Определение искусства

Общепринятого определения искусства не существует. Термином обычно описывают что-то красивое либо умение, дающее эстетический результат. Чёткой границы тут нет: уникальная скульптура ручной работы и визуально привлекательное изделие массового производства различаются, на первый взгляд, только ценой и тиражом. Можно сказать, что искусство требует мысли, некоего творческого импульса. Это сразу порождает новые вопросы. Какой объём мысли необходим? Если человек выплёскивает краску на холст в надежде создать произведение, становится ли результат искусством автоматически?

Даже с понятием «красота» не всё гладко. Я считаю неубранную кровать моей младшей сестры «красивой» и эстетически приятной. Становится ли она от этого произведением искусства? Если нет, изменится ли её статус, когда со мной согласится миллион человек, а сама хозяйка по-прежнему будет видеть перед собой просто гору одежды?

Искусство: многообразие форм, видов и жанров

Прежде чем формулировать определение, стоит оценить масштаб явления.

Искусство охватывает множество дисциплин, и лексикон под это подстроен. Терминов придумано великое множество: «изобразительное искусство», «изящные искусства», «декоративное искусство», «прикладное искусство», «дизайн», «ремёсла», «исполнительское искусство». Каждый термин — попытка ухватить свой кусок целого.

При детальном рассмотрении многие категории сортируются по материалам: рисунок, живопись, скульптура (включая керамику), художественное стекло, иллюминированные рукописи, граффити, художественная фотография, анимация. Внутри этих категорий живут подкатегории: живопись маслом, акварелью, акрилом; скульптура из бронзы, камня, дерева, фарфора. Есть и деление по жанрам: нарративное искусство, портрет, бытовой жанр, пейзаж, натюрморт.

В XX веке появились и совершенно новые формы: ассамбляж, концептуализм, коллаж, ленд-арт, инсталляция, граффити, видеоарт. Рядом с ними выросло широкое концептуальное движение, ставящее под сомнение саму ценность объективного искусства. Подробнее: Виды искусства.

Определение искусства в контексте эпохи и культуры

Искусство отражает эпоху и культуру, которые его породили. Отделить его от этого контекста не получается.

Как сравнивать доисторическую наскальную живопись каменного века, искусство племён, самобытное искусство Океании или архаичное африканское искусство с фресками Микеланджело в Сикстинской капелле, написанными в начале XVI века? Политика — из самых заметных факторов эпохи: экспрессионизм, дадаизм и сюрреализм выросли из нестабильности и потрясений начала XX столетия.

Культурные различия тоже работают как естественные границы. Западная живопись и китайская каллиграфия — разные миры. Много ли общего у европейской картины с японским искусством складывания бумаги, оригами? Религия задаёт художественную форму едва ли не жёстче всего. Барокко несёт на себе отпечаток католической контрреформации, а исламское искусство, как и православное христианство, ограничивает определённые виды иконографии.

К какому бы определению мы ни пришли, ему придётся считаться с контекстом эпохи и культуры. Принимать в расчёт придётся и такие маргинальные области, как ар-брют (искусство аутсайдеров). Смотрите также: Примитивизм.

Определению мешает и размах явления, и его исторические корни. Договориться о том, что считать искусством, не удалось ни одному поколению. Откуда взялась такая путаница, отчасти показывает история самого понятия.

История определения искусства

Руководство по течениям и периодам см. также: История искусства.

Классическое понимание искусства

Отправной точкой служит классическое определение от латинского слова «ars» — «умение», «ремесло». В рамках этого широкого подхода искусство определяют как «продукт совокупности знаний, чаще всего с использованием набора навыков». Выходит, художники и скульпторы эпохи Возрождения считались лишь высококвалифицированными ремесленниками? Неудивительно, что Леонардо да Винчи и Микеланджело прилагали огромные усилия, чтобы поднять статус художника на более высокий, интеллектуальный уровень.

