Христианское искусство

Христианство возникло в Римской империи в I веке и за два тысячелетия распространилось по всему миру. Оно стало одной из ведущих мировых религий и как минимум до XX века задавало систему ценностей и социальную повестку человечества. Возглавляемое сначала Христом и апостолами, оно постепенно оформилось в иерархическую организацию — христианскую церковь, которая со временем превратилась в крупнейшего и самого влиятельного покровителя искусств.

С самого начала церковь использовала разные виды искусства, чтобы сформировать свою идентичность, укрепить влияние и привлечь последователей. Так складывалась собственная христианская иконография. Опорой служили архитектура (соборы, церкви, монастыри), скульптура (статуи Святого Семейства, пророков, апостолов и святых), живопись (запрестольные образы, церковные росписи), декоративное искусство (витражи, мозаики) и иллюминированные рукописи (евангелия, псалтыри).

В начале XVI века Церковь заказывала так много произведений библейского искусства, оплачивая их повышенными налогами и продажей индульгенций, что это вызвало массовый протест. Протест перерос в Реформацию и расколол церковь на католическую и протестантскую. И всё же на Западе история искусства — это во многом история христианского искусства.

Историческая справка

В 313 году, после почти трёх столетий гонений (тогда искусство ограничивалось кольцами, печатями и росписями в катакомбах), христианство получило право на существование. Римские императоры Константин и Лициний издали Миланский эдикт, узаконивший христианское богослужение. Затем, в 380 году, император Феодосий I — последний правитель единой Римской империи — объявил христианство единственной официальной религией. Будущее веры было обеспечено.

После смерти Феодосия в 395 году империя разделилась на восточную и западную части, а в V веке под натиском варваров Западная Римская империя пала. Восточная половина, с центром в Константинополе, осталась верна православию и прославилась иконописью и мозаиками. Западная сохранила связь с Римом и римской церковью, пережила расцвет при Карле Великом и Оттонах, а затем вернула влияние благодаря массовому строительству храмов романского стиля и готических соборов (около 1000–1350). В 1517 году немецкий богослов Мартин Лютер начал религиозную революцию — Реформацию. Её итогом стала более скромная и менее иерархичная форма христианства, протестантизм, а римскую церковь с этого времени называют Римско-католической. Христианское искусство объединяет традиции католицизма, протестантизма и более ранней ветви — Восточной православной церкви.

Раннехристианское искусство в Риме

Примерно с 150 по 450 год, до легализации христианства в 313 году, раннехристианское искусство оставалось немногочисленным. Сюда входили фрески на стенах катакомб — захоронений за пределами городских стен — и в местах собраний, так называемых «домашних церквях»; несколько простых построек (мартириев) над могилами мучеников; саркофаги с эмблемами и рельефами, изображавшими Иисуса, Марию и других библейских персонажей.

Пока христиан преследовали, большая часть христианского римского искусства оставалась подпольной. Само христианство с его образами ещё только складывалось: из тайного общества с символами, понятными одним посвящённым, оно превращалось в публичную организацию с общедоступной иконографией. Поэтому поначалу христианская живопись и раннехристианская скульптура охотно перенимали мотивы римского и греческого искусства. Образ «Христа во славе», например, восходит к императорским портретам Рима и изображениям греческого бога Зевса. Прошли столетия, прежде чем иконографию стандартизировали и привели в соответствие с библейскими текстами, то есть канонизировали.

Когда христианство было узаконено, потребность в религиозном искусстве резко выросла. Началось строительство новых церквей, в основе которых лежала римская базилика — здание, прежде использовавшееся для гражданского управления и правосудия. Типичная базилика имела центральный неф, один или несколько боковых нефов и полукруглую либо многоугольную апсиду на одном конце, перекрытую полукуполом. В апсиде располагался пресвитерий с возвышением для епископа и священников, а также алтарь. Проектировались и баптистерии для совершения обрядов — прежде всего крещения, поскольку некрещёным нельзя было входить в христианскую базилику.

Большую часть внутреннего убранства этих новых зданий выполняли мозаикой, хотя встречались и фрески. Скульптурное оформление саркофагов стало сложнее и часто иллюстрировало сразу множество сцен из Библии. А вот отдельно стоящие скульптуры почти не использовались — церковь опасалась создания языческих идолов. Стандартом стала рельефная скульптура, в основном каменная. Другим популярным видом искусства оказалась резьба по слоновой кости.

В целом IV век стал большим шагом в развитии искусства: появились более дорогие материалы и подробные повествовательные циклы, как в мозаиках Санта-Мария-Маджоре в Риме и церквях Равенны V века. В V веке христианские изображения стали ценить за религиозный смысл, а не за реализм. Реалистичная перспектива, пропорции, цвет и свет отошли на второй план, уступив место условностям и символам в изображении библейских персонажей и событий.

Византийское искусство: иконы, мозаика, архитектура

Период примерно с 450 по 1450 год — эпоха расцвета византийского искусства, то есть искусства Восточной православной церкви, первой по-настоящему состоявшейся формы христианского искусства. Оно зародилось в Константинополе (ранее Византий, ныне Стамбул) — столице Восточной Римской империи. Будучи выражением теократического государства, христианское византийское искусство специализировалось на архитектуре, мозаике, настенной росписи и иконописи. Византийские мастера также преуспели в ювелирном деле, работе с золотом и слоновой костью и создали самые ранние иллюминированные рукописи (кодексы).

По мере упадка Рима росло могущество Константинополя. В 535 году войска Юстиниана I (482–565), византийского императора, правившего с 527 по 565 год, вторглись в Италию — в основном занятую варварами — и в 540 году захватили Равенну, ставшую резиденцией византийского правительства в Италии. С 540 по 600 год в городе и его портовом пригороде Классе развернулась масштабная программа церковного строительства, в том числе базилик Сан-Витале и Сант-Аполлинаре-ин-Классе. Сан-Витале сочетает римский купол, дверные проёмы и ступенчатые башни с византийской многоугольной апсидой, капителями и узким кирпичом. Базилика всемирно известна мозаиками, которые считаются лучше всего сохранившимися за пределами Константинополя. Подробнее см.: Мозаики Равенны (около 400–600).

