История искусства:
истоки и эволюция изобразительного искусства читать ~57 мин.

Хронологический обзор основных движений, стилей, периодов и художников, которые внесли свой вклад в эволюцию и развитие изобразительного искусства.

Доисторическое искусство охватывает три эпохи: палеолит, мезолит и неолит. Самыми ранними из известных образцов искусства считаются петроглифы Бхимбетки — комплекс из 10 чашевидных углублений (купул) с гравировкой, обнаруженных в кварцитовом скальном убежище, известном как пещера Аудиториум в центральной Индии. Их возраст оценивается как минимум в 290 000 лет до н.э., однако есть предположения, что они могут быть значительно старше (около 700 000 лет до н.э.). За этим примитивным наскальным искусством последовали простые фигурки, такие как Венера из Берехат-Рама (Голанские высоты) и Венера из Тан-Тана (Марокко). Начиная с 80 000 лет до н.э. появляются гравюры в пещере Бломбос и купулы (лунки) в скальном убежище Ла-Ферраси в Дордони. Доисторическая культура и творчество тесно связаны с размером и развитием мозга, которые напрямую влияют на «высшие» функции, такие как язык, самовыражение и, в конечном итоге, эстетическое чувство. С появлением «современных» художников и скульпторов, принадлежащих к виду Homo sapiens (около 50 000 лет до н.э.), таких как кроманьонец и человек Гримальди, мы наблюдаем всплеск великолепной скульптуры и живописи позднего палеолита во Франции и на Пиренейском полуострове. К этому периоду относится ряд миниатюрных «тучных» фигурок Венеры (например, венеры Виллендорфская, Костёнковская, Монпазье, Дольни-Вестоницкая, Мораванская, Брассампуйская, Гагаринская и многие другие), а также резные фигурки из бивня мамонта, найденные в пещерах Фогельхерд и Холе-Фельс в Швабском Альбе. Однако величайшим достижением доисторической эпохи является наскальная живопись в пещерах Шове, Ласко и Альтамира.

Ниже представлен краткий хронологический обзор основных эпох, периодов и направлений в истории искусства.

ИСКУССТВО КАМЕННОГО ВЕКА
Африка, Европа, Азия
Нижний палеолит: 2,5 млн – 200 000 гг. до н.э.
Средний палеолит: 200 000 – 40 000 гг. до н.э.
Верхний палеолит: 40 000 – 10 000 гг. до н.э.
Мезолит, Европа: ок. 10 000 – 4000 гг. до н.э.
Неолит, Европа: ок. 4000–2000 гг. до н.э.

БРОНЗОВЫЙ ВЕК
Шумерская культура и искусство: ~3500 г. до н.э.
Древнеперсидская цивилизация: ~3500 г. до н.э.
Гробница Ньюгрейндж: ~3300 г. до н.э.
Египетская культура и искусство: ~3100 г. до н.э.
Египетские пирамиды: ~2700–1800 гг. до н.э.
Минойская культура и искусство: ~2100 г. до н.э.
Вавилонская империя: ~1800 г. до н.э.

ЖЕЛЕЗНЫЙ ВЕК
Микенская культура: ок. 1500–1100 гг. до н.э.
Древнегреческая цивилизация: ок. 600–27 гг. до н.э.
архаический период: ок. 600–500 гг. до н.э.
классический период: ок. 500–323 гг. до н.э.
эллинистический период: ок. 323–27 гг. до н.э.
Этрусское искусство: 700–90 гг. до н.э.
Гальштатская культура: ок. 600–450 гг. до н.э.
Латенская культура: ок. 450–150 гг. до н.э.
Римское искусство: ок. 200 г. до н.э. – 400 г. н.э.

ИСКУССТВО ТЁМНЫХ ВЕКОВ И СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
Византийское искусство: ок. 330–1453 гг. н.э.
Ирландское христианское искусство: ок. 600–1100 гг. н.э.
Каролингское и Оттоновское искусство: ок. 775–1050 гг. н.э.
Романская культура: ок. 800–1200 гг. н.э.
Готическая культура: ок. 1150–1400 гг. н.э.

РЕНЕССАНС
Проторенессанс: ок. 1300–1400 гг.
Раннее Возрождение: ок. 1400–1490 гг.
Высокое Возрождение: ок. 1490–1530 гг.
Северное Возрождение: ок. 1400–1530 гг.
Маньеризм: ок. 1530–1600 гг.

ПОСТРЕНЕССАНС
Барокко: ~1600–1700 гг.
Голландский реализм: ~1600–1700 гг.
Рококо: ~1700–1789 гг.
Неоклассицизм: с ~1790 г.
Романтизм: с ~1790 г.
Реализм: с ~1830 г.

МОДЕРНИЗМ
Прерафаэлиты: с 1848 г.
Импрессионизм: 1870-е гг.
Неоимпрессионизм: 1880-е гг.
Ньюлинская школа: 1880-е гг.
Модерн: конец XIX в.
Символизм: конец XIX в.
Постимпрессионизм: с 1880-х гг.
Фовизм: 1905–1908 гг.
Экспрессионизм: с 1900 г.
«Мост» (Die Brücke): 1905–1911 гг.
«Синий всадник» (Der Blaue Reiter): 1911–1914 гг.
Школа «мусорных вёдер» (Ashcan School): 1892–1919 гг.
Кубизм: 1908–1920 гг.
Орфизм: 1912–1916 гг.
Пуризм: 1920-е гг.
Прецизионизм: 1920-е гг.
Коллаж: с 1912 г.
Футуризм: 1909–1914 гг.
Лучизм: 1910–1920-е гг.
Супрематизм: 1913 – 1920-е гг.
Конструктивизм: 1917 – 1930-е гг.
Вортицизм: 1913–1915 гг.
Дадаизм: 1916–1924 гг.
«Де Стейл» (De Stijl): 1917–1931 гг.
Школа Баухаус: 1919–1933 гг.
Неопластицизм: 1920–1940 гг.
Ар-деко: 1920–1930-е гг.
Парижская школа: с 1900 г.
Новая вещественность (Neue Sachlichkeit): 1920-е гг.
Сюрреализм: с 1924 г.
Магический реализм: 1920-е гг.
«Дегенеративное искусство» (Entartete Kunst): 1930-е гг.
Социальный реализм: 1920–1930-е гг.
Социалистический реализм: с 1929 г.
Сент-Айвская школа: 1930-е гг.
Неоромантизм: с 1930-х гг.
Органическая абстракция: 1940–1965 гг.
Экзистенциальное искусство: 1940–1950-е гг.
Абстрактный экспрессионизм: ок. 1944–1964 гг.
Информель (Art Informel): ок. 1946–1960 гг.
Ташизм: 1940–1950-е гг.
Ядерное искусство (Arte Nucleare): 1951–1960 гг.
Искусство «кухонной раковины»: середина 1950-х гг.
Ассамбляж: с 1953 г.
Нео-дада: 1950-е гг.
Оп-арт (оптическое искусство): 1960-е гг.
Поп-арт: 1958–1972 гг.
Новый реализм: 1960-е гг.
Постживописная абстракция: 1960-е гг.
Феминистское искусство: 1960-е гг.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО (ПОСТМОДЕРНИЗМ)
Концептуализм: 1960-е гг.
Перформанс: 1960-е гг.
Инсталляция: 1960-е гг.
Видеоарт: 1960-е гг.
Минимализм: 1960-е гг.
Фотореализм: 1960–1970-е гг.
Ленд-арт: 1960-е гг.
Живопись гибких поверхностей: ок. 1966–1972 гг.
Постмодернизм: с 1970 г.
Постминимализм: с 1971 г.
Новая субъективность: 1970-е гг.
Лондонская школа: 1970-е гг.
Граффити: 1970-е гг.
Трансавангард: с 1979 г.
Неоэкспрессионизм: конец 1970-х – 1980-е гг.
Молодые британские художники (YBA): конец 1980-х – 1990-е гг.
Неопоп: конец 1980-х гг.
Стакизм: с 1999 г.

Вернёмся к наскальной живописи. Эти росписи создавались в пещерах, служивших своего рода доисторическими художественными галереями, где художники изображали животных, сцены охоты и различные абстрактные или символические знаки. Во Франции это монохромные изображения животных и абстрактные рисунки из пещеры Шове, трафареты рук в пещере Коске, а также полихромные изображения, выполненные углём и охрой, в Пеш-Мерль и Ласко. В Испании — это полихромные изображения бизонов и оленей в пещере Альтамира. За пределами Европы основные примеры наскального искусства включают наскальную живопись Убирр в Австралии (30 000 лет до н.э.), рисунки животных углём и охрой в пещере Аполлон-11 в Намибии (с 25 500 лет до н.э.), наскальную живопись Брэдшоу в Западной Австралии (с 17 000 лет до н.э.) и изображения «трафаретов рук» в Куэва-де-лас-Манос (Пещере рук) в Аргентине (с 9500 лет до н.э.).

Искусство мезолита (ок. 10 000 – 4000 до н.э.)

В условиях нового климата, улучшения условий жизни и изменения моделей поведения, искусство мезолита уделяет больше внимания человеческой фигуре, демонстрирует более тщательное наблюдение и развёрнутое повествование. Из-за потепления оно перемещается из пещер на открытые пространства в Европе, Азии, Африке, Австралии и Америке. К произведениям мезолита относятся наскальные рисунки бушменов в районе Уотерберг в Южной Африке, росписи в скальных убежищах Бхимбетки в Индии и искусство австралийских аборигенов из Арнемленда. В этот период также появляется больше трёхмерных произведений, включая барельефы и отдельно стоящую скульптуру. Примерами служат антропоморфные фигурки, обнаруженные в Невалы-Чори и Гёбекли-Тёпе в восточной части Малой Азии, а также статуи из Лепенски-Вира (например, «Бог-Рыба») в Сербии. Другие образцы переносного искусства эпохи мезолита — это браслеты, расписная галька, декоративные узоры на утилитарных предметах, а также древняя керамика японской культуры дзёмон. Одним из величайших произведений мезолитического искусства является скульптура «Мыслитель» из Чернаводэ (Румыния).

