Греческая скульптура читать ~46 мин.

Как появилась греческая скульптура?

Принято считать, что греческое искусство классической античности представляет собой сплав египетской, сирийской, минойской (Крит), микенской и персидской культур. Сами греки (судя по их языку) произошли от индоевропейских племён, мигрировавших из степей к северу от Чёрного моря. Греческие скульпторы переняли у египтян и сирийцев навыки резьбы по камню и литья из бронзы, в то время как собственные скульптурные традиции в Греции развивались под влиянием двух основных групп племён — ионийцев и дорийцев. (Подробнее о каменной кладке в Древнем Египте см.: Египетская архитектура).

Хронология греческой скульптуры

Хронология скульптуры в Древней Греции традиционно делится на три основных периода:

Архаический период (около 650–500 гг. до н.э.)
Греческие скульпторы начинают создавать монументальную мраморную скульптуру.
Классический период (около 500–323 гг. до н.э.)
Вершина развития древнегреческой скульптуры.
Эллинистический период (около 323–27 гг. до н.э.)
«Греческий» стиль в трёхмерном искусстве распространяется по всему Восточному Средиземноморью.

Примечание. Для получения информации о керамическом искусстве, включая геометрический, чернофигурный, краснофигурный стили и технику белого фона, см. Греческая керамика: история и стили.

История раннегреческой скульптуры

Резьба по кости и слоновой кости существовала в Египте примерно с 5000 года до н.э. как часть культурных традиций, сложившихся в конце каменного века (10 000–5000 гг. до н.э.). Затем, начиная с 2600 года до н.э., появились различные направления эгейского искусства. Особое место среди них занимала минойская цивилизация на Крите с её каменной скульптурой (особенно каменными печатями), фресками, керамикой и изделиями из металла. После серии землетрясений минойская культура пришла в упадок примерно в 1425 г. до н.э., и доминирующим направлением в искусстве на материковой Греции стало микенское искусство. Оно славилось своей керамикой, резными драгоценными камнями и стеклянными украшениями. Этот период продолжался примерно до 1150 г. до н.э., когда микенцы пали под натиском дорийского вторжения. После этого наступили греческие «тёмные века» — четырёхсотлетний период хаоса и упадка, когда искусство почти не создавалось. Однако в более спокойном VIII веке до н.э. начала формироваться новая культура изобразительного искусства, включавшая гончарное дело, живопись и скульптуру. Примерно в это же время были написаны «Илиада» и «Одиссея» Гомера. Тем не менее, развитие скульптуры оставалось крайне медленным вплоть до архаического периода (около 650–500 гг. до н.э.). Для получения дополнительной информации о самых ранних архаических стилях см.: Дедалическая скульптура Древней Греции (650–600). Для более широкого контекста см.: Этрусское искусство (ок. 700–90 до н.э.).

Была ли греческая скульптура в первую очередь религиозной?

Да. В архаический и классический периоды важнейшие произведения греческой скульптуры носили религиозный характер. Они предназначались для храмов, которые обычно посвящались одному божеству. Статуи богов создавались по образу и подобию человека из различных материалов и в разных размерах. Как внутри, так и снаружи храма размещались другие обетные статуи (вотивы), урны, изображения священных животных и прочие скульптурные произведения.

Почему в архаический период греческая скульптура развивалась быстрее?

Ключевой особенностью архаического периода стало возобновление торговых и морских связей между Грецией и Ближним Востоком (особенно Египтом, а также городами-государствами Малой Азии). Это вдохновило греческих мастеров положить начало традиции монументальной мраморной скульптуры. Кроме того, именно в архаическую эпоху греки начали использовать камень для общественных зданий и разработали три архитектурных ордера (дорический, ионический и коринфский). Каждый из них характеризуется особым стилем колонны, состоящей из основания, ствола (фуста) и капители, а также антаблемента, который включает архитрав, фриз и карниз. Что особенно важно, в этот период греческий каменный храм приобрёл свою каноническую форму, что создало огромный спрос на архитектурную скульптуру. К ней относятся рельефы и фризы на фронтонах (треугольное завершение фасада под крышей) и метопах (прямоугольные панели в дорическом фризе), а также статуи всех видов. Стоит помнить, что история скульптуры демонстрирует чёткую взаимосвязь между архитектурой и пластическими искусствами: чем больше строится зданий, тем больше требуется скульптур. Так было в классической античности, а также в периоды средневековой скульптуры (романской и готической), скульптуры Возрождения (раннего и высокого), скульптуры барокко (XVII век) и неоклассической скульптуры (XVIII век).