Своих отличительных черт византийская архитектура достигла при Юстиниане. В Константинополе тогда построили четыре главные церкви: Святых Сергия и Вакха (начата в 527 году), Святой Ирины (начата в 532 году), Святых Апостолов (536–546), чей проект был позднее воспроизведён в соборе Святого Марка в Венеции, и самую большую из них — собор Святой Софии (532–537). Последний в 1453 году был обращён в мечеть, в 1935 году превращён в музей, а в 2020 году снова стал мечетью.

Венчающий Святую Софию массивный купол передаёт вес на угловые опоры через революционные вогнутые треугольные элементы из камня, называемые парусами. Украшенный золотой мозаикой и разноцветным мрамором, собор стал кульминацией римской инженерной мысли и главным источником вдохновения для более поздних построек Ближнего Востока, включая Голубую мечеть.

Мозаичное искусство оставалось важнейшей чертой византийской культуры почти тысячу лет и по значению сопоставимо со скульптурой в Древней Греции или алтарной живописью в Венеции XVI века. Мерцающие при свечах, часто украшенные сусальным золотом, эти изысканные композиции из стекла подчинялись строгим правилам цвета, размера и построения. Мозаика решала две задачи: украшать дом Господень, вызывая благоговение у зрителя, и обучать неграмотных верующих основам Евангелия. Отдельные элементы (тессеры) нередко ставили под разными углами намеренно — ради игры света и цвета.

Быстрый рост арабского могущества в VII веке и связанные с ним экономические трудности Византийской империи заставили византийцев присмотреться к арабской культуре и исламскому искусству. В VIII веке (726–787) и затем в IX веке (814–842) это вылилось в иконоборчество — период запрета на все фигуративные произведения. Византийские мастера-мозаичисты были этим глубоко недовольны. Многие противники иконоборчества эмигрировали в Рим. Другие, как ни парадоксально, отправились в арабские города, где создали одни из самых прекрасных абстрактных мозаик — например, в мечети Купол Скалы (688–691, Иерусалим) и Великой мечети Омейядов (715, Дамаск).

Сегодня Равенна остаётся лучшим и практически единственным местом, где сохранились византийские мозаики. Среди них: «Христос — Добрый пастырь» (около 425, мавзолей Галлы Плацидии); «Крещение Христа» (VI век, Арианский баптистерий); «Императрица Феодора» (547, базилика Сан-Витале); «Христос перед Понтием Пилатом» (около 550, Сант-Аполлинаре-Нуово). В Стамбуле стоит посмотреть мозаики Южной галереи собора Святой Софии (около 1260 года) и «Успение Богородицы» (1310, церковь монастыря Хора). За пределами бывшей империи — в Салониках — сохранились мозаики базилики Святого Димитрия (около 650 года), а в Венеции — выдающиеся мозаики апсиды начала XII века в соборе на острове Торчелло.

Настенная роспись была значительно дешевле мозаики и предназначалась для более бедных церквей. По мере роста экономических трудностей эта альтернатива распространялась всё шире. Для росписей были характерны крупномасштабные «архитектурные» композиции: византийские художники-монументалисты использовали всю стену как «холст», наполняя её повествовательными деталями без строгого соблюдения единства времени и места. Известные сохранившиеся византийские фрески — росписи погребальной камеры (450–500) в Никее (Изник); «Оплакивание Христа» (1164, церковь Святого Пантелеимона, Нерези, Македония); «Распятие» (1209, Богородичная церковь Студеницкого монастыря, Сербия).

Учитывая теократический характер византийской культуры, неудивительно, что она известна иконами едва ли больше, чем фресками. Эти небольшие переносные панно-диптихи (их называли «путевыми иконами») с изображением Иисуса Христа, Девы Марии или святых появились в начале IV века и были чрезвычайно популярны. Ими заполняли церковные алтарные преграды (иконостасы) и частные дома. После победы иконопочитателей над иконоборцами в 842 году производство икон резко выросло, а техника иконописи распространилась в Греции и на Руси — особенно в Киеве, Новгороде и Москве.

Среди известных образцов: «Богоматерь Одигитрия» (середина V века, монастырь Одигон, Константинополь, ныне утрачена); «Святой Пётр» (около 550, монастырь Святой Екатерины, гора Синай); «Святой Михаил» (около 950–1000, сокровищница Сан-Марко, Венеция); «Владимирская икона Божией Матери» (около 1131, Третьяковская галерея, Москва); «Донская икона Божией Матери» (около 1380, Третьяковская галерея, Москва), которую приписывают Феофану Греку — византийскому мастеру, работавшему в Новгороде и связанному с новгородской школой иконописи (около 1100–1500); и «Богоматерь Одигитрия» (1502–1503) Дионисия, одного из первых мастеров московской школы живописи (около 1500–1700).

Отдельно стоит назвать монастырь Святой Екатерины на Синае, основанный при Юстиниане. Благодаря удалённости от Константинополя он уцелел и в годы иконоборчества, и в позднейших войнах. Именно там сохранились самые ранние из дошедших до нас икон — энкаустические образы Христа Пантократора и Богоматери VI века, исполненные восковыми красками по дереву.

Византийская христианская книжная иллюстрация, по-видимому, зародилась в конце V века. Древнейший из известных примеров — Евангелия Гаримы (радиоуглеродная датировка дала диапазон 390–660 годов), созданные в Эфиопии, в монастыре Аба Гарима близ Аксума. Другой ранний памятник — Евангелие Раввулы (около 586, Библиотека Лауренциана, Флоренция), написанное в сирийском монастыре Зугнин.

Средневековое христианское искусство: иллюминированные рукописи

С падением Рима и распадом империи Западная Европа вступила в «Тёмные века» (около 400–800) — период политической нестабильности и культурного застоя. Единственной объединяющей силой оставалось христианство, хотя после разграбления Рима его возможности были ограничены. Христианская культура продолжала процветать в Ирландии, отрезанной от континента. Фактически именно ирландское монашеское искусство сохранило для будущих поколений идеи классической античности и библейское учение.

В искусстве раннего Средневековья в Ирландии доминировали иллюминированные рукописи: «Катах» святого Колумбы (около 610), Книга из Дарроу (около 650–680), Евангелие из Личфилда (около 730), Евангелие из Эхтернаха (690–715), Линдисфарнское Евангелие (698) и потрясающая Келлская книга (около 800). Из-за сильной традиции кельтского искусства ирландские иллюстраторы предпочитали абстрактные кельтские узоры, а не фигуративные изображения, которые были ближе континентальным художникам.

