Скульптура читать ~17 мин.

Что такое скульптура?

Скульптура — одна из самых древних и значительных форм изобразительного искусства, известных человечеству. Она сыграла важнейшую роль в эволюции западной культуры. Её история и стилистическое развитие неразрывно связаны с историей западного искусства. Скульптура является ключевым показателем культурных достижений классической античности и оказала значительное влияние на развитие искусства эпохи Возрождения в Италии. Наряду с архитектурой, она была основной формой монументального религиозного искусства, которое на протяжении веков (приблизительно с 400 по 1800 год) оставалось движущей силой европейской цивилизации. Даже сегодня, постоянно развиваясь, скульптура остаётся одним из главных способов выражения и увековечивания памяти об исторических личностях и событиях.

За свою историю она привлекала величайших мастеров мира, в том числе таких классических скульпторов, как Фидий, Мирон из Элевфер, Поликлет, Скопас, Лисипп, Пракситель и Леохар. Среди прославленных имён также Донателло (1386–1466), Микеланджело (1475–1564), Джамболонья (1529–1608), великий мастер барокко Бернини (1598–1680), а также Огюст Роден (1840–1917), Генри Мур (1898–1986), Пабло Пикассо (1881–1973), Константин Бранкузи (1876–1957) и Дэмиен Хёрст (р. 1965).

Великолепные образцы этой древней формы искусства можно увидеть во многих лучших художественных музеях и галереях мира.

Подробный и доступный рассказ о самой творческой эпохе в истории пластического искусства см. в статье «Греческая скульптура».

Скульптуру также называют пластическим искусством. Может показаться, что дать ей определение просто, но это не так.

Постоянно расширяющаяся форма искусства

В XX веке определение скульптуры значительно расширилось. С появлением новых инструментов и технологий современные художники стали использовать такое огромное разнообразие материалов, техник и подходов к работе с пространством, что термин «скульптура» перестал обозначать строго определённую категорию объектов или вид творческой деятельности. Теперь это постоянно развивающаяся форма искусства, которая переосмысливает сама себя.

Определение традиционной скульптуры

До XX века традиционная скульптура имела четыре основные определяющие характеристики. Во-первых, она считалась основной трёхмерной формой изобразительного искусства. Во-вторых, она была преимущественно репрезентативной (то есть изображающей реальные объекты). В-третьих, она воспринималась как искусство цельной, монолитной формы. Пустое пространство вокруг или внутри объекта считалось вторичным по отношению к его массе и объёму. В-четвёртых, традиционные скульпторы использовали две основные техники: резьбу и лепку. Они либо высекали произведение из цельного материала (например, камня или дерева), либо создавали его, наращивая объём с помощью глины, гипса, воска и других пластичных материалов. Образцы для традиционной скульптуры были заложены в искусстве классической античности — скульптуре Древней Греции и Рима.

Определение современной и новейшей скульптуры

Современное искусство скульптуры больше не ограничено традиционными концепциями, материалами или методами. Оно уже не является исключительно репрезентативным, а часто бывает полностью абстрактным. Кроме того, скульптура перестала быть исключительно монолитной и статичной: пустое пространство может быть её полноценной частью, а сама она может быть кинетической, то есть способной к движению. Наконец, скульптуру можно не только высекать или лепить, но и собирать, склеивать, конструировать и даже проецировать (как в случае с голограммами). В результате четыре традиционных признака больше не являются исчерпывающими.

Переосмысление основных форм скульптуры

Ранее в истории искусства выделяли только две основные формы: круглая скульптура (также называемая свободно стоящей) и рельеф (включая барельеф, горельеф и контррельеф). Сегодня появление таких форм, как световая скульптура (например, голограммы) и кинетическая (подвижная) скульптура, требует пересмотра этой классификации.

