Абстрактное искусство читать ~23 мин.

Термин «абстрактное искусство», который также называют «непредметным искусством», «нефигуративным», «нерепрезентативным» или «геометрической абстракцией», — это довольно расплывчатое, обобщающее понятие для любой картины или скульптуры, которая не изображает узнаваемые объекты или сцены.

Однако, как мы увидим, не существует чёткого консенсуса в отношении определения, видов или эстетического значения абстрактного искусства. Пикассо считал, что такого понятия не существует, а некоторые искусствоведы полагают, что всё искусство по своей природе абстрактно. Они утверждают, что любая картина представляет собой лишь грубое обобщение (абстракцию) того, что видит художник. Даже ведущие эксперты иногда расходятся во мнениях, следует ли относить то или иное полотно к «экспрессионизму» или «абстракционизму». В качестве примера можно привести акварель «Корабль в огне» (1830, Галерея Тейт) и масляную картину «Снежная буря — пароход у входа в гавань» (1842, Галерея Тейт) Уильяма Тёрнера (1775–1851). Аналогичный пример — серия картин «Кувшинки» (1916–1920, Национальная галерея, Лондон) Клода Моне (1840–1926). Кроме того, существует целая шкала абстракции: от полуабстрактных до полностью абстрактных произведений. Поэтому, хотя теория относительно ясна — абстрактное искусство оторвано от реальности, — на практике отделить абстрактное от неабстрактного бывает гораздо сложнее.

В чём заключается идея абстрактного искусства?

Основной принцип абстракционизма — и это, к слову, ключевой вопрос эстетики — заключается в том, что формальные качества картины (или скульптуры) так же важны, как и её репрезентативные качества, если не более.

Начнём с простой иллюстрации. Картина может содержать очень неумелое изображение человека, но если её цвета прекрасны, она всё равно может показаться нам великолепным произведением. Это показывает, как формальное качество (цвет) может превзойти по значимости репрезентативное (рисунок).

С другой стороны, фотореалистичная картина с изображением дома может демонстрировать превосходную технику изображения, но её сюжет, цветовая схема и общая композиция могут быть совершенно скучными.

Философское обоснование ценности формальных качеств произведения искусства восходит к утверждению Платона: “прямые линии и круги… не просто красивы… они прекрасны вечно и абсолютно”.

По сути, Платон утверждал, что ненатуралистические формы (круги, квадраты, треугольники и т.д.) обладают абсолютной, неизменной красотой. Следовательно, произведение искусства можно ценить исключительно за его линии и цвет — ему не обязательно изображать реальный объект или сцену. Французский художник, литограф и теоретик искусства Морис Дени (1870–1943) имел в виду то же самое, когда писал: “Помните, что картина, прежде чем стать боевым конём или обнажённой женщиной, по сути своей — это плоская поверхность, покрытая красками, расположенными в определённом порядке”.

Некоторые художники-абстракционисты говорят, что в своих работах они стремятся создать визуальный эквивалент музыкального произведения, которое можно ценить само по себе, не задаваясь вопросом: “Что изображено на этой картине?”. Уистлер, например, давал некоторым своим картинам музыкальные названия, такие как «Ноктюрн в синем и серебряном — Челси» (1871, Коллекция Тейт). (См. также: Оценка искусства: Как ценить искусство.)

Виды абстрактного искусства

Для простоты мы можем разделить абстрактное искусство на шесть основных видов. Некоторые из них менее абстрактны, чем другие, но все они так или иначе связаны с отделением искусства от объективной реальности.