Используя навыки, унаследованные от традиций кельтской металлообработки, ирландские монастыри выпускали и высококачественную церковную утварь — например Ардагскую чашу (VIII – IX век, Национальный музей Ирландии), украшенную в латенском стиле.

Третьим видом христианского искусства, появившимся в Ирландии в Средние века, была скульптура высоких крестов (около 750–1150). Это каменные монументы разного размера, восходящие к кельтскому кресту. Украшенные абстрактными узорами или повествовательными сценами из Библии (редко и тем и другим), они образуют важнейший корпус отдельно стоящей скульптуры между падением Рима (около 450 года) и началом итальянского Возрождения (около 1400 года).

Средневековое христианское искусство на континенте развивалось схожим образом, хотя и с некоторым опозданием. Каролингское искусство (около 750–900) в королевстве Карла Великого опиралось на византийские, а не ирландские образцы. Монастырские скриптории в Ахене, Париже, Реймсе, Меце и Туре создали прекрасные памятники средневековой живописи: «Евангелистарий Годескалька» (около 783), «Утрехтскую псалтырь» (около 830) и «Библию из Гранваля» (около 840).

Возрождению книжности помогала и придворная школа Карла в Ахене, которую возглавил англосаксонский учёный Алкуин Йоркский. В выработанном там чётком круглом почерке — «каролингском минускуле» — переписывали Библии и литургические книги, а сама графика письма позднее легла в основу современных строчных букв.

На смену каролингскому влиянию пришло оттоновское искусство времён императоров Священной Римской империи Оттона I, II и III (900–1050). Опираясь на каролингские техники и византийские элементы вроде сусального золота, оно славилось богато украшенными рукописями: «Перикопами Генриха II» (около 1010), «Бамбергским Апокалипсисом» (около 1020), «Кодексом Хитды» (около 1025) и «Золотым кодексом из Эхтернаха» (около 1053). См. также: Немецкое средневековое искусство (около 800–1250).

Новая христианская архитектура появилась при Карле Великом — см., например, надвратную капеллу Лоршского монастыря (конец VIII века) и Палатинскую капеллу в Ахене (792–805) — и при Оттонах: церковь Святого Кириака в Гернроде (961) и Бамбергский собор (строительство началось в 1004 году).

На континенте возродились также ювелирное дело, обработка драгоценных металлов и скульптура. Правда, средневековая скульптура (по крайней мере при Оттонах) сосредоточилась на церковной утвари — алтарях, гробницах, дверях, подсвечниках, а не на украшении архитектуры. Создавались и фрески, такие как «Воскрешение дочери Иаира» и «Исцеление кровоточивой женщины» (около 980, церковь Святого Георгия, Райхенау).

Романская церковная архитектура

Оттоновская архитектура и культура во многом пересекаются с романским искусством — термином, описывающим новый общеевропейский стиль христианской архитектуры примерно 1000–1150 годов. Это была первая крупная кампания церковного строительства, инициированная Римом и новыми монашескими орденами; она охватила соборы, аббатства и приходские церкви. (В Великобритании романский стиль известен как нормандская архитектура.) Романская архитектура во многом вдохновлялась классическими римскими образцами и отличалась новой монументальностью, отражая растущую стабильность эпохи и возрождение европейской христианской культуры после столетий упадка.

К наиболее известным романским церквям и религиозным сооружениям относятся: церковь Клюни II (981, Бургундия); монастырская церковь Сан-Пере-де-Родес (1022, Каталония); аббатская церковь Святого Михаила в Хильдесхайме (1033, Германия); собор в Или (1080, Англия); Пизанский собор (1063, Италия); монастырь Гранд-Шартрёз (1084, близ Гренобля); Даремский собор (после 1093, Англия); Шпайерский собор (1106, Германия); аббатская церковь Сент-Фуа (около 1120, Франция); баптистерий Сан-Джованни во Флоренции (1128, Италия); церковь Клюни III (1130, Франция); Майнцский собор (1137, Германия); Крак-де-Шевалье (после 1142, Хомс, Сирия); церковь аббатства Фонтене (1147, Франция); Вормсский собор (около 1200, Германия); базилика Святой Марии Магдалины в Везле (1215).

Романской архитектуре приходилось справляться с растущим числом паломников, посещавших места хранения святых реликвий по всей Европе. Во Франции и Испании, например, строились массивные церкви, чтобы вместить толпы верующих на пути Святого Иакова (Камино де Сантьяго) — маршруте паломничества к собору в Сантьяго-де-Компостела (1075–1211) в Галисии, на северо-западе Испании, где хранятся мощи апостола Иакова. На этом пути стояли и другие романские церкви: паломническая церковь Сент-Этьен (1063, Невер) и базилика Сен-Сернен (около 1120, Тулуза).

Для украшения своих церквей романские архитекторы использовали витражи, фрески и скульптуру.

Производство витражей было сосредоточено в таких центрах, как Рейнская область (Германия), Иль-де-Франс и Пуатье. Композиции, впервые обрамлённые свинцом, строились на сильных цветовых контрастах — синем, насыщенном красном, жёлтом. (См. также: Витражи: материалы и методы.) Известные примеры — «Пророк Осия» (1130, южная стена Аугсбургского собора) и «Распятие Христа» (1165, собор в Пуатье). Фрески, как и в византийских церквях, учили неграмотных прихожан; их стиль был, как правило, динамичным и оживлённым, а испанские мастера добавляли в росписи черты исламского искусства. Скульптура размещалась в основном на фасадах и отличалась статичным, несколько скованным стилем. Самым известным романским скульптором был, вероятно, Гислеберт (работал в 1120–1135 годах), автор рельефов на порталах собора Святого Лазаря в Отёне.

Готическая архитектура и книжная живопись

Готическое искусство эпохи примерно 1150–1375 годов также было тесно связано с христианской архитектурой и возрождением интереса к науке и математике, особенно к евклидовой геометрии. Если романский стиль отличался массивностью, толстыми стенами, узкими окнами и тусклыми интерьерами, то готическая архитектура поражала высокими сводами, огромными витражами и просторными, залитыми светом помещениями. Стрельчатые арки распределяли вес потолка, а революционные аркбутаны поддерживали стены. Всё вместе позволило архитекторам создать храм, отражавший славу Божью. Готический стиль впервые появился в аббатстве Сен-Дени близ Парижа (строительство началось в 1140 году) и менее чем за столетие изменил проектирование соборов по всей Европе. Высшим выражением готической сакральной архитектуры считается Сент-Шапель (1241–1248) в Париже.