У римлян «ars» повторяет греческое «techne», название любого мастерства, от плотницкого до врачебного. Покровительницами ремёсел и искусств греки считали девять муз. Средневековые университеты держали «artes liberales», свободные искусства, отдельным списком от ремёсел механических. Граница между умением и творчеством всегда была подвижной, и каждое столетие двигало её заново.

Значение искусства в эпоху после Ренессанса

Появление крупных европейских академий художеств отразило постепенное изменение статуса искусства. Свой вклад внесли и новые направления в философии. К середине XVIII века одной демонстрации технических навыков для признания произведения искусством стало мало. Потребовался «эстетический» компонент: произведение должно было восприниматься как нечто «прекрасное».

Параллельно понятие «утилитаризм» (функциональность) служило для отделения более благородных «изящных искусств» («искусство ради искусства»), таких как живопись и скульптура, от «прикладного искусства» — ремёсел и коммерческого дизайна, а также от «декоративных искусств» вроде дизайна текстиля и интерьера.

К концу XIX века искусство разделилось как минимум на две категории: изящное и всё остальное. Это разделение отражало культурный снобизм и моральные стандарты европейского общества. Вера в эстетические идеалы Возрождения слабела, идеология по-прежнему влияла на мир изящных искусств: даже живопись и скульптура обязаны были соответствовать определённым эстетическим правилам, чтобы сойти за «настоящее искусство».

Значение искусства в начале XX века

Затем появился кубизм (1907–1914) и до основания потряс систему изящных искусств. Пикассо предложил живописи и скульптуре не натуралистический язык. Под ударом оказался сам унаследованный от Ренессанса взгляд на то, как картина соотносится с окружающим миром. Главный вклад кубизма в другом: он стал катализатором множества новых течений, расширивших теорию и практику искусства. Супрематизм, конструктивизм, дадаизм, неопластицизм, сюрреализм, концептуализм, реалистические стили — от социального реализма до социалистического.

На практике это распространение новых стилей и техник привело к очередному расширению значения слова «искусство». Изящные искусства освободились от «ренессансной смирительной рубашки» и её правил «объективности», касавшихся перспективы, материалов, содержания, композиции. Появился заметный элемент «субъективности»: художники получили невиданную прежде свободу создавать картины и скульптуры по собственному видению и ценностям. С этого момента «искусство» фактически перестало поддаваться определению.

Декоративно-прикладное искусство прошло схожую трансформацию благодаря расширению ассортимента коммерческой продукции. Рост числа смежных дисциплин в дизайне и ремёслах на общее определение искусства почти не повлиял.

Значение искусства после Второй мировой войны

После Второй мировой войны Париж утратил статус мировой столицы искусства, и его занял Нью-Йорк. Американское направление подтолкнуло коммерциализацию искусства и ослабило его связь с традициями эстетизма. Тенденцию подхлестнули абстрактный экспрессионизм, поп-арт и новое поколение художников-знаменитостей вроде Энди Уорхола. Даже самые обыденные предметы и идеи начали возводить в ранг «искусства».

Эталонным примером здесь остаётся «Фонтан» Марселя Дюшана (Marcel Duchamp): обычный писсуар, подписанный псевдонимом «Р. Матт» и отправленный в 1917 году на выставку Общества независимых художников в Нью-Йорке. Работу отклонили — причём общество клялось не отвергать ничьи заявки. В 2004 году опрос пятисот арт-экспертов признал «Фонтан» самым влиятельным произведением искусства XX века. Спор сместился: с вопроса «хорошо ли это сделано» на вопрос «чем это отличается от предмета из магазина».

Под влиянием этого популистского подхода концептуалисты представили новые формы: ассамбляж, инсталляцию, видео, перформанс. Позже свой вклад внесли граффити и стили, переосмысляющие прошлое: неодада, неоэкспрессионизм, неопоп. Художественные школы и колледжи по всему миру приняли эту множественность подходов, ускоряя разрыв с традициями искусства эпохи Возрождения.

