Абстрактная скульптура читать ~11 мин.

Скульптура XIX века: образ и функция

Скульптура XIX столетия была преимущественно фигуративной и функциональной, отражая растущий материализм обществ по обе стороны Атлантики. Значительная часть скульптурных работ создавалась для увековечивания памяти о важных личностях (например, Мемориал Альберта в Лондоне), событиях (эмиграция в Америку, отражённая в Статуе Свободы) или местах (Вашингтон, здание Капитолия США; Париж, Триумфальная арка). По иронии судьбы, именно функциональность в искусстве, наиболее ярко проявившаяся в архитектуре американских небоскрёбов конца XIX века, которая не требовала скульптурного оформления, могла способствовать появлению абстракции. Но прежде чем это произошло, искусству необходимо было преодолеть жёсткий контроль академизма над теорией и практикой живописи и скульптуры.

Кубизм: революция начала XX века

Изобретение кубизма (активен в 1908–1914 годах) Пабло Пикассо (1881–1973) и Жоржем Браком (1882–1963) коренным образом изменило мир искусства. Эта форма абстрактного искусства в живописи отвергала линейную перспективу и акцентировала внимание на плоскости картины. Несмотря на элементы полуабстракции в скульптуре «Поцелуй» (1907, Художественный музей Крайовы) Константина Бранкузи (1876–1957) и в работе «Крадущаяся фигура» (1907, Музей современного искусства, Вена) Андре Дерена (1880–1954), ничего подобного кубизму ранее не существовало. Хотя первыми принципы кубизма применили художники, скульпторы вскоре последовали их примеру. Работы стали более геометричными, перспектива — уплощённой и фрагментированной. Так зародился совершенно новый стиль трёхмерного искусства. Примеры: «Идущая женщина» (1912, частная коллекция) Александра Архипенко (1887–1964); «Бурильщик» (1913–1914, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Джейкоба Эпштейна (1880–1959); «Большая лошадь» (1914, Национальный музей современного искусства, Париж) Раймона Дюшана-Вийона (1876–1918); «Человек с гитарой» (1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Жака Липшица (1891–1973); «Блюдо с виноградом» (1918) Анри Лорана (1885–1954); «Голова женщины» (1917–1920, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Наума Габо (1890–1977); и «Торс» (1924–1926, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Антуана Певзнера (1886–1962).

Кубизм был слишком радикален, чтобы стать частью основного художественного течения. Тем не менее, до 1920 года он доминировал в авангардном сообществе, где нерепрезентативное искусство прочно утвердилось.

Футуризм и его влияние на кинетическое искусство

Итальянский футуризм (1909–1914), хотя и испытал влияние кубизма, имел иную направленность. Его целью было подчеркнуть динамизм, технологии и скорость современного мира. Главным довоенным скульптурным шедевром движения стала работа «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913; отливки хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Галерее Тейт в Лондоне и других) Умберто Боччони (1882–1916). Наибольшее влияние движение оказало на развитие кинетического искусства. С наследием футуризма связаны такие работы, как: «Птица в пространстве» (1925–1931, Кунстхаус, Цюрих) Константина Бранкузи (1876–1957); «Вращающиеся стеклянные пластины» (1920, Художественная галерея Йельского университета) Марселя Дюшана (1887–1968); «Кинетическая конструкция» (1919–1920, Галерея Тейт, Лондон) Наума Габо (1890–1977); мобили «Алюминиевые листья, красная почта» (1941, Фонд семьи Липман) и «Арка лепестков» (1941, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк) Александра Колдера (1898–1976), изобретателя мобилей; «Мобильный рельеф 5» (1954, Музей современного искусства, Сент-Этьен) Поля Бери (1922–2005); и «Сигнал: космическое животное-насекомое» (1956, Галерея Тейт, Лондон) Такиса (Панайотиса Василакиса) (р. 1925).

Абстрактная скульптура дадаизма

Движение дада (1916–1924) было по своей сути «антиискусством», что ограничило его широкое распространение. Тем не менее, оно оказало значительное влияние на выбор материалов для создания художественных объектов. Если раньше скульптуры в основном вырезали из дерева, камня или лепили из глины и отливали из бронзы, то дадаисты поощряли использование нетрадиционных материалов, включая металл, картон, резину, проволоку, текстиль, бетон, стекло и бытовые отходы. Самым необычным примером дадаистской скульптуры является конструкция «Мерцбау» Курта Швиттерса (1887–1948). Кроме того, авангардные «реди-мейды» Марселя Дюшана (1887–1968), такие как «Велосипедное колесо» (1913, Национальный музей современного искусства, Париж), «Сушилка для бутылок» (1914, там же) и «Фонтан» (1917, копия в Национальном музее современного искусства, Париж), стали квинтэссенцией дадаизма, подрывая устои академического искусства.