Криволинейная абстракция

Этот вид абстракции тесно связан с кельтским искусством, в котором использовался ряд абстрактных мотивов, включая узлы (восемь основных типов), плетёные узоры и спирали (в том числе трискелион). Эти мотивы не были изобретением кельтов — многие другие древние культуры использовали подобные узоры на протяжении веков. Например, спиральные гравюры в неолитическом кургане Ньюгрейндж в графстве Мит были созданы за 2000 лет до появления кельтов. Тем не менее, можно сказать, что именно кельты вдохнули в эти узоры новую жизнь, сделав их гораздо более сложными и замысловатыми. Позднее эти мотивы вновь появились как декоративные элементы в ранних иллюминированных рукописях (около 600–1000 гг. н.э.). Затем они вернулись во время движения «кельтского возрождения» в XIX веке и оказали влияние на стиль модерн начала XX века, особенно в дизайне книжных обложек, текстиля, обоев и ситца в работах таких художников, как Уильям Моррис (1834–1896) и Артур Макмердо (1851–1942). Криволинейная абстракция также проявляется в «бесконечных узорах» — широко распространённой черте исламского искусства.

Цветовая или световая абстракция

Этот вид иллюстрируют работы Тёрнера и Моне, которые использовали цвет (или свет) таким образом, чтобы отделить произведение от реальности, растворяя объект в вихре пигмента. Мы уже упоминали два примера экспрессивной абстракции в стиле Тёрнера, к которым можно добавить его картину «Интерьер в Петуорте» (1837, Коллекция Тейт). Другие примеры включают позднюю серию картин Моне «Кувшинки», а также «Талисман» (1888, Музей Орсе, Париж) Поля Серюзье (1864–1927), лидера группы «Наби», и некоторые фовистские работы Анри Матисса (1869–1954). Несколько экспрессионистских картин Василия Кандинского, написанных во время его участия в группе «Синий всадник», очень близки к абстракции, как и картина «Олень в лесу II» (1913–14, Государственный Кунстхалле, Карлсруэ) его коллеги Франца Марка (1880–1916). Чешский художник Франтишек Купка (1871–1957) создал одни из первых ярких абстрактных картин, которые повлияли на Робера Делоне (1885–1941), также полагавшегося на цвет в своём стиле, вдохновлённом кубизмом. Абстракция, основанная на цвете, вновь появилась в конце 1940-х и в 1950-х годах в форме живописи цветового поля, разработанной Марком Ротко (1903–1970) и Барнеттом Ньюманом (1905–1970). В 1950-х годах во Франции возник параллельный вид абстрактной живописи, основанной на цвете, известный как «лирическая абстракция».

Геометрическая абстракция

Этот вид интеллектуального абстрактного искусства появился около 1908 года. Его ранней, зачаточной формой был кубизм, в частности аналитический кубизм, который отвергал линейную перспективу и иллюзию пространственной глубины в живописи, чтобы сосредоточиться на её двухмерных аспектах. Геометрическая абстракция также известна как конкретное искусство и непредметное искусство. Как и следует из названия, она характеризуется не натуралистическими образами, а геометрическими формами, такими как круги, квадраты, треугольники, прямоугольники и так далее. Поскольку этот вид искусства не содержит отсылок к реальному миру, его можно считать чистейшей формой абстракции. Можно провести аналогию: конкретное искусство так же относится к абстракции, как веганство — к вегетарианству. Примерами геометрической абстракции являются «Чёрный квадрат» (1915, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) Казимира Малевича (1878–1935), основателя супрематизма; «Бродвей-буги-вуги» (1942, Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк) Пита Мондриана (1872–1944), основателя неопластицизма; и «Композиция VIII (Корова)» (1918, MoMA, Нью-Йорк) Тео ван Дусбурга (1883–1931), основателя группы «Де Стейл» и элементаризма. Другие примеры включают серию картин «Посвящение квадрату» Джозефа Альберса (1888–1976) и оп-арт Виктора Вазарели (1906–1997).