Постмодернизм и значение искусства

Переосмысление искусства в последние три десятилетия XX века получило интеллектуальную опору у теоретиков постмодернизма. По их взглядам, акцент сместился с художественного мастерства на «смысл» создаваемого произведения. То, «как» произведение «переживается» зрителями, стало важнейшим компонентом его эстетической ценности. Феноменальный успех современных художников вроде Дэмиена Хёрста, а также Гилберта и Джорджа подтверждает эту точку зрения. Подробнее об экспериментальных художниках см.: авангардное искусство.

Рабочее определение искусства

С учётом этой истории понятию «искусство» можно предложить следующее «рабочее» определение:

Искусство рождается, когда художник создаёт прекрасный объект или вызывает у зрителя переживания, которые, по мнению аудитории, обладают художественной ценностью.

Определение достаточно широкое, чтобы охватить большинство форм современного искусства, и достаточно узкое, чтобы отсечь «события», чьё «художественное» содержание не дотягивает до нужного уровня. Слово «художник» здесь учитывает контекст произведения. Слово «прекрасный» отражает потребность в «эстетической» ценности. Фраза «по мнению аудитории, обладают художественной ценностью» подчёркивает необходимость отклика — базового признания усилий художника.

Теория и философия искусства: вопросы для обсуждения

— Если мы ценим положительное влияние искусства, нужно ли нам его определять?

Веками, а то и тысячелетиями люди восхищались произведениями искусства, а порой бывали ими потрясены: от греческой скульптуры до византийской архитектуры, от гениальных творений старых мастеров эпохи Возрождения и барокко, таких как Донателло, Рафаэль и Рембрандт, до известных художников XIX – XX веков — Ван Гога, Пикассо, Родена. Поэзия, балет и кино вдохновляют не меньше. Объяснить точно, что такое искусство, мы не можем; отрицать его влияние на нашу жизнь тоже. Одна из причин поддерживать публичное искусство именно в этом.

— Чем нам может помочь определение искусства?

Сама сущность творчества подразумевает, что его нельзя определить и заключить в жёсткие рамки. Любая попытка быстро устареет и станет бессмысленной, даже контрпродуктивной. Что будет, если художник создаст нечто, что все считают «искусством», а институциональный мир искусства таковым его не признаёт? Мы, к слову, не можем дать исчерпывающего определения ни «столу», ни «слону». Особых проблем это у нас не создаёт.

— Является ли искусство лишь отражением наших личных ценностей?

Человек, воспитанный на ценностях искусства Ренессанса и знакомый с традиционной живописью, с меньшей вероятностью сочтёт искусством постмодернистскую инсталляцию, чем тот, у кого нет подобного багажа. Любитель телевидения, считающий музеи скучными местами, скорее впечатлится современным видеоартом, чем ценитель классических экспозиций. Отсюда занятный вывод: отношение человека к искусству говорит больше о его личных ценностях, чем о самом искусстве.

— Кто вправе определять искусство?

Даже среди искусствоведов нет единого мнения о значении искусства. Кому из «экспертов» доверить задачу: художникам, социологам, историкам, юристам, философам, археологам, антропологам, психологам? Мир полон «экспертов» — структуралистов, процессуалистов, функционалистов, а также политических теоретиков вроде марксистов. И все они не могут договориться о том, что считать искусством.

В попытке выйти из этого тупика философы придумали «институциональную теорию». Артур Данто в эссе 1964 года заметил, что превратить предмет в произведение искусства способна сама художественная среда, «мир искусства». Джордж Дики довёл мысль до схемы: искусством вещь делает статус, присвоенный представителями художественного института — кураторами, критиками, музейной публикой. Слабое место схемы очевидно: институты ошибаются и меняют мнения. «Фонтан» сначала отклонили, канонизировали лишь потом.

Как классифицируется искусство?

Традиционное и современное искусство охватывает самые разные области: архитектура, музыка, опера, театр, танец, живопись, скульптура, иллюстрация, графика, мультипликация, эстамп, керамика, витраж, фотография, инсталляция, видео, кинематограф.

