Направления актуального искусства (с 1970 по настоящее время) читать ~36 мин.

Ниже мы перечислим основные школы и стили «Актуального искусства», возникшие с конца 1960-х годов. Поскольку «актуальное искусство» вытеснило «искусство модерна», его также называют постмодернистским искусством. Обратите внимание, однако, что переход от модернизма к постмодернизму был постепенным и произошёл в течение десятилетия 1960-х годов. Таким образом, оба стиля сосуществовали друг с другом в течение этого времени.

Кроме того, обратите внимание, что одно из самых важных различий между современным и постмодернистским искусством касается принижения значения «готового продукта». Целью почти всех модернистов, например, было создание долговечного и уникального произведения искусства, такого как картина, скульптура, рисунок или другой вид объекта. Напротив, постмодернистские художники меньше заинтересованы в таком виде продукта и больше – в идеях, лежащих в его основе. Это помогает объяснить рост новых видов искусства – таких как инсталляции (включая звуковые и видеоинсталляции), концептуализм (широкая категория «искусства идей»), хэппенинги (вид перформанса), видеоинсталляции, проекционный мэппинг и открытые земляные работы (экологические конструкции) – в которых либо нет готового продукта, о котором можно говорить, либо он преходящ и фиксируется только как «событие». Примечательно, что за последние 20 лет Премию Тёрнера за актуальное искусство получили 2 художника, 0 скульпторов и 10 инсталляторов.

ДВИЖЕНИЯ АКТУАЛЬНОГО ИСКУССТВА

Поп-арт (с 1960-х годов)

Поп-арт был одновременно модернистским и актуальным. Вначале он изображал более современную реальность, используя образы кинозвёзд и других знаменитостей, а также товары массового потребления. Но это быстро затмилось постмодернистским акцентом на эффектность и стиль. См. например, наш краткий путеводитель по поп-арту Энди Уорхола шестидесятых годов.

Словесное искусство и словесная живопись (начиная с 1960-х годов)

Word Art был совершенно новой формой живописи или скульптуры, которая использовала текстовые образы. Оно ассоциировалось с такими художниками, как Роберт Индиана (р. 1928), Джаспер Джонс (р. 1930), Он Кавара (1932-2014), Барбара Крюгер (р. 1945) и Кристофер Вул (р. 1955).

Концептуализм (1960-е гг. и далее)

Концептуальное искусство – постмодернистское художественное направление, основанное на принципе, что искусство – это «концепция», а не материальный объект. Иными словами, «идея», которую представляет произведение, считается его основным компонентом, а «готовый продукт», если он вообще существует, рассматривается в основном как форма документации, а не как артефакт.

Истоки концептуализма восходят к Дада и авангардисту начала 20 века Марселю Дюшану, но только в 1960-х годах он стал узнаваемым движением и приобрёл имя. Концептуальное искусство обладает способностью доносить идеи достаточно мощно, поэтому оно послужило популярным средством для социально-политических комментариев. Кроме того, преуменьшая потребность в живописном или скульптурном мастерстве, да и вообще в мастерстве, оно сохраняет подрывную направленность, бросая вызов всей традиции произведения искусства как уникального и ценного объекта.

Некоторые эксперты указывают на то, что эпоха постмодерна требует большего, чем пассивный опыт «просмотра» произведения искусства, и что концептуализм обеспечивает более интерактивный опыт. Помогает ли эта дополнительная развлекательная ценность квалифицировать «идею» как произведение искусства, довольно сомнительно. Работы одного из первых европейских художников-концептуалистов см. также: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956-62).

Иллюстрацией этого вопроса является большая коллекция обуви в Музее Холокоста в Вашингтоне, принадлежавшая жертвам нацистских концлагерей. Было высказано предположение, что это имеет характеристики концептуального произведения искусства, поскольку прохождение мимо огромной кучи обуви помогает нам постичь ужасающую реальность газовых камер. Это действительно так, но, откровенно говоря, это не превращает обувь в произведение искусства или вообще в какое-либо художественное высказывание. (Сравните Искусство Холокоста 1933-45 гг.). Это политическое или историческое высказывание. Таким образом, трудность для концептуализма заключается в том, чтобы показать, как он квалифицируется как искусство, в отличие от развлечения, театра или политического комментария.

Важными представителями концептуализма являются Сол ЛеВитт, Йозеф Бойс, Феликс Гонсалес-Торрес, Ева Гессе, Дженни Хольцер, Джозеф Косут, Барбара Крюгер, Жан Тингели и Лоренс Вайнер. Другие художники, связанные с этим движением: Мел Бохнер, Ханне Дарбовен, Агнес Денес, Ян Диббетс, Ханс Хааке, Он Кавара и Лес Левин.

Перформанс (1960-е годы и далее)

Возникший в Америке и Европе в начале 1960-х годов, Перформанс – это экспериментальная форма искусства, вдохновлённая концептуальным искусством, а также дада, футуризмом, Баухаузом и (в Америке) колледжем Блэк Маунтин. Перформанс, как правило, должен характеризоваться своей «живой» природой – тем, что художник напрямую общается с аудиторией – и его воздействие, будь то забавное или шокирующее, должно быть запоминающимся. Хорошим примером является серия саморазрушающихся машин – вероятно, самые известные примеры кинетического искусства – созданные швейцарским художником Жаном Тингели (1925-1991). Несмотря на это, точное различие между инновационным театром и искусством перформанса трудно обнаружить. Более того, его настойчивое желание быть названным «искусством» – традиционно буржуазным мероприятием – неловко сочетается с его анти-уставной этикой.

Перформанс сегодня включает в себя события и «хэппенинги» визуальных художников, поэтов, музыкантов, кинематографистов, видеохудожников и так далее. В конце 1960-х и в 1970-е годы также появился «боди-арт» – вид перформанса, в котором собственная плоть художника становится холстом и впоследствии «исполняется» в достаточно шокирующей, достойной освещения в СМИ манере (подробнее см. ниже).