Искусство неолита (ок. 4000–2000 до н.э.)

В более «оседлую» и густонаселённую эпоху неолита наблюдался рост таких ремёсел, как гончарное дело и ткачество. Зародившись в эпоху мезолита около 9000 лет до н.э. в деревнях Южной Азии, ремёсла получили развитие в долинах рек Хуанхэ и Янцзы в Китае (около 7500 г. до н.э.) — см. Искусство неолита в Китае, — затем в Плодородном полумесяце (долины Тигра и Евфрата) на Ближнем Востоке (около 7000 лет до н.э.) — «колыбели цивилизации», — прежде чем распространиться на Индию (около 5000 лет до н.э.), Европу (около 4000 лет до н.э.), Китай (3500 г. до н.э.) и Америку (около 2500 г. до н.э.). Хотя большая часть произведений искусства оставалась функциональной, больше внимания стало уделяться орнаменту и декору. Например, в этот период впервые появляется каллиграфия — одна из величайших форм китайского искусства. См.: Хронология китайского искусства.

Искусство неолита также включает отдельно стоящую скульптуру, бронзовые статуэтки (особенно в цивилизации долины Инда), примитивные украшения и декоративные узоры на различных артефактах. Самой впечатляющей формой искусства позднего неолита была архитектура: монументальные каменные сооружения, известные как мегалиты. К ним относятся египетские пирамиды, коридорные гробницы Северной Европы, такие как Ньюгрейндж и Наут в Ирландии, и комплексы вертикально стоящих камней (менгиров), например, в каменном круге Стоунхендж и комплексе Эйвбери в Англии. (Для дополнительной информации см.: мегалитическое искусство). Однако основным видом искусства неолита была керамика, лучшие образцы которой производились в Месопотамии (см. Искусство Месопотамии) и в восточном Средиземноморье. Для получения дополнительной хронологии см.: Хронология гончарного дела. К концу этой эры в Шумере появляются иероглифические системы письма, что знаменует конец доисторической эпохи.

Подробнее о доисторической живописи, скульптуре, архитектуре и ремёслах этого периода см.: Искусство каменного века.

Самые известные образцы искусства бронзового века появились в «колыбели цивилизации» Средиземноморья и на Ближнем Востоке во время расцвета Месопотамии (современный Ирак), Греции, Крита (минойская цивилизация) и Египта. Возникновение городов, использование письменности и развитие более сложных инструментов привели к созданию широкого спектра монументальных и переносных произведений искусства.

Египетское искусство (с 3100 г. до н.э.)

Египет, возможно, величайшая цивилизация в истории древнего искусства, стал первой культурой, выработавшей узнаваемый художественный стиль. Египетские художники изображали головы, ноги и ступни людей в профиль, а глаза, плечи, руки и туловище — спереди. Другие художественные каноны определяли, как следует изображать богов, фараонов и простых людей, регулируя такие элементы, как размер, цвет и композиционное положение фигуры. Серия замечательных погребальных портретов, известных как фаюмские портреты, предлагает захватывающее представление об эллинистической культуре Древнего Египта. Кроме того, уникальный стиль египетской архитектуры проявился в ряде массивных каменных погребальных камер внутри пирамид. Опыт египтян в обработке камня оказал огромное влияние на более позднюю греческую архитектуру. Известные египетские пирамиды включают Ступенчатую пирамиду Джосера (ок. 2630 г. до н.э.) и Великую пирамиду в Гизе (ок. 2550 г. до н.э.), также называемую пирамидой Хуфу или «пирамидой Хеопса».

Шумерское искусство (с 3500 г. до н.э.)

В Месопотамии и Древней Персии шумеры разработали собственное уникальное сооружение — ступенчатую пирамиду, называемую зиккуратом. Это были не погребальные камеры, а искусственные горы, призванные приблизить правителей и народ к богам, которые, по легенде, обитали высоко в горах на востоке. Зиккураты строили из сырцового кирпича и обычно украшали цветной глазурью. См. Шумерское искусство (ок. 4500–2270 гг. до н.э.).

Персидское искусство (с 3500 г. до н.э.)

На протяжении большей части античности искусство Древней Персии было тесно переплетено с искусством её соседей, особенно Месопотамии (современный Ирак), и испытывало взаимное влияние с греческим искусством. Ранние персидские произведения переносного искусства включают замысловатую керамику из Суз и Персеполя (ок. 3000 лет до н.э.). Двумя важными периодами персидского искусства были эпоха Ахеменидов (ок. 550–330 гг. до н.э.), примером которой служат монументальные дворцы в Персеполе и Сузах, украшенные скульптурой, каменными рельефами и знаменитым «Фризом лучников» (Лувр, Париж) из глазурованного кирпича, и эпоха Сасанидов (226–650 гг. н.э.), известная своей декоративной каменной мозаикой, золотой и серебряной посудой, фресками, иллюминированными рукописями, а также такими ремёслами, как ковроткачество и производство шёлка. Но величайшие памятники сасанидского искусства — это наскальные рельефы, высеченные в известняковых скалах в Так-е Бостан, Бишапуре, Накше-Рустам и Накше-Раджаб.

Минойское искусство (2100–1425 гг. до н.э.)

Первое крупное направление эгейского искусства, возникшее на Крите благодаря минойцам, было тесно связано с дворцовой архитектурой в Кноссе, Фесте, Акротири, Като-Закросе и Маллии. Дворцы строились из камня, сырцового кирпича и штукатурки и украшались красочными фресками и росписями со сценами из мифологии и символическими изображениями животных (например, быка). В эпоху минойского искусства также процветала резьба по камню (особенно изготовление печатей) и создание изделий из драгоценных металлов. За минойским протодворцовым периодом (завершившимся около 1700 г. до н.э. сильным землетрясением) последовал ещё более пышный неодворцовый период (ок. 1700–1425 гг. до н.э.), ставший временем культурного расцвета, который был прерван серией землетрясений около 1425 года. Минойские мастера также славились своей керамикой и вазописью с многочисленными морскими мотивами. Этот акцент на природе и событиях, а не на правителях и божествах, также заметен в фресках и скульптурах минойских дворцов.

Металлические изделия бронзового века

Названный в честь металла, который обеспечил его процветание, бронзовый век стал свидетелем создания множества замечательных изделий из металла. Примером этой металлургии являются два выдающихся шедевра: «Баран в чаще» (ок. 2500 г. до н.э., Британский музей, Лондон) — небольшая скульптура из Ура (Ирак), сделанная из сусального золота, меди, лазурита и красного известняка; и «Майкопский золотой бык» (ок. 2500 г. до н.э., Эрмитаж, Санкт-Петербург) — миниатюрная золотая скульптура из Майкопского кургана на Северном Кавказе, Россия. См. также: Ассирийское искусство (ок. 1500–612 гг. до н.э.) и Хеттское искусство (ок. 1600–1180 гг. до н.э.). В этот период также появились китайские изделия из бронзы (с 1750 г. до н.э.): бронзовые сосуды и скульптуры, часто украшенные нефритом, из бассейна Жёлтой реки (Хуанхэ) в провинции Хэнань, Центральный Китай.

Информацию о цивилизациях бронзового века в Северной и Южной Америке см. в статье «Искусство доколумбовой эпохи», охватывающей искусство и ремёсла культур Мезоамерики и Южной Америки.

Чтобы узнать больше об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел того периода, см.: Искусство бронзового века.

История искусства: Железный век и классическая античность (ок. 1500–200 гг. до н.э.)

Искусство классической античности в этот период пережило огромный рост, особенно в Греции и во всём восточном Средиземноморье. Это совпало с подъёмом эллинской (находящейся под влиянием Греции) культуры.

Микенское искусство (ок. 1500–1100 гг. до н.э.)

Хотя Микены были независимым городом на греческом Пелопоннесе, термин «микенская культура» иногда используется для описания всего раннегреческого искусства позднего бронзового века. Изначально находившееся под сильным влиянием минойской культуры, микенское искусство постепенно достигло собственного баланса между живым натурализмом Крита и более строгим художественным языком материка. Это проявляется в многочисленных фресках, выполненных темперой, скульптуре, керамике, резных драгоценных камнях, ювелирных изделиях, стекле и изделиях из драгоценных металлов. В отличие от минойской «морской торговой» культуры, микенцы были воинами, поэтому их искусство было предназначено в первую очередь для прославления своих светских правителей. К нему относятся и несколько толосных гробниц, наполненных золотыми изделиями, декоративным оружием и драгоценностями.

Древнегреческое искусство (ок. 1100–100 гг. до н.э.)

Древнегреческое искусство традиционно делится на следующие периоды:
Гомеровский период (Тёмные века) (ок. 1100–900 гг. до н.э.).
Геометрический период (ок. 900–700 гг. до н.э.).
Ориентализирующий период (ок. 700–625 гг. до н.э.).
Архаический период (ок. 625–500 гг. до н.э.).
Классический период (ок. 500–323 гг. до н.э.).
Эллинистический период (323–100 гг. до н.э.). К сожалению, почти вся греческая живопись и большая часть греческой скульптуры были утеряны, оставив нам лишь руины или более поздние римские копии. Греческая архитектура также известна нам в основном по руинам. Несмотря на столь малое наследие, греческие художники по-прежнему пользуются огромным уважением, что свидетельствует о том, какими новаторами они были на самом деле.

Как и все мастера Средиземноморья, древние греки заимствовали ряд важных художественных техник у своих соседей и торговых партнёров. Несмотря на это, ко времени смерти македонского императора Александра Великого в 323 г. до н.э., греческое искусство считалось лучшим из когда-либо созданных. Даже римляне, несмотря на их великолепные инженерные и военные навыки, никогда не могли полностью преодолеть чувство неполноценности перед лицом греческого мастерства и (к счастью для нас) усердно копировали греческие произведения искусства. Семнадцать веков спустя греческая архитектура, скульптурные рельефы, статуи и керамика будут заново открыты во время итальянского Ренессанса и станут краеугольным камнем западного искусства более чем на 400 лет.