Среди других известных готических соборов — соборы в Лане (1160), Париже (Нотр-Дам, 1160), Шартре (1194), Бурже (1195), Реймсе (1211), Амьене (1220), Солсбери (1220), Бургосе (1220), Линкольне (1230), Кёльне (1248), Фрайбурге (1275), Йорке (1280), Руане (1281), Сиене (XIII век), Барселоне (1298), Орвието (1290), Милане (1386) и Севилье (1402), а также Вестминстерское аббатство в Лондоне (1245).

Архитектурная скульптура была ещё одной важной чертой готики. Обычным явлением были статуи-колонны и рельефы с фигурами из Ветхого Завета, а также изображения Христа и Святого Семейства. Готическая скульптура развивалась постепенно. Сначала появился повышенный реализм, заметно отличавшийся от скованности романского стиля; затем — более изящные фигуры с мягкими драпировками; далее — фигуры более строгого, прямолинейного вида со сдержанными жестами; наконец, фигуры в изящных позах, с тяжёлыми драпировками, ниспадающими длинными V-образными складками. Среди величайших скульпторов — Никола Пизано (около 1206–1278) и Арнольфо ди Камбио (около 1240–1310).

Скульпторы поздней готики, работавшие в Германии в XV и начале XVI века, создали серию великолепных резных деревянных алтарей-триптихов, непревзойдённых по изяществу. Среди этих мастеров резьбы по дереву — Михаэль Пахер (1435–1498), Фейт Штосс (1447–1533), Тильман Рименшнейдер (1460–1531) и Грегор Эрхарт (около 1460–1540), известные эмоциональностью и выразительностью своих персонажей. См.: Немецкое готическое искусство (около 1200–1450).

Готические художники тоже создавали религиозные произведения, но уже не для стен церквей: огромные витражи теперь давали и цвет, и библейские сюжеты, прежде представленные фресками. Взгляните, например, на полупрозрачные витражи Шартрского собора (около 1194–1250). Вместо этого художники сосредоточились на иллюминированных манускриптах: французские нравоучительные Библии (1230–1240), Le Somme le Roi (1290), Манесский кодекс (около 1310), «Часослов Жанны д’Эврё» (1328), Псалтырь Бонны Люксембургской (1349), а также английские Эймсберийская псалтырь (1240), Псалтырь королевы Марии (1330), Арундельская и Латтреллская псалтыри (1340).

Это лишь некоторые из множества часословов, миссалов, псалтырей и других иллюстрированных евангельских текстов, вышедших из монастырских скрипториев того периода. Особого внимания заслуживают работы Жана Пюселя (1290–1334). Подробнее см.: История иллюминированных рукописей (600–1200).

К концу готической эпохи при европейских королевских дворах возник изысканный стиль — своего рода мост между готикой и культурой Ренессанса. Известный как интернациональная готика (около 1375–1450), он проявился в ряде христианских иллюминированных рукописей и достиг пика в таких работах, как «Великолепный часослов герцога Беррийского» (1416) братьев Лимбург; «Часослов маршала Бусико» Жакмара де Эсдена (около 1355–1414) и «Миссал Жана де Мартин» Ангеррана Картона (около 1410–1466).

Итальянский Ренессанс

В христианском искусстве XIV века, в эпоху Проторенессанса, доминировали Джотто — см. фрески капеллы Скровеньи (около 1303–1310) — и Дуччо ди Буонинсенья (1255–1318) — см. знаменитый полиптих для Сиенского собора, известный как «Маэста» (1308–1311). Затем во Флоренции наступило раннее Возрождение, символом которого стал городской собор — подробнее см.: Флорентийский собор, Брунеллески и эпоха Возрождения (1420–1436), а также творчество Мазаччо (фрески капеллы Бранкаччи) и Донателло (статуя Давида). Если в христианском искусстве XV века доминировала Флоренция, то центром искусства XVI века стал Рим, где величайшими покровителями были папа Сикст IV (1471–1484), папа Юлий II (1503–1513), папа Лев X (1513–1521) и папа Павел III (1534–1549).

XVI век стал и Золотым веком венецианского искусства: см. венецианские алтари (1500–1600) и венецианскую живопись.

Среди бессмертных религиозных картин эпохи Возрождения: «Бичевание Христа» (около 1460) Пьеро делла Франческа; «Тайная вечеря» (1495–1498) и «Мадонна в скалах» (около 1484) Леонардо да Винчи; «Оплакивание мёртвого Христа» (около 1490) Андреа Мантеньи; «Сикстинская Мадонна» (1512–1513) и «Преображение» (1518–1520) Рафаэля; «Вознесение Девы Марии» (1516–1518) Тициана; «Вознесение Пресвятой Девы Марии» (1524–1530) Корреджо на куполе Пармского собора; «Брак в Кане Галилейской» (1563) и «Пир в доме Левия» (1573) Паоло Веронезе; «Распятие» (1565) Тинторетто.

Среди величайших образцов христианской скульптуры Возрождения: «Врата Рая» (1425–1452, Флорентийский баптистерий) Лоренцо Гиберти; «Неверие святого Фомы» (1467) Андреа Верроккьо; многочисленные произведения религиозной терракотовой скульптуры флорентийской семьи делла Роббиа; «Пьета» (1498–1499), «Давид» (1504) и гробница папы Юлия II (1505–1545) Микеланджело. Но самым культовым произведением христианского искусства XVI века остаются фрески Сикстинской капеллы работы Микеланджело — роспись потолка со сценами из книги Бытия (1508–1512), включая «Сотворение Адама».

Для анализа многих из этих шедевров см.: Анализ известных картин.

По иронии судьбы, архитектура христианского Ренессанса опиралась на образцы языческой греческой архитектуры и широко использовала дорический, ионический и коринфский ордера. Выдающиеся примеры: купол Флорентийского собора (1420–1436) и церковь Сан-Лоренцо (1420–1469) Брунеллески; церковь Санта-Мария-делле-Карчери (1485–1506) Джулиано да Сангалло; базилика Святого Петра (1506–1626) — при участии Браманте, Рафаэля, Микеланджело, Джакомо делла Порта, Карло Мадерно и Бернини; церковь Сан-Джорджо-Маджоре (1566) Палладио.