Конструктивистская абстрактная скульптура

Абстрактная скульптура до, во время и после Первой мировой войны находилась под влиянием авангардных течений Парижа, а также дореволюционной России. В России художественный и политический подъем породил такие модернистские школы, как лучизм, супрематизм и конструктивизм. Последний призывал скульпторов конструировать (а не вырезать, лепить или отливать) объекты из промышленных материалов, таких как металл, стекло и пластик. Стиль представлен в работах: «Конструкция № 557» (1919) Константина Медунецкого (1899–1935); «Башня Огня» (1919–1920) Иоганнеса Иттена (1888–1967); «Памятник III Интернационалу» (1920, Национальный музей современного искусства, Париж) Владимира Татлина (1885–1953); и «Пространственная конструкция № 12с» (1920, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Александра Родченко (1891–1956). «Бесконечную колонну» Бранкузи (1938, Тыргу-Жиу, Румыния) также можно отнести к конструктивистской скульптуре.

Абстрактная скульптура в рамках Де Стейл

В 1920-е годы в Голландии геометрическая абстракция достигла апогея в движении Де Стейл (1917–1931). Оно продвигало неопластицизм, созданный Питом Мондрианом (1872–1944), и элементаризм, основанный Тео ван Дусбургом (1883–1931), который также ввёл термин «конкретное искусство». Де Стейл имел успех в архитектуре, живописи и дизайне, но не получил широкого распространения среди скульпторов. Париж оставался центром абстрактного искусства, привлекая художников-эмигрантов из тоталитарных режимов России и Германии, где абстракция была запрещена как «буржуазная» или «дегенеративная». В этот период в Париже возникли две важные группы художников-абстракционистов: Cercle et Carré и Abstraction-Création.

Авангардные группы художников-абстракционистов (1930-е годы)

Cercle et Carré («Круг и квадрат») — выставочная группа и журнал для скульпторов и художников-абстракционистов, созданная в Париже в 1929 году критиком Мишелем Сёфором (1901–1999) и художником Хоакином Торрес-Гарсией (1874–1949). Группа фокусировалась на геометрической абстракции, но была открыта для всех видов нерепрезентативного искусства. Эта широта взглядов побудила Тео ван Дусбурга (1883–1931), идеолога беспредметного искусства, основать в 1930 году собственный журнал «Art Concret». Cercle et Carré провела лишь одну выставку в Galerie 23 в апреле 1930 года, но это была первая выставка, посвящённая исключительно абстрактному искусству. В ней участвовали более сорока художников, включая Василия Кандинского (1866–1944), Пита Мондриана (1872–1944), Жоржа Вантонгерло (1886–1965) и Курта Швиттерса (1887–1948).

Abstraction-Création (1931–1936)

В феврале 1931 года, после распада Cercle et Carré, возникла новая ассоциация — Abstraction-Création («Абстракция-Творчество»), посвящённая исключительно беспредметному (геометрическому) искусству. Её основателями были бельгийский скульптор и художник Жорж Вантонгерло, а также французские художники Жан Элион (1904–1987) и Огюст Эрбен (1882–1960). Позднее к группе присоединились ведущие европейские скульпторы-абстракционисты, такие как Жан Арп (1886–1966), Антуан Певзнер (1886–1962) и его брат Наум Габо (1890–1977), Эль Лисицкий (1890–1941), Александр Колдер (1898–1976), Барбара Хепуорт (1903–1975) и Бен Николсон (1894–1982). Группа проводила выставки и издавала ежегодный альманах «Abstraction-création: Art non-figuratif» (1932–1936). Примером скульптуры этого направления является «Бесконечная лента» (1935) Макса Билля (1908–1994), иллюстрирующая концепцию ленты Мёбиуса — структуры, имеющей только одну поверхность и край.

Unit One (1933–1935)

В 1933 году в Великобритании была создана ассоциация художников-абстракционистов под названием Unit One. В неё входили лидеры современной британской скульптуры — Генри Мур и Барбара Хепуорт, а также художник Пол Нэш (1889–1946). В апреле 1934 года ассоциация опубликовала книгу «Unit One: Современное движение в английской архитектуре, живописи и скульптуре», приуроченную к их единственной выставке в галерее Мэра в Лондоне. Хотя у группы не было чёткого манифеста, она объединяла абстракционизм и сюрреализм. Это затрудняло сохранение единой творческой идентичности, и в 1935 году группа распалась. Тем не менее, Unit One оказала значительное влияние на британское авангардное искусство 1930-х годов (см. также школу Сент-Айвса, ок. 1939–1975).

Органическая абстракция и сюрреализм (1930-е годы)

Биоморфная (органическая) абстракция, вдохновлённая природными формами, представлена в таких скульптурах, как «Человеческая конкреция» (1934, Национальный музей современного искусства, Париж) Жана Арпа (1887–1966); «Мать и дитя» (1934, Галерея Тейт, Лондон) Барбары Хепуорт (1903–1975); «Абстракция» (1940, Музей Джорджии О’Кифф, Санта-Фе) Джорджии О’Кифф (1887–1986); и «Две формы» (1966, частная коллекция, Цюрих) Генри Мура (1898–1986). Одна из самых выразительных сюрреалистических скульптур — «Женщина с перерезанным горлом» (1932, частная коллекция) Альберто Джакометти (1901–1966). Более причудливый сюрреализм представлен работами «Фигура с зонтиком» (1931) и «Объект» (1936) Жоана Миро (1893–1983); «Лунная спаржа» (1935) Макса Эрнста (1891–1976); и «Глаза, нос и щека» (1939, Галерея Тейт, Лондон) Ф. Э. Мак-Уильяма (1909–1992).