Тёмные века

После падения микенской цивилизации (XII век до н.э.) Греция вступила в период упадка, известный как Тёмные века, названный так потому, что мы очень мало о нём знаем. Скульптура, живопись и монументальная архитектура практически исчезли.

Геометрический период

Затем, примерно с 900 г. до н.э., эти виды искусства (создаваемые в основном для аристократических семей, пришедших к власти в Тёмные века) вновь появились в геометрический период, названный так из-за декоративных узоров на керамике.

Ориентализирующий период

Следующий, ориентализирующий, период характеризовался влиянием ближневосточного дизайна, в особенности криволинейных, зооморфных и растительных мотивов.

Архаический период

Архаический период был временем постепенных экспериментов; самой ценимой формой скульптуры был курос (мн. ч. kouroi), или стоящая обнажённая мужская фигура. За ним последовал классический период, который представляет собой апогей греческого искусства.

Классический период

Греческая архитектура процветала на основе системы «классических ордеров» (дорического, ионического и коринфского) — правил проектирования зданий, основанных на пропорциях отдельных частей и их взаимосвязи. Комплекс Парфенона на Акрополе в Афинах является высшим примером классической греческой архитектуры. Другие известные примеры: храм Зевса в Олимпии, храм Гефеста, храм Афины-Ники, театр в Дельфах и толос храма Афины Пронайи. В пластических искусствах великие классические греческие скульпторы, такие как Поликлет, Мирон и Фидий, продемонстрировали мастерство реализма, которое останется непревзойдённым до итальянского Ренессанса. Но самым уважаемым видом искусства оставалась живопись, особенно станковая, выполненная темперой или энкаустикой. Известные греческие художники, такие как Зевксис, Апеллес и Паррасий, ввели новые техники светотени и колорита.

Эллинизм

Начало последней, эллинистической, фазы совпало со смертью Александра и присоединением Персидской империи к греческому миру. В стилистическом отношении классический реализм уступил место большей торжественности и героизму (примером может служить массивная статуя «Колосс Родосский», сравнимая по размерам со Статуей Свободы), а также растущему экспрессионизму. Этот период характеризуется распространением греческой культуры (эллинизацией) по всему цивилизованному миру, включая техники скульптуры и мозаичного искусства. Среди известных эллинистических скульптур: знаменитая «Венера Милосская», «Умирающий галл» Эпигона, Пергамский алтарь Зевса (ок. 166–156 гг. до н.э.), «Крылатая Победа Самофракийская», а также «Лаокоон и его сыновья» Агесандра, Полидора и Афинодора.

Греческая керамика

Греческая керамика возникла намного раньше других видов искусства: к 3000 лет до н.э. Пелопоннес уже был ведущим центром гончарного дела. Позже, после захвата материковой Греции индоевропейскими племенами около 2100 г. до н.э., была представлена новая форма керамики, известная как минийская керамика. Это был первый греческий тип, сделанный на гончарном круге. Несмотря на это, во 2-м тысячелетии до н.э. на Крите преобладала минойская керамика с её новым стилем росписи «тёмным по светлому». Однако после этого греческие гончары вернули себе инициативу, представив серию поразительных инноваций, в том числе: прекрасные по пропорциям сосуды геометрического стиля (900–725 гг. до н.э.), а также ориентализирующего (725–600 гг. до н.э.), чернофигурного (600–480 гг. до н.э.) и краснофигурного (530–480 гг. до н.э.) стилей. Известные греческие керамисты: Эксекий, Клитий, Эрготим, Неарх, Лидос, художник Амасис, Андокид, Евфимид и Софил (все — чернофигурный стиль), а также Дурис, Бриг и Онисим (краснофигурный стиль).

Этрусское искусство (ок. 700–90 гг. до н.э.)

В Этрурии (Италия) древняя культура Вилланова уступила место этрусской цивилизации около 700 г. до н.э. Она достигла своего пика в VI веке до н.э., когда её города-государства получили контроль над центральной Италией. Подобно египтянам, но в отличие от греков, этруски верили в загробную жизнь, поэтому погребальное искусство было характерной чертой этрусской культуры. Этрусские художники также были известны своими фигурными скульптурами из камня, терракоты и бронзы. Прежде всего, этрусское искусство славится своей жизнерадостностью (фр. joie de vivre), которая проявилась в ярких фресках настенной живописи, особенно в усыпальницах знати. Кроме того, мастерство этрусских ювелиров высоко ценилось по всей Италии и за её пределами. Этрусская культура, сама находившаяся под сильным влиянием греческих стилей, оказала заметное влияние на другие культуры, особенно на кельтское искусство Гальштатской и Латенской культур. Этрусская культура пришла в упадок с 396 г. до н.э., когда её города-государства были поглощены Римской империей.

Подробнее об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел Этрурии см.: Искусство этрусков.

Кельтское искусство (ок. 600–100 гг. до н.э.)

Примерно с 600 г. до н.э. мигрирующие языческие племена из причерноморских степей, известные как кельты, обосновались на Верхнем Дунае в Центральной Европе. Кельтская культура, основанная на исключительных торговых навыках и раннем освоении железа, способствовала их постепенному распространению по Европе и привела к появлению двух стилей кельтского искусства, артефакты которых известны нам по ключевым археологическим памятникам в Швейцарии и Австрии. Эти два стиля — Гальштат (600–450 гг. до н.э.) и Ла-Тен (450–100 гг. до н.э.). Для обоих были характерны прекрасные изделия из металла и сложный линейный дизайн. Хотя к началу I тысячелетия н.э. большинство языческих кельтских художников были поглощены Римской империей, их традиции спиральных, зооморфных, узловых и переплетённых узоров позже возродились и процветали (600–1100 гг. н.э.) во многих формах гиберно-саксонского искусства (см. ниже), таких как иллюминированные рукописи и Евангелия, религиозные изделия из металла и скульптура Высоких крестов. Известные примеры кельтского мастерства в обработке металла включают котёл из Гундеструпа, корону из Петри и золотой клад из Бройтера.

Римское искусство (ок. 200 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Архитектура

В отличие от своих интеллектуальных соседей-греков, римляне были в первую очередь практичными людьми с природной склонностью к инженерному делу, военным вопросам и строительству империи. Римская архитектура была призвана восхищать, развлекать и обслуживать растущее население как в Италии, так и по всей их Империи. Таким образом, римские архитектурные достижения представлены новыми дренажными системами, акведуками, мостами, общественными банями, спортивными сооружениями и амфитеатрами (например, Колизей, 72–80 гг. н.э.). Они характеризуются значительными достижениями в области использования материалов (например, изобретение бетона) и строительства арок и куполов. Купола не только позволяли перекрывать более крупные здания, но и придавали внешнему виду величие и грандиозность. Всё это произвело революцию в архитектуре, где доминировали греки, по крайней мере, в форме и масштабе, если не в творчестве, и предоставило бесконечные возможности для украшения зданий скульптурными рельефами, статуями, фресками и мозаикой. К наиболее известным примерам римской архитектуры относятся Колизей, Арка Тита и Колонна Траяна.

Живопись, скульптура

Если римская архитектура была уникально грандиозной, то живопись и скульптура продолжали подражать греческому стилю, за исключением того, что их основной целью было прославление мощи и величия Рима. Раннее римское искусство (ок. 200–27 гг. до н.э.) было детальным, неидеализированным и реалистичным, тогда как более поздние имперские стили (ок. 27 г. до н.э. – 200 г. н.э.) выглядят более героическими. В качестве массового искусства процветала фресковая роспись интерьеров, в то время как более качественная станковая живопись выполнялась темперой или энкаустическими красками. Римская скульптура также различалась по качеству: помимо десятков тысяч портретных бюстов императоров и других сановников среднего уровня, римские скульпторы также создали некоторые изумительные исторические рельефы, такие как спиральный барельеф на колонне Траяна, повествующий о победе императора в войне с даками.

Подробнее об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел Древнего Рима см.: Римское искусство.

Раннее искусство со всего мира

Хотя принято считать, что история искусства в основном связана с цивилизациями Европы и Китая, значительное количество произведений искусства и ремёсел появилось с самых ранних времён и на периферии известного мира. Для получения дополнительной информации об истории и артефактах этих культур см.: Искусство Океании (из южной части Тихого океана и Австралии), Африканское искусство (из всех частей континента) и Традиционное искусство (из Африки, островов Тихого океана, Индонезии, Бирмы, Австралазии, Северной Америки и Аляски).

Константинополь, христианство и византийское искусство

Со смертью императора Феодосия в 395 г. н.э. Римская империя была разделена на две половины: западную, столица которой изначально находилась в Риме (до его разграбления в V веке н.э.), а затем в Равенне; и восточную, расположенную в более безопасном Константинополе. В то же время христианство стало единственной официальной религией империи. Эти два политических события оказали огромное влияние на историю западного искусства. Во-первых, перенос центра в Константинополь помог сохранить греко-римскую цивилизацию и культуру; во-вторых, рост христианства привёл к появлению совершенно новой категории христианского искусства, которое на следующие 1200 лет стало доминирующей темой для архитекторов, художников, скульпторов и других мастеров. Наряду с прототипами форм раннехристианского искусства, многие из которых происходили из искусства катакомб, это также привело непосредственно к возникновению византийского искусства. См. также: Христианское искусство византийского периода.

Искусство Византии (Константинополь) (330–1453 гг. н.э.)

