Направления современного искусства (с 1970 по настоящее время) читать ~36 мин.

На этой странице мы рассматриваем основные направления и стили современного искусства, возникшие с конца 1960-х годов. Поскольку современное искусство пришло на смену модернизму, его также называют постмодернистским. Стоит отметить, что переход от модернизма к постмодернизму был постепенным и занял всё десятилетие 1960-х годов. Таким образом, в этот период оба стиля сосуществовали.

Кроме того, одно из ключевых различий между искусством модернизма и постмодернизма заключается в изменении отношения к «готовому продукту». Целью почти всех модернистов было создание долговечного и уникального произведения: картины, скульптуры, рисунка или другого объекта. В противоположность этому, постмодернистские художники меньше заинтересованы в конечном продукте и больше — в идеях, лежащих в его основе. Это объясняет рост популярности новых видов искусства, таких как инсталляции (включая звуковые и видеоинсталляции), концептуализм (искусство идей), хэппенинги (разновидность перформанса), видеоарт, проекционный мэппинг и ленд-арт (экологические конструкции). В этих формах либо нет готового продукта как такового, либо он эферемен и существует лишь как зафиксированное «событие». Примечательно, что за последние десятилетия лауреатами Премии Тёрнера неоднократно становились художники, работающие с инсталляциями, что подчёркивает значимость этого медиума.

НАПРАВЛЕНИЯ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА

Поп-арт (с 1960-х годов)

Поп-арт был одновременно и модернистским, и постмодернистским направлением. Изначально он изображал современную ему реальность, используя образы кинозвёзд, знаменитостей и товаров массового потребления. Однако вскоре этот подход уступил место постмодернистскому акценту на эффектность и стиль. В качестве примера см. наш краткий путеводитель по поп-арту Энди Уорхола шестидесятых годов.

Словесное искусство и словесная живопись (с 1960-х годов)

Словесное искусство (Word Art) — это направление в живописи и скульптуре, использующее текст как основной художественный образ. Оно ассоциируется с такими художниками, как Роберт Индиана (р. 1928), Джаспер Джонс (р. 1930), Он Кавара (1932–2014), Барбара Крюгер (р. 1945) и Кристофер Вул (р. 1955).

Концептуализм (с 1960-х годов)

Концептуальное искусство — постмодернистское направление, основанное на принципе, что искусство — это «концепция», а не материальный объект. Иными словами, «идея», которую представляет произведение, считается его главным компонентом, а «готовый продукт», если он вообще существует, рассматривается в основном как форма документации, а не как артефакт.

Истоки концептуализма восходят к дадаизму и творчеству авангардиста начала XX века Марселя Дюшана, но лишь в 1960-х годах он оформился в узнаваемое движение и получил своё название. Концептуальное искусство способно доносить идеи с большой силой, поэтому оно стало популярным средством для социально-политических комментариев. Кроме того, уменьшая значимость традиционного мастерства (живописного, скульптурного и т. д.), оно сохраняет свой подрывной характер, бросая вызов самой традиции произведения искусства как уникального и ценного объекта.

Некоторые эксперты считают, что эпоха постмодерна требует большего, чем пассивный «просмотр» произведения, и концептуализм предлагает более интерактивный опыт. Однако вопрос о том, можно ли считать «идею» произведением искусства лишь на основании её развлекательной ценности, остаётся спорным. Работы одного из первых европейских художников-концептуалистов см. также: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956–62).

Иллюстрацией этого вопроса служит большая коллекция обуви в Музее Холокоста в Вашингтоне, принадлежавшая жертвам нацистских концлагерей. Высказывалось предположение, что этот мемориал обладает чертами концептуального произведения искусства, поскольку вид огромной груды обуви помогает нам осознать ужасающую реальность газовых камер. Это действительно так, но это не превращает обувь в произведение искусства или художественное высказывание в полном смысле слова. (Сравните Искусство Холокоста 1933–45 гг.). Это скорее политическое или историческое высказывание. Таким образом, основная сложность для концептуализма — доказать свою принадлежность к искусству, а не к сфере развлечений, театра или политических комментариев.

Важными представителями концептуализма являются Сол Левитт, Йозеф Бойс, Феликс Гонсалес-Торрес, Ева Гессе, Дженни Хольцер, Джозеф Кошут, Барбара Крюгер, Жан Тенгели и Лоуренс Вайнер. Другие художники, связанные с этим движением: Мел Бохнер, Ханне Дарбовен, Агнес Денес, Ян Диббетс, Ханс Хааке, Он Кавара и Лес Левин.

Перформанс (с 1960-х годов)

Возникший в Америке и Европе в начале 1960-х годов, перформанс — это экспериментальная форма искусства, вдохновлённая концептуализмом, а также дадаизмом, футуризмом, Баухаусом и (в Америке) Колледжем Блэк-Маунтин. Перформанс, как правило, характеризуется своей «живой» природой — художник напрямую взаимодействует с аудиторией, — а его эффект, будь то забавный или шокирующий, должен быть запоминающимся. Хорошим примером является серия саморазрушающихся машин — вероятно, самые известные образцы кинетического искусства — созданные швейцарским художником Жаном Тенгели (1925–1991). Несмотря на это, провести точное различие между новаторским театром и перформансом бывает трудно. Более того, его претензия на статус «искусства» — традиционно буржуазного явления — вступает в противоречие с его анти-истеблишментской этикой.

Сегодня перформанс включает в себя события и «хэппенинги» с участием визуальных художников, поэтов, музыкантов, кинематографистов и видеохудожников. В конце 1960-х и в 1970-е годы также появился «боди-арт» — вид перформанса, в котором тело художника становится холстом, а само действие облекается в шокирующую, привлекающую внимание СМИ форму (подробнее см. ниже).

В 1980-х годах перформанс стал всё больше полагаться на технологии (видео, компьютеры) для передачи своего «художественного» послания. Современные художники, связанные с этим жанром, включают новатора Аллана Капроу (1927–2006), Ива Кляйна (1928–1962), дуэт Гилберта и Джорджа (р. 1943, 1942) и выдающегося Йозефа Бойса (1921–1986), создавшего знаменитый перформанс «Как объяснить картины мёртвому зайцу» (1965). Другой художник-новатор — американский художник корейского происхождения Нам Джун Пайк (1932–2006), который начинал с перформанса, затем работал с телевизорами и видео, а позднее — с инсталляциями.