В 1980-х годах перформанс все больше полагался на технологии (видео, компьютеры) для передачи своего «художественного» послания. Современные художники, связанные с этим жанром, включают новатора Аллана Капроу (1927-2006), Ива Кляйна (1928-1962), Гилберта и Джорджа (р. 1943, 1942) и экстраординарного Йозефа Бойса (1921-1986), который создал новаторский перформанс «Как объяснить картины мёртвому зайцу» (1965). Другой художник-новатор – американский кореец Нам Джун Пайк (1932-2006), который начинал с перформанса, затем работал с телевизорами и видео, а после – с инсталляциями.

Движение Флюксус (1960-е годы)

Флюксус – авангардная группа художников (ее название в переводе с латыни означает «текучий») под руководством теоретика искусства литовского происхождения Джорджа Мачюнаса (1931-1978), которая сначала появилась в Германии, затем распространилась по другим европейским столицам, а затем в Нью-Йорке, который стал центром её деятельности. Его заявленные цели – запутанная смесь «революционных» и «антихудожественных» форм искусства – продолжали традиции Дада, фокусируясь на хэппенингах (известных в Германии как Aktions) и различных видах уличного искусства.

Среди ведущих членов группы были немецкий концептуальный художник Йозеф Бойс, концептуалистка японского происхождения Йоко Оно и немецкий перформансист и видеохудожник Вольф Востелл (р. 1932). Конечной целью Мачюнаса было избавиться от всего изобразительного искусства на том основании, что оно является пустой тратой ресурсов и не более чем буржуазной индульгенцией. Художники Флюксуса сотрудничали, смешивая различные медиа (визуальные, литературные, музыкальные) в ряде «событий», включающих инсталляции, хэппенинги, фотографию и кино. Фестивали современного искусства Fluxus проводились в 60-е годы в Амстердаме, Копенгагене, Дюссельдорфе, Лондоне, Париже и Нью-Йорке. См. также Венский акционизм, в разделе Боди-арт, ниже.

Инсталляция (1960-е гг. и далее)

Искусство инсталляции – это новый вид искусства, который стал известен в США в 1960-х годах, хотя идея восходит к сюрреалистическим выставкам Марселя Дюшана и других, когда произведения искусства располагались таким образом, чтобы создать сложную и убедительную среду. Русский художник и дизайнер Эль Лисицкий был ещё одним пионером, чья «Проун-комната» 1923 года на Берлинском вокзале была ранним типом инсталляции, как и заполненные помещениями Merzbilder конструкции Курта Швиттерса (1887-1948).

Другие более поздние примеры включают «Пространственные среды» Лучио Фонтана 1950-х годов и выставку Ива Кляйна 1958 года «Le Vide» («Пустота»), которая представляла собой пустой зал галереи. Кроме того, в 1960-х годах Groupe Recherche d’Art Visuel создала ранние инсталляции в виде кинетических световых сред. Инсталляция обычно занимает целое пространство, например, комнату или большую площадь, и состоит из нескольких различных компонентов.

Американский скульптор Эд Кинхольц в 1960-х годах использовал автомобили и мебель учреждений, чтобы представить инсталляцию, комментирующую смерть и социальные проблемы. Его коллега, скульптор Джордж Сигал, использовал гипсовые фигуры в натуральную величину, изображённые в повседневной обстановке (например, в ожидании поезда метро), чтобы прокомментировать обыденность. Среди других недавних художников-инсталляторов – Ребекка Хорн, Брюс Науман, Кристиан Болтански, Ричард Уилсон и Трейси Эмин. См. также светодиодные инсталляции – разновидность кинетического искусства – Тацуо Миядзимы (р. 1957).

Видеоинсталляции (начиная с 1960-х годов)

В 1960-х годах художники начали использовать видео в попытке переосмыслить искусство. Ряд видеохудожников, например, бросили вызов предвзятому представлению об искусстве как о высокопробном, дорогостоящем и ценимом только элитой общества. Другие использовали видео, чтобы разрушить представление об искусстве как о товаре – уникальном «готовом продукте» – сделав своё видеоискусство «опытом» (а не чем-то собственным), или инструментом для изменений, носителем идей.

Видео также позволяет художнику показать фактический процесс создания искусства. Как правило, видеоинсталляции сочетают видео со звуковой дорожкой и/или музыкой, а также могут включать другие интерактивные устройства, полностью используя окружающую среду для стимулирования аудитории. К пионерам видеоинсталляции относятся: Нам Джун Пайк (1932-2006), чьи инсталляции 1960-х годов обычно включали несколько телевизионных мониторов в скульптурных композициях; а также Энди Уорхол (1928-1987), Питер Кампус (р.1937), Вольф Востелл (р.1932), Билл Виола (р.1951), Гэри Хилл и Тони Оурслер. В Великобритании к видеохудожникам относятся: Лор Прувост, Элизабет Прайс, Джереми Деллер, Стив Маккуин, Джиллиан Уоринг, Дуглас Гордон, Сэм Тейлор-Вуд, Дэвид Холл и Тони Синден и многие другие.

Минимализм (1960-е гг. и далее)

Возникший в Америке во второй половине 60-х годов, Минимализм, является утончённой формой абстрактного искусства, которая сменила постживописную абстракцию (разновидность позднего абстрактного экспрессионизма) и стала влиятельным стилем во всем мире в скульптуре, живописи и архитектуре. В области изобразительного искусства минимализм характеризуется предельной простотой форм и намеренным отсутствием выразительного содержания. Предметы представлены в их элементарной, геометрической форме, полностью лишённой эмоций. Минималистские работы (скульптура и живопись) часто состоят из голых однородных элементов, образующих некую сетку или узор. Регулярность почти необходима, чтобы свести к минимуму любой отблеск экспрессионизма.

Минимализм был последней стадией в логическом развитии абстрактного экспрессионизма, стиль которого прошёл путь от жестикуляции (action-painting) к плоскостной работе (живопись цветного поля) к резко определённым геометрическим плоскостям и узорам (живопись с жёсткой гранью) к минимальному искусству. На этом пути оно постепенно избавлялось от всех чувств и эмоций, пока не пришло к строгой и безличной форме так называемой художественной чистоты или истины. Все, что остаётся, – это интеллектуальная идея произведения: никаких эмоций. Вот почему минимализм близок к концептуализму – оба они озабочены основной идеей или концепцией создаваемого произведения.