Византийское искусство было почти полностью религиозным и сосредоточено вокруг христианской архитектуры. К шедеврам относятся великолепный собор Святой Софии (532–537 гг.) в Стамбуле, церковь Святой Софии в Софии, Болгария (527–565 гг.), и церковь Святой Софии в Салониках. Византийское искусство также повлияло на мозаики Равенны в базиликах Сант-Аполлинаре-Нуово, Сан-Витале и Сант-Аполлинаре-ин-Классе. Светские примеры включают Большой дворец Константинополя и Цистерну Базилика. Наряду с новыми архитектурными приёмами, такими как использование парусов (пандантивов) для распределения веса купола, что позволяло создавать более просторные интерьеры, были введены новые декоративные методы, например, мозаика из стекла, а не из камня. Но восточно-православная ветвь христианства (в отличие от её аналога в Риме) не допускала трёхмерных произведений, таких как статуи или горельефы, полагая, что они прославляют человеческий аспект плоти, а не божественную природу духа. Таким образом, византийское искусство (живопись, мозаика) разработало особый иконографический канон — систему символических изображений, призванную выражать сложные богословские идеи. Например, цвета использовались для передачи различных смыслов: золото символизировало Небеса, синий — цвет человеческой жизни, и так далее.

После 600 г. н.э. византийская архитектура прошла через несколько периодов, таких как средний период (ок. 600–1100 гг.), эпохи Комнинов и Палеологов (ок. 1100–1453 гг.), постепенно становясь всё более подверженной влиянию восточных традиций строительства и декора. В Западной Европе византийская архитектура уступила место романскому и готическому стилям, в то время как на Ближнем Востоке она продолжала оказывать значительное влияние на раннюю исламскую архитектуру, о чём свидетельствуют Великая мечеть Омейядов в Дамаске и Купол Скалы в Иерусалиме.

Византийская живопись

В отсутствие скульптуры византийские художники специализировались на двухмерной живописи, став мастерами иконописи, книжной миниатюры и иллюминирования рукописей. Их работы оказали огромное влияние на художников по всей Западной и Центральной Европе, а также в исламских странах Ближнего Востока.

Ирландское христианское искусство (ок. 600–1100 гг. н.э.)

Расположенная на далёкой периферии Западной Европы, Ирландия оставалась свободной от вмешательства Рима и последующих нашествий варваров. В результате ирландское кельтское искусство не было вытеснено греческими или римскими идиомами и не было погребено в языческих Тёмных веках. Кроме того, Церковь смогла создать относительно безопасную сеть ирландских монастырей, которые быстро стали важными центрами религиозного обучения и науки и постепенно распространились на острова Британии и в некоторые части Северной Англии. Эта монашеская сеть вскоре стала главным покровителем искусств, привлекая многочисленных писцов и художников в свои скриптории для создания серии всё более богато украшенных иллюминированных евангельских рукописей. Примеры включают: «Катах» святого Колумбы (ок. 560 г.), Книгу Диммы (ок. 625 г.), Евангелие из Дарема (ок. 650 г.), Книгу из Дарроу (ок. 670 г.) и, как вершину мастерства, Келлскую книгу (также называемую Книгой Колумбы), которая считается апогеем западной каллиграфии. В этих евангельских иллюстрациях использовались исторические инициалы, ромбы, кресты, орнаменты в виде труб, изображения птиц и животных, иногда занимавшие целые страницы (ковровые страницы) с геометрическими или переплетёнными узорами. Творческий успех этих рукописей был значительно усилен доступностью кельтских украшений и изделий из металла, созданных для светской ирландской элиты, а также возросшими культурными контактами с англосаксонскими мастерами в Англии.

Другой формой раннехристианского искусства, развитой в Ирландии, были религиозные изделия из металла, примером которых служат такие шедевры, как фибула из Тары, чаша из Арды, потир из Дерринафлана и реликварий Мойлах, а также процессионные кресты, такие как крест из Талли-Лох VIII – IX веков и великий Крест из Конга XII века, заказанный Турлоу О’Конором. Наконец, с конца VIII века Церковь начала заказывать большие каменные кресты, украшенные как сценами из Библии, так и абстрактным переплетением, узловым орнаментом и другими узорами в кельтском стиле. Примеры включают крест Муирдаха в Монастербойсе, графство Лаут, и Высокий крест Аэнни в Типперэри. Эти «высокие кресты со сценами из Писания» процветали между 900 и 1100 годами, хотя их создание продолжалось вплоть до XV века.

К сожалению, с приходом викингов (ок. 800–1000 гг.) уникальный вклад Ирландии в западную цивилизацию в целом и в христианство в частности начал угасать, несмотря на некоторый вклад искусства викингов. После этого римская культура, движимая Римской церковью, начала вновь утверждаться по всей Европе.

Несколько слов об азиатском искусстве

В отличие от христианства, которое допускает образное изображение пророков, святых и Святого семейства, ислам запрещает любые формы изображения человека. Таким образом, исламское искусство сосредоточилось на разработке сложных геометрических узоров, иллюминированных текстах и каллиграфии.

В Восточной Азии изобразительное искусство Индии и Тибета отличалось использованием ярко окрашенных фигур, что было обусловлено широким спектром пигментов и чёткими контурами. Живопись в Индии была чрезвычайно разнообразной, как и материалы (более прочный текстиль часто заменял бумагу) и размер (индийские миниатюры были очень специфическим жанром). Китайское искусство специализировалось на церемониальной бронзовой скульптуре, каллиграфии, живописи тушью и резьбе по нефриту, а также на лаковой посуде и китайской керамике. В Японии четыре основных вида японского искусства — это буддийское храмовое искусство, живопись тушью в стиле дзэн, а также гравюры на дереве в стилях ямато-э и укиё-э.

Каролингское и Оттоновское искусство (ок. 775–1050)

На континенте возрождение средневекового христианского искусства началось с Карла Великого, короля франков, коронованного папой Львом III в 800 году императором Священной Римской империи. Придворные скриптории Карла Великого в Ахене создали ряд великолепных иллюстрированных христианских текстов, таких как Евангелие Годескалька, Евангелие из Лорша и Евангелие святого Медарда из Суассона. По иронии судьбы, его главная архитектурная работа — Палатинская капелла в Ахене (ок. 800 г.) — создавалась под влиянием не собора Святого Петра или других церквей в Риме, а базилики Сан-Витале в Равенне, построенной в византийском стиле. Империя Каролингов быстро распалась, но искусство Каролингов стало важным первым шагом в распространении средневекового искусства и возрождении континентальной культуры. Кроме того, многие романские и готические церкви были построены на основе каролингской архитектуры. Ранние архитектурные достижения Карла Великого были продолжены императорами Священной Римской империи Оттонами I, II и III в стиле, известном как Оттоновское искусство, которое затем переросло в полноценный «романский» стиль (в Англии и Ирландии романский стиль обычно называют нормандской архитектурой).

Церковь вкладывает средства в искусство, чтобы донести своё послание

Распространение романского искусства в XI веке совпало с восстановлением влияния римского христианства, что привело к Реконкисте в Испании (ок. 1031 г.) и крестовым походам с целью освободить Святую Землю от власти ислама. Успех крестоносцев и приобретение ими святых реликвий вызвали волну строительства новых соборов по всей Европе. В дополнение к своему влиянию на международную политику, Рим обладал растущей властью через сеть епископов и связи с монашескими орденами, такими как бенедиктинцы, цистерцианцы, картезианцы и августинцы. Из этих монастырей его должностные лица осуществляли растущую административную власть над местным населением, в частности, право собирать налоги, которые они направляли на религиозные цели, особенно на строительство соборов (включая скульптуру и изделия из металла), создание иллюстрированных Евангелий и развитие культуры — процесс, примером которого является могущественный бенедиктинский монастырь в Клюни в Бургундии.

Романская архитектура (ок. 1000–1200)

Несмотря на то, что она основана на греко-римской античности, романская архитектура не отражала ни творчества греков, ни инженерного мастерства римлян. Для неё характерны толстые стены, круглые арки, массивные опоры, колонны, крестовые своды, узкие щелевидные окна, большие башни и декоративные аркады. Основную нагрузку здания несли не арки или колонны, а массивные стены. Его крыши, своды и контрфорсы были относительно примитивными по сравнению с более поздними стилями. Прежде всего, интерьеры были тусклыми и тесными из-за тяжёлых каменных стен. Тем не менее романская архитектура вновь ввела в обиход две важные формы изобразительного искусства: скульптуру (которая практически исчезла после падения Рима) и витражи, хотя и в меньшем масштабе.

Готическое искусство (ок. 1150–1400)

В значительной степени финансируемая монашескими орденами и местными епископами, готическая архитектура использовала ряд технических достижений, таких как стрельчатые арки и каркасная система, чтобы внушать трепет, вдохновлять и воодушевлять массы. Исчезли массивные толстые стены, маленькие окна и тусклые интерьеры; на их место пришли высокие потолки («устремлённые к небесам»), тонкие стены и огромные витражные окна. Благодаря этому интерьеры многих соборов превратились во вдохновляющие святилища, где неграмотные прихожане могли увидеть историю Библии, проиллюстрированную в прекрасных витражах. Готический собор рассматривался архитекторами как вселенная в миниатюре. Почти каждый элемент был разработан так, чтобы передать богословское послание: устрашающую славу Бога и упорядоченную природу Его вселенной. Религиозное готическое искусство — архитектура, рельефная и отдельно стоящая скульптура — лучше всего иллюстрируется соборами Северной Франции, особенно Нотр-Дам де Пари, соборами в Реймсе и Шартре, а также Кёльнским собором, собором Святого Стефана в Вене и, в Англии, Вестминстерским аббатством и Йоркским собором.

Возрождение европейского изобразительного искусства между 1300 и 1600 годами, находившееся под сильным влиянием интернациональной готики и широко известное как «Ренессанс», было уникальным и во многом необъяснимым явлением. Этому не способствовали ни
эпидемия Чёрной смерти (1346 г.), уничтожившая треть населения Европы, ни
Столетняя война между Англией и Францией (1339–1439 гг.), ни
Реформация (ок. 1520 г.). К счастью, определённые факторы во Флоренции и Риме — особенно энергия и огромное богатство флорентийской семьи Медичи, а также папские амбиции Сикста IV (1471–1484), Юлия II (1503–1513), Льва X (1513–1521) и Павла III (1534–1545) — смогли преодолеть все препятствия, хотя Церковь при этом почти разорилась.