Движение Флюксус (1960-е годы)

Флюксус — авангардная группа художников (название в переводе с латыни означает «поток») под руководством теоретика искусства литовского происхождения Джорджа Мачюнаса (1931–1978). Движение сначала появилось в Германии, затем распространилось по европейским столицам, а после — в Нью-Йорке, который стал центром его деятельности. Заявленные цели группы — противоречивая смесь «революционных» и «антихудожественных» идей — продолжали традиции дадаизма, фокусируясь на хэппенингах (известных в Германии как Aktions) и различных видах уличного искусства.

Среди ведущих членов группы были немецкий художник-концептуалист Йозеф Бойс, концептуалистка японского происхождения Йоко Оно и немецкий художник-перформансист и видеоартист Вольф Фостель (1932–1998). Конечной целью Мачюнаса было избавиться от изобразительного искусства как такового, считая его пустой тратой ресурсов и проявлением буржуазной снисходительности. Художники Флюксуса сотрудничали друг с другом, смешивая различные медиа (визуальные, литературные, музыкальные) в серии «событий», включавших инсталляции, хэппенинги, фотографию и кино. В 60-е годы фестивали современного искусства Fluxus проводились в Амстердаме, Копенгагене, Дюссельдорфе, Лондоне, Париже и Нью-Йорке. См. также Венский акционизм, в разделе Боди-арт, ниже.

Инсталляция (с 1960-х годов)

Искусство инсталляции — это новое направление, ставшее известным в США в 1960-х годах. Сама идея, однако, восходит к сюрреалистическим выставкам Марселя Дюшана и других художников, где произведения искусства располагались так, чтобы создавать сложную и захватывающую среду. Русский художник и дизайнер Эль Лисицкий был ещё одним пионером, чья «Проун-комната» 1923 года на Берлинском вокзале была ранним типом инсталляции, как и заполнявшие целые помещения Merzbilder конструкции Курта Швиттерса (1887–1948).

Другие более поздние примеры включают «Пространственные среды» Лучо Фонтаны 1950-х годов и выставку Ива Кляйна 1958 года «Le Vide» («Пустота»), которая представляла собой пустой зал галереи. Кроме того, в 1960-х годах группа Groupe Recherche d’Art Visuel создавала ранние инсталляции в виде кинетических световых сред. Инсталляция обычно занимает всё пространство, например комнату или большую площадь, и состоит из нескольких различных компонентов.

Американский скульптор Эд Кинхольц в 1960-х годах использовал автомобили и мебель, чтобы создавать инсталляции, посвящённые темам смерти и социальным проблемам. Его коллега, скульптор Джордж Сигал, использовал гипсовые фигуры в натуральную величину в повседневной обстановке (например, в ожидании поезда метро), чтобы высказаться на тему обыденности. Среди других известных художников, работающих в жанре инсталляции, — Ребекка Хорн, Брюс Науман, Кристиан Болтански, Ричард Уилсон и Трейси Эмин. См. также светодиодные инсталляции — разновидность кинетического искусства — Тацуо Миядзимы (р. 1957).

Видеоинсталляции (с 1960-х годов)

В 1960-х годах художники начали использовать видео в попытке переосмыслить искусство. Ряд видеохудожников, например, бросили вызов представлению об искусстве как о чём-то элитарном, дорогостоящем и доступном лишь узкому кругу ценителей. Другие использовали видео, чтобы разрушить представление об искусстве как о товаре — уникальном «готовом продукте», — превращая своё видеоискусство в «опыт», а не в объект владения, в инструмент для социальных изменений или носитель идей.

Видео также позволяет художнику показать сам процесс создания искусства. Как правило, видеоинсталляции сочетают видеоряд со звуковой дорожкой и/или музыкой, а также могут включать другие интерактивные элементы, полностью задействуя окружающее пространство для вовлечения аудитории. К пионерам видеоинсталляции относятся: Нам Джун Пайк (1932–2006), чьи инсталляции 1960-х годов обычно включали несколько телевизионных мониторов в скульптурных композициях; а также Энди Уорхол (1928–1987), Питер Кампус (р. 1937), Вольф Фостель (1932–1998), Билл Виола (р. 1951), Гэри Хилл и Тони Оурслер. В Великобритании к видеохудожникам относятся Лор Прувост, Элизабет Прайс, Джереми Деллер, Стив Маккуин, Джиллиан Уэринг, Дуглас Гордон, Сэм Тейлор-Вуд, Дэвид Холл, Тони Синден и многие другие.

Минимализм (с 1960-х годов)

Возникший в Америке во второй половине 60-х годов, минимализм — это утончённое направление в абстрактном искусстве, пришедшее на смену постживописной абстракции (разновидности позднего абстрактного экспрессионизма). Он стал влиятельным стилем в скульптуре, живописи и архитектуре по всему миру. В изобразительном искусстве минимализм характеризуется предельной простотой форм и намеренным отсутствием выразительного содержания. Объекты представлены в их элементарной, геометрической форме, полностью лишённой эмоций. Минималистские работы (скульптура и живопись) часто состоят из простых однородных элементов, образующих сетку или узор. Регулярность почти обязательна, чтобы исключить малейшее проявление экспрессионизма.

Минимализм был последней стадией в логическом развитии абстрактного экспрессионизма, стиль которого прошёл путь от жестикуляции (action-painting) к плоскостной работе (живопись цветового поля), затем к резко очерченным геометрическим плоскостям и узорам (живопись жёстких контуров) и, наконец, к минимал-арту. В ходе этого развития искусство постепенно избавлялось от чувств и эмоций, пока не достигло строгой, безличной формы, которую называли художественной чистотой или истиной. Всё, что остаётся, — это интеллектуальная идея произведения: никаких эмоций. Вот почему минимализм близок к концептуализму: оба направления сосредоточены на основной идее или концепции создаваемого произведения.