Определение скульптуры сегодня

При всём многообразии пластического искусства XXI века его единственной универсальной определяющей характеристикой остаётся трёхмерность. Таким образом, современное определение скульптуры можно сформулировать так:

«Скульптура — это вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную, трёхмерную форму и размещаются в реальном пространстве».

История скульптуры

Трёхмерное искусство берёт начало в доисторической скульптуре. Самые ранние из известных работ каменного века — Венера из Берехат-Рам и Венера из Тан-Тана. Это примитивные фигурки, датируемые периодом от 230 000 до 700 000 лет назад. С тех пор скульпторы были активны во всех древних цивилизациях и во всех основных художественных движениях. После египетской скульптуры ключевыми эпохами в её эволюции стали: (1) классическая античность (500–27 гг. до н.э.); (2) готика (ок. 1150–1300); (3) итальянское Возрождение (1400–1600); и (4) скульптура барокко (1600–1700). Подробную хронологию происхождения и развития трёхмерного искусства см. в статье: История скульптуры.

Теория скульптуры

Из-за своей трёхмерной природы и разнообразия мест размещения, скульптура, в отличие от живописи, подчиняется ряду особых концепций и теоретических принципов, определяющих её дизайн и назначение. Рассмотрим некоторые из них.

Элементы скульптурного дизайна

Два главных элемента скульптуры — это масса и пространство. Масса — это объём скульптуры, её материальная часть, заключённая в поверхности. Пространство — это воздух вокруг скульптуры, который взаимодействует с ней несколькими способами: во-первых, оно определяет её границы; во-вторых, оно может быть окружено частями скульптуры, образуя полости или пустоты; в-третьих, оно может связывать отдельные части композиции, которые, таким образом, соотносятся друг с другом в пространстве.

Произведения скульптуры можно оценивать и различать в зависимости от того, как в них трактуются эти два элемента. Например, одни скульпторы фокусируются на материальном объёме, в то время как другие уделяют больше внимания тому, как их работа взаимодействует с окружающим пространством — как она «пронизывает» его или замыкает внутри себя. Сравните монументальность египетской скульптуры с воздушными работами Александра Колдера (1898–1976) и Наума Габо (1890–1977), чтобы понять разницу.

Другим важным элементом (большинства) скульптур является их поверхность. Она может создавать совершенно разные визуальные эффекты в зависимости от того, является ли она выпуклой или вогнутой, плоской или моделированной, цветной или неокрашенной. Например, выпуклые поверхности создают ощущение наполненности, внутреннего давления и «полноты», тогда как вогнутые могут передавать чувство внешнего давления, внутренней пустоты и возможного разрушения. Плоская поверхность лишена намёка на трёхмерность, в то время как моделированная поверхность с выступами и углублениями, создающими игру света и тени, может передавать мощный эффект объёма, подобно тому, как художники используют кьяроскуро. Хотя следы пигментов на древних работах в основном исчезли, значительная часть скульптур античности (египетские, греческие, римские) и Средневековья (готические соборы) была раскрашена. Для этого использовали краски, позолоту, серебро и другие драгоценные материалы. Альтернативой было создание скульптур из изначально цветных материалов, таких как слоновая кость, нефрит или золото. Цвет, очевидно, может влиять на восприятие текстуры, пропорций, глубины и формы. Интересный пример использования цвета современным скульптором — поп-арт работа Джаспера Джонса (р. 1930) Ale Cans (1964, масло на бронзе).

Руководство по эстетическим принципам восточной скульптуры в Китае см.: Традиционное китайское искусство: характеристики.

Принципы скульптурного дизайна

Эти принципы определяют подход скульпторов к таким аспектам, как ориентация, пропорции, масштаб, артикуляция и баланс.