Эмоциональная или интуитивная абстракция

Этот тип интуитивного искусства охватывает несколько стилей, общая черта которых — обращение к природным, органическим формам. В отличие от почти антиприродной геометрической абстракции, интуитивная абстракция часто отсылает к природе, но в менее репрезентативной манере. Два важных источника для этого типа абстрактного искусства — это органическая абстракция (также называемая биоморфной) и сюрреализм. Пожалуй, самым известным художником, работавшим в этом направлении, был выходец из России Марк Ротко — см.: Картины Марка Ротко (1938–1970). Другие примеры включают полотна Кандинского, такие как «Композиция № 4» (1911, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия) и «Композиция VII» (1913, Третьяковская галерея); работы Жана Арпа (1887–1966), такие как «Типичный рассказчик, Габель и Набель» (1923, частная коллекция); «Женщина» (1934, частная коллекция) Жоана Миро (1893–1983); «Внутренний пейзаж: Психологическая морфология № 104» (1939, частная коллекция) Роберто Матты (1911–2002); и «Бесконечная делимость» (1942, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало) Ива Танги (1900–1955). В скульптуре этот тип абстракции иллюстрируют «Поцелуй» (1907, Гамбургский кунстхалле) Константина Бранкузи (1876–1957); «Мать и дитя» (1934, Галерея Тейт) Барбары Хепуорт (1903–1975); «Гигантская косточка» (1937, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду) Жана Арпа; и «Три стоящие фигуры» (1953, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция) Генри Мура (1898–1986).

Искусство жеста (жестуральная абстракция)

Это форма абстрактного экспрессионизма, где сам процесс создания картины становится важнее конечного результата. Краска может наноситься необычными способами, а мазок часто очень свободный и быстрый. К известным американским представителям живописи жеста относятся Джексон Поллок (1912–1956), создатель «живописи действия», его жена Ли Краснер (1908–1984), также работавшая в технике капельной живописи; Виллем де Кунинг (1904–1997), известный своей серией работ «Женщина»; и Роберт Мазервелл (1915–1991), прославившийся серией «Элегия Испанской Республике». В Европе это направление представлено течением ташизм, а также группой «КОБРА», в частности художником Карелом Аппелем (1921–2006).

Минималистская абстракция

Этот тип абстракции был своего рода авангардным искусством, лишённым всяких внешних отсылок и ассоциаций. Это то, что вы видите, — и ничего больше. Произведения часто имеют геометрическую форму, и в этом направлении преобладает скульптура, хотя его использовали и некоторые великие художники. Для получения дополнительной информации о минималистском искусстве см. ниже раздел «Постмодернистская абстракция».

Происхождение и история

Абстрактное искусство каменного века

Насколько мы можем судить, история абстрактного искусства началась около 70 000 лет назад с доисторических гравюр, а именно с двух фрагментов камня с выгравированными абстрактными геометрическими узорами, найденных в пещере Бломбос в Южной Африке. За ними последовали абстрактные точки из красной охры и трафареты рук, обнаруженные среди наскальных рисунков в пещере Эль-Кастильо (датируются примерно 39 000 лет до н.э.), гравировка неандертальца в пещере Горама в Гибралтаре и клубовидное изображение среди наскальных рисунков пещеры Альтамира (около 34 000 лет до н.э.). Впоследствии абстрактные символы стали преобладающей формой пещерного искусства палеолита, превосходя фигуративные изображения по численности более чем в два раза. См.: Доисторические абстрактные знаки.

От академического реализма к абстракции

Вплоть до конца XIX века большая часть живописи и скульптуры следовала традиционным принципам классического реализма, которым обучали в крупных европейских академиях. Согласно этим принципам, главная задача искусства — создание узнаваемой сцены или объекта. Независимо от стиля или техники, произведение искусства должно было подражать внешней реальности или представлять её. Однако в последней четверти XIX века всё начало меняться. Искусство импрессионизма показало, что строгий академический стиль натуралистической живописи больше не является единственным подлинным методом. Затем, в период с 1900 по 1930 год, развитие других направлений современного искусства предоставило художникам новые методы (включая работу с цветом, отказ от трёхмерной перспективы и новые формы), которые способствовали дальнейшему движению к абстракции.