Важные скульпторы-минималисты: Карл Андре (р. 1935), Дон Джадд (1928–1994), Сол Левитт (1928–2007), Роберт Моррис (1931–2018), Ричард Серра (р. 1939) и Тони Смит (1912–1980). К художникам-минималистам относятся Агнес Мартин (1912–2004), Ад Рейнхардт (1913–1967), Эллсворт Келли (1923–2015), Кеннет Ноланд (1924–2010), Роберт Райман (р. 1930) и Фрэнк Стелла (р. 1936).

Фотореализм (гиперреализм) (1960–1970-е)

Фотореализм — стиль живописи, появившийся в конце 1960-х годов, в котором объекты (люди или городские пейзажи) изображаются с фотографической точностью и детализацией. Большинство художников этого направления работают непосредственно с фотографиями или цифровыми изображениями, а сюжеты их работ довольно банальны и не представляют особого интереса сами по себе.

Вместо этого основное внимание уделяется точности и детализации, достигнутым художником, и их воздействию на зрителя. Фотореализм был в значительной степени вдохновлён поп-артом — обыденность сюжетов была характерна для обоих стилей, и некоторые художники (например, Малкольм Морли и Мел Рамос) работали в обоих направлениях. Однако фотореализму не хватает причудливого или ироничного юмора поп-арта, и он может даже вызывать лёгкое беспокойство.

Более того, как ни парадоксально, его микроскопическая, неизбирательная детализация может создавать ощущение «нереальности». К ведущим представителям гиперреализма относятся Ричард Эстес, специализирующийся на уличных сценах со сложными отражениями в стекле, и Чак Клоуз, известный монументальными портретами с невыразительными лицами. Среди других художников-гиперреалистов — Роберт Бехтль, Одри Флэк, Ральф Гоингс и Джон Доэрти. К скульпторам-гиперреалистам относятся Дуэйн Хэнсон (1925–1996), Джон де Андреа (р. 1941), Кэрол Фейерман (р. 1945), Рон Мьюек и Роберт Гобер.

Ленд-арт (экологическое искусство) (1960–1970-е)

Ленд-арт, возникший преимущественно в США в 1960-х годах, использует природный ландшафт или взаимодействует с ним для создания художественных форм или «событий». Известный под разными названиями, он обычно преобразует природные формы или дополняет их искусственными материалами. Пионерами этого вида искусства являются Роберт Смитсон, Ричард Лонг и Энди Голдсуорси, а также художники-интервенционисты Кристо и Жанна-Клод.

Важно отметить, что ленд-арт существенно отличается от рукотворных памятников, таких как Стоунхендж. Последний был воздвигнут в связи с его церемониальным или религиозным значением и не считается частью самого ландшафта. Даже знаменитые президентские портреты на горе Рашмор, хотя и являются произведениями искусства, не могут считаться ленд-артом, поскольку они посвящены не земле, а изображениям, высеченным на ней. О похожих стилях см. Художественные направления, периоды, школы (примерно со 100 г. до н.э.).

Современная фотография (с 1960-х годов)

До начала 1960-х годов фотография как искусство определялась в основном пикториализмом и портретной съёмкой. С тех пор движущими силами стали документальная фотография, всё более сложная фэшн-фотография и растущий жанр уличной фотографии. Также популярны современные портреты знаменитостей. Фотожурналистику представляют такие фотографы, как Дон Маккаллин (р. 1935) и Стив Маккарри (р. 1950); а к лучшим фэшн-фотографам относятся Хельмут Ньютон (1920–2004), Дэвид Бейли (р. 1938), Ник Найт (р. 1958) и Дэвид Лашапель (р. 1963). Уличную фотографию иллюстрируют работы Гарри Виногранда (1928–1984) и Нан Голдин (р. 1953), а постмодернистский портрет — Диана Арбус (1923–1971) и Энни Лейбовиц (р. 1949).

Арте повера (1966–1971)

Термин «бедное искусство» ввёл итальянский критик Джермано Челант (который также написал влиятельную книгу под названием «Arte Povera: Концептуальное, актуальное или невозможное искусство»). Арте повера — это антикоммерческий стиль искусства, сфокусированный в первую очередь на физических качествах используемых материалов. В качестве материалов обычно использовались обыденные или «никчёмные» вещи, такие как обрывки газет, старая одежда, земля, металлические фрагменты и так далее, хотя на практике иногда применялись и довольно сложные, и дорогие материалы.

Движение Арте повера было инициировано группой авангардных художников в Италии, в которую входили Пьеро Мандзони (1933–1963), Марио Мерц (1925–2003), Микеланджело Пистолетто (р. 1933), Пино Паскали (1935–1968), Яннис Кунеллис (р. 1936), Лучано Фабро (р. 1936), Джильберто Зорио (р. 1944) и Джузеппе Пеноне (р. 1947). Другой важной фигурой был туринский арт-дилер и промоутер Энцо Спероне.

Опоры-поверхности (ок. 1966–1972)

Supports-Surfaces — концептуалистская группа молодых французских художников левого толка, которые выставлялись вместе примерно с 1966 по 1972 год. (Название было выбрано довольно поздно для их выставки «Animation, Recherche, Controntation» в Музее современного искусства города Парижа).

В группу входили Андре-Пьер Арналь, Винсент Биулес, Луи Кан, Марк Девад, Даниэль Дезе, Ноэль Долла, Тони Гран, Бернар Пажес, Жан-Пьер Пинсмен, Патрик Сайтур, Андре Валенси и Клод Виалла. Группа стремилась лишить искусство его символических и романтических качеств, освободить его от «тирании вкуса, банальности экспрессионизма, сентиментальности позднего сюрреализма и чистоты конкретного искусства», как они это называли. Для этого они деконструировали акт живописи до его основных физических свойств — холста и подрамника (рамы).

Известная своими передвижными выставками под открытым небом, группа использовала в своих работах различные необычные материалы, такие как камни, вощёная ткань, картон и верёвка. Сами работы часто складывались, сминались, сжигались или красились и выставлялись на полу или висели без рамы. Художники издавали многочисленные пояснительные трактаты и плакаты, пытаясь объяснить свои действия, и регулярно выпускали журнал «Peinture/Cahiers Theoretiques». В целом их творчество можно интерпретировать как вариант концептуализма.