Все эти виды деятельности обычно объединяют под общим названием «искусства» и сортируют по нескольким пересекающимся категориям: изобразительные, визуальные, пластические, декоративные, прикладные, исполнительские.

Относительно точного состава этих категорий идут споры. Ниже — общепринятая классификация.

Изобразительное искусство

В эту категорию входят произведения, созданные преимущественно из эстетических соображений («искусство ради искусства»), без коммерческого или утилитарного использования. Понятие «изобразительное искусство» (или «изящные искусства»), создаваемое ради возвышающих, облагораживающих качеств, обычно ассоциируется с традиционными западноевропейскими «высокими искусствами», такими как:

Рисунок
С использованием угля, мела, цветных мелков, пастели, а также карандаша или пера и туши. Две основные области применения — иллюминированные рукописи (ок. 600–1200) и книжная иллюстрация.

Живопись
С использованием масла, акварели, гуаши, акрила, туши или более старинных техник — темперы или энкаустики. О красителях читайте в наших статьях: Цвет в живописи и Цвет, пигменты, типы.

Графика (эстамп)
С использованием как простых техник, таких как ксилография (гравюра на дереве) или трафарет, так и более сложных — гравюра резцом, офорт и литография, либо современных форм, таких как шелкография, тиснение фольгой или жикле. О важном виде эстампа см.: Искусство плаката.

Скульптура
Из бронзы, камня, мрамора, дерева или глины.

Другой вид изящного искусства, зародившийся в Китае, — каллиграфия, очень сложная форма стилизованного письма.

Эволюция изящных искусств

После примитивных форм наскальной живописи, статуэток и других видов древнего искусства наступила золотая эра греческого искусства и других школ классической античности. Падение Рима (476 год) открыло период Тёмных веков (ок. 450–1000), который украсили кельтское искусство и орнаменты позднего латенского стиля. Дальше в истории западного искусства сменилась целая череда «стилей» и «течений»: готика (ок. 1100–1300), Ренессанс (ок. 1300–1600), барокко (XVII век), неоклассицизм (XVIII век), романтизм (XVIII – XIX века), реализм и импрессионизм (XIX век), кубизм, экспрессионизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и поп-арт (XX век).

Краткий обзор модернизма (ок. 1860–1965) см. в разделе Движения в современном искусстве. Гид по постмодернизму (ок. 1965 — настоящее время) собран в нашем списке основных движений в новейшем искусстве.

Традиция

Изобразительное искусство было традиционным видом академического искусства, который преподавали в ведущих академиях: Академия искусств во Флоренции, Академия Святого Луки в Риме, Академия изящных искусств в Париже и Королевская академия в Лондоне. Одним из главных наследий этих академий стали их теория линейной перспективы и иерархия жанров живописи, делившая все произведения на пять типов: исторический, портретный, бытовой, пейзаж и натюрморт.

Меценаты

С момента зарождения христианства крупнейшим и самым значительным заказчиком и меценатом изящных искусств была Церковь. Немалая часть произведений живописи и скульптуры — религиозное искусство, вплоть до таких специфических форм, как иконы и алтарные образы.

Визуальные искусства

Визуальные искусства собирают все изящные искусства плюс новые медиа и современные формы самовыражения: ассамбляж, коллаж, концептуальное искусство, инсталляции, перформанс, фотография (см. также: «Является ли фотография искусством?») и кинематографические формы вроде видеоарта и анимации, либо любые их комбинации. Ещё один вид, зачастую монументального масштаба, — сравнительно новый ленд-арт.

Пластические искусства

Термин «пластические искусства» обычно обозначает трёхмерные произведения из материалов, которым можно придавать форму или как-либо их изменять (пластифицировать): глина, гипс, камень, металл, дерево (скульптура), бумага (оригами). О трёхмерных работах из повседневных материалов и «найденных объектов», вплоть до «реди-мейдов» Марселя Дюшана (1913–1921), см.: Джанк-арт (Junk art).