Важные скульпторы-минималисты: Карл Андре (р.1935), Дон Джадд (1928-1994), Сол ЛеВитт (1928-2007), Роберт Моррис (р.1931), Ричард Серра (р.1939) и Тони Смит (1912-1980). К художникам-минималистам относятся Агнес Мартин (1912-2004), Ад Рейнхардт (1913-1967), Эллсворт Келли (р.1923), Кеннет Ноланд (р.1924), Роберт Райман (р.1930) и Фрэнк Стелла (р.1936).

Фотореалистическое искусство (гиперреализм) (1960-е, 1970-е)

Фотореализм – стиль живописи, появившийся в конце 1960-х годов, в котором объекты (люди или городские сцены) рисуются в высокодетализированной манере, напоминающей фотографии. Большинство практикующих художников работают непосредственно с фотографий или цифровых компьютерных изображений, а предметы довольно банальны и не представляют особого интереса.

Вместо этого основное внимание уделяется точности и детализации, достигнутым художником, и их воздействию на зрителя. Фотографический реализм был в значительной степени вдохновлён поп-артом – банальные предметы были характерны для обоих, и некоторые художники (например, Малкольм Морли и Мел Рамос) использовали оба стиля. Однако фотореализму не хватает причудливого или ироничного юмора поп-арта, и он может быть даже слабо тревожным.

Более того, как ни парадоксально, его микроскопическая, неизбирательная детализация может создавать эффект «нереальности». К ведущим представителям движения суперреалистов относятся Ричард Эстес, специализирующийся на уличных сценах со сложными отражениями в стекле, и Чак Клоуз, специализирующийся на монументальных изображениях невыразительных лиц. Среди других художников-гиперреалистов – Роберт Бехтль, Одри Флэк, Ральф Гоингс и Джон Доэрти. Среди скульпторов-гиперреалистов – Дуэйн Хэнсон (1925-1996), Джон де Андреа (р.1941), Кэрол Фойерман (р.1945), Рон Мюк и Роберт Гобер.

Земляные работы (экологическое искусство)(1960-е, 1970-е)

Лэнд-арт, возникший в основном в США в 1960-х годах, использует ландшафт или взаимодействует с ним для создания художественных форм или «событий». Под разными названиями, он обычно переделывает природные формы или улучшает их с помощью искусственных материалов. Пионерами этого вида искусства являются Роберт Смитсон, Ричард Лонг и Энди Голдсуорти, а также интервенционисты Кристо и Жанна-Клод.

Отметим, что лэнд-арт существенно отличается от рукотворных памятников, таких как Стоунхендж. Последний был воздвигнут в связи с его церемониальным или религиозным значением и не считается элементом земли. Даже знаменитые президентские портреты на горе Рашмор, хотя и являются произведениями искусства, не могут считаться лэнд-артом, поскольку они посвящены не земле, а изображениям, сделанным на ней. О похожих стилях см. Художественные направления, периоды, школы (примерно со 100 г. до н.э.).

Современная фотография (начиная с 1960-х годов)

До начала 1960-х годов фотография была обусловлена пикториализмом и портретной фотографией. С тех пор документальная фотография, все более сложная фотография моды и растущий жанр уличной фотографии стали основными движущими силами. Также популярны современные портреты знаменитостей. Современные фотографы, занимающиеся фотожурналистикой, включают Дона Маккаллина (р.1935) и Стива Маккарри (р.1950); а лучшие фотографы моды включают Хельмута Ньютона (1920-2004), Дэвида Бейли (р.1938), Ника Найта (р.1958) и Дэвида ЛаШапеля (р.1963). Уличную фотографию иллюстрируют Гарри Виногранд (1928-1984) и Нан Голдин (р.1953), а постмодернистский портрет – Дайана Арбус (1923-1971) и Энни Лейбовиц (р.1949).

Арте Повера (1966-71)

Название «бедное искусство» дал итальянский критик Джермано Челант (который также написал влиятельную книгу под названием «Arte Povera: Концептуальное, актуальное или невозможное искусство»), Arte Povera был антикоммерческим стилем искусства, который был озабочен в основном физическими качествами используемых материалов. Последние обычно состоят из обычных или никчёмных вещей, таких как обрывки газет, старая одежда, земля, металлические фрагменты и так далее, хотя на практике иногда используются довольно сложные и дорогие материалы.

Арте Повера была инициирована группой авангардных художников в Италии, в которую входили: Пьеро Манцони (1933-1963), Марио Мерц (1925-2003), Микеланджело Пистолетто (р.1933), Пино Паскали (1935-1968), Яннис Кунеллис (р.1936), Лучано Фабро (р.1936), Джильберто Зорио (р.1944) и Джузеппе Пеноне (р.1947). Другой важной фигурой был туринский арт-дилер и промоутер Энцо Спероне.

Опоры-поверхности (ок. 1966-72)

Supports-Surfaces была концептуалистской группой молодых французских художников левого толка, которые выставлялись вместе примерно с 1966 по 1972 год. (Название было выбрано довольно запоздало для их выставки «Animation, Recherche, Controntation» в Музее современного искусства Вилле де Пари).

В группу входили Андре-Пьер Аарналь, Винсент Биулес, Луи Кан, Марк Деваде, Даниэль Делез, Ноэль Долла, Тони Гран, Бернар Пажес, Жан-Пьер Пинсмен, Патрик Сайтур, Андре Валенси и Клод Виаллат. Группа стремилась лишить искусство его символических и романтических качеств – освободить его от тирании вкуса, банальности экспрессионизма, сентиментальности позднего сюрреализма и чистоты художественного бетона, как они выражались – и поэтому они деконструировали акт живописи до его основных физических свойств – холста и подрамников (рам).

Известная своими гастрольными выставками на открытом воздухе, группа использовала в своих работах различные необычные материалы, такие как камни, вощёная ткань, картон и верёвка, а сами работы часто складывались, сминались, сжигались или красились и выставлялись на полу или висели без рамы. Они издавали многочисленные пояснительные трактаты и плакаты, пытаясь объяснить свои действия, и регулярно издавали журнал «Peinture/Cahiers Theoretiques». В целом их работы можно интерпретировать как вариант концептуализма.