Послевоенная абстрактная скульптура (ок. 1945–1965)

Несмотря на усилия художников-абстракционистов, в межвоенный период (1920–1940) доминировало фигуративное искусство. Однако Вторая мировая война оказала глубокое влияние на искусство. На фоне трагедии Холокоста и огромных потерь традиционные образы утратили свою силу. (См. также искусство периода Холокоста, 1933–1945 гг.). Кроме того, фотография и кинематограф начали вытеснять живопись и скульптуру в создании образов. В результате абстракция получила мощный импульс к развитию. В живописи тон задал американский абстрактный экспрессионизм, а в Европе ему соответствовали течения ар-информель и ташизм.

Абстрактная скульптура неодадаизма

Абстрактная скульптура послевоенного периода пошла иным путём. Вместо концентрации на нефигуративных сюжетах, она сосредоточилась на материалах. Так возникло искусство ассамбляжа — создание трёхмерных объектов из «найденных» художником предметов повседневного обихода. Ассамбляж, популярный в США в 1950–1960-х годах, заполнил нишу между коллажем и скульптурой. Использование нехудожественных материалов, характерное для неодадаизма, предвосхитило поп-арт. Примерами ассамбляжа являются работы Луизы Невельсон (1899–1988), такие как «Зеркальное отражение I» (1969, Музей изящных искусств, Хьюстон), и «Памятник стоящему зверю» (1960, Центр Джеймса Р. Томпсона, Чикаго) Жана Дюбюффе (1901–1985). Это направление получило признание после выставки «Искусство ассамбляжа» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1961 году.

Другие примеры «мусорного искусства» (джанк-арта) включают «Пейзаж реки Гудзон» (1951, Музей американского искусства Уитни) и «Австралию» (1951, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Дэвида Смита (1906–1965); а также некоторые «комбайны» Роберта Раушенберга (1925–2008), например «Скачок при первом приземлении» (1961, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Работа Без названия (Промышленный войлок) (1967, Кунстхалле, Гамбург) Роберта Морриса (1931–2018) также является примером использования необычных материалов, как и минималистический «Памятник Владимиру Татлину» (неоновые трубки) (1975, Центр Жоржа Помпиду) Дэна Флавина (1933–1996).

Дадаисты также ценили абсурд в искусстве. В этом контексте саморазрушающаяся скульптура стала важным элементом творчества Жана Тенгели (1925–1991). Его шедевром считается работа «Посвящение Нью-Йорку» (1960, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Отличным примером абстрактной поп-скульптуры является жанр словесного искусства, который развивал Роберт Индиана (1928–2018) в своей серии скульптур «LOVE».

Абстрактная металлическая скульптура (1960-е годы)

В 1960-х годах возникла новая традиция металлической скульптуры, от небольших до монументальных форм. К таким работам относятся: «Скульптура для большой стены» (1956–1957, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Эллсворта Келли (1923–2015); «Полдень» (1960, Музей современного искусства, Нью-Йорк) сэра Энтони Каро (1924–2013); «Куб» (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Тони Смита (1912–1980); «Сломанный обелиск» (1963–1969, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Барнетта Ньюмана (1905–1970); «Ангел бури» (1973–1974, Шалон-сюр-Сон) Марка ди Суверо (р. 1933) и ряд работ Эдуардо Чильиды (1924–2002), кульминацией которых стал «Гребень ветра» (1977, залив Сан-Себастьяна, Испания).

Минималистская скульптура

Минимализм, ставший реакцией на усложнение абстрактного экспрессионизма, был пуристическим движением, охватившим живопись, скульптуру, архитектуру и дизайн. Его представители стремились к художественной истине через предельно упрощённые геометрические структуры, часто выполненные из промышленных материалов. Это направление остаётся одним из наиболее концептуально сложных в современном искусстве. Примеры минималистской скульптуры: «Клетка II» (1965, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Уолтера Де Марии (1935–2013); «Серийный проект I (ABCD)» (1966, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Сола Левитта (1928–2007); «Эквивалент VIII» (1966, Галерея Тейт, Лондон) Карла Андре (р. 1935); и «Без названия (Стек)» (1967, Музей современного искусства, Нью-Йорк) Дональда Джадда (1928–1994). Работы Евы Гессе (1936–1970) относят к постминимализму.

Монументальная абстракция

Для постмодернистского искусства характерен акцент на зрелищности, и создание монументальной скульптуры стало эффективным способом достижения этой цели. Этот жанр развивали многие художники, в том числе: Аллен Джонс (р. 1937), см. «Танцоры» (1987, Лондон); Ричард Серра (р. 1938), см. «Суть времени» (2004, Музей Гуггенхайма, Бильбао); Джонатан Борофски (р. 1942), см. «Идущий человек» (1994–1995, Галерея Паулы Купер, Нью-Йорк); и Аниш Капур (р. 1954), см. «Марсий» (2002, Турбинный зал, Тейт Модерн, Лондон).