Ориентация
Чтобы создать ощущение гармонии (или дисгармонии) внутри скульптуры, между её частями, а также между скульптурой, зрителем и окружением, скульптор обычно работает в рамках определённого пространственного плана. Такой план, основанный на системе осей и плоскостей, важен для поддержания линейных соотношений между компонентами. Например, позы человеческих фигур часто выстраиваются с учётом четырёх основных принципов: аксиальности (оси симметрии и движения), фронтальности (характерной для архаических греческих статуй-куросов), контрапоста (динамичной позы, где одна часть тела развёрнута относительно другой, как в работах Микеланджело и Джамболоньи) и хиазма (позы, в которой вес тела перенесён на одну ногу, что типично для высокой греческой классики).

Пропорции
Скульпторы по-разному работают с пропорциями. Некоторые, как египтяне, следовали иерархическим, ненатуралистичным канонам (самые крупные фигуры — боги, затем фараоны, самые маленькие — простые люди). Другие придерживались более натуралистичных, но столь же строгих канонических правил. В искусстве многих племён, напротив, определённые части тела (например, голова) сознательно увеличивались по религиозным или культурным причинам. Кроме того, расположение скульптуры может диктовать особый подход к пропорциям. Например, у статуи, установленной на высоком постаменте, верхняя часть тела может быть увеличена, чтобы компенсировать искажения перспективы при взгляде снизу. (Великий художник рококо Тьеполо был мастером в работе с подобными эффектами в своих потолочных фресках).

Масштаб
Этот принцип относится, например, к необходимости соотносить размер скульптуры с её окружением. Прогуляйтесь по любому крупному готическому собору и обратите внимание на разнообразие скульптур, украшающих порталы, фасады и другие поверхности. Кроме того, в одной композиции, иллюстрирующей библейскую сцену, могут сочетаться разные масштабы: Дева Мария и Иисус могут быть одного роста, а апостолы — меньше.

Артикуляция
Этот термин описывает, как соединяются между собой части скульптуры. Речь может идти о том, как части тела сливаются в единую форму или как соотносятся отдельные секции композиции. Французский скульптор-реалист Огюст Роден (1840–1917) создавал в своих фигурах импрессионистическую слитность и непрерывность формы, в отличие от ранних греческих классиков (например, Поликлета) и скульпторов эпохи Возрождения, которые предпочитали чётко разграниченные, обособленные части.

Равновесие
В отдельно стоящей фигуративной скульптуре баланс включает два аспекта. Во-первых, физическая устойчивость: скульптура должна быть стабильной. Например, добиться устойчивости для наклонённой или «текучей» фигуры сложнее, чем для статичной вертикальной статуи. Если естественное положение неустойчиво, используется основание (пьедестал). Во-вторых, композиционное равновесие: статуя должна демонстрировать ощущение динамического или статического баланса. Без такой гармонии красота почти невозможна.

Лучший способ понять скульптуру

Вас озадачили все эти понятия из теории скульптуры? Не волнуйтесь, многие искусствоведы тоже. Лучший способ понять скульптуру — это смотреть на неё как можно больше. Посетите ближайший художественный музей и рассмотрите реплики греческих или ренессансных работ. Это даст вам хорошее представление о традиционном стиле. Кроме того, по возможности, посетите выставку скульпторов-абстракционистов, таких как Умберто Боччони (1882–1916), Жан Арп (1886–1966), Наум Габо (1890–1977), Александр Колдер (1898–1976), Альберто Джакометти (1901–1966), Барбара Хепуорт (1903–1975), Луиза Буржуа (1911–2010), Сол Левитт (1928–2007) или Ричард Серра (р. 1939). Произведения абстрактной скульптуры любого из этих художников дадут вам много пищи для размышлений.

Материалы

В скульптуре можно использовать практически любой материал, которому можно придать объёмную форму. Однако некоторые материалы, такие как камень (особенно мрамор), дерево, глина, металл (например, бронза), слоновая кость и гипс, обладают исключительными пластическими свойствами и потому были наиболее популярны у скульпторов с доисторических времён. В результате на протяжении большей части истории скульптура создавалась с использованием четырёх основных техник: резьбы по камню, резьбы по дереву, литья из бронзы и обжига глины. Редким видом была хрисоэлефантинная скульптура, которая использовалась исключительно для создания крупных культовых статуй.