Современный реализм

Термин, используемый в узком смысле для обозначения американского стиля живописи, возникшего в конце 1960-х – начале 1970-х годов в творчестве целого ряда художников, таких как Филип Перлштейн, Нил Велливер и Уильям Бейли. Для него характерны фигуративные работы, выполненные в сыром объективном стиле, без искажений кубистской или экспрессионистской интерпретации. Современные реалисты сознательно отказались от абстрактного искусства, предпочитая изображать приземлённые предметы в прямой натуралистической манере.

В более широком смысле термин «современный реализм» охватывает всех художников и скульпторов после 1970 года, которые сосредоточены на изобразительном искусстве, где целью является изображение «реального», а не идеального. Таким образом, жанровые картины или фигуративные работы, чьи объекты изображены (например) в романтическом или ностальгическом свете, исключаются из этого жанра. Общей школы современного реализма как таковой не существует, и многие художники, включая абстракционистов, экспериментировали с этим более традиционным подходом. Возможно, самым интересным представителем современного реализма является мастер фигуративной живописи Люциан Фрейд (1922-2011), чьи мощные исследования человеческого тела сумели передать и грубость, и любовь. О более ранних стилях реалистической живописи см. Движения современного искусства (1870-1970).

Пост-минимализм (1971 и далее)

Словечко, впервые использованное американским художественным критиком Робертом Пинкусом-Виттеном, когда он назвал работы Евы Гессе «постминимализмом» в журнале Artforum в 1971 году. Гессе вместе с другими художниками реагировала против жёсткого и безличного формализма минимального искусства, сосредоточившись на физических и творческих процессах. Этот новый стиль, известный как «Process Art», был очень скоротечным и использовал нестабильные материалы, которые конденсировались, испарялись или разрушались без какого-либо контроля со стороны художника. Это стало тенденцией в результате двух выставок 1969 года: «Когда отношение становится формой» в Кунстхалле Берна и «Процедуры/материалы» в Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке. Среди выдающихся художников-постминималистов, как и Гессе, были американский скульптор Ричард Серра и концептуальный художник немецкого происхождения Ханс Хааке.

В более широком смысле, однако, пост-минимализм (как и постимпрессионизм) охватывает ряд различных стилей, а также видов живописи, скульптуры и других форм современного искусства, которые пришли на смену минимализму в конце 1960-х и 1970-х годах и которые используют его в качестве эстетической или концептуальной точки отсчёта, от которой можно развиваться. Проще говоря, когда художники-минималисты начали применять более концептуальный подход к своему искусству и сосредоточились на передаче единой истины, они постепенно перешли в постминимализм.

Многих художников-концептуалистов часто называют пост-минималистами. Если это звучит слишком сложно, не волнуйтесь: сейчас мы находимся на серьёзной теоретической территории, включающей эпистемологические и онтологические вопросы, для понимания которых требуется степень магистра. Достаточно сказать, что постминимализм (в отличие от постмодернизма) смещает фокус искусства с формы на образ. То, как что-то сделано и передано, становится столь же важным, как и то, что создано.

Феминистское искусство (середина-концовка 1960-х годов и далее)

Феминистское искусство – искусство, созданное женщинами для решения женских проблем – возникло в конце 1960-х годов и исследовало, что значит быть женщиной и художником в мире, где доминируют мужчины. Сначала он появился в Америке и Великобритании, где различные феминистские художественные группы были вдохновлены движением за освобождение женщин, а затем распространился по Европе.

По сравнению с элитарными формальными и обезличенными предметами, которых придерживались мужчины-авангардисты, работы женщин-художниц предлагали эмоции и реальный жизненный опыт. Британские и американские художницы-феминистки использовали изначально женские символические формы, повышая статус так называемых «женских» материалов и практик. Они затрагивали фундаментальные гендерные проблемы, такие как рождение ребёнка, материнство и принуждение к соблазнению, а также более широкие проблемы, такие как расизм и условия труда.

Особый стиль женского искусства, движение «Узор и украшение», возникло в Калифорнии в 1970-х годах и состояло в основном из женщин-художников. Они реагировали на суровую строгость минимализма, сопоставляя одинаковые или похожие узоры и создавая интенсивные слияния цвета и текстуры, используя традиционные ремесленные техники, такие как ткачество, вырезание из бумаги и пэчворк. Их прекрасное использование цвета было вдохновлено французским движением Фове 1900-х годов в Париже, а геометрические и цветочные мотивы были взяты из исламского, дальневосточного, кельтского и персидского искусства.

Среди известных художников-феминисток – американки Нэнси Сперо (1926-2009), Элеонора Энтин (р.1935), Джоан Джонас (р.1936), Джуди Чикаго (р.1939). Мэри Келли (р.1941), Барбара Крюгер (р.1945) и Мириам Шапиро (1923-2015), шведская художница Моника Сью, английская художница Маргарет Харрисон (р.1940) и многие другие. В области пластических искусств одним из великих скульпторов-феминисток была Луиза Буржуа (1911-2010).

Новая субъективность (1970-е)

«Новая субъективность «– так назвал французский куратор и искусствовед Жан Клер международную выставку 1976 года в Национальном музее современного искусства в Центре Помпиду в Париже. На выставке были представлены работы американских, британских и европейских современных художников, которые отвергли доминирующие в современном искусстве абстракцию и концептуализм в пользу возвращения к изображению реальности вещей, хотя и в современной манере. В своих картинах они стремились к тщательному наблюдению за реальным миром.

Представители новой субъективности использовали все форматы холстов – от монументальных до небольших, работали акриловыми красками, маслом, акварелью, а также цветными карандашами и пастелью. Возвращаясь к фигуративности и изображая природу, они изображали виды садов, полей, бассейнов, портреты и натюрморты. Как правило, они были искусными рисовальщиками и художниками с академическим образованием и строили свои картины в соответствии с традиционными для эпохи Возрождения правилами линейной и ариальной перспективы.

Среди известных художников, связанных с Новым Субъективизмом, были английский художник Дэвид Хокни, американский художник (работавший в Англии) Р. Б. Китадж, швейцарский художник Самуэль Бури, французские художники Оливье Оливье, Кристиан Зеймерт, Мишель Парре и Сэм Сафран.