Христианское искусство Северного Возрождения

В искусстве Северного Возрождения (около 1430–1580) доминировала фламандская школа живописи, часть более широкого движения нидерландского Ренессанса. Упрощённо говоря, Северное Возрождение началось мощным взлётом, быстро утвердилось как передовая школа масляной живописи, а затем постепенно пошло на спад. Алтарное искусство таких художников, как Ян ван Эйк (см. его Гентский алтарь, 1432) и Рогир ван дер Вейден («Снятие с креста», около 1435), а также невероятно сложные работы Хуго ван дер Гуса (Алтарь Портинари, около 1475) практически не имели себе равных. Исключение — необычные фантастические картины Иеронима Босха: см. «Сад земных наслаждений» и триптих «Воз сена» (их жадно коллекционировал строгий католический монарх Испании Филипп II), а также сложные жанровые картины Питера Брейгеля Старшего («Перепись в Вифлееме», 1566; «Избиение младенцев», 1564; «Притча о слепых», 1568).

Примечание: религиозную живопись XV века во Франции возглавляли провансальский художник Ангерран Картон (1410–1466), прославившийся «Авиньонской пьетой» (около 1455, Лувр), и придворный живописец Жан Фуке (1420–1481), известный таким произведением, как «Меленский диптих» (около 1450–1455).

Фламандский реализм и точность очевидны и в работах немецких художников: Стефана Лохнера («Страшный суд», 1440-е годы), Лукаса Кранаха Старшего («Адам и Ева», 1528), Ганса Бальдунга Грина («Алтарь Девы Марии» во Фрайбургском соборе, 1514) и Ганса Гольбейна Старшего («Сцены из Страстей Христовых», Кайсхаймский алтарь, 1502). Среди других немецких мастеров — экспрессионист Маттиас Грюневальд (Изенгеймский алтарь, 1512–1516), разносторонний гравёр и художник Альбрехт Дюрер («Четыре всадника Апокалипсиса», 1498, гравюра на дереве) и Мартин Шонгауэр («Мадонна в розовой беседке», 1473).

Историческая справка: протестантская Реформация
В 1517 году немецкий монах и богослов Мартин Лютер — несомненно, под влиянием более раннего выступления Савонаролы (1452–1498) во Флоренции — начал религиозное движение против коррупции в Римской церкви, приведшее к расколу христианства. Протестующих стали называть протестантами, а те, кто остался верен традиционной церкви, называли себя католиками. Протестантизм (который, в свою очередь, разделился на четыре основных течения: лютеранство, кальвинизм, англиканство и анабаптизм) укоренился в странах Северной Европы — Нидерландах, Германии (кроме Баварии) и Великобритании, тогда как страны Южной Европы — Франция, Италия и Испания с её владениями, например Фландрией, — остались католическими.

Искусство эпохи Реформации

Примерно с 1520 года, когда Северное Возрождение ощутило влияние выступления Лютера против порочной практики Римской церкви, утвердилась новая эстетика — протестантское реформационное искусство. Она отражала повестку протестантского движения, отвергала гуманистическое искусство и идеологию Высокого Возрождения и провозглашала более строгий религиозный опыт с минимумом декора. В результате количество заказов на религиозное искусство от протестантских церковных властей резко сократилось, и художникам в протестантских странах пришлось переключиться на светские жанры: бытовую живопись, портрет, пейзаж и натюрморт.

Протестантское искусство

Протестантизм проповедовал сдержанную, личную форму богослужения, сосредоточенную на прямых отношениях между Богом и человеком — без посредничества пап, епископов и других церковнослужителей. Декоративным и церемониальным сторонам религии он большого значения не придавал. Поэтому протестантское искусство отдавало предпочтение скромным, нравоучительным изображениям повседневной жизни или простым повествовательным сценам из Библии, а не драматическим богословским сюжетам Страстей, Распятия и Воскресения Христа. Встречались и изображения грешников, прощённых Христом, — в согласии с протестантской идеей спасения только по благодати Божьей. По той же причине популярность набирали книжные иллюстрации и гравюры, тогда как католические картины и скульптуры становились мишенями иконоборцев, как во время Иконоборческого восстания 1566 года.

При этом протестантские церковные власти хорошо понимали силу искусства в просвещении прихожан. Они активно использовали разные формы печатной графики — она делала изображения широко доступными по очень низкой цене.

Протестантская эстетика достигла апогея в эпоху голландского барокко (около 1600–1680). Этот период, известный как Золотой век голландского искусства, довёл до совершенства реализм, заложенный ранее фламандцами. Хотя портреты и пейзажи тоже были популярны, вершиной этого периода считаются бытовая живопись голландского реализма и натюрморт. Ведущие жанровые художники принадлежали к разным школам. Адриан ван Остаде и католик Ян Стен представляли харлемскую школу; Ян Вермеер и Питер де Хох — делфтскую; Хендрик Тербрюгген и Геррит ван Хонтхорст — утрехтскую; Геррит Доу — лейденскую; Самуэль ван Хогстратен и Николас Мас входили в дордрехтскую школу; Карел Фабрициус, Герард Терборх и Габриэль Метсю работали в амстердамской.

Многие бытовые картины содержат тонкие моральные послания о том, как вести христианскую жизнь, и не столь тонкие намёки на опасности порока. Эта сдержанная иконография контрастировала с яркими библейскими сценами — «Распятием» и «Оплакиванием», — которые предпочитало католическое искусство. Ещё один пример моралистического жанра — натюрморт. Так называемый ванитас представлял собой композиции из еды и предметов, расставленных на столе, с символическими посланиями против чревоугодия и чувственных удовольствий. Существовали две разновидности картин ванитас: «роскошные натюрморты» (pronkstilleven) и «завтраки» (ontbijtjes). Представителями «пронкстиллевена» были Хармен ван Стенвейк (1612–1656), Ян Давидс де Хем (1606–1684) и Виллем Кальф (1622–1693). Ведущими мастерами «завтраков» — Виллем Клас Хеда (1594–1680) и Питер Клас (1597–1660).

Даже в протестантском Амстердаме сохранялся скромный спрос на религиозные картины. Одним из самых важных заказов молодого Рембрандта стали пять картин на тему Страстей Христовых для принца Фредерика Генриха Оранского, ведущего военачальника голландцев в войнах против католической Испании. Рембрандт и стал величайшим религиозным художником голландского протестантизма. Среди его известных работ: «Ослепление Самсона» (1636), «Жертвоприношение Исаака» (1635), «Сусанна и старцы» (1647), «Вирсавия» (1654), «Иаков благословляет сыновей Иосифа» (1656) и «Возвращение блудного сына» (около 1668).