Современный реализм

Термин, используемый в узком смысле для обозначения американского стиля живописи, возникшего в конце 1960-х – начале 1970-х годов в творчестве ряда художников, таких как Филип Перлштейн, Нил Велливер и Уильям Бейли. Для него характерны фигуративные работы, выполненные в строгом, объективном стиле, без искажений, свойственных кубизму или экспрессионизму. Современные реалисты сознательно отказались от абстрактного искусства, предпочитая изображать обыденные предметы в прямолинейной, натуралистической манере.

В более широком смысле термин «современный реализм» охватывает всех художников и скульпторов после 1970 года, которые сосредоточены на изобразительном искусстве, где целью является изображение «реального», а не идеального. Таким образом, жанровые картины или фигуративные работы, чьи объекты изображены, например, в романтическом или ностальгическом свете, исключаются из этого направления. Единой школы современного реализма как таковой не существует, и многие художники, включая абстракционистов, экспериментировали с этим более традиционным подходом. Возможно, самым интересным представителем современного реализма является мастер фигуративной живописи Люсьен Фрейд (1922–2011), чьи мощные исследования человеческого тела сумели передать одновременно и грубость, и любовь. О более ранних стилях реалистической живописи см. Движения современного искусства (1870–1970).

Постминимализм (с 1971 года)

Термин, впервые использованный американским художественным критиком Робертом Пинкусом-Виттеном, когда он назвал работы Евы Гессе «постминимализмом» в журнале Artforum в 1971 году. Гессе, как и другие художники, реагировала на жёсткий и безличный формализм минимализма, сосредоточившись на физических и творческих процессах. Этот новый стиль, известный как «Process Art» (Процессуальное искусство), был очень эфемерным и использовал нестабильные материалы, которые конденсировались, испарялись или разрушались без контроля со стороны художника. Эта тенденция стала результатом двух выставок 1969 года: «Когда отношение становится формой» в Кунстхалле Берна и «Процедуры/материалы» в Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке. Среди выдающихся художников-постминималистов, как и Гессе, были американский скульптор Ричард Серра и художник-концептуалист немецкого происхождения Ханс Хааке.

В более широком смысле, однако, постминимализм (как и постимпрессионизм) охватывает ряд различных стилей, а также видов живописи, скульптуры и других форм современного искусства, которые пришли на смену минимализму в конце 1960-х и 1970-х годах и которые используют его в качестве эстетической или концептуальной отправной точки для своего развития. Проще говоря, когда художники-минималисты начали применять более концептуальный подход к своему искусству и сосредоточились на передаче единой истины, они постепенно перешли в постминимализм.

Многих художников-концептуалистов часто называют постминималистами. Если это звучит слишком сложно, не волнуйтесь: здесь мы вступаем в область сложной теории, затрагивающей эпистемологические и онтологические вопросы. Достаточно сказать, что постминимализм (в отличие от постмодернизма) смещает фокус искусства с формы на образ. То, как что-то сделано и передано, становится столь же важным, как и то, что создано.

Феминистское искусство (с середины 1960-х годов)

Феминистское искусство — искусство, созданное женщинами для осмысления женских проблем, — возникло в конце 1960-х годов и исследовало, что значит быть женщиной и художницей в мире, где доминируют мужчины. Сначала оно появилось в Америке и Великобритании, где различные феминистские художественные группы были вдохновлены движением за освобождение женщин, а затем распространилось по Европе.

В противовес элитарным, формальным и обезличенным темам, которых придерживались мужчины-авангардисты, работы женщин-художниц предлагали эмоции и реальный жизненный опыт. Британские и американские художницы-феминистки использовали исконно женские символические формы, повышая статус так называемых «женских» материалов и практик. Они затрагивали фундаментальные гендерные проблемы, такие как рождение ребёнка, материнство и принуждение к соблазнению, а также более широкие вопросы, как расизм и условия труда.

Особый стиль женского искусства, движение «Узор и украшение», возникло в Калифорнии в 1970-х годах и состояло в основном из женщин-художниц. Они реагировали на суровую строгость минимализма, сопоставляя одинаковые или похожие узоры и создавая интенсивные слияния цвета и текстуры, используя традиционные ремесленные техники, такие как ткачество, вырезание из бумаги и пэчворк. Их выразительное использование цвета было вдохновлено французским движением фовистов 1900-х годов, а геометрические и цветочные мотивы были заимствованы из исламского, дальневосточного, кельтского и персидского искусства.

Среди известных художниц-феминисток — американки Нэнси Сперо (1926–2009), Элинор Антин (р. 1935), Джоан Джонас (р. 1936), Джуди Чикаго (р. 1939), Мэри Келли (р. 1941), Барбара Крюгер (р. 1945) и Мириам Шапиро (1923–2015), шведская художница Моника Сьё, английская художница Маргарет Харрисон (р. 1940) и многие другие. В области пластических искусств одним из величайших скульпторов-феминисток была Луиза Буржуа (1911–2010).

Новая субъективность (1970-е)

«Новая субъективность» — так назвал французский куратор и искусствовед Жан Клер международную выставку 1976 года в Национальном музее современного искусства в Центре Помпиду в Париже. На выставке были представлены работы американских, британских и европейских художников, которые отвергли доминировавшие в то время абстракцию и концептуализм в пользу возвращения к изображению реальности, хотя и в современной манере. В своих картинах они стремились к тщательному наблюдению за реальным миром.

Представители новой субъективности использовали все форматы холстов — от монументальных до небольших, работали акриловыми красками, маслом, акварелью, а также цветными карандашами и пастелью. Возвращаясь к фигуративности, они изображали виды садов, полей, бассейнов, а также писали портреты и натюрморты. Как правило, они были искусными рисовальщиками и художниками с академическим образованием и строили свои картины в соответствии с традиционными для эпохи Возрождения правилами линейной и воздушной перспективы.

Среди известных художников, связанных с «Новой субъективностью», были английский художник Дэвид Хокни, американский художник (работавший в Англии) Р. Б. Китадж, швейцарский художник Самуэль Бури, французские художники Оливье Оливье, Кристиан Зеймерт, Мишель Парре и Сэм Сафран.