Искусство эпохи Возрождения было основано на классицизме — признании ценности искусства классической античности, вере в благородство человека, а также на художественных достижениях в области линейной перспективы и реализма. Оно развивалось в трёх основных итальянских городах: сначала во Флоренции, затем в Риме и, наконец, в Венеции. Хронология эпохи Возрождения обычно обозначается следующим образом:

Проторенессанс (ок. 1300–1400 гг.).
Этот начальный период во многом был обусловлен революционным стилем живописи Джотто (1270–1337), чей цикл фресок в Капелле Скровеньи (Капелла дель Арена) в Падуе привнёс в живопись новый реализм, бросив вызов многим иконографическим условностям того времени.

Раннее Возрождение (ок. 1400–1490 гг.).
Частично вызванный обнаружением копии трактата «De Architectura» («Десять книг об архитектуре») римского архитектора I века Витрувия (ок. 78–10 гг. до н.э.) и великолепным проектом купола флорентийского собора (1420–1436 гг.), созданным Филиппо Брунеллески в 1418 году, этот период был сосредоточен во Флоренции. Среди главных художников Раннего Возрождения были архитектор Филиппо Брунеллески (1377–1446), скульптор Донателло (1386–1466) и художник Томмазо Мазаччо (ок. 1401–1428). Позже важный вклад внесли Пьеро делла Франческа (1420–1492), Антонио дель Поллайоло (1432–1498) и Боттичелли (1445–1510), а также североитальянский мастер Андреа Мантенья (1431–1506).

Высокое Возрождение (ок. 1490–1530 гг.).
Считающийся апогеем итальянского Возрождения и его эстетических идеалов красоты и гармонии, период Высокого Возрождения был сосредоточен в Риме. В нём доминировали живопись Леонардо да Винчи (1452–1519) (например, «Тайная вечеря», «Мона Лиза») и Рафаэля (1483–1520) (например, «Афинская школа»), а также бессмертные произведения Микеланджело (1475–1564), включая шедевры итальянской скульптуры эпохи Возрождения, такие как «Пьета» и «Давид», и фрески на потолке Сикстинской капеллы. Среди других ведущих художников Высокого Возрождения были члены венецианской школы живописи, такие как Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе и Тинторетто.

Архитектура эпохи Возрождения использовала принципы, заимствованные из Древней Греции и Рима, но сохранила многие современные черты византийских и готических изобретений, такие как купола и башни. Среди выдающихся архитекторов были: Донато Браманте (1444–1514), величайший представитель архитектуры Высокого Возрождения; Бальдассаре Перуцци (1481–1536), выдающийся архитектор и дизайнер интерьеров; Микеле Санмикели (1484–1559), ведущий ученик Браманте; Якопо Сансовино (1486–1570), самый знаменитый венецианский архитектор; Джулио Романо (1499–1546), главный специалист по проектированию зданий в стиле позднего итальянского Ренессанса; Андреа Палладио (1508–1580), влиятельный теоретик; и, конечно же, сам Микеланджело, который участвовал в проектировании купола собора Святого Петра в Риме.

Северное Возрождение (ок. 1400–1530 гг.).
В Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия) Возрождение развивалось иначе. Влажный климат, не подходящий для фресковой живописи, способствовал раннему освоению масляных красок, в то время как иные навыки и темперамент привели к раннему развитию гравюры и изобретению печатного станка Иоганном Гутенбергом в 1450-х годах. В большинстве стран Северной Европы Реформация вызвала резкое сокращение церковного патронажа и, как следствие, упадок крупномасштабных религиозных произведений. На их месте возникли новые традиции портретной живописи и других станковых работ, которые, в конечном итоге, привели к расцвету натюрморта и жанровой живописи в рамках голландского реализма.

Величайшими художниками Северного Возрождения были: нидерландец Ян ван Эйк (1390–1441), известный яркими красками и детальным реализмом; разносторонний немец Альбрехт Дюрер (1471–1528), прославившийся своим рисунком, автопортретами, масляной живописью, акварелью, ксилографией и гравюрами; Роберт Кампен (1375–1444), мастер из Флемаля, неуловимый, но выдающийся художник, обучавший ван дер Вейдена и один из основателей нидерландской школы; бельгиец Рогир ван дер Вейден (1400–1464), известный своими эмоциональными религиозными картинами; нидерландский художник Иероним Босх (1450–1516), знаменитый своими морализаторскими фантазиями, иллюстрирующими грехи человека; суровый религиозный художник Маттиас Грюневальд (1470–1528), чей драматический стиль оказал влияние на более поздние школы экспрессионизма; портретисты Лукас Кранах Старший (1472–1553) и Ганс Гольбейн Младший (1497–1543).

Среди величайших скульпторов Северного Возрождения были: немецкий скульптор (работавший с липой) Тильман Рименшнейдер (1460–1531), известный своими рельефами и отдельно стоящей деревянной скульптурой; и резчик по дереву Фейт Штосс (1450–1533), прославившийся своими изящными алтарными образами.

Подробнее см.: Искусство Нидерландов эпохи Возрождения (1430–1580); Немецкое искусство Возрождения (1430–1580) и Фламандская живопись.

Маньеризм (1530–1600 гг.).
Этот стиль возник отчасти как реакция на идеализированные формы Высокого Возрождения, а отчасти как отражение смутных времён: Мартин Лютер начал Реформацию, а сам Рим был разграблен наёмными войсками. Художники-маньеристы привнесли в свои работы новую экспрессивность, о чём свидетельствуют изумительная скульптура «Похищение сабинянок» Джамболоньи и фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле. К другим важным представителям маньеризма относятся Эль Греко (1541–1614) и Караваджо (1571–1610), чьё драматическое использование света и тени повлияло на целое поколение караваджистов.

Искусство барокко (ок. 1600–1700)

Именно в этот период католическая Контрреформация развернула свою деятельность в попытке отвлечь массы от протестантизма. Возобновление покровительства изобразительному искусству и архитектуре было ключевой чертой этой пропагандистской кампании и привело к более грандиозному и театральному стилю в обеих областях. Этот новый стиль, известный как барокко, по сути, был кульминацией драматизма маньеризма.

Архитектура барокко в полной мере использовала театральный потенциал городского пейзажа, примером чего является площадь Святого Петра (1656–1667) в Риме перед собором Святого Петра с его куполом. Её архитектор, Джанлоренцо Бернини (1598–1680), использовал расходящиеся колоннады на подходе к собору, создавая у посетителей впечатление, будто их обнимают руки католической церкви. Весь ансамбль построен в гигантском масштабе, чтобы вызывать чувство благоговения.

В живописи величайшим представителем католического искусства Контрреформации был Питер Пауль Рубенс (1577–1640) — «король художников и художник королей». Среди других ведущих католических художников были Диего Веласкес (1599–1660), Франсиско де Сурбаран (1598–1664) и Николя Пуссен (1594–1665).

В протестантской Северной Европе эпоха барокко была отмечена расцветом жанровой живописи голландского реализма — стиля, идеально подходящего новым буржуазным покровителям, которые заказывали небольшие интерьерные картины, жанровые сцены, портреты, пейзажи и натюрморты. Возникло несколько школ голландской живописи XVII века, в том числе школы Харлема, Делфта, Утрехта и Лейдена. Среди ведущих мастеров были два бессмертных художника — Рембрандт (1606–1669) и Ян Вермеер (1632–1675), а также Франс Снейдерс (1579–1657), Франс Халс (1581–1666), Адриан Брауэр (1605–1638), Ян Давидс де Хем (1606–1684), Адриан ван Остаде (1610–1685), Давид Тенирс Младший (1610–1690), Герард Терборх (1617–1681), Ян Стен (1626–1679), Питер де Хох (1629–1683) и пейзажисты Альберт Кёйп (1620–1691), Якоб ван Рёйсдал (1628–1682), Мейндерт Хоббема (1638–1709) и другие.

Искусство рококо (1700–1789)

Этот новый стиль декоративного искусства, известный как рококо, больше всего повлиял на дизайн интерьера, хотя затронул также архитектуру, живопись и скульптуру. Являясь, по сути, реакцией на серьёзность барокко, рококо был беззаботным, почти причудливым стилем, который зародился при французском дворе в Версальском дворце, а затем распространился по Европе. Дизайнеры в стиле рококо использовали весь арсенал штукатурки, фресок, гобеленов, мебели, зеркал, фарфора, шёлка и других украшений, чтобы дать владельцу дома целостный эстетический опыт. В живописи стиль рококо отстаивали французские художники Антуан Ватто (1684–1721), Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806) и Франсуа Буше (1703–1770). Но самые заметные работы были созданы венецианцем Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770), чьи фантастические фрески на стенах и потолках подняли рококо на новый уровень. Посмотрите, в частности, на ренессанс французского декоративного искусства (1640–1792), созданный французскими дизайнерами, особенно в форме французской мебели, в Версале и других королевских замках в стиле Людовика XIV, Людовика XV и Людовика XVI. Как бы то ни было, рококо символизировал праздность и упадок французской аристократии. Из-за этого он был сметён Французской революцией, которая положила начало новому, более суровому неоклассицизму, соответствующему эпохе Просвещения и Разума.

Неоклассическое искусство (расцвет ок. 1790–1830 гг.)