Декоративные искусства

Эта категория традиционно обозначает виды искусства, создающие функциональные и при этом художественно оформленные предметы: изделия из стекла, глины, дерева, металла или ткани. Сюда входят все виды ювелирного и мозаичного искусства, а также керамика — например, изысканные образцы древней керамики, в частности китайской и греческой, мебель, предметы интерьера, витражи и гобелены. Известные стили декоративного искусства: рококо (1700–1800), прерафаэлиты (расцвет 1848–1855), японизм (1854–1900), модерн (1890–1914), ар-деко (ок. 1925–1940), эдвардианский стиль и ретро.

Вероятно, величайший расцвет декоративного и прикладного искусства в Европе пришёлся на XVII – XVIII века при французском королевском дворе. Для дополнительной информации см.: Французское декоративное искусство (ок. 1640–1792); Французские дизайнеры (ок. 1640–1792); и Французская мебель (ок. 1640–1792).

Исполнительские искусства

К этому виду относятся публичные выступления. Традиционные формы — театр, опера, музыка, балет. Современное исполнительское искусство (перформанс) допускает любую деятельность, в которой средством выражения служит физическое присутствие художника: мим, боди-арт и тому подобное. Одна из новейших форм исполнительского искусства известна как хэппенинг.

Прикладное искусство

Эта категория охватывает виды деятельности, связанные с применением эстетических принципов при создании повседневных функциональных объектов. Изящные искусства нацелены на интеллектуальное и эмоциональное воздействие. Прикладное искусство создаёт утилитарные предметы (чашку, диван, часы, стул, стол), опираясь в их дизайне на эстетические принципы. Народное искусство в основном связано именно с этим видом творчества.

Сюда входят архитектура, компьютерное искусство, фотография, промышленный дизайн, графический дизайн, дизайн одежды, дизайн интерьера, все виды декоративных искусств и ремёсел. Среди известных стилей — школа дизайна Баухаус, а также ар-нуво и ар-деко. Одной из важнейших форм прикладного искусства XX века стала архитектура, особенно архитектура небоскрёбов, определяющая облик Нью-Йорка, Чикаго, Гонконга и десятков других городов. Обзор этого вида публичного искусства см.: Американская архитектура (1600 — настоящее время).

Дискуссия «Искусство против ремесла»

Согласно традиционной теории, между «искусством» и «ремеслом» существует фундаментальное различие. Оба вида деятельности требуют творческих навыков; первое при этом предполагает более высокий уровень интеллектуального вклада. Исходя из этой логики, ткач считается ремесленником, а дизайнер сумок — художником. В довольно искусственном разграничении декоративно-прикладных искусств и ремёсел главным фактором выступает функциональность.

Ювелир, создающий нефункциональные предметы вроде колец и ожерелий, будет считаться художником, часовщик — ремесленником; стеклодув может сойти за ремесленника, создатель витражей — за художника. Идея в том, что художники стоят выше, потому что «творят» ради красоты, а ремесленники изготавливают шаблонные или чисто функциональные вещи. Доля истины в этой теории, возможно, есть. Многие виды мастерства при этом неотличимы от настоящего искусства. Вспомним художника-аниматора, создающего тысячи похожих изображений персонажа мультфильма: его работа чисто функциональна и коммерциализирована, а художником он остаётся. Примечание: см. также: Движение искусств и ремёсел (1862–1914).

Влияние Ренессанса на западную концепцию искусства

До начала эпохи Возрождения в XV веке все художники считались ремесленниками. Даже величайшие мастера вроде Джотто, Боттичелли, Леонардо да Винчи и Рафаэля воспринимались не более чем квалифицированными работниками. Гениальные скульпторы, подобные Донателло, числились просто специалистами по обработке камня и литью из бронзы. Леонардо и Микеланджело ставили целью поднять статус художника до уровня свободной профессии. Амбиция реализовалась в 1563 году, с основанием первой Академии искусств во Флоренции, созданной для профессионального обучения художников (disegno).