Лондонская школа

Этот термин был использован американским художником Р. Б. Китаджем в каталоге выставки, организованной им в 1976 году в лондонской галерее Hayward, когда в моде были минимализм и концептуализм. Выставка под названием «Человеческая глина» была посвящена исключительно фигуративным произведениям — рисунку и живописи, — а в брошюре Р. Б. Китадж придумал фразу «Лондонская школа» для обозначения отдельных художников, чьи работы были представлены на выставке. С тех пор этот термин используется для группы художников, связанных с городом в то время, которые продолжали работать в фигуративных жанрах вопреки авангардному истеблишменту.

Среди основных художников, причисляемых к Лондонской школе, были Майкл Эндрюс, Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Дэвид Хокни (хотя фактически он жил в Америке), Говард Ходжкин, Фрэнк Ауэрбах и Леон Коссофф. В конце 1970-х годов, когда минимализм и концептуальное искусство начали терять популярность, появилось новое поколение фигуративных художников и скульпторов, которые вновь проявили интерес к работам этой школы. (Краткий путеводитель по современным художникам Великобритании см.: Современная британская живопись.)

Искусство граффити (с 1970-х годов)

Также известное как «уличное искусство» или «спрей-арт», искусство граффити — это стиль, связанный с хип-хопом, культурным движением, которое зародилось в различных американских городах, особенно в среде, связанной с поездами нью-йоркского метро, в 1970-х и 1980-х годах. Представители хип-хоп культуры выражали разочарование городских меньшинств, пытаясь создать свою собственную форму искусства — некоммерческую и не стремящуюся понравиться широкой публике.

Они использовали трафареты, фломастеры, аэрозольные баллончики и писали промышленными и акриловыми красками на любых поверхностях: камне, штукатурке, металле, дереве и пластике. Их «холстами» служили вагоны метро, стены в городских районах и на промышленных пустырях, подземные переходы, крыши и рекламные щиты. В 1970-х годах искусство граффити распространилось в Европе и Японии и в конце концов перешло с улицы в галереи. (См. биографию Бэнкси, самого известного британского художника, работающего с трафаретами). Однако сердцем движения оставался Нью-Йорк.

В Нью-Йорке одним из первых пионеров, известным под тегом TAKI 183, был юноша из Вашингтон-Хайтс. Первыми женщинами-граффитистами были Barbara 62 и Eva 62. С 1971 года художники (райтеры) начали использовать фирменные каллиграфические стили, чтобы отличать свои работы, а также проникать в депо, чтобы наносить свои метки на борта поездов — процесс, называемый «бомбинг», — для максимального охвата. Таким образом, поезд стал их «галереей», демонстрирующей их работы по всему городу. Размер и масштаб тегов также увеличился, что в 1972 году привело к созданию так называемых «шедевров» или «кусков» (pieces) райтером, известным как Super Kool 223.

Дальнейшее развитие включало такие элементы, как горошек, шашечки и крестики-нолики, и вскоре стали появляться «Top-to-bottom» — работы, занимающие всю высоту вагона метро, а также пейзажи и персонажи мультфильмов. Постепенно мир искусства начал обращать на это внимание.

Объединённые художники граффити (UGA), группа, основанная в 1972 году Хьюго Мартинесом, расширила свой состав, включив в него многих ведущих граффити-художников, с целью показа работ в официальных местах, таких как галерея Razor. К середине 1970-х годов большинство творческих стандартов в граффити уже были установлены, и жанр начал стагнировать. Кроме того, Управление городского транспорта Нью-Йорка начало кампанию, включавшую охрану депо и постоянное удаление граффити. В результате райтеры покинули метро и вышли на улицы, где их статичное искусство, естественно, получало гораздо меньше внимания.

В конце 1980-х и 1990-х годов всё больше художников стали выставлять свои работы в галереях и арендовать студии. Эта практика началась ещё несколькими годами ранее с такими граффитистами, как Жан-Мишель Баския — ныне один из ведущих современных художников мира, — который отказался от своего фирменного тега SAMO (акроним от «Same Old» — «всё то же старое») в пользу возможностей мейнстрима.

Среди других известных художников граффити — Кит Харинг (1958–1990), Бэнкси (р. 1973/74) и Дэвид Войнарович (1954–1992). Граффити — это одна из форм более широкого движения «стрит-арт», стиля искусства аутсайдеров, создаваемого вне рамок традиционных художественных площадок. Оно включает в себя трафаретное граффити, постеры или стикеры, поп-арт и уличные инсталляции, в том числе новейшие видеопроекции, «бомбардировки пряжей» (yarn bombing) и скульптуры Lock-On. Стрит-арт иногда называют «городским искусством», «партизанским искусством», «пост-граффити» или «нео-граффити».

Список 30 лучших выставок, биеннале и ярмарок постмодернистского искусства см: Лучшие фестивали современного искусства.

Неоэкспрессионизм (с конца 1970-х)

Один из нескольких стилей постмодернизма, неоэкспрессионизм — это широкое движение в живописи, возникшее около 1980 года в ответ на стагнацию минимализма и концептуального искусства, чей интеллектуализм и самодостаточная «чистота» доминировали в 1970-е, но теперь стали вызывать отторжение у многих художников. Неоэкспрессионисты отстаивали изобразительное искусство (которое многие теоретики постмодернизма считали «мёртвым») и поддерживали всё то, что модернисты пытались дискредитировать: фигуративность, эмоции, символизм и повествовательность. Они использовали чувственные цвета и включали темы, связанные с многочисленными историческими стилями и движениями, такими как Ренессанс, маньеризм, кубизм, фовизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Неудивительно, что в Германии неоэкспрессионизм испытал сильное влияние более ранних немецких экспрессионистских групп, таких как Der Blaue Reiter и Die Brucke.

Движение охватывало «новую живопись» в Германии таких художников, как Георг Базелиц (р. 1938), Йорг Иммендорф, Ансельм Кифер, А. Р. Пенк, Зигмар Польке и Герхард Рихтер, а также работы «Уродливых реалистов», таких как Маркус Люперц. Кроме того, она охватывала группу Neue Wilden («Новые дикие», отсылка к фовизму 1900-х годов или «диким зверям»), в которую входил Райнер Феттинг. После международных выставок «Новый дух в живописи» (Лондонская королевская академия, 1981) и «Zeitgeist» (Берлин, 1982) термин «неоэкспрессионизм» стал применяться к другим группам, таким как Figuration Libre во Франции, Transavanguardia в Италии, «New Image Painters» и так называемые «Bad Painters» в США.