В архитектуре неоклассицизм вырос из более сдержанных «классических» форм барокко, которые практиковал в Англии сэр Кристофер Рен (1632–1723), спроектировавший собор Святого Павла. Этот стиль, вновь вернувшийся к классическим ордерам греко-римской античности, характеризовался монументальными структурами, поддерживаемыми колоннами и увенчанными классическими куполами эпохи Возрождения. Используя такие инновации, как многослойные купола, он придавал дворцам, церквям и другим общественным зданиям дополнительное величие. К известным неоклассическим зданиям относятся: Пантеон (церковь Святой Женевьевы) в Париже, спроектированный Жаком-Жерменом Суффло (1713–1780), Триумфальная арка в Париже, спроектированная Жаном Шальгреном, Бранденбургские ворота в Берлине, спроектированные Карлом Готтгардом Ланггансом (1732–1808), и здание Капитолия Соединённых Штатов, спроектированное англичанином Бенджамином Генри Латробом (1764–1820), а затем Стивеном Халлетом и Чарльзом Булфинчем. См. также эпоху американского колониального искусства (1670–1800).

Художники-неоклассики также обращались к классической античности в поисках вдохновения и подчёркивали такие добродетели, как героизм, долг и серьёзность. Самые показательные примеры: французский политический художник Жак-Луи Давид (1748–1825), немецкий портретист и исторический живописец Антон Рафаэль Менгс (1728–1779), а также французский мастер академического стиля Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867). Скульпторы-неоклассики: Антонио Канова (1757–1822), Бертель Торвальдсен (1770–1844) и Жан-Антуан Гудон (1741–1828).

Подробнее об истории живописи, скульптуры и архитектуры этого периода см.: Неоклассическое искусство.

Движение романтизма (расцвет ок. 1790–1830 гг.)

В отличие от универсальных ценностей, исповедуемых неоклассицизмом, художники-романтики выражали более личный отклик на жизнь, больше полагаясь на свои чувства и эмоции, а не на разум и интеллект. Этот идеализм, как и неоклассицизм, был отчасти вдохновлён Французской революцией, поэтому на некоторых художников повлияли оба стиля. Природа была важным сюжетом для романтиков, и этот стиль иллюстрируется английской школой пейзажной живописи, пленэрной живописью Джона Констебла (1776–1837), Камиля Коро (1796–1875) вместе с членами французской барбизонской школы и американской школы реки Гудзон, а также более экспрессивными работами Дж. М. У. Тёрнера (1775–1851). Возможно, однако, что величайшим художником-романтиком-пейзажистом является Каспар Давид Фридрих (1774–1840). Повествовательная или историческая живопись была ещё одним важным жанром в романтизме. Его ведущими представителями являются Франсиско Гойя (1746–1828), Генри Фюзели (1741–1825), Джеймс Барри (1741–1806), Теодор Жерико (1791–1824) и Эжен Делакруа (1798–1863), а также более поздние представители ориентализма, меланхоличные прерафаэлиты и символисты.

Для получения дополнительной информации об истории романтической живописи и скульптуры см.: Романтизм в искусстве.

Реализм (с 1845 г.)

По мере развития XIX века растущее осознание прав человека и социальное влияние промышленной революции заставили некоторых художников отойти от идеалистических или романтических сюжетов в пользу более приземлённых тем, изображённых в реалистическом стиле натурализма. Этот новый фокус (в некоторой степени предвосхищённый Уильямом Хогартом в XVIII веке, см. Английская фигуративная живопись) был характерен для стиля реализма, который возник во Франции в 1840-х годах, прежде чем распространиться по Европе. Этот новый стиль привлекал художников всех жанров, особенно Гюстава Курбе (1819–1877) (жанровая живопись), Жана-Франсуа Милле (1814–1875) (пейзаж, деревенская жизнь), Оноре Домье (1808–1879) (городская жизнь) и Илью Репина (1844–1930) (пейзаж и портреты).

Импрессионизм (1870–1880-е гг.)

Французский импрессионизм, отстаиваемый прежде всего Клодом Моне (1840–1926), представлял собой спонтанный, построенный на тонких цветовых нюансах стиль пленэрной живописи, берущий начало от творчества Жана-Батиста Камиля Коро и техник барбизонской школы. Его задачей было запечатлеть мгновенные эффекты естественного света. Сюжеты включали сельские пейзажи (Альфред Сислей (1839–1899)), городские пейзажи (Камиль Писсарро (1830–1903)), жанровые сцены (Пьер-Огюст Ренуар (1841–1919), Эдгар Дега (1834–1917), Поль Сезанн (1839–1906) и Берта Моризо (1841–1895)), а также фигуративные картины и портреты (Эдуар Мане (1832–1883), Джон Сингер Сарджент (1856–1925)). Другие художники, связанные с импрессионизмом, — это, например, Джеймс Макнил Уистлер (1834–1903) и Уолтер Сикерт (1860–1942).

Импрессионисты стремились точно воспроизвести мимолётные моменты на природе. Таким образом, если объект выглядел тёмно-фиолетовым — возможно, из-за падающего или отражённого света, — то художник писал его фиолетовым. Цветовые схемы натуралистов в академическом стиле, которые разрабатывались теоретически или, по крайней мере, в студии, не позволяли этого. В результате импрессионизм предложил совершенно новый живописный язык, который проложил путь для более революционных художественных движений, таких как кубизм, и часто рассматривается историками и критиками как первая современная школа живописи.

Этот стиль оказал огромное влияние на парижское и мировое искусство и стал отправной точкой для ряда движений, связанных с цветом, включая постимпрессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, дивизионизм, фовизм, интимизм, американский люминизм и тонализм. Он также повлиял на американский импрессионизм, Ньюлинскую школу и группу «Кэмден Таун», французскую группу «Наби» и общее движение экспрессионизма.

Постимпрессионизм (с 1885 г.)

По сути, постимпрессионизм — это обобщающий термин, охватывающий ряд реакций на импрессионизм. Он объединил художников, которые использовали цветовые схемы импрессионистского типа, но были недовольны ограничениями, налагаемыми простым воспроизведением природы. Неоимпрессионизм с его техникой пуантилизма был основан Жоржем Сёра и Полем Синьяком (1863–1935), в то время как главными постимпрессионистами были Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Поль Сезанн. Вдохновлённая синтетизмом Гогена и клуазонизмом Бернара, постимпрессионистская группа «Наби» продвигала более широкую форму декоративного искусства. Другой стиль, интимизм, был посвящён сценам из домашней, частной жизни. Проиллюстрированный работами Пьера Боннара (1867–1947) и Эдуара Вюйара (1868–1940), он перекликался с другими спокойными работами, такими как интерьеры Джеймса Макнила Уистлера и Петера Вильгельма Ильстеда (1861–1933) под влиянием голландских реалистов. Другим очень важным движением — антиимпрессионистским, а не постимпрессионистским — был символизм (расцвет 1885–1900 гг.), который впоследствии оказал влияние на фовизм, экспрессионизм и сюрреализм. Также стоит отметить, что многие художники-постимпрессионисты приняли формы и эстетику классицизма как ответ на пассивный натурализм импрессионистского искусства. Это привело к широкому распространению классического возрождения в современном искусстве, известного как «возвращение к порядку», между 1900 и 1930 годами.

Подробнее об арт-политике во Франции см.: Парижский салон.

Колоризм: фовизм (с 1905 г.)

Термин «фовисты» (дикие звери) впервые был использован искусствоведом Луи Вокселем на выставке Осеннего салона в Париже в 1905 году при описании ярких картин Анри Матисса (1869–1954), Андре Дерена (1880–1954) и Мориса де Вламинка (1876–1958). Среди других фовистов были будущие кубисты Жорж Брак (1882–1963) и Рауль Дюфи (1877–1953), а также Альбер Марке (1875–1947) и Жорж Руо (1871–1958). Большинство последователей фовизма перешли к экспрессионизму или другим движениям, связанным с Парижской школой.

Скульптура XIX – начала XX века

Скульптурные традиции, хотя и не являясь полностью независимыми от живописи, в первую очередь связаны с пространством и объёмом, а вопросы масштаба и функции также выступают в качестве отличительных факторов. В целом, скульптура медленнее отражала новые тенденции современного искусства XIX века, что давало таким скульпторам, как Огюст Роден (1840–1917), возможность следовать монументализму, основанному на эстетике Ренессанса, если не неоклассицизма. Общественное измерение скульптуры также способствовало прославлению викторианских ценностей и исторических личностей, что также выполнялось в величественной манере прежних времён. Так продолжалось до появления таких художников, как Константин Бранкузи (1876–1957) и Умберто Боччони (1882–1916), когда скульптура действительно начала меняться на рубеже веков.

Экспрессионистское искусство (с 1900 г.)

Экспрессионизм — это общий стиль живописи, который стремится выразить личную интерпретацию сцены или объекта, а не отображать его реальные черты. Он часто характеризуется энергичной манерой письма, насыщенными красками и смелыми линиями. Среди ранних экспрессионистов были Винсент Ван Гог (1853–1890), Эдвард Мунк (1863–1944) и Василий Кандинский (1866–1944). В течение первых трёх десятилетий XX века возник ряд школ немецкого экспрессионизма. К ним относятся: «Мост» (Die Brücke) (1905–1911), группа, основанная в Дрездене в 1905 году, которая смешала элементы традиционного немецкого искусства с постимпрессионистскими и фовистскими стилями, примером чего являются работы Эрнста Людвига Кирхнера, Карла Шмидт-Ротлуффа, Эриха Хеккеля и Эмиля Нольде; «Синий всадник» (Der Blaue Reiter) (1911–1914), свободное объединение художников из Мюнхена, включая Василия Кандинского, Франца Марка, Августа Маке и Пауля Клее; «Новая вещественность» (Die Neue Sachlichkeit) (1920-е годы) — послевоенная сатирико-реалистическая группа, в которую входили Отто Дикс, Георг Гросс, Кристиан Шад и, в меньшей степени, Макс Бекманн. Экспрессионизм распространился по всему миру, породив многочисленные производные как в фигуративной живописи (например, Фрэнсис Бэкон), так и в абстрактном искусстве (например, Марк Ротко). См. также: История экспрессионистской живописи (1880–1930).

