Абстрактная скульптура читать ~13 мин.

Введение: скульптура XIX века: образная и функциональная

Скульптура девятнадцатого века была образной и функциональной и в ней доминировал растущий материализм обществ по обе стороны Атлантики. Вероятно, львиная доля всех скульптурных работ была направлена на поминовение важных личностей (например, Мемориал Альберта в Лондоне), событий (например, эмиграция в Америку, Статуя Свободы) или мест (например, Вашингтон, здание Капитолия США, Париж, Триумфальная арка). По иронии судьбы, растущая функциональность искусства – наиболее заметная в архитектуре небоскрёбов в конце 19-го века в Америке, которая не требовала внутреннего или внешнего скульптурного оформления, – возможно, помогла проложить путь для введения абстракции. Но прежде чем это могло произойти, нужно было сломить мёртвую хватку, которую традиционное академическое искусство опиралось на теорию и практику живописи и скульптуры.

Кубизм: революция в начале 20-го века

Изобретение кубизма (fl.1908-14) Пабло Пикассо (1881-1973) и Жоржа Брака (1882-1963) потрясло мир искусства до его основ. Это была форма абстрактного искусства, которая (в своей живописи) отвергала линейную перспективу и полностью фокусировалась на плоскости картины. Несмотря на новую полуабстракцию, введённую в «Поцелуе» (1907, Музеул де Арта Крайова) Константином Бранкузи (1876 – 1956) и в «Крадущемся рисунке» (1907, Музей современного искусства, Вена) Андре Дерена (1880 – 1954), раньше ничего подобного кубизму не было. Хотя первыми, кто применил принципы кубизма, были художники, скульпторы не сильно отставали. Работы стали более геометрическими, перспектива стала уплощённой и более раздробленной. Вскоре стал появляться целый новый стиль трёхмерных работ. Примеры: «Женщина, идущая» (1912, частная коллекция) Александра Архипенко (1887 – 1964); The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY), Джейкоб Эпштейн (1880-1959); Большая лошадь (1914, Национальный музей современного искусства, Париж) Раймонда Дюшана-Вильона (1876-1918); «Человек с гитарой» (1915, МоМА, Нью-Йорк), Жак Липчиц (1891 – 1973); Фруктовое блюдо с виноградом (1918) Анри Лоренса (1885-1954); «Голова женщины» (1917 – 20, МоМА, Нью-Йорк), Наум Габо (1890 – 1977); и Торс (1924-6, МоМА, Нью-Йорк) Антуана Певснера (1886-1962).

Кубизм был слишком радикальным, чтобы стать частью творческого мейнстрима. Тем не менее, до 1920 года он доминировал в авангардном художественном сообществе, где нерепрезентативное искусство прочно закрепилось.

Футуризм: его влияние на кинетическое искусство

Итальянский футуризм (эт.1909-14) не был затронут кубистской революцией (особенно в её живописи), его общая направленность была иной. Он призван подчеркнуть динамизм, технологии и скорость современного мира. До войны, главным скульптурным шедевром движения был, несомненно, «Уникальные формы преемственности в космосе» (1913; отливки в MoMA NY, Tate London и в других местах) Умберто Боччони (1882 – 1916). Однако наибольшее влияние движение оказало на развитие кинетического искусства, поэтому футуристическая скульптура охватывает такие работы, как: «Птица в космосе» (1925 – 31, Kunsthaus, Цюрих) Константина Бранкузи (1876 – 1957); «Вращающиеся таблички» (1920, Галерея искусств Йельского университета, Нью-Хейвен) Марселя Дюшана (1887-1968); «Kinetic Construction» (1919-20, Tate Collection, London), Наум Габо (1890-1977); «Алюминиевые листья», «Красная почта» (1941, Фонд семьи Липман) и «Арка лепестков» (1941, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк), автором которых является Александр Колдер (1898-1976), изобретатель мобильных телефонов; Relief Mobile 5 (1954, Музей современного искусства, Сент-Этьен) Пол Бери (1922-2005); и «Сигнал: Космическое животное-насекомое» (1956, коллекция Тейт, Лондон) Такиса (Panayiotis Vassilakis) (р. 1925).