В Америке этот стиль, несмотря на свою популярность, не породил работ такого же уровня, за исключением творчества таких художников, как Филипп Густон (1913–1980), Джулиан Шнабель, Дэвид Салле и другие. В Великобритании примером стиля являются рубенсовские обнажённые Дженни Савиль, которые бросают вызов условным представлениям о размерах и форме человеческого тела. Возникновение этого движения привело к реабилитации нескольких художников, работавших в схожем ключе.

Среди них американцы Луиза Буржуа, Леон Голуб и Сай Твомбли, а также британский художник Люсьен Фрейд, все работы которого были названы неоэкспрессионистскими. Этот термин также применялся к скульптуре. Работы таких скульпторов, как американец Чарльз Симондс, британские художники Аниш Капур и Рейчел Уайтред, чешка Магдалена Йетелова, немка Иза Генцкен и польский скульптор Магдалена Абаканович, содержат черты экспрессионизма. В архитектуре термин «экспрессионистский» применяется к таким зданиям, как Сиднейский оперный театр и музей Гуггенхайма в Бильбао. Более подробную информацию см: История экспрессионистской живописи (1880–1930) и Экспрессионистское движение (с 1880-х гг.).

Трансавангард (Transavanguardia) (с 1979 года)

Итальянский художественный критик Акилле Бонито Олива использовал термин «Transavanguardia» (за пределами авангарда) в журнале Flash Art в октябре 1979 года, говоря о международном неоэкспрессионизме. Но с тех пор он используется только для описания творчества итальянских художников, работавших в этом стиле в 1980-х и 1990-х годах. К ним относятся Сандро Киа, Франческо Клементе, Энцо Кукки и Миммо Паладино.

Художники трансавангарда использовали свободный, фигуративный стиль живописи с ностальгическими отсылками к искусству Ренессанса и его иконографии. Они писали масштабные работы маслом, включая реалистичные и воображаемые портреты, религиозные и аллегорические исторические картины, и вдохновлялись символизмом, а также цветовой палитрой фовизма. Киа включил элементы итальянского маньеризма, кубизма, футуризма и фовизма в свои повествовательные религиозные работы; Паладино создавал большие мифологические картины с геометрическими и фигуративными мотивами; Кукки писал романтические сцены с гигантами и горами, вдохновлённые сюрреализмом, и включал в свои живописные работы дополнительные предметы из металла или глины; Клементе известен своими автопортретами и интимными фигуративными работами. Их включение в крупные выставки в Кунстхалле в Базеле и на Венецианской биеннале в 1980 году, а также в Лондонскую королевскую академию в 1981 году, привело к персональным выставкам в Европе и Америке и способствовало быстрому росту значимости школы.

Britart: Молодые британские художники (1980-е)

Молодые британские художники (Young British Artists, YBAs) впервые появились на сцене в 1980-х годах и были официально признаны в 1997 году на выставке «Сенсация». Во многом вдохновлённые стилями начала XX века, такими как дадаизм и сюрреализм, их работы часто называют «бритарт». Группа состояла из нескольких художников, скульпторов, концептуальных и инсталляционных художников, работающих в Великобритании, многие из которых учились в колледже Голдсмитс в Лондоне. Участники группы получили широкое освещение в СМИ за свои эпатажные работы и доминировали в британском искусстве в 1990-е годы. Среди известных членов — Дэмиен Хёрст (известный своей работой «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющей собой тигровую акулу в формальдегиде, а также более поздней работой For the Love of God — черепом, инкрустированным бриллиантами) и Трейси Эмин (отмеченная за инсталляцию My Bed — неубранную двуспальную кровать с очень личными вещами).

Возможно, многие YBA никогда бы не добились успеха, если бы не покровительство и продвижение их работ со стороны коллекционера Чарльза Саатчи, который впервые познакомился с Дэмиеном Хёрстом на студенческой выставке «Freeze» в колледже Голдсмитс в 1988 году, где были представлены 16 YBA. Саатчи приобрёл многие из представленных работ. Два года спустя Хёрст стал куратором ещё двух влиятельных выставок YBA, «Современная медицина» и «Игрок». Саатчи посетил обе выставки и купил ещё больше работ.

К 1992 году Саатчи был не только главным покровителем Хёрста, но и крупнейшим спонсором других Молодых британских художников. Появилась вторая волна, представленная такими выставками, как «New Contemporaries», «New British Summertime» и «Minky Manky», и такими художниками, как Трейси Эмин. Тем временем экономический спад в Великобритании усугубился, что привело к краху рынка современного искусства в Лондоне. В ответ на это Саатчи организовал серию выставок в своей галерее Saatchi Gallery, продвигая название «Молодое британское искусство», от которого движение ретроспективно и получило своё имя. На первой из них были представлены работы Сары Лукас, Марка Уоллингера, Рейчел Уайтред и, конечно, Дэмиена Хёрста, чья мёртвая акула быстро стала культовым символом Бритарта во всём мире.

В 1993 году Молодая британская художница Рейчел Уайтред получила премию Тёрнера, а в 1995 году за ней последовал Дэмиен Хёрст. В 1997 году «Молодые британские художники» стали мейнстримом, когда Лондонская Королевская академия совместно с Саатчи организовала «Сенсацию», знаковую выставку искусства YBA, прошедшую на фоне многочисленных споров. Затем она отправилась в Бруклинский музей искусств в Нью-Йорке. В 1999 году работа Трейси Эмин «Моя кровать» была номинирована на премию Тёрнера, а в 2000 году экспонаты YBA были включены в экспозицию нового Тейт Модерн, что окончательно закрепило статус группы.

См. также: Современные ирландские художники и Ирландские художники XX века.