Художники начинают отходить от реальности

Первым из основных модернистских движений, подорвавшим академический стиль классического реализма, стал импрессионизм (1870–1880-е гг.). Его палитра часто была явно ненатуралистичной, хотя искусство оставалось прочно связанным с реальным миром, даже если поздние работы Клода Моне из серии «Кувшинки» казались уже близкими к абстракции. На становление абстрактного искусства также повлияло движение модерн (ар-нуво) (1890–1914).

Кандинский, экспрессионизм и фовизм демонстрируют силу цвета

Использование цвета и формы для воздействия на эмоции зрителя стало важнейшим фактором в развитии абстрактного искусства. Импрессионизм, включая его варианты — неоимпрессионистский пуантилизм и постимпрессионизм, — уже привлёк внимание к силе цвета, но именно немецкий экспрессионизм сделал его краеугольным камнем живописи. Один из основателей этого движения, Василий Кандинский (1866–1944), опубликовал книгу «О духовном в искусстве» (1911), которая стала теоретической основой абстрактной живописи.

Кандинский был убеждён в эмоциональной силе формы, линии и, прежде всего, цвета в живописи. (У него была особая чувствительность к цвету — состояние, называемое синестезией). Он считал, что картину нужно воспринимать не интеллектуально, а эмоционально, подобно музыке, которая воздействует на соответствующие участки мозга.

Тем не менее он предостерегал, что серьёзное искусство, стремясь к абстракции, не должно превращаться в простое украшательство. Большинство немецких экспрессионистов (например, Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт-Ротлуф, Макс Эрнст, Алексей Явленский, Оскар Кокошка, Франц Марк, Август Макке и Макс Бекманн) не были абстракционистами, но их яркие палитры — наряду с теоретическими работами Кандинского — указали другим, более склонным к абстракции художникам, на силу цвета как средства достижения их целей.

Параллельный парижский авангардный стиль, фовизм (1905–1908), лишь подчеркнул значимость цвета в работах Анри Матисса, таких как «Красная студия» (1911, MoMA, Нью-Йорк).

Кубизм отвергает перспективу и глубину изображения

Кубизм (1908–1914) стал реакцией на декоративную привлекательность импрессионизма. Пабло Пикассо (1881–1973) и Жорж Брак (1882–1963) развивали этот новый стиль поэтапно: сначала был протокубизм (см. полуабстрактную картину Пикассо «Авиньонские девицы», 1907, MoMA, Нью-Йорк); затем аналитический кубизм (см. «Обнажённая, спускающаяся по лестнице, № 2», 1912, Художественный музей Филадельфии) Марселя Дюшана (1887–1968); а после — синтетический кубизм, который был в большей степени ориентирован на коллаж. Их основной идеей был отход от красивого, но легковесного искусства импрессионизма в сторону более интеллектуальной формы искусства, исследующей новые способы изображения реальности.

В частности, они отвергли академический метод представления реальности с помощью линейной перспективы для создания привычного трёхмерного эффекта в живописи. Вместо этого они сохраняли всё в двухмерной плоскости, на которой располагали разные «виды» одного и того же объекта. Этот процесс можно сравнить с фотографированием объекта с разных ракурсов, последующей нарезкой фотографий и их склеиванием на плоской поверхности. Этот метод использования плоскости для изображения трёхмерной реальности потряс основы искусства. Хотя большинство кубистских работ всё ещё основывались на объектах или сценах из реального мира и, следовательно, не могли считаться полностью абстрактными, отказ этого движения от традиционной перспективы полностью подорвал натуралистический реализм в искусстве и тем самым открыл дорогу к чистой абстракции.

Кубизм вдохновил таких скульпторов-абстракционистов, как Константин Бранкузи (1876–1957), на которого также повлияло африканское и восточное искусство; Раймон Дюшан-Вийон (1876–1918), использовавший приёмы кубизма для изображения движения; и Жак Липшиц (1891–1973).