Абстрактная Скульптура Дада

Дадское движение (1916-24) было анти-искусством и не могло оказывать широкое влияние. Тем не менее, это оказало значительное влияние на тип материала, из которого можно сделать предметы искусства. В то время как ранее большинство скульптур было вырезано или отлито из дерева, камня, глины или бронзы, Дада поощряла использование нетрадиционных материалов, включая различные виды металла, картона, резины, проволоки, текстиля, бетона, стекла и даже общих отходов. Пожалуй, самый необычный пример дадаистской скульптуры – это конструкция Мерцбау Курта Швиттерса (1887-1948). Кроме того, авангардные «готовые изделия», созданные Марселем Дюшаном (1887 – 1968), такие как «Велосипедное колесо» (1913, Национальный музей современного искусства, Париж), Бутылочная стойка (1914, Национальный музей современного искусства). (Paris) и Fountain (1917, копия в Musee National d’Art Moderne, Paris) – также были квинтэссенцией дадаизма, поскольку они подрывали условности академического искусства.

Конструктивистская Абстрактная Скульптура

Абстрактная скульптура до, во время и после Первой мировой войны продолжала находиться под сильным влиянием авангардных событий в Париже, но также и в дореволюционной России, где художественный и политический пыл смешался с модернистскими школами, такими как вайонизм, супрематизм и конструктивизм. Последний – единственный из трёх, в котором задействовано трёхмерное искусство, – призвал скульпторов конструировать (не вырезать, моделировать или отливать) конструкции из промышленных материалов (металл, стекло, пластик). Стиль иллюстрируется в таких работах, как: Строительство № 557 (1919) Константина Медунецкого (1899-1935); Башня Огня (1919-20) Иоганна Иттена (1888-1967); Памятник Третьему Интернационалу (1920, Национальный музей современного искусства, Париж) Владимира Татлина (1885-1953); и Пространственное строительство № 12с (1920, МоМА, Нью-Йорк) Александра Родченко (1891-1956). «Бесконечная колонна» Бранкузи (1938, Тыргу-Жиу, Румыния) также может быть включена в категорию конструктивистской скульптуры.

Абстрактная Скульптура Де Стейл (De Stijl)

В течение 1920-х годов в Голландии геометрическая абстракция достигла своего апогея в движении де Стейл (1917-31), которое первоначально поощряло неопластизм – изобретённый Питом Мондрианом (1872-1944) – и элементаризм – основанный Тео Ван Дусбургом (1883- 1931), человеком, который также ввёл термин конкретное искусство. Де Стейл имел сравнительно сильные успехи в архитектуре, живописи и среди современных дизайнеров, таких как те, кто работал в Баухаузской школе дизайна, но не среди скульпторов. Между тем Париж оставался бесспорным центром абстрактного искусства, не в последнюю очередь потому, что он привлекал беженцев из тоталитарных государств России и Германии, где абстракция была запрещена как буржуазная или вырожденная. Две важные группы для художников-абстракционистов, которые возникли в Париже в этот период, были Cercle et Carre и Abstraction-Creation.

Авангардистские группы абстрактных художников (1930-е гг.) Cercle et Carre (1929-31)

Cercle et Carre (круг и квадрат) была выставочной группой (и журналом) как для абстрактных скульпторов, так и для художников, сформированной в Париже в 1929 году критиком Мишелем Сефором (1901 – 1999) и художником Хоакином Торрес-Гарсия (1874 – 1949), В центре внимания была геометрическая абстракция, но она оставалась открытой для всех типов нерепрезентативных работ – слабость, которая побудила Тео Ван Дусбурга (1883-1931), первосвященника геометрического или не объективного искусства, запустить свой собственный журнал под названием «Искусство конкретики», в 1930 году. Cercle et Carre провела только одну выставку, которая состоялась в Galerie 23 в апреле 1930 года, но это была первая в истории художественная выставка, посвящённая исключительно абстрактному искусству. Участвовали более сорока художников, в том числе Кандинский (1866 – 1944), Пит Мондриан (1872 – 1944), Жорж Вантонгерлоо (1886 – 1965), Курт Швиттерс (1887 – 1948) и другие.

Abstraction-Creation (1931-36)