Некоторые выдающиеся YBA включают: Джеймс Риэлли (портреты), Кит Ковентри (абстрактный художник), Саймон Кэллери (городские пейзажи), Мартин Малони (художник-экспрессионист), Гэри Хьюм (минималист), Ричард Паттерсон (супер-абстракт), Фиона Рэй (абстракция, поп-арт), Маркус Харви (экспрессионистские фигуративные работы), Йен Дэвенпорт (геометрическая абстракция), Гленн Браун (скульптор и экспрессионистская живопись) и Дженни Савиль (женские тела в стиле экспрессионизма), некоторые из которых являются лауреатами премии Тёрнера (1984–2014).

Деконструктивизм в дизайне (1985–2010)

Деконструктивизм — это «антигеометрическая» форма архитектуры XX века, которая впервые появилась в конце 1980-х годов в Калифорнии и Европе. Во многом благодаря компьютерному программному обеспечению, разработанному в аэрокосмической промышленности, деконструктивистская архитектура продвигает нелинейный подход к проектированию, который часто искажает внешний вид сооружения.

Пионером деконструктивизма стал канадско-американский архитектор Фрэнк О. Гери (р. 1929), один из самых инновационных американских архитекторов эпохи постмодернизма. Среди других известных практиков — Питер Айзенман, фирма Coop Himmelb(l)au, Рем Колхас и Даниэль Либескинд. Наиболее известные здания в стиле деконструктивизма: Музей Гуггенхайма в Бильбао, «Танцующий дом» в Праге и Музей поп-культуры (The Experience Music Project) в Сиэтле, спроектированные Фрэнком Гери; кинотеатр UFA-Palast в Дрездене, спроектированный фирмой Coop Himmelb(l)au; и Центральная библиотека Сиэтла, спроектированная Ремом Колхасом. См. также: Искусство дизайна ок. 1850–1970 гг.

Боди-арт (с 1990-х гг.)

В конце 1960-х годов появился вид перформанса, названный боди-арт, в котором тело самого художника становится «холстом» для пассивного произведения искусства или «исполняется» шокирующим образом. Наиболее типичными формами пассивного боди-арта являются роспись по телу, татуировки, нейл-арт, пирсинг, фейс-арт, клеймение или имплантаты. Более активные виды боди-арта, связанные с перформансом, в которых художники воздействуют на собственное тело, чтобы передать своё «художественное послание», могут включать самоистязание, приём наркотиков, экстремальные физические нагрузки или испытание боли.

Одной из противоречивых перформанс-групп была «Венская группа акционистов», основанная в 1965 году Гюнтером Брусом, Отто Мюлем, Германом Нитчем и Рудольфом Шварцкоглером. Среди других известных художников, работающих с телом, — Мишель Журниак (1935–1995), Кетти Ла Рокка (1938–1976), Вито Аккончи (р. 1940), Улай (Франк Уве Лайсипен) (р. 1943) и выдающаяся сербская художница Марина Абрамович (р. 1946).

Одной из ведущих художниц, работающих с росписью по телу, является новозеландка Джоанн Гейр (р. 1958). Известная своими обманками (тромплёй) на теле и искусством макияжа, она наиболее знаменита благодаря одной из своих обнажённых работ под названием «Костюм Деми Мур на день рождения», которая появилась на обложке журнала Vanity Fair в августе 1992 года. Снимок был сделан фотографом Энни Лейбовиц (р. 1949).

Китайский циничный реализм (1990-е годы)

Циничный реализм — термин, впервые введённый влиятельным художественным критиком и куратором Ли Сяньтином (р. 1949) как намеренная игра с официально одобренным стилем социалистического реализма. Он описывает стиль живописи, принятый рядом пекинских художников в мрачной атмосфере, воцарившейся после подавления демонстрации на площади Тяньаньмэнь в 1989 году. Его ироничная, иногда крайне сатирическая критика современного китайского общества произвела большое впечатление на западных коллекционеров, хотя китайские художественные критики относятся к нему неоднозначно, отчасти из-за его популярности на Западе.

К художникам, связанным с циничным реализмом, относятся: Юэ Миньцзюнь (р. 1962), Фан Лицзюнь (р. 1963) и Чжан Сяоган (р. 1958), каждый из которых продал картины более чем за 1 миллион долларов. Это движение связано с «политическим поп-артом» — разновидностью китайского поп-арта конца 1980-х годов.

Нео-поп-арт (с конца 1980-х)

Термины «нео-поп» или «пост-поп» обозначают возрождение интереса к темам и методам поп-арта 1950-х и 1960-х годов. В частности, это относится к творчеству таких художников, как Эшли Бикертон, Джефф Кунс, Алан Макколлум и Хаим Стейнбах. Используя узнаваемые объекты, образы знаменитостей (например, Майкла Джексона, Мадонны, Бритни Спирс), а также иконы и символы из популярной культуры 1980-х и 1990-х годов, эта обновлённая форма поп-арта также черпала вдохновение в дадаизме (в использовании реди-мейдов и найденных объектов), а также в концептуальном искусстве. Классическими примерами нео-поп-арта являются скульптура Катарины Фрич «Крысиный король» (1993) и скульптура Джеффа Кунса «Майкл Джексон и Бабблз» (1988).

Как и поп-арт, нео-поп высмеивал культ знаменитостей и открыто ставил под сомнение некоторые из наиболее устоявшихся ценностей общества. Сам Кунс добился значительной известности благодаря тому, что возвёл китч в ранг высокого искусства. Его «Собака из воздушных шариков» (1994–2000) — это блестящая скульптура из красной стали высотой более 3 метров, чья монументальная форма абсурдно контрастирует с тривиальностью объекта. Среди других известных нео-поп-художников — американцы Дженни Хольцер, Кэди Ноланд и Дэниел Эдвардс; «Молодые британские художники» Дэмиен Хёрст, Гэри Хьюм и Гэвин Тёрк, а также Майкл Крейг-Мартин, Джулиан Опи и Лиза Милрой; русские художники Виталий Комар и Александр Меламид; бельгийский художник Лео Коперс.

Некоторую путаницу вносит тот факт, что некоторые из создателей оригинального поп-арта 1960-х и 70-х годов продолжали создавать интересные работы и в 1990-х. Лучший пример — скульптор Клас Ольденбург (р. 1929), чьи гигантские поп-скульптуры включают Свободная марка (1985–91, Уиллард-парк, Кливленд) и Ядро яблока (1992, Музей Израиля, Иерусалим).