Лондонская школа

Термин, использованный американским художником Р. Б. Китаем в каталоге выставки, организованной им в 1976 году в лондонской галерее Hayward, когда минимализм и концептуализм были в моде. Выставка, озаглавленная «Человеческая глина», была посвящена исключительно фигуративным произведениям рисунка и живописи, а в брошюре Р. Б. Китадж придумал фразу «Лондонская школа» для обозначения отдельных художников, чьи работы были представлены на выставке. С тех пор термин «Лондонская школа» используется для обозначения группы художников, связанных с городом в то время, которые продолжали практиковать фигуративные формы работы перед лицом авангардного истеблишмента.

Среди основных художников, вовлечённых в эту Лондонскую школу, были Майкл Эндрюс, Фрэнсис Бэкон, Люциан Фрейд, Дэвид Хокни (хотя фактически жил в Америке), Говард Ходжкин, Фрэнк Ауэрбах и Леон Коссофф. В конце 1970-х годов, когда минимальное и концептуальное искусство начали угасать, появилось новое поколение фигуративных художников и скульпторов, которые вновь заинтересовались работами этой школы. (Краткий путеводитель по современным художникам Великобритании см: Современная британская живопись.)

Искусство граффити (начиная с 1970-х годов)

Также известный как «уличное искусство», «искусство баллончика» и «аэрозольное искусство», искусство граффити – это стиль живописи, связанный с хип-хопом, культурным движением, возникшим в различных американских городах, особенно в поездах нью-йоркского метро, в 1970-х и 1980-х годах. Би-бои, первое поколение хип-хопа, выразили разочарование городских меньшинств в попытке создать свою собственную форму искусства, некоммерческую, не стремящуюся понравиться широкой публике.

Они использовали трафареты, фломастеры, аэрозольные баллончики и писали промышленными красками и акрилом на всех типах опоры: камне, штукатурке, металле, дереве и пластике. Их «холстами» были поезда метро, стены в городских районах и на промышленных пустырях, подземные переходы, крыши и рекламные щиты. В 1970-х годах искусство граффити распространилось в Европе и Японии и в конце концов перешло с улицы в галерею. (См. биографию Бэнкси, самого известного британского художника-трафаретчика граффити). Однако сердцем движения стал Нью-Йорк.

В Нью-Йорке одним из первых пионеров, известным по тегу TAKI 183, был юноша из Вашингтон Хайтс. Первыми женщинами-граффитистами были Барбара 62 и Ева 62. С 1971 года художники начали использовать фирменные каллиграфические стили, чтобы отличать свои работы, а также стали проникать в депо поездов метро, чтобы наносить свои метки на боковые стенки поездов – процесс, называемый «бомбардировка» – с максимальным эффектом. Таким образом, поезд стал их «галереей», демонстрируя их работы по всему городу. Размер и масштаб меток также увеличился, что привело в 1972 году к созданию так называемых «шедевров» или «кусков» граффитистом, известным как Super Kool 223.

Дальнейшее развитие получило включение таких рисунков, как горошек, шашечки и крестики-нолики, и вскоре стали появляться «Сверху донизу» – работы, занимающие всю высоту вагона метро, а также пейзажи и персонажи мультфильмов. Постепенно мир искусства начал обращать на это внимание.

Объединённые художники граффити (UGA), группа, основанная в 1972 году Хьюго Мартинесом, расширила свой состав, включив в него многих ведущих граффити-художников, с целью показа работ в официальных местах, таких как галерея Razor. К середине 1970-х годов большинство творческих стандартов в граффити уже были установлены, и жанр начал стагнировать. Кроме того, Управление городского транспорта Нью-Йорка начало двойную кампанию по охране депо и постоянному стиранию граффити. В результате тагеры покинули метро и вышли на улицы, где их статичное искусство, естественно, получало гораздо меньше внимания.

В конце 1980-х и 1990-х годов все больше художников стали выставлять свои работы в галереях и арендовать художественные студии. Эта практика уже началась несколькими годами ранее с такими граффитистами, как Жан-Мишель Баския – сейчас один из ведущих современных художников мира – который отказался от своего фирменного стиля SAMO (Same Old Shit) в пользу возможностей мейнстрима.

Среди других известных художников граффити – Кит Харинг (1958-1990), Бэнкси (р. 1973-4) и Дэвид Войнарович (1954-1992). Граффити – это одна из форм более широкого движения «стрит-арт», стиль аутсайдерского искусства, созданного вне рамок традиционных художественных площадок. Оно включает в себя трафаретное граффити, искусство плакатов или наклеек, поп-арт и уличные инсталляции, в том числе новейшие видеопроекции, бомбардировки нитями и скульптуры Lock-On. Стрит-арт иногда называют «городским искусством», «партизанским искусством», «пост-граффити» или «нео-граффити».

Список 30 лучших выставок, биеннале и ярмарок постмодернистского искусства см: Лучшие фестивали современного искусства.

Неоэкспрессионизм (Поздние 1970-е и далее)

Один из нескольких стилей постмодернизма, неоэкспрессионизм – широкое движение в живописи, возникшее около 1980 года в ответ на стагнацию минимализма и концептуального искусства, чей интеллектуализм и самостийная «чистота» доминировали в 1970-е годы, но теперь начали действовать на нервы многим художникам. Неоэкспрессионисты отстаивали крайне немодную практику изобразительного искусства (осуждаемую постмодернистами как «мёртвую») и поддерживали все то, что модернисты пытались дискредитировать: фигуративность, эмоции, символизм и повествование. Они использовали чувственные цвета и включали темы, связанные с многочисленными историческими стилями и движениями, такими как Ренессанс, маньеризм, кубизм, фовизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Неудивительно, что в Германии неоэкспрессионизм испытал сильное влияние более ранних немецких экспрессионистских групп, таких как Der Blaue Reiter и Die Brucke.

