929) и Энди Уорхол (1928-1987). Важными поп-артистами Великобритании были: Питер Блейк (1932 г.р.), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (1922 г.р.), Дэвид Хокни (1937 г.р.), Аллен Джонс (1937 г.р.), РБ Китайдж (1932 г.) и Эдуардо Паолоцци (1924-2005).

Скульптура середины 20 века

Начиная с ранних работ Бранкузи, скульптура 20 века неизмеримо расширилась, охватив новые формы, стили и материалы. Основные нововведения включают «скульптурные стены» Луизы Невельсон (1899-1988), экзистенциальные формы Джакометти (1901-1966), биоморфную абстракцию Барбары Хепуорт (1903-1975) и Генри Мура (1898-1986), а также пауков Луизы Буржуа (1911-2010). Другие творческие цели преследовал Сальвадор Дали (1904-1989) в его сюрреалистическом «Диване с губами Мэй Уэст» и «Телефоне-омаре» – Мерет Оппенгейм (1913-1985) в её «Пушистом завтраке» Ф.Э. Маквильям (1909-1992) в его «Глазах, носе и щеке», Сол Левитт (1928 г.р.) в его скелетных коробчатых конструкциях, а также художники поп-арта, такие как Клас Ольденбург (1929 г.р.) и Джаспер Джонс (1930 г.р.), а также итальянцы Джонатан Де Пас (1932-1991), Донато Д’Урбино (1935 г.р.) и Паоло Ломацци (1936 г.р.) в их уникальной «Софе Джо».

Для получения дополнительной информации об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел в этот период см.: Движения современного искусства.

Слово «постмодернизм» часто используется для описания современного искусства примерно с 1970 года. Проще говоря, постмодернистское искусство ставит стиль выше содержания (например, не «что», а «как»; не «искусство ради искусства», а «стиль ради искусства») и подчёркивает важность того, как художник общается со своей аудиторией. Примером этого являются такие движения, как концептуальное искусство, где передаваемая идея рассматривается как более важная, чем само произведение искусства, которое просто действует как средство передачи сообщения. Кроме того, для увеличения воздействия визуального искусства на зрителей, постмодернисты обратились к новым формам, таким как сборка, инсталляция, видео, перформанс, хепенингс и граффити – все из которых так или иначе связаны с концептуализмом – и эта идея воздействия продолжает вдохновлять.

Информацию о ведущих постмодернистах см. В разделе «200 лучших художников современности».

Постмодернистская Живопись

Художники с 1970-х годов экспериментировали с множеством стилей в широком спектре от чистой абстракции до фигурации. К ним относятся: Минимализм, пуристическая форма абстракции, которая мало способствовала продвижению живописи как привлекательной среды; Неоэкспрессионизм, охвативший такие группы, как «Уродливые реалисты», «Neue Wilden», «Figuration Libre», «Трансавангардия», «Художники нового образа» и так называемые «Плохие художники» и сигнализировал о возвращении к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя часто в квазиабстрактном стиле), с использованием грубых мазков, ярких цветов и цветовых гармоний; и полностью образные стили, принятые такими группами, как «Новая субъективность» и «Лондонская школа». Другая крайность от минимализма – ультра-репрезентативная форма искусства Фотореализм (суперреализм, гиперреализм). Среди этого довольно ошеломляющего диапазона деятельности заметны такие художники, как Фрэнсис Бэкон, великий Люсьен Фрейд (1922 г.р.), новатор Фернандо Ботеро (1932 г.р.), точный Дэвид Хокни (1937 г.р.), фотореалисты Чак Клоуз (1940 г.), Ричард Эстес (1936 г. р.) и современница Дженни Сэвилл (род. 1970 г.). См. также: Современная британская живопись (1960-2000).

Постмодернистская скульптура

С 1970 года скульптура появлялась в самых разных обличиях, в том числе: крупномасштабные металлические работы Марка Ди Суверо (р. 1933), минималистские скульптуры Вальтера де Марии (р. 1935), монументальные общественные формы Ричарда Серры (р..1939), гиперреалистичные обнажённые фигуры Джона Де Андреа (род. 1941), природные сооружения Энтони Гормли (р. 1950), фигурки Роуэна Гиллеспи (р. 1953), изделия из нержавеющей стали Аниш Капур (р. 1954), впечатляющие нео-поп работы Джеффа Кунса (р. 1955) и выдающиеся работы 21 века Судоба Гупты (р. 1964) и Дамиана Ортеги (р. 1967). Кроме того, привлекательная общественная скульптура включает «Чикагский Пикассо» – серию металлических фигур, созданных для Чикагского общественного центра, и архитектурный «Шпиль Дублина» («шип»), созданный Яном Ричи (1947 г. р.), а также многие другие.