Каковы характеристики архаической греческой скульптуры?

В этот период греческие скульпторы создавали фризы и рельефы различных размеров (из камня, терракоты и дерева), множество типов статуй (из камня, терракоты и бронзы), а также миниатюрные скульптуры (из слоновой кости и металла). Архаичные отдельно стоящие фигуры унаследовали массивность и фронтальную позу египетских образцов, но их формы более динамичны. В качестве примера можно привести Торс Геры (660–580 гг. до н.э., Лувр).

Примерно с 620 года до н.э. тремя наиболее распространёнными типами статуй были стоящий обнажённый юноша (курос, мн. ч. — kouroi), стоящая задрапированная девушка (кора, мн. ч. — korai) и сидящая женщина. (Курос оставался популярным примерно до 460 года до н.э.). Изначально эти статуи, как и большинство отдельно стоящих скульптур архаики, напоминали египетские образцы по форме и позе: фронтальное положение, широкие плечи, узкая талия, руки, опущенные вдоль тела с сжатыми кулаками, обе ступни на земле, левая нога слегка выдвинута вперёд. Выражение лица было ограничено застывшей «архаической улыбкой». Однако по мере углубления знаний греков в области анатомии человека куросы и коры становились менее скованными, более живыми и реалистичными. В то же время египетские скульпторы строго придерживались жёстких иератических канонов, установленных их культурной традицией.

Другой яркой особенностью греческой скульптуры было то, что, в отличие от египетских фигур, куросы не имели исключительно религиозного назначения. Их могли использовать как надгробные памятники, обетные статуи или изображения местных героев, например атлетов. Также они могли представлять богов, таких как Аполлон или Геракл. Греки давно решили, что человеческое тело — самый важный объект для художника, и, поскольку они наделяли своих богов человеческим обликом, они не делали чёткого различия между сакральным и светским. Кроме того, куросы были обнажёнными, в то время как египетские мужские фигуры всегда изображались одетыми.

Женская статуя, кора, считалась менее значимой. При её создании архаические скульпторы уделяли основное внимание пропорциям и орнаменту драпировки, а не анатомии. Ионийские мастера особенно преуспели в изображении складок свободно ниспадающего платья (хитона) и плаща (гиматия). Большинство кор были обетными скульптурами, которые устанавливались в качестве подношений в святилищах, например на Акрополе в Афинах.

Какие греческие статуи архаического периода самые известные?

Известные примеры архаической греческой скульптуры включают:

Клеобис и Битон (610–580 гг. до н.э.), Археологический музей Дельф.
Нью-Йоркский курос (ок. 600 г. до н.э.), Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Стренгфордский Аполлон с Анафи (ок. 600–580 гг. до н.э.), Британский музей, Лондон.
Дипилонский курос (ок. 600 г. до н.э.), Афины, Музей Керамика.
Мосхофор, или Теленосец (ок. 570 г. до н.э.), Музей Акрополя, Афины.
Курос из Анависсоса (ок. 525 г. до н.э.), Национальный археологический музей Афин.
Фриз сокровищницы сифносцев (ок. 525 г. до н.э.), Дельфы, Археологический музей Дельф.

Чтобы увидеть, как развивалась греческая скульптура, сравните, например, известняковую статую Дамы из Осера (ок. 630 г. до н.э., Лувр, Париж) с Корой в пеплосе (ок. 530 г. до н.э., Музей Акрополя, Афины). Также сопоставьте Куроса с мыса Сунион (ок. 600 г. до н.э., Национальный археологический музей Афин) с Мальчиком Крития (490–480 гг. до н.э., Музей Акрополя, Афины).

Какие материалы использовали греческие скульпторы?

Наиболее популярными материалами для скульптуры в Древней Греции были мрамор и другие виды известняка, бронза, терракота и дерево. Около половины всех статуй, созданных в античности, предположительно были отлиты из бронзы, хотя этот металл стал широко использоваться в скульптуре лишь примерно с 550–500 гг. до н.э. Независимо от материала, поверхности статуи придавалась большая естественность с помощью специальной обработки, известной как ганозис: её покрывали маслом и горячим воском, а затем раскрашивали и позолачивали. Даже рельефная скульптура не считалась законченной до полировки и раскраски.