Декоративное искусство: ар-нуво (1890–1910) и ар-деко (1920–1930-е)

Ар-нуво (конец XIX – начало XX века)

Стиль ар-нуво (модерн) обрёл известность в том числе как югендстиль в рамках Мюнхенского сецессиона (1892) и Берлинского сецессиона (1898), а также Венского сецессиона (1897). Он был известен как стиль Либерти в Италии и модернизм в Испании. На него также оказали влияние Уильям Моррис в Великобритании, движение возрождения кельтского искусства и японизм. Его популярность достигла пика на Всемирной выставке 1900 года в Париже, откуда он распространился по Европе и США. Он был известен своими замысловатыми плавными узорами извилистых асимметричных линий, основанных на формах растений (восходящих к кельтским культурам Гальштата и Ла-Тен), а также женскими силуэтами. Ар-нуво оказал большое влияние на плакат, дизайн и иллюстрацию, дизайн интерьера, изделия из металла, стекло, ювелирные изделия, а также на живопись и скульптуру. Среди ведущих имён: Альфонс Муха (1860–1939), Обри Бёрдслей (1872–1898), Эжен Грассе (1845–1917) и Альбер Гийом (1873–1942). См. также: История плаката.

Ювелирное искусство (1880–1917)

Невероятные образцы художественных украшений, созданных величайшими ювелирами России, можно найти в статье о пасхальных яйцах Фаберже.

Школа Баухаус (Германия, 1919–1933)

Образованная от двух немецких слов «bau» (строительство) и «haus» (дом), школа искусства и дизайна Баухаус была основана в 1919 году архитектором Вальтером Гропиусом. Чрезвычайно влиятельная как в архитектуре и дизайне, так и в методах преподавания, она привлекла таких преподавателей, как Йозеф Альберс, Лионель Фейнингер, Пауль Клее, Василий Кандинский, Оскар Шлеммер, Ласло Мохой-Надь, Анни Альберс и Иоганнес Иттен. Миссия школы заключалась в том, чтобы соединить искусство с повседневной жизнью, поэтому дизайну бытовых предметов придавалось такое же значение, как и изящному искусству. Важные принципы Баухауса включали простой, чистый дизайн, массовое производство и практические преимущества хорошо спроектированного дома и рабочего места. В конце концов, Баухаус был закрыт нацистами в 1933 году, после чего несколько его учителей эмигрировали в Америку: Ласло Мохой-Надь поселился в Чикаго, где он основал Новый Баухаус в 1937 году, а Йозеф Альберс устроился в колледж Блэк-Маунтин в Северной Каролине.

Ар-деко (1920-е, 1930-е)

Стиль дизайна, известный как ар-деко, был продемонстрирован в 1925 году на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже и стал очень популярным стилем декоративного искусства, дизайна и архитектуры в межвоенные годы (широко использовался архитекторами при строительстве кинотеатров и отелей). Его влияние также проявилось в дизайне мебели, текстиля, керамики, ювелирных украшений и стекла. В качестве реакции на ар-нуво, новая идиома ар-деко отказалась от плавных криволинейных форм последнего и заменила их геометрическими формами, вдохновлёнными кубизмом и прецизионизмом. Известные образцы архитектуры ар-деко включают Эмпайр-стейт-билдинг и Крайслер-билдинг в Нью-Йорке. На ар-деко также повлияли простые архитектурные конструкции Баухауса.

Кубизм (ок. 1908–1912)

Изобретённый Пабло Пикассо (1881–1973) и Жоржем Браком (1882–1963) и задуманный как «революционное движение» в современном искусстве, кубизм был более интеллектуальным стилем живописи, который исследовал потенциал двухмерной картинной плоскости, предлагая разные ракурсы одного и того же объекта, обычно расположенные в виде серии перекрывающихся фрагментов. Этот подход можно сравнить с тем, как фотограф делает несколько снимков объекта под разными углами, а затем разрезает их и беспорядочно размещает на плоской поверхности. Этот «аналитический кубизм» (возникший из «Авиньонских девиц» Пикассо) быстро уступил место «синтетическому кубизму», когда художники начали включать «найденные объекты» в свои полотна, например, создавая коллажи из газетных вырезок. Среди художников-кубистов: Хуан Грис (1887–1927), Фернан Леже (1881–1955), Робер Делоне (1885–1941), Альбер Глез (1881–1953), Роже де ла Френе (1885–1925), Жан Метценже (1883–1956), Фрэнсис Пикабиа (1879–1953), художник-авангардист Марсель Дюшан (1887–1968), а также скульпторы Жак Липшиц (1891–1973) и Александр Архипенко (1887–1964). (См. также Русское искусство). Недолговечный, но очень влиятельный кубизм породил совершенно новый, более обширный стиль абстрактного искусства и оказал значительное влияние на развитие более поздних стилей, таких как орфизм (1910–1913), коллаж (с 1912 г.), пуризм (1920-е гг.), прецизионизм (1920–1930-е гг.), футуризм (1909–1914), лучизм (ок. 1912–1914), супрематизм (1913–1918), конструктивизм (ок. 1919–1932), вортицизм (ок. 1914–1915), «Де Стейл» (1917–1931) и строгий геометрический стиль, известный как неопластицизм.

Сюрреализм (с 1924 г.)

В значительной степени основанный на антихудожественных традициях движения дадаизма (1916–1924), а также на психоаналитических идеях Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, сюрреализм был самым влиятельным художественным стилем межвоенного периода. По словам его главного теоретика Андре Бретона, он стремился объединить бессознательное с сознательным, чтобы создать новую, сюрреалистическую «сверхреальность». Движение охватывало огромный диапазон стилей, от абстракции до реализма, обычно с вкраплениями «нереальных» образов. Среди выдающихся сюрреалистов — Сальвадор Дали (1904–1989), Макс Эрнст (1891–1976), Рене Магритт (1898–1967), Андре Массон (1896–1987), Ив Танги (1900–1955), Жоан Миро (1893–1983), Джорджо де Кирико (1888–1978), Жан Арп (1886–1966) и Ман Рэй (1890–1976). Движение имело большое влияние в Европе в 1930-е годы, было важным предшественником концептуализма и до сих пор продолжает находить сторонников в изобразительном искусстве, литературе и кинематографе.

Американское искусство начала XX века (1900–1945)

Американская живопись периода 1900–1945 годов была преимущественно реалистичной по стилю и всё больше фокусировалась на американских сюжетах. Это стало реакцией на Арсенальную выставку (1913 г.) и европейский авангард, а также отражением социальных изменений в стране. Позже это стало патриотическим ответом на Великую депрессию 1930-х годов. Также стоит отметить американские достижения в архитектуре небоскрёбов начала XX века. Для получения дополнительной информации см.: Американская архитектура (1600-настоящее время). Конкретные направления живописи включали школу «мусорных вёдер» (1900–1915), прецизионизм (1920-е гг.), воспевавший новый индустриальный ландшафт Америки, более социально ориентированный американский социальный реализм (1930-е гг.), а также American Scene Painting (ок. 1925–1945), направление, которое охватывало работы Эдварда Хоппера и Чарльза Берчфилда, и риджионализм Среднего Запада (1930-е гг.), который отстаивали Грант Вуд, Томас Харт Бентон и Джон Стюарт Карри.

Примечание: отголоски американского риджионализма можно увидеть в одобряемом правительствами стиле социалистического реализма (ок. 1920–1980), который процветал в России, Китае и других тоталитарных государствах.

Абстрактный экспрессионизм (1945–1960)

Первое международное движение современного искусства, пришедшее из Америки (его иногда называют Нью-Йоркской школой — см. также американское искусство), это был преимущественно абстрактный стиль живописи, который следовал экспрессионистскому, основанному на цвете направлению, а не кубистской идиоме, хотя он также включал ряд других стилей, что делает его более общим движением. В абстрактном экспрессионизме выделяются четыре основных варианта. Во-первых, «автоматический» стиль «живописи действия», изобретённый Джексоном Поллоком (1912–1956) и его женой Ли Краснер (1908–1984). Во-вторых, монументальные цветные плоскости, созданные Марком Ротко (1903–1970), Барнеттом Ньюманом (1905–1970) и Клиффордом Стиллом (1904–1980), — стиль, известный как живопись цветового поля. В-третьих, жестовая фигуративность Виллема де Кунинга (1904–1997). В-четвёртых, геометрические абстракции Йозефа Альберса (1888–1976), например, в серии «Посвящение квадрату».

Очень влиятельная абстрактная экспрессионистская живопись продолжала оказывать влияние на художников более двух десятилетий. Она была представлена в Париже в 1950-х годах Жаном-Полем Риопелем (1923–2002) при поддержке критика Мишеля Тапи в книге Un Art Autre (1952). В то же время в Америке возник ряд новых движений, таких как живопись жёстких контуров, примером которой является Фрэнк Стелла. В конце 1950-х – начале 1960-х годов в работах Хелен Франкенталер и других появилась чисто абстрактная форма живописи цветового поля, а в 1964 году известный искусствовед Клемент Гринберг помог ввести дальнейшее стилистическое развитие, известное как «постживописная абстракция». Абстрактный экспрессионизм впоследствии повлиял на множество различных школ, включая оп-арт, флуксус, поп-арт, минимализм, неоэкспрессионизм и другие.

Поп-арт (конец 1950-х – 1960-е)

Став мостом между модернизмом и постмодернизмом, поп-арт использовал популярные образы и приёмы графического искусства, чтобы создать живую, эффектную идиому, которую мог бы понять и оценить каждый. Он появился одновременно в Америке и Великобритании в конце 1950-х годов, а его европейская форма (Nouveau Réalisme, «новый реализм») — в 1960 году. Его ранними представителями в Америке были Роберт Раушенберг (1925–2008) и Джаспер Джонс (род. 1930), чьё творчество тесно связано с движениями начала XX века, такими как сюрреализм. Это была явная реакция на замкнутый интеллектуализм абстрактного экспрессионизма, от которого художники поп-арта стремились дистанцироваться, используя простые, легко узнаваемые образы (из телешоу, мультфильмов, комиксов и т. д.), а также современные технологии, такие как шелкография. Среди известных имён в американском поп-арте: Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (1928–2018), Алекс Кац (род. 1927), Рой Лихтенштейн (1923–1997), Клас Ольденбург (род. 1929) и Энди Уорхол (1928–1987). Важными представителями поп-арта в Великобритании были: Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2005), Ричард Гамильтон (1922–2011), Дэвид Хокни (род. 1937), Аллен Джонс (род. 1937), Р. Б. Китай (1932–2007) и Эдуардо Паолоцци (1924–2005).