Активность Cercle et Carre продлилась менее двух лет и в феврале 1931 года появилась новая ассоциация, известная как Abstraction-Creation, которая была посвящена исключительно не-объективному (геометрическому) искусству. Среди основателей были бельгийский скульптор и художник Жорж Вантонгерлоо, а также французские художники Жан Гелион (1904 – 1887 гг.) и Огюст Хербин (1882 – 1960 гг.). Более поздние участники представили сливки европейских абстрактных скульпторов, таких как Жан Арп (1886-1966), Антуан Певснер (1886-1962) и его брат Наум Габо (1890-1977), Эль Лисицкий (1890-1941), Александр Колдер (1898) -1976, Барбара Хепуорт (1903 – 1975) и Бен Николсон (1894 – 1982). «Абстракция-творчество» проводила ряд групповых выставок и один раз в год публиковала иллюстрированный журнал (1932 – 36) «Абстракция-творчество: нефигуративный Арт». Пример скульптуры «Абстракция-творение» – «Бесконечная лента» (1935) Макса Билла (1908 – 1994 гг.), Швейцарского экс-скульптора Баухауза, которая иллюстрирует концепцию поверхности Мёбиуса, которая становится изогнутой на 180 градусов вокруг его продольной оси пространственной структурой. Это приводит к математическому парадоксу полосы, которая имеет только одну поверхность и ребро, но принимает форму непрерывного цикла. Якобы ограниченные геометрической абстракцией, многие из членов Abstraction-Creation перешли к геометрическим формам искусства, таким как кинетическое искусство.

Первый блок (Unit One) (1933-35)

Ещё одна ассоциация художников-абстракционистов была создана в Великобритании в 1933 году под названием Unit One. Среди участников были лидеры современной британской скульптуры, а именно Мур и Хепворт, а также художник Пол Нэш (1889-1946). В апреле 1934 г. ассоциация опубликовала книгу под названием «Первый блок: современное движение в английской архитектуре, живописи и скульптуре», приуроченная к их единственной групповой выставке в галерее мэра в Лондоне, позднее выставка отправилась в Белфаст, Суонси, Ливерпуль и Манчестер. Несмотря на книгу и выставку, у группы не было манифеста или программы, фактически она включала в себя как абстракцию, так и сюрреализм, два стиля, которые представлялись на отдельных выставках в Лондоне в 1936 году. В результате это всегда было борьбой за сохранение целенаправленной групповой идентичности и первый блок был должным образом распущен в 1935 году. Тем не менее, он оказал значительное влияние на британское авангардное искусство середины 1930-х годов (см. также школу Сент-Айвз (c.1939-75)).

Органическая абстракция и сюрреалистическая фантазия (1930-е годы)

Вдохновлённая природными формами, биоморфная / органическая абстракция в скульптуре иллюстрируется в таких работах, как «Концентрация человека» (1934, Национальный музей современного искусства, Париж) и «Деметра» (1961, Музей Израиля, Иерусалим), оба – Жан Арп (1887-1966); Мать и дитя (1934, Tate Collection, Лондон) Барбары Хепуорт (1903-1975); Абстракция (1940, Музей Джорджии О’Киф, Санта-Фе) Джорджа О’Кифа (1887-1986); Крадущаяся женщина (Прощание) (1940-41) Анри Лоренса; и Две формы (1966, Сорайский мрамор, частная коллекция Staehein, Цюрих) Генри Мура (1898-1986). Одна из самых мощных сюрреалистических скульптур – «Женщина с перерезанным горлом» (La Femme Egorgee, 1932, Частная коллекция) Альберто Джакометти (1901-1966). Метаморфическая ракообразная женщина с перерезанным горлом лежит на земле в конвульсии, сочетающей в себе акт любви и смертельные муки. Более причудливый сюрреализм представлен такими скульптурами, как «Фигура с зонтиком» (1931) и «Объект» (1936), обе Хуана Миро (1893-1983); Лунная спаржа (1935) Макса Эрнста (1891-76); и «Глаза, нос и щека» (1939, Tate Collection, London) Ф.Э. Маквильяма (1909-1992).

Послевоенная Абстрактная Скульптура (c.1945-65)

Несмотря на усилия различных абстрактных художников и групп, фигуративное искусство оставалось преобладающим в межвоенные годы (1920-40). Однако влияние Второй мировой войны на изобразительное искусство было глубоким, не в последнюю очередь потому, что в умах людей оставалось очень мало сильных образов, которые были либо ненасильственными, либо вообще значимыми после Холокоста и огромного числа погибших на войне. (См. Также искусство Холокоста 1933-45 гг.). Фотосъёмка и киносъёмка также начали очаровывать общественное воображение, оставляя меньше места для образных изображений, сделанных вручную. В результате абстракция внезапно взлетела, по крайней мере, в живописи. Американский абстрактный экспрессионизм шёл впереди, параллельно с Art Informel и Tachisme в Европе.