Для ознакомления с абстрактным стилем живописи начала XX века, который пытался соединить кубистскую композицию с цветом и музыкой, см.: Орфизм. Британским довоенным художественным движением, на которое сильно повлиял язык кубизма, был Вортицизм (1913–1914), основанный Перси Уиндемом Льюисом (1882–1957).

Итальянское движение футуризм (1909–1913), основанное Филиппо Маринетти (1876–1944) и включавшее таких участников, как Джино Северини (1883–1966) и Джакомо Балла (1871–1958), также испытало влияние кубизма и, в свою очередь, вдохновило многих художников. В скульптуре футуризм оказал наибольшее влияние на развитие кинетического искусства, повлияв на таких скульпторов-абстракционистов, как Наум Габо (1890–1977) и Александр Колдер (1898–1976), известный своими «мобилями».

«Тубизм», изобретённый Фернаном Леже (1881–1955), был разновидностью кубизма, в которой использовались цилиндрические и сферические фигуры вместо плоских, пересекающихся плоскостей. Тубизм также включал многочисленные машиноподобные мотивы, отражавшие веру Леже в технологический прогресс, свойственную футуризму. См., например, такие работы, как «Солдаты, играющие в карты» (1917, Музей Крёллер-Мюллер, Оттёрло); «Механик» (1920, Национальная галерея Канады); «Три женщины (Большой завтрак)» (1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Супрематизм и «Де Стейл» вводят новые геометрические формы

Традиционная изобразительная живопись и скульптура опираются на формы, заимствованные из реального мира. В противоположность этому, художники-абстракционисты вынуждены полагаться на искусственные, ненатуральные формы. Таким образом, абстрактное искусство, как правило, оперирует различными геометрическими фигурами. Размер и характер этих фигур, их взаимоотношения, а также используемые цвета становятся определяющими чертами абстрактного произведения.

Русский супрематизм

Русское движение абстрактного искусства, известное как супрематизм, появилось в 1915 году. Его лидер, Казимир Малевич (1878–1935), назвал его так, чтобы подчеркнуть «верховенство чистого чувства» в искусстве. Несомненно, находясь под влиянием Кандинского, Малевич создал серию выдающихся авангардных абстрактных картин — прямоугольных блоков чистого цвета, парящих на белом фоне, — которые на десятилетия опередили своё время. Он видел в них преемников традиционной иконописи Русской православной церкви с её плоским византийским стилем. В 1927 году его теория супрематизма была опубликована в книге под названием Die Gegenstandlose Welt («Непредметный мир»). Любовь Попова (1889–1924), наряду с Александром Родченко (1891–1956), считается одним из основателей русского конструктивизма (школы, занимавшейся изучением пространства, новых материалов, трёхмерной формы, а также наукой и социальными реформами) и была ещё одной важной фигурой супрематического движения. Ещё одним интересным русским художественным движением, которое представило новые образы, был лучизм (1912–1914), основанный Михаилом Ларионовым (1881–1964) и Натальей Гончаровой (1881–1962). Среди скульпторов-абстракционистов, испытавших влияние супрематических и конструктивистских идей, были Софи Тойбер-Арп (1889–1943) и Наум Габо (1890–1977).

Де Стейл

«Де Стейл» — это название голландского журнала о дизайне и эстетике, а также авангардного художественного движения, посвящённого геометрической абстракции (непредметному искусству). Его основателем и лидером был Тео ван Дусбург (1883–1931). Ведущей фигурой движения был Пит Мондриан (1872–1944), известный своей серией простых прямоугольных сеток, в которых использовались только чёрный, белый и основные цвета. Этот стиль он назвал неопластицизмом (Nieuwe Beelding, «новое формообразование»). Будучи одним из самых влиятельных пионеров конкретного искусства в период с 1920 по 1944 год, он разработал свой строгий геометрический стиль как противовес эмоциональному хаосу и неопределённости первой половины XX века. Он участвовал в деятельности абстрактных групп «Круг и квадрат» (1929–1931) и «Абстракция-Творчество» (1930–1936). В 1938 году он переехал в Нью-Йорк и, как считается, был первым художником, работавшим под музыку с граммофона.