Постмодернистский авангард

Плюралистический взгляд на современное искусство «все, что угодно» (которое критики могут охарактеризовать как пример сказки о «Новой одежде императора») удачно проиллюстрирован в работах Дэмиена Хёрста, ведущего члена школы молодых британских художников. Известный «Физической невозможностью смерти в сознании кого-то живого», мёртвой тигровой акулы, маринованной в формальдегиде, и недавно инкрустированным бриллиантами черепом «Во имя любви к Богу», Хёрсту удалось заинтересовать публику и устрашить критиков всего мира. И хотя он вряд ли когда-либо унаследует мантию Микеланджело, его коммерческие достижения – продажи на сумму 100 миллионов долларов на одном аукционе Sotheby’s (2008 г.) – просто сногсшибательны.

Если говорить более отрезвляюще, то в марте 2009 года престижный Центр современного искусства Жоржа Помпиду в Париже организовал выставку под названием «Специализация чувствительности в состоянии сырья и стабилизации изобразительной чувствительности». Это авангардное мероприятие состояло из 9 совершенно пустых залов – по сути, это реинкарнация совершенно беззвучного произведения Джона Кейджа из «музыкального» концептуального искусства под названием «4.33». Если одна из великих площадок современного искусства, такая как Центр Помпиду, рассматривает девять совершенно пустых пространств как достойное художественное мероприятие, у всех нас большие проблемы.

Для получения дополнительной информации об истории постмодернистской живописи, скульптуры и авангардных форм искусства см.: Современные художественные движения.

Архитектура 20 века

Можно сказать, что архитектура 19 века была направлена ​​на то, чтобы украсить новую волну гражданских структур, таких как железнодорожные вокзалы, музеи, правительственные здания и другие коммунальные здания. Она сделала это, взяв идеи из неоклассицизма, неоготики, Второй французской империи и экзотики, а также новые формы и материалы так называемой «промышленной архитектуры», примером которых являются фабрики, а также случайные архитектурные памятники, такие как Эйфелева башня (1887-89). Для сравнения: архитектура ХХ века характеризуется вертикальным развитием (небоскрёбы), флагманскими зданиями и послевоенной реконструкцией. Больше, чем в любую другую эпоху, в дизайне XX века преобладали изобретения новых материалов и строительных методов. Век начался с использования инноваций конца 19 века, разработанных Чикагской архитектурной школой, таких как структурный стальной каркас, в стиле, известном как ранний модернизм. В Америке архитекторы начали использовать стили дизайна ар-нуво и ар-деко в своей работе, в то время как в Германии и России тоталитарная архитектура преследовала отдельные цели в 1930-х годах. Среди известных архитекторов первой половины века: Луи Салливан (1856-1924), Фрэнк Ллойд Райт (1867-1959), Виктор Орта (1861-1947), Антони Гауди (1852-1926), Питер Беренс (1868-1940), Уолтер Гропиус (1883-1969) и Ле Корбюзье (1887-1965).

После 1945 года архитекторы отказались от функциональности и начали создавать новые формы с использованием железобетона, стали и стекла. Таким образом, поздний модернизм уступил место брутализму, корпоративному модернизму и архитектуре высоких технологий, кульминацией которых стали такие сооружения, как Центр Жоржа Помпиду в Париже и культовый Сиднейский оперный театр – одно из первых зданий, в которых использовалась промышленная мощь, Аралдит, для склеивания сборных элементов конструкции. С 1970 года в постмодернистской архитектуре использовалось несколько разных подходов. Некоторые дизайнеры лишили здания всяческих украшений, чтобы создать минималистский стиль; другие использовали идеи деконструктивизма, чтобы отойти от традиционных прямолинейных форм; в то время как третьи использовали программное обеспечение для цифрового моделирования при создании совершенно новых органических форм в процессе, называемом Blobitecture. Среди известных послевоенных архитекторов: Майерс ван дер Роэ (1886-1969), Луи Кан (1901-1974), Йорн Утцон; Ээро Сааринен (1910-1961), Кензо Танге (1913-2005), И.М. Пей (р. 1917), Норман Фостер (р. 1935), Ричард Роджерс, Джеймс Стирлинг (1926-1992), Альдо Росси (1931-1997), Фрэнк О. Гери (р. 1929), Рем Колхас (р. 1944), и Даниэль Либескинд (р. 1946). Известные архитектурные группы или фирмы: Skidmore, Owings & Merrill (основано в 1936 г.); Скотт-Браун (основан в 1925 г.); Нью-Йоркская пятёрка – Питер Эйзенман, Майкл Грейвс, Чарльз Гватми, Джон Хейдук, Ричард Мейер; и Herzog & de Meuron (основан в 1950 г.).

ДЛЯ ПОИСКА КОНКРЕТНОГО АРТ-ДВИЖЕНИЯ, ПРОСМОТРИТЕ СПИСОК: ДВИЖЕНИЯ от А до Я.

Историческая хронология развития трёхмерных форм визуального искусства: История скульптуры.

Хронологический список важных дат и событий см.: Хронология доисторического искусства и Хронология истории искусства.

Краткое руководство по стилям см. в разделе Движения в искусстве, периоды и школы.