Скульптура середины XX века

Начиная с ранних работ Бранкузи, скульптура XX века неизмеримо расширилась, охватив новые формы, стили и материалы. Основные нововведения включают «скульптурные стены» Луизы Невельсон (1899–1988), экзистенциальные формы Альберто Джакометти (1901–1966), биоморфную абстракцию Барбары Хепуорт (1903–1975) и Генри Мура (1898–1986), а также пауков Луизы Буржуа (1911–2010). Другие творческие цели преследовал Сальвадор Дали (1904–1989) в его сюрреалистическом «Диване-губах Мэй Уэст» и «Телефоне-омаре»; Мерет Оппенгейм (1913–1985) в её «Меховом завтраке»; Ф. Э. Мак-Уильям (1909–1992) в его «Глазах, носе и щеке»; Сол Левитт (1928–2007) в его скелетных коробчатых конструкциях; а также художники поп-арта, такие как Клас Ольденбург (род. 1929) и Джаспер Джонс (род. 1930); и итальянцы Джонатан де Паз (1932–1991), Донато Д’Урбино (род. 1935) и Паоло Ломацци (род. 1936) в их уникальном «Диване Джо».

Для получения дополнительной информации об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремёсел в этот период см.: Движения современного искусства.

Слово «постмодернизм» часто используется для описания современного искусства примерно с 1970 года. Проще говоря, искусство постмодернизма ставит стиль выше содержания (например, не «что», а «как»; не «искусство ради искусства», а «стиль ради стиля») и подчёркивает важность того, как художник общается со своей аудиторией. Примером этого являются такие движения, как концептуальное искусство, где передаваемая идея считается важнее самого произведения, которое лишь служит средством для сообщения. Кроме того, для увеличения воздействия на зрителя художники-постмодернисты обратились к новым формам, таким как ассамбляж, инсталляция, видео, перформанс, хеппенинги и граффити — все они так или иначе связаны с концептуализмом. Идея воздействия продолжает вдохновлять художников и сегодня.

Информацию о ведущих постмодернистах см. в разделе «200 лучших современных художников».

Живопись постмодернизма

Художники с 1970-х годов экспериментировали с множеством стилей в широком спектре от чистой абстракции до фигурации. К ним относятся: минимализм, пуристическая форма абстракции, которая мало способствовала продвижению живописи как привлекательной среды; неоэкспрессионизм, охвативший такие группы, как «Новые дикие» (Neue Wilden), «Свободная фигуративность» (Figuration Libre), «Трансавангард», и сигнализировавший о возвращении к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя часто в квазиабстрактном стиле), с использованием грубых мазков, ярких цветов и диссонирующих цветовых гармоний; и полностью образные стили, принятые такими группами, как «Новая субъективность» и «Лондонская школа». Другая крайность по отношению к минимализму — ультрарепрезентативная форма искусства фотореализм (суперреализм, гиперреализм). Среди этого довольно ошеломляющего разнообразия выделяются такие художники, как Фрэнсис Бэкон (1909–1992), великий Люсьен Фрейд (1922–2011), новатор Фернандо Ботеро (1932–2023), точный Дэвид Хокни (род. 1937), фотореалисты Чак Клоуз (1940–2021) и Ричард Эстес (род. 1932), а также современница Дженни Савиль (род. 1970). См. также: Современная британская живопись (1960–2000).

Скульптура постмодернизма

С 1970 года скульптура появлялась в самых разных обличиях, в том числе: крупномасштабные металлические работы Марка ди Суверо (род. 1933), минималистские скульптуры Вальтера де Марии (1935–2013), монументальные общественные формы Ричарда Серры (1938–2024), гиперреалистичные обнажённые фигуры Джона де Андреа (род. 1941), природные инсталляции Энтони Гормли (род. 1950), фигурки Роуэна Гиллеспи (род. 1953), изделия из нержавеющей стали Аниша Капура (род. 1954), впечатляющие нео-поп работы Джеффа Кунса (род. 1955) и выдающиеся произведения XXI века Субодха Гупты (род. 1964) и Дамиана Ортеги (род. 1967). Кроме того, известная общественная скульптура включает «Чикагского Пикассо» — серию металлических фигур, созданных для Общественного центра Чикаго, и архитектурный «Дублинский шпиль» («The Spire»), созданный Яном Ричи (род. 1947), а также многие другие.

Авангард постмодернизма

Плюралистический взгляд на современное искусство в духе «всё сойдёт» (который критики могут охарактеризовать как пример сказки о «новом платье короля») удачно проиллюстрирован в работах Дэмиена Хёрста, ведущего члена школы «Молодых британских художников». Известный работой «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (мёртвая тигровая акула в формальдегиде) и инкрустированным бриллиантами черепом «Во имя любви к Богу», Хёрсту удалось заинтересовать публику и обескуражить критиков всего мира. И хотя он вряд ли унаследует мантию Микеланджело, его коммерческие достижения — продажи на сумму 100 миллионов долларов на одном аукционе Sotheby’s (2008 г.) — просто ошеломляют.

Если говорить более отрезвляюще, то в марте 2009 года престижный Центр Жоржа Помпиду в Париже организовал выставку под названием «Специализация чувствительности в состоянии сырья в стабилизированную изобразительную чувствительность». Это авангардное мероприятие состояло из 9 совершенно пустых залов — по сути, это реинкарнация абсолютно беззвучного произведения Джона Кейджа из области концептуального «музыкального» искусства под названием «4′33″». Если одна из великих площадок современного искусства, такая как Центр Помпиду, рассматривает девять совершенно пустых пространств как достойное художественное событие, у всех нас большие проблемы.

Для получения дополнительной информации об истории постмодернистской живописи, скульптуры и авангардных форм искусства см.: Современные художественные движения.

Архитектура XX века

Можно сказать, что архитектура XIX века была направлена на то, чтобы украсить новую волну гражданских сооружений, таких как железнодорожные вокзалы, музеи, правительственные здания и другие общественные постройки. Она делала это, заимствуя идеи из неоклассицизма, неоготики, стиля Второй империи и экзотики, а также новые формы и материалы так называемой «промышленной архитектуры», примером которой являются фабрики, а также отдельные архитектурные памятники, такие как Эйфелева башня (1887–1889). Для сравнения: архитектура XX века характеризуется вертикальным развитием (небоскрёбы), знаковыми зданиями (flagship buildings) и послевоенной реконструкцией. Больше, чем в любую другую эпоху, в дизайне XX века преобладали изобретения новых материалов и строительных методов. Век начался с использования инноваций конца XIX века, разработанных Чикагской архитектурной школой, таких как стальной каркас, в стиле, известном как ранний модернизм. В Америке архитекторы начали использовать стили ар-нуво и ар-деко в своей работе, в то время как в Германии и России тоталитарная архитектура преследовала свои цели в 1930-х годах. Среди известных архитекторов первой половины века: Луис Салливан (1856–1924), Фрэнк Ллойд Райт (1867–1959), Виктор Орта (1861–1947), Антонио Гауди (1852–1926), Петер Беренс (1868–1940), Вальтер Гропиус (1883–1969) и Ле Корбюзье (1887–1965).

После 1945 года архитекторы отказались от строгой функциональности и начали создавать новые формы с использованием железобетона, стали и стекла. Таким образом, поздний модернизм уступил место брутализму, корпоративному модернизму и архитектуре высоких технологий, кульминацией которых стали такие сооружения, как Центр Жоржа Помпиду в Париже и культовый Сиднейский оперный театр — одно из первых зданий, где использовался промышленный клей Аралдит для соединения сборных элементов конструкции. С 1970 года в постмодернистской архитектуре применялось несколько разных подходов. Некоторые дизайнеры лишали здания всяких украшений, чтобы создать минималистский стиль; другие использовали идеи деконструктивизма, чтобы отойти от традиционных прямолинейных форм; в то время как третьи использовали программное обеспечение для цифрового моделирования при создании совершенно новых органических форм в процессе, называемом блоб-архитектурой. Среди известных послевоенных архитекторов: Людвиг Мис ван дер Роэ (1886–1969), Луис Кан (1901–1974), Йорн Утзон (1918–2008), Ээро Сааринен (1910–1961), Кэндзо Тангэ (1913–2005), Бэй Юймин (И. М. Пей) (1917–2019), Норман Фостер (род. 1935), Ричард Роджерс (1933–2021), Джеймс Стирлинг (1926–1992), Альдо Росси (1931–1997), Фрэнк О. Гери (род. 1929), Рем Колхас (род. 1944) и Даниэль Либескинд (род. 1946). Известные архитектурные группы или фирмы: Skidmore, Owings & Merrill (основана в 1936 г.); «Нью-Йоркская пятёрка» — Питер Айзенман, Майкл Грейвс, Чарльз Гватми, Джон Хейдук, Ричард Мейер; и Herzog & de Meuron (основано в 1978 г.).

ДЛЯ ПОИСКА КОНКРЕТНОГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО ДВИЖЕНИЯ, ПРОСМОТРИТЕ СПИСОК: ДВИЖЕНИЯ от А до Я.

Историческая хронология развития трёхмерных форм изобразительного искусства: История скульптуры.

Хронологический список важных дат и событий см.: Хронология доисторического искусства и Хронология истории искусства.

Краткое руководство по стилям см. в разделе Движения в искусстве, периоды и школы.