Абстрактная Скульптура Нео-дада

В отличие от абстрактной скульптуры был и немного другой курс. Вместо того, чтобы сосредоточиться на нефигуративном предмете, он сконцентрировался на материалах, отсюда и название искусства сборки – формы трёхмерного визуального искусства, созданного из предметов повседневного обихода, которые, как говорят, были «найдены» художником. Популярная в Америке в 1950-х и 1960-х годах, сборка эффективно преодолела разрыв между коллажем и скульптурой, в то время как использование нехудожественных материалов – особенность нео-дада-искусства – предвосхитило использование произведений массового производства в поп-арте. Собрание скульптуры иллюстрируется работами Луизы Невельсон (1899 – 1988), такими как «Зеркальное изображение 1» (1969, Музей изобразительных искусств, Хьюстон), а также Жаном Дюбуффе (1901 – 85) и его Памятником «Стоячий зверь» (1960, Центр Джеймса Р. Томпсона, Чикаго). Эта идиома была значительно усилена важной выставкой – «Искусством сборки» – в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1961 году.

Другие примеры нео-дадаистского «мусорного искусства» включают «Пейзаж реки Гудзон» (1951, Музей американского искусства Уитни) и «Австралию» (1951, МоМА, Нью-Йорк), оба Дэвида Смита (1906 – 1965); Без названия (дерево, металлические детали, гвозди) (1960, Музей современного искусства Нью-Йорка), Хесус Рафаэль Сото (р.1923) и некоторые «комбайны» Роберта Раушенберга (1925-2008), такие как First Landing Jump (содержащие живопись, ткань, металл, кожу, электрические светильники, кабели, масляную краску, доски) (1961, МоМА, Нью-Йорк). Без названия (промышленный войлок) (1967, Кунстхалле, Гамбург) Роберта Морриса (р. 1931) является ещё одним примером использования необычных материалов в скульптуре, как и минималистский памятник Владимиру Татлину (трубки с неоновым освещением) (1975, Национальный музей современного искусства им. Джорджа Помпиду, Дэн Флавин (1933 – 96).

Дадаисты также превозносили бессмысленное искусство и что может быть более абсурдным, чем самоуничтожение скульптуры? Без сомнения, это был важный элемент в философии творчества Жана Тингуэли (1925-1991), непревзойдённого мастера саморазрушающейся скульптуры, чей шедевр обычно считается данью уважения Нью-Йорку (1960, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Отличным примером абстрактной поп-скульптуры является жанр художественного слова, принятый Робертом Индианой (р. 1928) в его серии скульптур LOVE.

Абстрактная металлическая скульптура (1960-е годы)

В 1960-х годах также началась новая широкая традиция металлической скульптуры – от переносной до монументальной. К таким работам относились: «Скульптура для большой стены» (1956-7, МоМА, Нью-Йорк) Эллсворта Келли (р. 1923); Полдень (1960, МоМА, Нью-Йорк) сэра Энтони Каро (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) Тони Смита (1912-1980); Сломанный Обелиск (1963-9, МоМА, Нью-Йорк) Барнетта Ньюмана (1905-1970); «Ангел бури» (1973-74, Квадрат Шаба, Шалон-сюр-Сон) Марка Ди Суверо (р.1933) и ряд работ Эдуардо Чиллида (1925-2002), кульминацией которого стала его береговая линия «Гребень ветра» (1977, залив Сан-Себастьян, Испания).

Минималистская скульптура

Минимализм, реакция на все более сложные вариации абстрактного экспрессионизма, был пуристическим движением, которое охватывало живопись, скульптуру, архитектуру и дизайн. Он искал свою собственную художественную правду во множестве ультра-упрощённых структур в геометрическом стиле, обычно сделанных из промышленных материалов. Это остаётся одной из самых малоизвестных форм актуального искусства. Минималистские абстрактные скульптуры: Клетка II (1965, МоМА, Нью-Йорк) Уолтера де Мария (р.1935); Серийный проект I (ABCD) (1966, MoMA, NY) Сол Левитт (1928-2007); Эквивалент 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) Карла Андре (р. 1935); и Без названия (Stack) (1967, MoMA, NY) Дональда Джадда (1928-1994). Для так называемой «пост-минималистской» скульптуры см. Работы Евы Гессе (1936-1970).

Монументальные рефераты

Постмодернистское искусство одержимо воздействием, и создание части монументальной скульптуры – хороший способ достигнуть этого. Жанр был поддержан несколькими художниками, в том числе: Аллен Джонс (р.1937), см. Dancers (1987, Коттон Атриум, Лондон Бридж Сити, Лондон); Ричард Серра (р. 1939), см. «Дело времени» (2004, Гуггенхайм, Бильбао); Джонатан Борофски (р.1943), см. «Ходячий человек» (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY); и Аниш Капур (р.1954), см. Marsyas (2002, Турбинный зал, Тейт Модерн, Лондон).