Ван Дусбург был менее догматичен и представил более свободную форму неопластицизма, названную элементаризмом. В 1930 году он также ввёл термин «конкретное искусство». К сожалению, он умер в 1931 году, но его идеи были продолжены не только студентами школы дизайна Баухаус (где он читал лекции), но и группой «Абстракция-Творчество», возглавляемой бельгийским художником Жоржем Вантонгерло (1886–1965) и французскими художниками Жаном Элионом (1904–1987) и Огюстом Эрбеном (1882–1960). Среди других участников группы были лучшие европейские абстракционисты, такие как Жан Арп (1886–1966), Наум Габо (1890–1977), Эль Лисицкий (1890–1941), Антуан Певзнер (1886–1962), Барбара Хепуорт (1903–1975) и Бен Николсон (1894–1982). Швейцарский архитектор, скульптор и дизайнер, бывший студент Баухауса Макс Билль (1908–1994) был ещё одним последователем, который способствовал продвижению этого жанра в Швейцарии, Италии, Аргентине и Бразилии.

Сюрреализм и органическая абстракция

Параллельно с развитием конкретного искусства в геометрическом стиле, в 1920-х и 1930-х годах представители сюрреализма начали создавать ряд фантазийных, квази-натуралистических образов. Ведущими представителями этого стиля биоморфной / органической абстракции были Жан Арп и Жоан Миро; ни один из них, как подтверждают их многочисленные подготовительные наброски, не полагался исключительно на технику автоматизма. Их коллега-сюрреалист Сальвадор Дали (1904–1989) также создал несколько необычных картин, таких как «Постоянство памяти» (1931, MoMA, Нью-Йорк) и «Мягкая конструкция с варёными бобами: предчувствие гражданской войны» (1936, Художественный музей Филадельфии).

Жан Арп был также активным скульптором, специализировавшимся на органической абстракции, как и английские скульпторы Генри Мур (1898–1986) и Барбара Хепуорт (1903–1975). (См.: Современная британская скульптура 1930–1970 гг.). Позднее несколько европейских художников-абстракционистов нашли убежище в Америке, где они оказали влияние на новое поколение американских художников-абстракционистов. В число этих влиятельных эмигрантов входили такие художники, как Ганс Гофман (1880–1966), Макс Эрнст (1891–1976), Андре Массон (1896–1987), Аршил Горки (1904–1948), Ив Танги (1900–1955) и другие. К тому времени, несмотря на споры вокруг Арсенальной выставки в Нью-Йорке в 1913 году, в городе уже проявился живой интерес к абстракции. Музей современного искусства был основан в 1929 году, а Музей непредметной живописи (позже переименованный в Музей Соломона Гуггенхайма) — в 1939 году.

Примечание: о двух коллекционерах абстрактной живописи и скульптуры первой половины XX века см.: Соломон Гуггенхайм (1861–1949) и Пегги Гуггенхайм (1898–1979).

Примечание: об авангардной абстракции в Британии (ок. 1939–1975 гг.) см. в статье о школе Сент-Айвса.