Католическое искусство Контрреформации

Римско-католическая церковь ответила на Реформацию Контрреформацией. Искусство католической Контрреформации должно было донести отличительные принципы католической литургии и веры и тем укрепить популярность католицизма. Оно возникло одновременно с набиравшим в Италии силу маньеризмом — очень выразительным стилем, использовавшим искажение ради эффекта, как в картине Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей» (1535, Уффици). Обеспокоенные тем, что католическое искусство придаёт слишком большое значение декоративности в ущерб религиозным ценностям и теряет воспитательное воздействие на прихожан, церковные власти постановили: библейское искусство должно быть прямым и убедительным в повествовании, точным, а не вымышленным, и, прежде всего, поощрять благочестие. Нагота и другие неприемлемые изображения были запрещены. Примером благочестивого художника-маньериста, адаптировавшего свой стиль под учение Церкви, стал Федерико Бароччи (1526–1612).

Единственной целью искусства Контрреформации было прославление Бога, католических традиций, таинств и святых. Фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле подверглась резкой критике за наготу, за безбородого Иисуса и за языческого персонажа Харона. Картина Паоло Веронезе «Тайная вечеря» — за огромную толпу, экстравагантные костюмы, пьяных немцев и карликов. Веронезе решил проблему просто: переименовал картину в «Пир в доме Левия».

Началась Контрреформация как борьба за сердца и умы христиан, «перешедших» в протестантизм. С этой целью в 1540 году папа Павел III официально утвердил Общество Иисуса (Societas Jesu), основанное Игнатием Лойолой и широко известное как орден иезуитов, — важный учебный и миссионерский орден. Искусство иезуитов было призвано вдохновлять. Архитектору Джакомо Бароцци да Виньоле поручили спроектировать церковь нового ордена — церковь Святого Имени Иисуса (Иль-Джезу, 1568–1584), для которой художник барокко Джованни Баттиста Гаулли написал сказочные потолочные росписи с иллюзорным «обманом зрения» (trompe-l’œil). Другая иезуитская церковь, Сант-Иньяцио, стала местом создания, возможно, величайшего образца квадратуры — «Апофеоз святого Игнатия» (1691–1694) Андреа Поццо. Это один из лучших примеров живописи Контрреформации и наглядная разница между протестантским и католическим искусством.

Рубенс

Благочестивый католик, фламандский художник Питер Пауль Рубенс (нидерл. Pieter Paul Rubens; 1577–1640) стал самым влиятельным представителем живописи Контрреформации в Северной Европе. Известный крупномасштабными религиозными и историческими картинами, полными чувственных красок и драматизма, он вращался в высших кругах европейского общества как художник и дипломат. Несмотря на дистанцию, отделявшую Рубенса от обычного прихожанина, некоторые его католические картины — как знаменитый триптих «Снятие с креста» (1612–1614) — очень трогательны, а влияние его на последующих художников было огромным. См. также: «Самсон и Далила» (около 1610).

Караваджо

Итальянский художник раннего барокко Караваджо (итал. Michelangelo Merisi da Caravaggio; 1571–1610) был одним из героев художественной кампании католической Контрреформации — не из-за благочестия, а потому что изображал Христа, Деву Марию, апостолов и святых с невероятным натурализмом. Безупречный реализм Караваджо оказался идеальным стилем для послания Церкви: он придавал ключевым библейским событиям непосредственность, которой не мог добиться ни один другой художник. Отказавшись от условностей позднего маньеризма — стиля, понятного лишь образованному меньшинству, — он мгновенно добился того вдохновляющего эффекта, которого требовал Тридентский собор.

Среди его величайших работ: «Призвание апостола Матфея» (1600), «Мученичество святого Матфея» (1600), «Обращение Савла» (1601), «Ужин в Эммаусе» (1602), «Положение во гроб» (1601–1603), «Распятие святого Петра» (1601) и «Успение Богоматери» (1601–1606). Его драматическое использование света и тени после его смерти продолжили последователи, а сам приём породил целое направление — караваджизм.

Эль Греко и испанская школа

Испания — единственное европейское государство, вышедшее из долгой религиозной борьбы между христианством и исламом (мусульманское правление на большей части Пиренейского полуострова длилось с 711 по 1492 год). Поэтому неудивительно, что испанская школа живописи создала форму христианского искусства, отвечавшую бескомпромиссной преданности страны католичеству. Её величайшим представителем стал Доменикос Теотокопулос (греч. Δομήνικος Θεοτοκόπουλος; 1541–1614), известный как Эль Греко. Обучившись византийской иконописи, он работал в Венеции, а затем поселился в Испании. Здесь он создал серию экстатических портретов Христа и святых, обращавшихся к духовным чувствам зрителя напрямую. Эти мощные священные картины с удлинёнными фигурами, искажённой перспективой и неестественными цветами сделали Эль Греко отцом искусства Контрреформации в Испании. Его самые известные католические картины: «Троица» (1577–1579); «Снятие одежд с Христа» (1579); «Погребение графа Оргаса» (1586); «Христос, изгоняющий торговцев из храма» (около 1600); «Воскресение» (около 1600) и «Снятие пятой печати» (около 1608). Натурализма Караваджо в них нет, зато есть духовная сила, полностью соответствовавшая доктринальным требованиям Ватикана.

После Эль Греко пришёл Франсиско де Сурбаран (1598–1664), художник, находившийся под сильным влиянием испанского квиетизма и специализировавшийся на крупномасштабных священных картинах для религиозных орденов — картезианцев, капуцинов, доминиканцев и других. Современник Сурбарана Хусепе де Рибера (1591–1652) был ключевой фигурой неаполитанской школы живописи (1600–1656) и одним из первых последователей Караваджо. Работы обоих известны визуальной правдивостью, смелой светотенью и тенебризмом, придававшими им драматизм и насыщенность. См. также: «Христос Распятый» (1632) Диего Веласкеса.