Подняв своё ремесло до уровня профессии, художники эпохи Возрождения определили искусство как деятельность прежде всего интеллектуальную. Укоренившаяся идея передавалась из века в век и до сих пор влияет на современные представления о значении искусства. Новые учебные программы художественных школ немного скорректировали картину. Изящные искусства по-прежнему сохраняют главенствующее положение по отношению к ремёслам — прикладному и декоративному искусству.

Вопросы об искусстве

Определить искусство мы, возможно, не в состоянии. Зато понимание углубляют вопросы о его природе и назначении. Вот некоторые ключевые вопросы с краткими комментариями. (См. также: Глоссарий по искусству и цвету)

— В чём смысл искусства?

Скептики говорят, что искусство — пустая трата времени. Знаменитый поэт Уистан Хью Оден (Wystan Hugh Auden) признавал, что ни одно стихотворение не спасло ни одного человека из нацистских газовых камер. Заявление жестокое, и в нём есть свой смысл: польза искусства в повседневной жизни ограничена привлекательными зданиями, чайниками, автомобилями и одеждой.

Ответов два. Первый: прикладное искусство — важнейшая ветвь искусства, которую трудно отделить от изящного, ведь в основе любого дизайна лежит искусство изобразительное. Второй: с тех пор как Homo sapiens обрёл способность к рефлексии, он выражает свои мысли в изобразительной форме. Человек всегда ценил красоту — человеческие лица, закаты, узоры на шкурах животных, соборы, скульптуры. Короче говоря, создавать и ценить искусство — значит быть человеком. В этом и смысл.

— Как отличить хорошее искусство от плохого?

Неспособность дать определение искусству не означает, что все его произведения хороши. Кто решает, где заканчивается хорошее искусство и начинается плохое?

Вопрос популярный, и рождает его, вероятно, естественное желание не быть обманутым мошенниками, выдающими себя за «художников». Важен ли он по сути? На практике профессиональным художникам необходимо общественное признание. Временная мода порой продвигает произведения сомнительной ценности. Широкая публика вместе с художественным сообществом вряд ли позволит плохому искусству войти в норму.

— Почему искусствоведы всё так усложняют?

Примеров хватает: статьи в журналах об искусстве, переполненные профессиональным жаргоном, каталоги выставок, искусствоведческие книги. Простым языком, кажется, уже никто не пользуется.

Авторы этих текстов возразят, что жаргон — специальный язык, необходимый для краткости, и предназначен он в основном для других «экспертов». Так ли это на самом деле? Книгу с простым объяснением кубизма найти почти невозможно. Как же тогда молодому студенту понять, чем так важно революционное движение Пикассо и Брака? Описания некоторых произведений абстрактного искусства звучат так сложно, что для их «понимания» почти нужен научный диплом.

— Примеры бессмысленных искусствоведческих текстов: зачем этот жаргон?

Современные обозреватели, критики и художники часто прибегают к заумным формулировкам, пытаясь описать произведение искусства. Вот несколько анонимных примеров, избавляющих авторов от смущения. Все они взяты из пресс-релизов или с сайтов «авторитетных» организаций:

“…Название подводит итог цели выставки: поместить живопись в область возможного и рассмотреть необходимость её переосмысления и эксперимента, если живопись намерена двигаться в сторону безграничного потенциала”.

“…Это первая выставка, посвящённая таким разнообразным темам, как игра и тоска, интенсивность личного пространства, навязчивая органика, абстрактный цвет, внутренняя конструкция, архитектурное пространство, время и трансцендентность”.

“…Художник создал серию безупречных работ, исследующих основные составляющие живописных материалов, названную в честь трактата Альберти «О живописи». Каждое произведение с методичной точностью и особой изобретательностью развивало собственную, обособленную линию исследования”.