Каменная скульптура

Каменная скульптура, вероятно, самая ранняя форма монументальной скульптуры и лучший материал для неё, была распространена ещё в эпоху палеолита. Примерами доисторической каменной скульптуры служат базальтовая статуэтка Венера из Берехат-Рам (ок. 230 000–700 000 лет назад) и кварцитовая фигурка Венера из Тан-Тана (ок. 200 000–500 000 лет назад). Позднее, величайшим собранием каменной скульптуры стала серия статуй-колонн и рельефов, созданных для великих европейских готических соборов Шартра, Парижа (Нотр-Дам), Амьена, Реймса, Кёльна и многих других в период 1150–1300 годов.

Для ваяния подходили камни всех трёх основных геологических категорий: магматические (гранит), осадочные (известняк, песчаник) и метаморфические (мрамор). Чисто-белый итальянский каррарский мрамор использовался в римском искусстве и в скульптуре итальянского Возрождения такими мастерами, как Донателло и Микеланджело. Греческие же художники предпочитали пентелийский мрамор для создания скульптур Парфенона. (См. также: Мраморная скульптура.) Ирландская скульптура в эпоху позднего Средневековья была в основном представлена кельтскими высокими крестами, высеченными из гранита.

Величайшими примерами мраморной скульптуры являются Венера Милосская (ок. 130–100 до н.э.) Агесандра Антиохийского; Лаокоон и его сыновья (ок. 42–20 до н.э.) Агесандра, Полидора и Афинодора; Пьета (1497–99) и Давид (1501–1504) работы Микеланджело; Экстаз святой Терезы (1647–1652) гения барокко Бернини; Амур и Психея (1787–1793) неоклассициста Антонио Кановы; и Поцелуй (1882) французского гения Огюста Родена.

Нефритовая скульптура

Самая известная форма скульптуры из твёрдого камня, резьба по нефриту, была специализацией китайских мастеров со времён неолита. Нефрит и жадеит — два наиболее распространённых типа этого камня, хотя также используется бовенит (разновидность серпентина). Китайцы приписывали нефриту такие качества, как чистота, красота, долговечность и даже бессмертие, а скульпторы ценили его за блеск, полупрозрачность и богатство оттенков.

Деревянная скульптура

Резьба по дереву — один из древнейших и самых непрерывных видов скульптуры. Дерево, особенно удобное для небольших работ, широко использовалось в доисторическую эпоху, а затем в период раннехристианской скульптуры. Примером может служить резьба из позолоченного дуба, известная как Крест Геро (965–970, Кёльнский собор). Золотой век деревянной скульптуры на Западе, особенно в Германии, пришёлся на эпоху позднего Средневековья. Свидетельством тому служат изысканные религиозные работы немецких резчиков Фейта Штосса (ок. 1447–1533) и Тильмана Рименшнайдера (ок. 1460–1531). Позднее, в эпоху барокко, дерево часто покрывали гипсовой штукатуркой и раскрашивали, подобно древнеегипетскому искусству. Среди великих современных скульпторов, работавших с деревом, — Генри Мур (1898–1986), известный своей «Лежащей фигурой» из вяза (1936), и Барбара Хепуорт (1903–1975).

Бронзовая скульптура

Создание скульптур из бронзы — сложный процесс, который развивался независимо в Китае, Южной Америке и Египте. Бронзовое литьё требует создания модели из глины, гипса или воска. Позже, после заливки расплавленной бронзы, форма удаляется. Метод литья по выплавляемой восковой модели был широко распространён в эпоху Ренессанса. Эта же техника использовалась в африканской скульптуре Бенина и Йоруба.