Духовное напряжение, достигавшееся испанскими художниками, заметно и в работах испанских скульпторов. Среди них: Алонсо Берругете (около 1486–1561), величайший скульптор испанского Возрождения, чьи шедевры включают алтарь монастыря Ла Мехорада в Вальядолиде (1526) и хоры собора Толедо (1539–1543); Хуан де Хуни (1507–1577), известный эмоциональной выразительностью, как в двух его скульптурных группах «Погребение Христа» (1544 и 1571); Хуан Мартинес Монтаньес («Бог дерева»), автор деревянных распятий и религиозных фигур вроде «Милосердного Христа» (1603) и алтаря Сантипонсе (1613); и Алонсо Кано («испанский Микеланджело»), чьим шедевром стало «Непорочное зачатие» (1655).

Бернини и итальянская школа

Ни один другой итальянский художник не воплотил искусство католического барокко лучше, чем Джан Лоренцо Бернини (итал. Gian Lorenzo Bernini; 1598–1680). Его религиозные произведения включают скульптурный шедевр «Экстаз святой Терезы» (1645–1652) в специально спроектированной капелле Корнаро церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Стиль барокко породил и мелодраматическую архитектуру — примером служат проект Бернини для площади Святого Петра (1656–1667) и колоннада перед базиликой Святого Петра в Риме. Соперником Бернини по положению (но не по стилю) был уроженец Франции Никола Пуссен (1594–1665), основоположник французского классицизма, чьи религиозные полотна включают «Мученичество святого Эразма» (1628), «Чуму в Ашдоде» (1630), «Сбор манны небесной» (1639), «Моисея, попирающего корону фараона» (1645) и «Святое семейство на ступенях» (1648). Другими его конкурентами были Франсуа Дюкенуа (1594–1643) и Алессандро Альгарди (1598–1654).

Примечание. Немецкая барочная скульптура тоже могла вызывать трепет. Посмотрите, например, на необычный Высокий алтарь Девы Марии (1613–1616) в церкви Святого Николая в Юберлингене, созданный мастером-резчиком Йоргом Цюрном (1583–1638).

Церковные росписи (квадратура)

Вероятно, самой зрелищной формой христианской церковной живописи были потолочные фрески — так называемая квадратура, часто с элементами «обмана зрения» (trompe-l’œil). Роспись сводчатых и купольных потолков церквей началась в эпоху Возрождения в Италии. Примеры ренессансных работ: фреска Sala delle Prospettive (около 1517, Вилла Фарнезина) Бальдассаре Перуцци и «Вознесение Девы Марии» (1524–1530) Корреджо на куполе Пармского собора.

Среди барочных фресок — знаменитая «Аврора» (1621–1623, Казино Людовизи, Рим) Гверчино и Агостино Тасси; «Вознесение Девы Марии» (1625–1627) на куполе церкви Сант-Андреа-делла-Валле Джованни Ланфранко (1582–1647); фрески Палаццо Барберини кисти Пьетро да Кортона, в том числе «Аллегория Божественного Провидения» (1633–1639); и «Апофеоз святого Игнатия» (1691–1694, Сант-Иньяцио, Рим) Андреа Поццо.

Примечательные фрески в стиле рококо созданы Джамбаттистой Тьеполо: фрески Палаццо Лабиа (около 1745) в Венеции, росписи Вюрцбургской резиденции (1750–1753) в Германии и фреска «Апофеоз Испании» (1763–1766) в Королевском дворце Мадрида.

Архитектурные росписи церквей

Интересной особенностью христианской графики периода барокко были архитектурные рисунки, гравюры и картины с изображением церковных интерьеров. Тремя ведущими представителями жанра были: художник из Харлема Питер Санредам, известный архитектурной точностью и изображениями побелённых церковных интерьеров («Интерьер церкви Бюркерк в Утрехте», 1645); Эманюэл де Витте, которого интересовали не столько технические подробности, сколько атмосфера церкви («Интерьер португальской синагоги в Амстердаме», 1680); и итальянский живописец (ведутист) Джованни Паоло Панини («Интерьер собора Святого Петра в Риме», 1731).

Церковная архитектура барокко

Архитектура барокко отказалась от сбалансированной симметрии Ренессанса в пользу драматических изогнутых линий и поверхностей, объединявших искусство и архитектуру в одно динамичное целое с иллюзорными эффектами света, цвета и текстуры. Церквям барокко свойственно сочетание куполов, богато украшенных часовен, фресок в технике квадратуры и других декоративных элементов. Примеры — четыре следующих сооружения.

Базилика Святого Петра (Рим) (1506–1626)
Построенная на месте захоронения Святого Петра во времена императора Константина I, базилика Святого Петра — одна из главнейших святынь католического мира. Нынешнее здание проектировали Донато Браманте, Микеланджело, Карло Мадерно и Бернини; оно отмечает художественный переход от Ренессанса к барокко. Венчает базилику купол высотой около 136 метров. Внутри — бесценные произведения искусства, включая мраморную «Пьета» Микеланджело (1498–1499), вырезанную художником из цельного блока каррарского мрамора в возрасте около двадцати четырёх лет. Собор Святого Петра связан с раннехристианской церковью, папством и Контрреформацией и считается величайшим зданием своего времени.

Базилика Санта-Мария-делла-Салюте, Венеция (1631–1687)
Спроектированная итальянским архитектором Бальдассаре Лонгеной в знак благодарности Деве Марии за избавление города от чумы, эта двухкупольная базилика на полуострове между Гранд-каналом и набережной Дзаттере сочетает черты греческой, исламской и классической барочной архитектуры. Это одна из самых известных достопримечательностей города.

Собор Святого Павла, Лондон (1675–1710)
Спроектированный сэром Кристофером Реном, собор Святого Павла стоит на месте первоначальной церкви, основанной в 604 году. Резиденция епископа Лондона была построена в рамках крупной программы восстановления после Великого лондонского пожара, которую курировал Рен. Его купол высотой 111 метров — одна из самых узнаваемых достопримечательностей Лондона.

Аббатство Мельк, Австрия (1702–1736)
Спроектированное и построенное австрийским архитектором Якобом Прандтауэром, оно сочетает итальянское барокко с традиционным австрийским зодчеством. Церковь аббатства стоит на высоких скалах над Дунаем, с высоким куполом и двумя башнями. Экстерьер образует массу волнистых поверхностей; интерьеры украшали многие ведущие художники Австрии. Внутри — несколько знаменитых мест, включая Мраморный зал, Императорскую лестницу и библиотеку с обширным собранием редких средневековых текстов.