“…Постструктуралисты, начиная с Жака Деррида, который и ввёл этот термин, утверждали, что возможность деконструкции подразумевает отсутствие в тексте внутренней сущности, а лишь наличие контраста различий. Это аналогично идее о том, что разница в восприятии между чёрным и белым — это контекст”.

“…Работа художника — это размышление о возможностях; попытка манифестировать важность свободы. Изучая множество значений казалось бы обыденных предметов, он участвует в трансценденции их функций…”

— В чём смысл абстрактного искусства? Оно выглядит странно!

Вплоть до конца XIX века большинство произведений живописи и скульптуры придерживалось традиционных принципов; как правило, это было репрезентативное (фигуративное) искусство. Импрессионизм изменил ситуацию, введя неестественные цветовые схемы; фовисты и экспрессионисты продолжили процесс. Затем кубизм отверг понятия глубины и перспективы и открыл двери для более абстрактного искусства: футуризм, Де Стейл, дадаизм, конструктивизм, сюрреализм, неопластицизм, абстрактный экспрессионизм, оп-арт.

Натуралистических элементов в абстрактном искусстве мало, и оно не так легко считывается, как классический портрет или пейзаж. Предпочитаете, чтобы произведение изображало узнаваемых людей и места? Абстракция вряд ли придётся по душе. Разве это сильно отличается от неприятия определённого цвета или стиля в одежде? Разным людям нравятся разные вещи: работа, автомобили, дома, мебель, отдых. Искусство здесь не исключение.

Абстрактные и нефигуративные картины, как правило, содержат скрытое послание или следуют определённой художественной теории. Для некоторых людей это делает их менее доступными и менее «красивыми». Выдающимися произведениями искусства они при этом быть не перестают.

— Следует ли субсидировать искусство?

Большинству художников, для которых творчество является основной занятостью, крайне трудно зарабатывать на жизнь своей живописью или скульптурой. На это скептики возражают: “Ну, если никто не хочет покупать их работы, почему налогоплательщик должен за это платить?”

Отмахиваться от вопроса не стоит. Скептики ведь не требуют, чтобы художники бросали творчество, — они лишь считают, что тем следует искать частных спонсоров.

Ответ может быть таким. Большинство художественных вузов обучает студентов различным коммерческим направлениям, особенно в области прикладного искусства и дизайна; для этих людей вопрос о субсидиях не стоит. Студенты, выбравшие карьеру художника или скульптора на полную ставку, вступают на очень трудный и материально невыгодный путь. Спонсорская поддержка в виде общественных заказов, стипендий и грантов крайне ограничена. Уровень государственных субсидий на искусство в западных странах остаётся низким по сравнению с другими областями. Даже здесь сумма государственных денег, выделяемых на искусство, не так уж велика.

Государственные деньги на искусство при этом тратятся — и вот почему. Красота, будь то привлекательный автомобиль, хорошо спроектированное общественное здание или площадь, красочное платье, вдохновляющая скульптура, поднимает нам настроение и напоминает, что жизнь шире цен на продукты. Без искусства этот спектр эстетических переживаний будет постепенно сужаться, а ценность красоты как значимой цели — снижаться. Литература, да и история, полна примеров обществ, где функциональность — это всё: граждане носят одинаковую невзрачную одежду, живут в одинаковых серых квартирах и ведут однообразную, унылую жизнь.

Интернет-коллекции живописи и скульптуры

В интернете можно найти огромное количество картин и скульптур. Только на нашем сайте собраны сотни тысяч изображений. Посмотрите коллекции лучших художественных музеев: Галерея Уффици (Флоренция), Лувр (Париж), Музей Прадо (Мадрид), Национальная галерея (Лондон), Картинная галерея (Берлин), Эрмитаж (Санкт-Петербург), Метрополитен-музей и Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк), Национальная галерея искусства (Вашингтон). Это лишь часть музеев, представленных на Gallerix.ru.

Подробнее о классификации искусства см.: Энциклопедия визуальных искусств.