Абстрактный экспрессионизм — больше цвета, больше геометрии

Хотя послевоенные европейские художники поддерживали интерес к абстрактному искусству в рамках парижского Салона новых реальностей, к 1945 году центр современного искусства переместился в Нью-Йорк, где авангард был представлен Нью-Йоркской школой абстрактного экспрессионизма. Это движение, возникшее после Великой депрессии и Второй мировой войны и никогда не имевшее чёткой программы, возглавляли Джексон Поллок (1912–1956), Марк Ротко (1903–1970), Виллем де Кунинг (1904–1997), Клиффорд Стилл (1904–1980), Барнетт Ньюман (1905–1970) и Адольф Готлиб (1903–1974). К следующему поколению принадлежали такие художники, как Роберт Мазервелл. Название движению дал Роберт Коутс, искусствовед из Нью-Йорка. Близкими по духу стилями были «живопись действия» Поллока, «живопись цветового поля» Ротко, а также своеобразный «абстрактный импрессионизм» Филипа Гастона (1913–1980).

Абстрактный экспрессионизм остаётся расплывчатым термином, который часто ошибочно применяют к художникам, не являющимся ни по-настоящему абстрактными, ни экспрессионистами. Он описывает форму нефигуративной, ненатуралистичной живописи, в которой цвет преобладает над формой, а сама форма больше не является строго геометрической. Ранние работы в этом стиле, как правило, создавались на крупномасштабных полотнах, размер которых был выбран так, чтобы ошеломить зрителя и погрузить его в иное пространство. Увлечённость абстрактных экспрессионистов визуальными эффектами, особенно воздействием цвета, отражала их главную цель — затронуть и исследовать основные человеческие эмоции. Поэтому живопись абстрактного экспрессионизма лучше воспринимать интуитивно, задавая вопрос: «Что она заставляет вас чувствовать?», а не «Что она изображает?».

Следует подчеркнуть, что это было широкое движение, охватывающее различные стили, включая (как уже упоминалось) полуабстрактные или неабстрактные работы, а также те, что характеризуются особым способом нанесения краски, как, например, в картинах Джексона Поллока и работах Виллема де Кунинга (жестуральная манера письма). Два интересных ранних произведения, иллюстрирующие разные стили этих двух художников: «Сидящая женщина» (1944, Метрополитен-музей) Виллема де Кунинга и «Пасифая» (1943, Метрополитен-музей) Джексона Поллока. Тот факт, что это было первое крупное художественное движение, зародившееся в США, придал ему дополнительный вес и значимость, по крайней мере, в глазах критиков.

Позднее абстрактный экспрессионизм породил множество индивидуальных стилей под общим названием постживописная абстракция — тенденции, противостоявшей жестуральности. Эти стили включали живопись «жёстких контуров», живопись цветового поля, Вашингтонскую школу цвета, американскую лирическую абстракцию и формованный холст. Абстрактный экспрессионизм также вызвал авангардный отклик у нескольких других художников, в числе которых Сай Твомбли (1928–2011), чьи каллиграфические работы представляют собой нечто среднее между рисунком и граффити, и калифорнийский скульптор-абстракционист Марк ди Суверо (р. 1933), известный своими масштабными скульптурами из железа и стали.

Европа: Art Informel, ташизм и жестурализм группы «КОБРА»

В Европе в конце 1940-х годов появилось новое художественное движение, известное как информель (Art Informel). Рассматриваемое как европейская версия абстрактного экспрессионизма, на самом деле оно было широким движением с множеством подвариантов. Эти мини-движения включали:

(1) Ташизм — стиль абстрактной живописи, характеризующийся пятнами и кляксами цвета, возникший как французский ответ на американский абстрактный экспрессионизм. Ключевое влияние на него оказал авангардный американский художник Марк Тоби (1890–1976), чей стиль каллиграфической живописи предвосхитил работы Поллока. Важными участниками были Жан Фотрие (1898–1964), Жорж Матьё (1921–2012), Пьер Сулаж (р. 1919) и португальская художница Мария Элена Виейра да Силва (1908–1992), а также американский абстрактный экспрессионист Сэм Фрэнсис (1923–1994).