Среди известных произведений — «Танцующая девушка из Мохенджо-Даро» (ок. 2500 г. до н.э.), шедевр ранней индийской скульптуры Хараппской цивилизации (или цивилизации долины Инда). В Китае, в бассейне реки Хуанхэ (провинция Хэнань), был найден большой запас бронзовых сосудов и скульптур с нефритовыми украшениями, созданных методом литья и относящихся ко времени династий Ся и Шан (начиная с 1750 г. до н.э.).

Более поздние шедевры из бронзы включают: «Врата Рая» Лоренцо Гиберти (1425–1452) для флорентийского баптистерия, «Давид» Донателло (ок. 1440), «Похищение сабинянок» Джамболоньи (1583), «Граждане Кале» (1884–1889) и «Врата ада» (1880–1917) Огюста Родена, «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913) Умберто Боччони (1882–1916), «Птица в пространстве» (1923) румынского скульптора-абстракциониста Константина Бранкузи (1876–1957), «Женщина с перерезанным горлом» (1932) и «Шагающий человек I» (1960) Альберто Джакометти (1901–1966), а также «Разрушенный город» (1953) Осипа Цадкина (1890–1967).

Глиняная скульптура

Скульптуры из глины создавались ещё в эпоху палеолита. Глина, известная после обжига как терракота, является самым пластичным материалом, а также универсальным, лёгким, недорогим и долговечным. Хотя глину в основном использовали для создания предварительных моделей, которые затем отливались в бронзе или высекались в камне, из неё создавали и полноценные скульптуры. Самая ранняя известная глиняная скульптура — Венера из Дольни-Вестонице (ок. 26 000–24 000 до н.э.), керамическая статуэтка граветтской культуры, найденная на территории современной Чехии. Другой шедевр палеолита — бизоны из пещеры Тюк д’Одубер периода мадленской культуры (ок. 13 500 г. до н.э.). Это необожжённый рельеф двух бизонов, найденный во Франции. Третий доисторический шедевр — «Мыслитель» из Чернаводэ (ок. 5000 лет до н.э.), культовая терракотовая статуэтка, созданная в Румынии во время культуры Хаманджия.

Однако самым известным примером глиняной скульптуры является Терракотовая армия китайской династии Цинь — коллекция из более чем 8000 глиняных воинов и лошадей, обнаруженная в 1974 году в провинции Шэньси. Датируемая 246–208 гг. до н.э., армия поражает своей уникальностью: у каждого из 8000 солдат индивидуальные черты лица и причёска.

Другие материалы для скульптуры

Среди других традиционных материалов, используемых для создания скульптур, — слоновая кость и драгоценные металлы.

К самым ранним известным образцам скульптуры из слоновой кости относятся знаменитые фигурки животных, птиц и териантропов (ок. 33 000–30 000 до н.э.), вырезанные из бивня мамонта и найденные в пещерах Фогельхерд в Швабской Юре, Германия. Среди других примеров — Венеры из Костёнок (ок. 22 000 до н.э.), вырезанные из бивня мамонта женские фигурки, найденные в России, и Человеколев из Холенштайн-Штаделя (ок. 38 000 до н.э.) — статуэтка из бивня мамонта, найденная в Швабской Юре.

Известные работы из драгоценных материалов включают, например, произведение месопотамской скульптуры, известное как «Баран в чаще» (ок. 2500 г. до н.э.) — небольшую статую из золотого листа, меди, лазурита и красного известняка, найденную в Уре. Другой пример — Майкопский золотой бык (ок. 2500 г. до н.э.), золотая скульптура, выполненная методом литья по выплавляемой модели на Северном Кавказе, Россия.

Современные материалы в скульптуре XX века

Скульпторы XX века использовали как промышленные материалы, например бетон, так и бесконечный список современных веществ: нержавеющая сталь, стекловолокно, алюминий, поролон, папье-маше, пластмассы, а также «найденные объекты», такие как велосипедные детали. Подробнее об отдельных видах постмодернистского пластического искусства см.: Ледяная скульптура и Искусство из песка.