Движение охватывало новую живопись в Германии таких художников, как Георг Базелиц (р.1938), Йорг Иммендорф, Ансельм Кифер, АР Пенк, Зигмар Польке и Герхард Рихтер, а также работы «Уродливых реалистов», таких как Маркус Люперц. Кроме того, она охватывала группу Neue Wilden («Новые дикие», отсылка к стилю фовизма 1900-х годов или «диким зверям»), в которую входил Райнер Феттинг. После международных выставок «Новый дух в живописи» (Лондонская королевская академия, 1981) и «Zeitgeist» (Берлин, 1982) термин неоэкспрессионизм стал применяться к другим группам, таким как Figuration Libre во Франции, Transavanguardia в Италии, «New Image Painters» и так называемые «Bad Painters».

В Америке этот стиль, несмотря на свою популярность, не создал работ такого же уровня, за исключением таких художников, как Филипп Густон (1913-1980), Джулиан Шнабель, Дэвид Салле и другие. В Великобритании примером стиля являются рубенсовские обнажённые натуры Дженни Савиль, которые бросают вызов представлениям об условностях в размерах и форме человеческого тела. Возникновение этого движения привело к реабилитации нескольких художников, работающих в схожем ключе.

Среди них американцы Луиза Буржуа, Леон Голуб и Сай Твомбли, а также британский художник Люциан Фрейд, все работы которого были названы неоэкспрессионистскими. Этот термин также применялся к скульптуре. Работы таких скульпторов, как американец Чарльз Симондс, британские художники Аниш Капур и Рейчел Уайтред, чешка Магдалена Жетелова, немка Иза Генцкен и польский скульптор Магдалена Абаканович, содержат черты экспрессионизма. В архитектуре термин «экспрессионист» применяется к таким зданиям, как Сиднейский оперный театр и музей Гуггенхайма в Бильбао. Более подробную информацию см: История экспрессионистской живописи (1880-1930) и Экспрессионистское движение (1880-е гг. и далее).

Трансавангардия (Трансавангард) (1979 и далее)

Итальянский художественный критик Акилле Бонито Олива использовал термин «Transavanguardia» (за пределами авангарда) в журнале Flash Art в октябре 1979 года, говоря о международном неоэкспрессионизме. Но с тех пор он использовался только для описания творчества итальянских художников, работавших в этом стиле в 1980-х и 1990-х годах. К ним относятся Сандро Чиа, Франческо Клементе, Энцо Кукки и Миммо Паладино.

Художники трансавангарда использовали свободный, фигуративный стиль живописи, с ностальгическими отсылками к Ренессансу и его иконографии. Они писали масштабные работы маслом, включая реалистические и воображаемые портреты, религиозные и аллегорические исторические картины, и вдохновлялись символизмом, а также цветовой палитрой фовизма. Чиа включил итальянский маньеризм, кубизм, футуризм и фовизм в свои повествовательные религиозные работы; Паладино создал большие мифологические картины с геометрическими и фигуративными мотивами; Кукки создал романтические сцены гигантов и гор, вдохновлённые сюрреализмом, и включил использование дополнительных предметов, сделанных из металла или глины, в свои живописные работы; Клементе был отмечен своими автопортретами и интимными фигуративными работами. Их включение в крупные выставки в Кунтсхалле в Базеле и на Венецианской биеннале в 1980 году, а также в Лондонскую королевскую академию в 1981 году, привело к персональным выставкам в Европе и Америке, а также к быстрому росту значимости школы.

Britart: Молодые британские художники (1980-е)

Молодые британские художники (YBAs) впервые появились на сцене в 1980-х годах и были официально признаны в 1997 году на выставке «Сенсация». Во многом благодаря стилям начала 20-го века, таким как дада и сюрреализм, их работы часто называют «бритарт». Группа состояла из нескольких художников, скульпторов, концептуальных и инсталляционных художников, работающих в Великобритании, многие из которых учились в колледже Голдсмитс в Лондоне. Ее члены получили значительное освещение в СМИ за свои эпатажные работы и доминировали в британском искусстве в 1990-е годы. Среди известных членов – Дэмиен Хёрст (известен своей работой «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» , изображающей мёртвую тигровую акулу, маринованную в формальдегиде, и в последнее время за его усыпанный бриллиантами череп For the Love of God), и Трейси Эмин (отмечена за My Bed, растрёпанную двуспальную кровать с некоторыми очень личными вещами).

Возможно, многие YBA никогда бы не добились успеха, если бы не покровительство и продвижение их работ коллекционером современного искусства Чарльзом Саатчи, который впервые познакомился с Дэмиеном Хёрстом на студенческой выставке «Freeze» в колледже Голдсмитс в 1988 году, где были представлены 16 YBA. Саатчи приобрёл многие из представленных работ. Два года спустя Хёрст стал куратором ещё двух влиятельных выставок YBA, «Современная медицина» и «Игрок». Саатчи посетил обе выставки и купил ещё больше работ.

К 1992 году Саатчи был не только главным покровителем Хёрста, но и крупнейшим спонсором других Молодых британских художников – появилась вторая группа, в которую вошли такие выставки, как «New Contemporaries», «New British Summertime» и «Minky Manky», а также такие художники, как Трейси Эмин. Тем временем экономический спад в Великобритании усугубился, что привело к краху рынка современного искусства в Лондоне. В ответ на это Саатчи организовал серию выставок в своей галерее Saatchi Gallery, продвигая название «Молодое британское искусство», от которого движение ретроспективно получило свою идентичность. На первой из них были представлены работы Сары Лукас, Марка Уоллингера, Рейчел Уайтред и, конечно, Дэмиена Хёрста, чья мёртвая акула быстро стала культовым символом Британии во всем мире.

В 1993 году Молодая британская художница Рейчел Уайтред получила премию Тёрнера, а в 1995 году за ней последовал Дэмиен Хёрст. В 1997 году «Молодые британские художники» стали мейнстримом, когда Лондонская Королевская академия совместно с компанией Saatchi организовала «Сенсацию», окончательную выставку искусства YBA, на фоне не малочисленных споров. Затем она отправилась в Бруклинский музей искусств в Нью-Йорке. В 1999 году работа Трейси Эмин «Моя кровать» была номинирована на премию Тёрнера, а в 2000 году экспонаты YBA были включены в новый Тейт Модерн, и все это подтвердило сложившуюся репутацию группы.

См. также: Современные ирландские художники и Ирландские художники 20 века.