(2) Авангардная группа «КОБРА», практиковавшая стиль жестуральной или «боевой живописи», схожий с американским абстрактным экспрессионизмом. Она была основана художниками, скульпторами и графиками из датской группы Høst, голландской группы Reflex и Бельгийской революционной сюрреалистической группы. В их число входили Асгер Йорн (1914–1973), бельгийский писатель Кристиан Дотремон (1922–1979), Пьер Алешинский (р. 1927), Карел Аппель (1921–2006) и Констант (К. А. Ньивенхёйс) (1920–2005). Поль Бюри (1922–2005) также был членом группы, но в 1953 году оставил живопись, чтобы заняться кинетической скульптурой.

(3) Лирическая абстракция — более спокойный и гармоничный стиль в рамках информеля. Среди ведущих представителей были Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце) (1913–1951), Ханс Хартунг (1904–1989), Жан-Мишель Атлан (1913–1960), Пьер Сулаж (р. 1919), Жорж Матьё (1921–2012) и Жан-Поль Риопель (1923–2002).

Другие подгруппы: «Новые силы» (Forces Nouvelles) и «Нефигуративное искусство» (Art Non Figuratif).

Оп-арт: новая геометрическая абстракция

Одним из самых отчётливых стилей геометрической абстрактной живописи, появившихся в эпоху модернизма, было движение оп-арт (сокращение от «оптическое искусство»). Его отличительной чертой было использование сложных, часто монохромных геометрических узоров, которые создавали оптические иллюзии, заставляя глаз видеть цвета и формы, которых на самом деле не было. Среди ведущих представителей были венгерский художник и графический дизайнер Виктор Вазарели (1906–1997) и английская художница Бриджет Райли (р. 1931). Движение сошло на нет в начале 1970-х годов.

Постмодернистская абстракция

С начала эпохи постмодернизма (с середины 1960-х) современное искусство стало дробиться на более мелкие, локальные школы. Это связано с тем, что в философии постмодернизма преобладало недоверие к «великим стилям» начала XX века. Исключением является минимализм — стиль геометрической абстракции, основанный на ключевых принципах постмодернистского искусства. Скульпторы-минималисты: Дональд Джадд (1928–1994), Сол Левитт (1928–2007), Роберт Моррис (р. 1931), Уолтер Де Мария (р. 1935) и Карл Андре (р. 1935). Другим важным скульптором-минималистом является Ричард Серра (р. 1939), чьи абстрактные работы включают «Наклонную дугу» (1981, Федерал-плаза, Нью-Йорк) и «Дело времени» (2004, Музей Гуггенхайма, Бильбао). Среди известных художников-абстракционистов, связанных с минимализмом, — Эд Рейнхардт (1913–1967), Фрэнк Стелла (р. 1936), чьи крупномасштабные картины представляют собой взаимосвязанные кластеры форм и цветов; ирландско-американский художник Шон Скалли (р. 1945), чьи прямоугольные цветовые формы, кажется, имитируют монументальные доисторические структуры; а также Джо Баер (р. 1929), Эллсворт Келли (р. 1923), Роберт Мангольд (р. 1937), Брайс Марден (р. 1938), Агнес Мартин (1912–2004) и Роберт Райман (р. 1930).

Пришедший на смену строгому минимализму неоэкспрессионизм был в основном фигуративным движением, возникшим в начале 1980-х годов. Тем не менее, в его рядах были и выдающиеся художники-абстракционисты, такие как англичанин Ховард Ходжкин (р. 1932), а также немецкие художники Георг Базелиц (р. 1938), Ансельм Кифер (р. 1945) и другие. Среди других всемирно известных художников-абстракционистов, добившихся признания в 1980-х и 1990-х годах, — британский скульптор Аниш Капур (р. 1954), известный своими крупномасштабными работами из грубо обработанного камня, литого металла и нержавеющей стали. И Ходжкин, и Капур являются лауреатами Премии Тёрнера.

Нерепрезентативное искусство можно увидеть в большинстве лучших художественных музеев мира.