Типы скульптуры

Основные традиционные формы этого трёхмерного искусства — это круглая скульптура, которую можно обойти со всех сторон, и рельефная скульптура, в которой изображение остаётся связанным с фоном (обычно каменным или деревянным). Рельеф подразделяется на барельеф (низкий рельеф), горельеф (высокий рельеф) и контррельеф (углублённый рельеф). Примеры рельефных работ можно увидеть в мегалитическом искусстве, например, сложные спиральные узоры в Ньюгрейндже (Ирландия), на Колонне Траяна в Риме, в храмах Зевса в Олимпии и на Парфеноне. Готические архитектурные рельефы украшают все главные европейские соборы того периода: например, фигуры святых на южном трансепте собора в Шартре и апостолов на северном трансепте собора в Реймсе.

Скульптуру также можно классифицировать по предмету изображения. Например, статуя, как две версии «Давида» Донателло и Микеланджело, обычно представляет собой полноростовой портрет человека. Бюст же изображает только голову, шею и плечи — см. бюст Джорджа Вашингтона (1788) работы Жана-Антуана Гудона (1741–1828). Статуя человека на коне, такая как памятник Козимо I Медичи во Флоренции работы Джамболоньи (1529–1608), называется конной статуей. Вероятно, величайшая конная статуя — это «Медный всадник» на Сенатской площади в Санкт-Петербурге: памятник Петру Великому, шедевр русской скульптуры, созданный в стиле барокко французским скульптором.

Скульптура как публичное искусство
Яркое и заметное физическое присутствие делает скульптуру идеальной формой публичного искусства. Величайшими примерами в западной культуре являются монументальные мегалиты Стоунхенджа, классические скульптуры Парфенона в Афинах, кельтские кресты в Ирландии, а также статуи и рельефы готических соборов XII – XIII веков во Франции и Германии.

Религиозная резьба по дереву достигла новых высот во время Северного Возрождения благодаря таким мастерам, как Тильман Рименшнайдер и Фейт Штосс, известным своими сложными деревянными алтарями и статуэтками. В эпоху барокко Контрреформация стимулировала создание выдающихся образцов католического христианского искусства, в частности бронзовых и мраморных скульптур Джанлоренцо Бернини (1598–1680), включая знаменитую композицию для капеллы Корнаро «Экстаз святой Терезы» (1645–1652).

Современное светское публичное искусство включает такие знаменитые работы, как Статуя Свободы, «Чикагский Пикассо» — монументальная скульптура, созданная для Гражданского центра Чикаго, и архитектурная скульптура «Шпиль Дублина», созданная Яном Ричи и установленная в 2003 году. Современная публичная скульптура продолжает бросать вызов традиционным концепциям, используя новые пространственные решения, повседневные материалы и разнообразные формы, от инсталляций до стационарных объектов.

Современная и постмодернистская скульптура

С 1960-х годов на смену модернизму пришло современное искусство, или постмодернизм. В отличие от модернистов, постмодернистские скульпторы (например, поп-артисты, такие как Клас Ольденбург и Роберт Индиана, или нео-поп-художник Джефф Кунс) свободно используют самый широкий спектр материалов, образов и методов. Стили стали более локальными, так как в современном искусстве наблюдается тенденция к отказу от глобальных идей и интернационализма, свойственных художественным движениям конца XIX – середины XX века.

Дополнительная информация

Для важных периодов / движений, см.:
Средневековая скульптура (ок. 400–1000);
Романская скульптура (ок. 1000–1200);
Готическая скульптура (ок. 1150–1280);
Английская готическая скульптура;
Немецкая готическая скульптура;
Скульпторы Ренессанса (1400–1600);
Скульптура в стиле барокко (1600–1700);
Неоклассическая скульптура (ок. 1750–1850);
Скульпторы XIX века (1800–1900).