Некоторые выдающиеся YBA включают: Джеймс Риэлли (портреты), Кит Ковентри (абстрактный художник), Саймон Кэллери (городские виды), Мартин Малони (художник-экспрессионист), Гари Хьюм (минималист), Ричард Паттерсон (супер-абстракт), Фиона Рэй (абстракция, поп-арт), Маркус Харви (экспрессионистские фигуративные работы), Ян Дэвенпорт (геометрическая абстракция), Гленн Браун (скульптор и экспрессионистская живопись) и Дженни Савиль (женские тела в стиле экспрессионизма), некоторые из которых являются лауреатами премии Тёрнера (1984-2014).

Деконструктивистский дизайн (1985-2010)

Деконструктивизм – это «антигеометрическая» форма архитектуры 20-го века, которая впервые появилась в конце 1980-х годов в Калифорнии и Европе. В значительной степени благодаря компьютерному программному обеспечению, разработанному в аэрокосмической промышленности, деконструктивистская архитектура пропагандирует непрямолинейный подход к проектированию, который часто искажает внешний вид сооружения.

Пионером деконструктивизма стал канадско-американский Фрэнк О. Гери (р. 1929), один из самых инновационных американских архитекторов эпохи постмодернизма. Среди других известных практиков – Питер Айзенман, фирма Coop Himmelb(l)au, Рем Колхас и Даниэль Либескинд. Наиболее известные здания в стиле деконструктивизма: музей Гуггенхайма (Бильбао), здание Национальной нидерландской церкви (Прага) и The Experience Music Project (Сиэтл), спроектированные Фрэнком Гери; UFA-Palast (Дрезден), спроектированный фирмой Coop Himmelblau; и библиотека Сиэтла, спроектированная Ремом Колхасом. См. также: Искусство дизайна ок. 1850-1970 гг.

Боди-арт (1990-е гг.)

В конце 1960-х годов появился вид искусства перформанса, названный Body art, в котором собственное тело художника становится, так сказать, «холстом» для пассивного произведения искусства, или которое затем «исполняется» шокирующим образом. Наиболее типичными формами пассивного боди-арта являются бодиарт, татуировки, нейл-арт, пирсинг, фейс-арт, клеймо или имплантаты. Более активные виды боди-арта, связанные с перформансом, в которых художники издеваются над собственным телом, чтобы передать своё особое «художественное послание», могут включать увечья, приём наркотиков, экстремальные физические нагрузки или экстремальное терпение боли.

Одной из противоречивых групп перформанса была Венская группа действия, основанная в 1965 году Гюнтером Брусом, Отто Мюлем, Германом Нитчем и Рудольфом Шварцкоглером. Среди других известных художников тела – Мишель Журниак (1935-1995), Кетти Ла Рокка (1938-1976), Вито Аккончи (р.1940), Улай (Франк Уве Лайзипен) (р.1943) и экстраординарная сербская художница Марина Абрамович (р.1946).

Одним из ведущих художников по телу является новозеландка Джоанн Гейр (р. 1958). Известная своими тромплейными рисунками на теле и искусством макияжа, она наиболее известна благодаря одной из своих художественных женских обнажённых натур под названием «Костюм Деми Мур на день рождения», которая появилась на обложке журнала Vanity Fair в августе 1992 года. Она была снята современным фотографом Энни Лейбовиц (р. 1949).

Китайский циничный реализм (1990-е годы)

Циничный реализм – термин, впервые введённый весьма влиятельным художественным критиком и куратором Ли Сяньтином (р. 1949) как намеренное обыгрывание официально одобренного стиля социалистического реализма – описывает стиль живописи, принятый рядом пекинских художников в период мрака после подавления демонстрации на площади Тяньаньмэнь в 1989 году. Его ироничная, иногда крайне сатирическая критика современного китайского общества произвела большое впечатление на западных коллекционеров, хотя китайские художественные критики относились и относятся к нему неоднозначно, чувствуя себя неуютно из-за его известности на Западе.

К художникам, связанным с циничным реализмом, относятся: Юэ Минцзюнь (р.1962), Фан Лицзюнь (р.1963) и Чжан Сяоган (р.1958), все из которых продали картины более чем за 1 миллион долларов. Это движение связано с «политическим поп-артом» – разновидностью китайского поп-арта конца 1980-х годов.

Нео-поп-арт (конец 1980-х и далее)

Термины «нео-поп» или «пост-поп» обозначают возрождение интереса американцев к темам и методам движения поп-арта 1950-х и 1960-х годов. В частности, это относится к творчеству таких художников, как Эшли Бикертон, Джефф Кунс, Алан Макколлум и Хаим Штайнбах. Используя узнаваемые объекты, образы знаменитостей (например, Майкла Джексона, Мадонны, Бритни Спирс), а также иконы и символы из популярной культуры 1980-х и 1990-х годов, эта обновлённая форма поп-арта также черпала вдохновение в Дада (в использовании readymades и found objects), а также в современном концептуальном искусстве. Классическими примерами нео-поп-арта являются скульптура Катарины Фрич «Крысиный король» (1993) и скульптура Джеффа Кунса 1988 года «Майкл Джексон и пузыри».

Как и его родительский стиль, нео-поп высмеивал знаменитостей и открыто ставил под сомнение некоторые из наиболее ценных представлений общества. Сам Кунс добился значительной известности благодаря тому, что возвёл китч в ранг высокого искусства. Его «Собака на воздушном шаре» (1994-2000) – это блестящая скульптура из красной стали (высотой 10 футов), чья детализированная монументальная форма абсурдно контрастирует с тривиальным характером её объекта. Среди других известных нео-поп художников – американцы Дженни Хольцер, Кэди Ноланд и Дэниел Эдвардс; молодые британские художники Дэмиен Хёрст, Гэри Хьюм и Гэвин Терк, а также Майкл Крейг-Мартин, Джулиан Опи и Лиза Милрой; русские Виталий Комар и Александр Меламид; бельгийский художник Лео Копер.

Одним из запутанных моментов в нео-попе является тот факт, что некоторые создатели оригинального поп-арта 1960-х и 70-х годов продолжали создавать интересные работы в 1990-х годах. Лучший пример – скульптор Клаес Ольденбург (р. 1929), чьи поп-скульптуры гигантских размеров включают Свободная марка (1985-91, Уиллард-парк, Кливленд) и Ядро яблока (1992, Музей Израиля, Иерусалим).