Стакизм (с 1999 года)

Противоречивая британская художественная группа, основанная в 1999 году Чарльзом Томсоном и Билли Чайлдишем вместе с одиннадцатью другими художниками. Название происходит от фразы Трейси Эмин, которая в споре с Чайлдишем сказала, что его искусство «застряло» (stuck).

Отвергая стерильную природу концептуального искусства, а также перформанса и инсталляций YBA (включая Трейси Эмин), которые, по их мнению, лишены художественной ценности, художники-стакисты выступают за возвращение к живописным качествам, примером которых является фигуративная живопись и другие виды изобразительного искусства.

В начале 2000-х годов группа провела множество выставок в Великобритании, включая «Первую художественную выставку нового тысячелетия» (1 января 2000 года) и акцию «Отставка сэра Николаса Сероты» (март 2000 года), а также несколько ежегодных выставок под названием «Настоящее шоу премии Тёрнера» и ряд других мероприятий. Группа также побывала в Париже, Гамбурге, Кёльне, Лейпциге, Нью-Джерси, Нью-Хейвене (США) и Мельбурне (Австралия). Стакизм также был представлен в двух недавних книгах: «Стили, школы и движения: энциклопедический путеводитель по современному искусству» Эми Демпси и «Вкусмейкеры: Искусство Великобритании сегодня» Рози Миллард. В центре Лондона также была открыта Стакистская галерея.

В группу «Стакист» входили, в частности, Чарльз Томсон, Билли Чайлдиш, Билл Льюис, Филипп Абсолон, Санчия Льюис, Шейла Кларк, Элла Гуру и Джо Машин.

Новая Лейпцигская школа (с 2000-х)

Привлёкшая внимание общественности в первые годы нового тысячелетия, Новая Лейпцигская школа (на немецком, «Neue Leipziger Schule»), также называемая «Young German Artists» (YGA), является свободным движением живописцев и скульпторов, которые получили образование в Hochschule für Grafik und Buchkunst (Академии изобразительных искусств) в Лейпциге, Восточная Германия, где преподавание велось в значительной степени в изоляции от современных художественных тенденций на Западе.

Методы преподавания были в основном традиционными и фокусировались на основах изобразительного искусства, с большим акцентом на рисунок, рисунок фигуры, рисование с натуры, использование сетки, теорию цвета и законы перспективы. После воссоединения Германии в 1989 году в школе стали учиться студенты со всей страны, а её выпускники искали возможности продавать свои работы на Западе.

Первым успешным художником стал Нео Раух, которому в 2000 году была предложена персональная выставка в галерее Дэвида Цвирнера в Нью-Йорке. Его успех открыл дорогу для других не менее талантливых лейпцигских художников, чьи работы выставляются в Европе и США. Их стиль, как правило, фигуративный, с сильным акцентом на повествование, и характеризуется приглушённой цветовой гаммой.

Классический реализм и движение постмодернистских ателье

Новая Лейпцигская школа — один из нескольких современных центров традиционного мастерства. В США традиционная изобразительная живопись была возрождена в 1980-х годах «классическим реализмом» — современным движением, основанным Ричардом Лэком (1928–2009), бывшим учеником бостонского художника Р. Х. Айвза Гаммелла (1893–1981) в начале 1950-х годов. В 1967 году он основал Ателье Лэка, учебную мастерскую по образцу ателье Парижа XIX века.

Проекционное искусство (XXI век)

Проекционное искусство, также известное как видеомэппинг или пространственная дополненная реальность, является одним из ярких проявлений постмодернистского искусства. Используя компьютерную проекционную технологию, оно требует лишь наличия поверхности (например, здание, фасад церкви, дерево), на которую проецируется изображение.

Любое изображение может быть спроецировано на принимающую поверхность, и эффекты могут быть впечатляющими: это может буквально преобразить внешнее или внутреннее пространство, одновременно рассказывая историю и создавая оптическое пиршество. Среди известных художников-проекционистов — Паоло Бурони, Клемент Бринд, Росс Эштон, Дженнифер Стейнкамп, Энди Маккеон, Феличе Варини и другие.

Компьютерное («цифровое») искусство (XXI век)

Термин «Компьютерное искусство» обозначает любое искусство, в котором компьютеры играют значительную роль. Это широкое определение охватывает как более традиционные формы искусства, в которых используются компьютеры (например, анимация с компьютерным управлением или кинетическое искусство), так и те, что основаны на компьютерном программном обеспечении, например деконструктивистская архитектура.

Компьютерное искусство также может называться «цифровым искусством», «интернет-искусством», «программным искусством» или «компьютерной графикой».

К пионерам этого вида искусства относятся Гарольд Коэн, Рональд Дэвис, Джордж Гри, Жан-Пьер Эбер, Бела Юлеш, Ольга Киселёва, Джон Лэнсдаун, Моэн Мейсон, Манфред Мор и Джозеф Нечвотал. Среди более поздних цифровых художников были Чарльз Ксури, Лесли Мезеи, Фридер Наке, Георг Неес, А. Майкл Нолл, Нам Джун Пайк и Джон Уитни. Важными пионерами в области исследований были также профессор Гарольд Коэн из Калифорнийского университета в Сан-Диего и Кен Голдберг из Калифорнийского университета в Беркли.

Самые ранние выставки компьютерного искусства включали: «Generative Computergrafik» (1965) в Высшей технической школе в Штутгарте, Германия; «Computer-Generated Pictures» (1965) в галерее Howard Wise в Нью-Йорке; «Computer Imagery» (1965) в Galerie Wendelin Niedlich в Штутгарте, Германия; «Cybernetic Serendipity» (1968) в Институте современного искусства в Лондоне.

В XXI веке компьютерное искусство стало новейшей ареной современного искусства — своего рода окончательным постмодернизмом. Искусство, созданное с помощью компьютера, является по-настоящему революционным, не в последнюю очередь потому, что оно способно (по мере развития искусственного интеллекта) достичь полной художественной независимости. Можно с уверенностью сказать, что это направление продолжит активно развиваться.