Христианское искусство в современную эпоху

К середине XVIII века католические страны были переполнены соборами, церквями, аббатствами и монастырями — в некоторых городах, таких как Неаполь, их количество было почти абсурдным, и церковные заказы стали иссякать. С наступлением эпохи Просвещения, промышленной революции и политических потрясений вроде Французской революции 1789 года христианская церковь в Европе уступила позиции национализму, социализму и другим системам ценностей. Денег на религиозные статуи и другие виды искусства у неё стало меньше. К XIX веку церковь уже не была самым значительным покровителем искусств — её опередили монархи и аристократия, а спрос среднего класса на портреты, топографические пейзажи и другие светские произведения быстро рос. Художник мог сделать успешную карьеру в портретном искусстве или в разных видах пейзажной живописи, ни разу не обратившись к религиозным сюжетам — прежде немыслимое в католических странах, но давно нормальное в протестантских.

Значительное количество новых церквей возводилось только в Новом Свете. Основным архитектурным стилем был, как правило, неоренессанс: см., например, Балтиморскую базилику в неоклассическом стиле (1806–1821), первый римско-католический собор Соединённых Штатов, спроектированный Бенджамином Латробом; собор Святого Патрика в Нью-Йорке (1858–1879) по проекту Джеймса Ренвика; Троицкую церковь Ричарда Апджона в Нью-Йорке (1839–1846), ещё один шедевр неоготики; Троицкую церковь в Бостоне (1872–1877) Генри Гобсона Ричардсона в неороманском стиле.

Единственный крупный новаторский образец христианской церковной архитектуры XIX века в Европе — Храм Святого Семейства в Барселоне (Саграда Фамилия): строительство началось в 1882 году, а в 1883-м руководство принял Антонио Гауди, работавший в очень декоративной неоготической манере. Прославляя Святое Семейство и таинства католической веры, эта необычная церковь с древовидными сводами насчитывает пять нефов и восемнадцать башен по проекту. Построенное из камня и бетона, здание частично украшено керамической плиткой и многочисленными скульптурами, но до сих пор не завершено. Гауди вдохновлялся движением «Искусства и ремёсла» и принадлежал к школе каталонского модернизма.

Уменьшение числа новых церквей означало меньше заказов на скульптуру и церковное убранство. Но кое-что всё же появлялось: «Христос-Искупитель» (1926–1931), огромная статуя из талькохлорита над Рио-де-Жанейро в Бразилии. Это самая большая статуя в стиле ар-деко в мире, спроектированная Эйтором да Силва Коштой и выполненная скульптором Полем Ландовски. Среди других примечательных произведений современной христианской скульптуры: «Тарцизий, христианский мученик» (1868, мрамор, Музей Орсе) Александра Фальгьера; «Книга Бытия» (1929–1931, Художественная галерея Уитворта, Манчестер) и «Адам» (1938, Хэрвуд-хаус) — обе работы Джейкоба Эпштейна.

Христианская живопись пострадала от упадка религиозной веры сильнее других видов, хотя и в эту эпоху появлялись исключительные работы. Двумя заметными группами религиозных художников были назарейцы и представители русской школы.

Принадлежавшие к романтическому крылу немецкого искусства XIX века, назарейцы были группой художников-идеалистов из Вены, чьи духовные картины напоминали немецкое средневековое искусство и живопись раннего Возрождения. Среди ведущих участников — Фридрих Овербек, Франц Пфорр, Вильгельм фон Шадов и Юлиус Шнорр фон Карольсфельд. Прозвище они получили за библейскую одежду, длинные волосы и благочестивый образ жизни.

Русское искусство XIX века подарило миру выдающиеся произведения христианской живописи. Среди ведущих художников: Антон Лосенко (1737–1773), профессор исторической живописи Петербургской академии художеств (см. его вдохновлённые Ренессансом работы «Чудесный улов» и «Жертвоприношение Авраама») и влиятельный Александр Иванов (1806–1858), среди работ которого огромное полотно «Явление Христа народу» (1837–1857), писавшееся двадцать лет. Позже в том же веке несколько передвижников создали замечательные христианские картины с уникальной духовной силой: «Тайная вечеря» (1863) Николая Ге; «Воскрешение дочери Иаира» (1871) Ильи Репина; «Христос в пустыне» (1872) Ивана Крамского и «Что есть истина?» (1890) Николая Ге; «Христос и грешница» (1887) Василия Поленова.

Среди других выдающихся христианских картин: «Анжелюс» (1859) барбизонского реалиста Жана-Франсуа Милле; «Христос перед Пилатом» (1881) венгерского реалиста Михая Мункачи; «Въезд Христа в Брюссель в 1889 году» (1888) бельгийского символиста Джеймса Энсора; «Христианская реликвия» (1893) испанского реалиста Хоакина Сорольи; незаконченная картина «Адам и Ева» (1918) венского мастера Густава Климта; «Ecce Homo» (1925) немецкого экспрессиониста Ловиса Коринта; серия «Кричащий папа» (1953) Фрэнсиса Бэкона, вдохновлённая «Портретом папы Иннокентия X» Веласкеса (1650); панно Марка Ротко для часовни в Хьюстоне, задуманной как пространство тихой медитации; «Распятие 3.85» (1985) Антонио Сауры, вдохновлённое «Распятием» Веласкеса (1632).

Существует и множество экспрессионистских работ французского художника-католика Жоржа Руо — в частности, его серии «Святой Лик», «Распятие» и «Поругание Христа», которые делают его одним из самых значительных христианских художников XX века. Подобной чести мог бы удостоиться и Марк Шагал, чьё творчество в жанре еврейского искусства и сцены из Ветхого Завета были дополнены серией на религиозные темы — «Библейское послание», ныне экспонируемой в музее в Ницце. Шагал также выполнил витражи для соборов Меца (1960-е годы) и Реймса (1974) и для синагоги Хадасса недалеко от Иерусалима, а ещё был известен своими гобеленами для Кнессета.

История собора в Ковентри добавляет этому жанру особый смысл. Старый храм Святого Михаила рухнул под бомбами в 1940 году, а в 1962 году рядом с руинами освятили новое здание по проекту Бэзила Спенса. Старая и новая церкви стоят рядом, и руины так и оставили как памятник.

Другой современный христианский гобелен — 23-метровый «Христос во славе» (1962), заказанный для ковентрийского собора и созданный по эскизу Грэма Сазерленда (1903–1980). Он висит за главным алтарём нового здания. Соткали его на мануфактуре Pinton Frères во французском Феллетене.