Стакизм (1999 и далее)

Противоречивая британская художественная группа, основанная в 1999 году Чарльзом Томсоном и Билли Чайлдишем вместе с одиннадцатью другими художниками. Название происходит от оскорбления, нанесённого Чилдишу британской художницей Трейси Эмин, которая сказала ему, что его искусство «застряло».

Отвергая стерильную природу концептуального искусства, а также перформанса и инсталляции YBA, таких как Эмин, которые, по их мнению, лишены художественной ценности, художники-стаксисты выступают за возвращение к более живописным качествам, примером которых является фигуративная живопись и другие виды изобразительного искусства.

В начале 2000-х годов группа провела множество выставок в Великобритании, включая «Первое художественное шоу нового тысячелетия» (1 января 2000 года) и «Отставка сэра Николаса Сероты» (март 2000 года), а также несколько ежегодных выставок под названием «Настоящее шоу премии Тёрнера» и ряд других мероприятий. Группа также побывала в Париже, Гамбурге, Кёльне, Лейпциге, Нью-Джерси, Нью-Хейвене США и Мельбурне Австралии. Стакизм также был представлен в двух недавних книгах: «Стили, школы и движения: энциклопедический путеводитель по современному искусству», автор Эми Демпси; и «Вкусмейкеры: Искусство Великобритании сегодня» Рози Миллард. В центре Лондона также была открыта галерея «Стукист».

В группу «Стакист» входили, в частности, Чарльз Томсон, Билли Чилдиш, Билл Льюис, Филипп Абсолон, Санчия Льюис, Шейла Кларк, Элла Гуру и Джо Машин.

Новая Лейпцигская школа (ок. 2000 и далее)

Привлекая внимание общественности в первые годы нового тысячелетия, Новая Лейпцигская школа (на немецком, «Neue Leipziger Schule «), также называемая «Young German Artists» (YGAs), является свободным движением живописцев и скульпторов, которые получили своё образование в Hochschule für Grafik und Buchkunst (Академии изобразительных искусств) в Лейпциге, Восточная Германия, где она была в значительной степени изолирована от современных художественных тенденций на Западе.

Методы преподавания были в основном традиционными и фокусировались на основах традиционного изобразительного искусства, с большим акцентом на черчение, рисунок фигуры, рисунок жизни, использование сетки, теорию цвета и законы перспективы. После воссоединения Германии в 1989 году в школе стали учиться студенты со всей страны, а её выпускники искали возможности продавать свои работы на Западе.

Первым успешным художником стал Нео Раух, которому в 2000 году была предложена персональная выставка в галерее Дэвида Цвирнера в Нью-Йорке. Его успех открыл ворота для других не менее талантливых лейпцигских художников, чьи работы выставляются в Европе и США. Их стиль, как правило, фигуративный, с сильным акцентом на повествование, и характеризуется приглушёнными цветами.

Классический реализм и постмодернистское движение ателье

Новая Лейпцигская школа – один из нескольких современных центров традиционного мастерства. В США традиционная изобразительная живопись была возрождена в 1980-х годах «классическим реализмом», современным движением, основанным Ричардом Лэком (1928-2009), бывшим учеником бостонского художника Р. Х. Айвза Гаммелла (1893-1981) в начале 1950-х годов. В 1967 году он основал Ателье Лэка, учебную мастерскую по образцу ателье Парижа XIX века.

Проекционное искусство (21 век)

Проекционное искусство – также известное как Projection mapping, или video mapping, или пространственная дополненная реальность – является вершиной постмодернистского искусства. Используя компьютерную проекционную технологию, оно нуждается лишь в поверхности (например, здание, фасад церкви, дерево и так далее), на которую можно спроецировать готовый продукт.

Любое изображение может быть отображено на принимающей поверхности, и эффекты могут быть впечатляющими: это может буквально преобразить внешнее или внутреннее пространство, одновременно рассказывая историю и создавая оптическое пиршество. Среди известных художников-проекционистов – Паоло Бурони, Клемент Бринд, Росс Эштон, Дженнифер Стейнкамп, Энди Маккеон, Феличе Варини и другие.

Компьютерное («цифровое») искусство (21 век)

Термин «Компьютерное искусство» обозначает любое искусство, в котором компьютеры играют значительную роль. Это широкое определение также охватывает более традиционные формы искусства, в которых используются компьютеры, такие как: анимация с компьютерным управлением или кинетическое искусство, или живопись, созданная компьютером, а также те формы, которые основаны на компьютерном программном обеспечении, например, деконструктивистская архитектура.

Компьютерное искусство также может называться «цифровым искусством», «диджитал искусством», «интернет-искусством», «программным искусством» или «компьютерной графикой».

К пионерам этого вида искусства относятся Гарольд Коэн, Рональд Дэвис, Джордж Гри, Жан-Пьер Хеберт, Бела Юлеш, Ольга Киселева, Джон Лэнсдаун, Мауган Мейсон, Манфред Мор и Джозеф Нечватал. Среди более поздних цифровых художников были: Чарльз Ксури, Лесли Мезей, Фридер Наке, Георг Неес, А. Майкл Нолл, Нам Джун Пайк и Джон Уитни. Среди других важных пионеров исследований были: Профессор Гарольд Коэн из UCSD и Кен Голдберг из UC Berkeley.

Самые ранние выставки компьютерного искусства включали: «Generative Computergrafik» (1965) в Высшей технической школе в Штутгарте, Германия; «Computer-Generated Pictures» (1965) в галерее Howard Wise в Нью-Йорке; «Computer Imagery» (1965) в Galerie Wendelin Niedlich, в Штутгарте, Германия; «Cybernetic Serendipity» (1968) в Институте современного искусства в Лондоне.

В 21 веке компьютерное искусство стало новейшей ареной современного искусства – своего рода окончательным постмодернизмом. На самом деле, искусство, созданное с помощью компьютера, является в высшей степени революционным – не в последнюю очередь потому, что оно способно (по мере развития искусственного интеллекта) достичь полной художественной независимости. Следите за этим пространством.