Были ли греческие скульптуры раскрашены?

В целом, да. Будь то мрамор, бронза, дерево, терракота или металл, большинство греческих скульптур (и статуй, и рельефов) были полихромными, то есть многоцветными. Удивительно, но эта ключевая особенность на протяжении веков игнорировалась из-за предубеждений влиятельных историков искусства, таких как эксперт по неоклассицизму Иоганн Иоахим Винкельман (1717–1768), который был ярым противником самой идеи «раскрашенной» греческой скульптуры. Лишь после того, как немецкий археолог Винценц Бринкманн в недавнее время доказал, что весь Парфенон был ярко раскрашен, полихромия древнегреческой скульптуры была окончательно принята как факт. См. также: Древнегреческая живопись архаического периода (ок. 625–500 гг. до н.э.).

Что произошло с греческой скульптурой в классический период?

Классический период ознаменовался быстрым совершенствованием греческой скульптуры. Произошёл резкий скачок в техническом мастерстве скульпторов, которые научились изображать человеческое тело в естественной, расслабленной позе, а не в застывшем положении. Классический стиль преодолел скованность архаики и привнёс ощущение естественного движения и телесности в человеческую фигуру, что хорошо видно на примере метоп и фронтонов храма Зевса в Олимпии. Кроме того, бронза стала преобладающим материалом для монументальных отдельно стоящих статуй. Это было связано со способностью металла сохранять сложную форму, что позволяло создавать менее статичные позы. Бронзовая фигура не только прочнее и легче мраморной, но и может быть стабилизирована с помощью свинцовых утяжелителей, размещённых внутри её полых ног. Это позволило создавать новые позы, которые в мраморе привели бы к падению статуи. К сожалению, бронза была слишком ценным материалом для изготовления оружия и легко переплавлялась, поэтому большинство греческих бронзовых статуй были утрачены. Это затрудняет адекватную оценку художественных достижений греков, из-за чего мы вынуждены полагаться на римские копии греческих оригиналов.

Каковы основные типы классической греческой скульптуры?

Скульптура классического периода по-прежнему была тесно связана с религией и включала изображения всех греческих божеств и мифологических персонажей. Так, помимо двенадцати олимпийских богов и богинь — Зевса, Аполлона, Посейдона, Деметры, Геры, Артемиды, Гефеста, Афины, Ареса, Афродиты, Гермеса и Гестии — скульпторы изваяли и второстепенных божеств, таких как Дионис, сатиры, нимфы и кентавры, а также Плутона и Персефону, Эроса, Психею, Ариадну, муз, граций, времён года и мойр. Среди героев были популярны Ахилл, Геракл, Тесей, Персей и другие.

В дополнение к религиозным произведениям, скульпторы-классики создали ряд трёхмерных изображений атлетов в различных видах спорта, включая дискоболов, бегунов, борцов и возничих. Любопытно, однако, что историческая скульптура, распространённая в Египте и Ассирии, в Древней Греции почти не существовала. Важные события изображались в мифологическом ключе, а не в виде прямого повествования.

Каковы характеристики классической греческой скульптуры?

Главными характеристиками классической скульптуры стали точность в передаче анатомии и реалистичность поз. Однако эти улучшения происходили постепенно. В период ранней классической греческой скульптуры (ок. 500–450 гг. до н.э.) скульпторы стремились создавать фигуры, которые воспринимались как движущиеся в пространстве, а не просто стоящие в нём. Шедевром ранней классики является «Дискобол» (ок. 450 г. до н.э.) Мирона. Затем, на этапе высокой классической греческой скульптуры (ок. 450–400 гг. до н.э.), мастера стали применять к своим фигурам канон пропорций, основанный на идеях гармонии. Человеческое тело изображалось в «идеальной» форме — идея, которую возродили Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль в эпоху Высокого Возрождения. Кроме того, скульпторы высокой классики разработали контрапост — позу, в которой вес тела модели переносится на одну ногу, а вторая остаётся расслабленной и слегка согнутой. Примером служит «Дорифор» (ок. 440 г. до н.э., мраморная копия в Национальном музее в Неаполе). Более естественный, чем предыдущие позы, контрапост впервые позволил силе тяжести влиять на взаимосвязь мышц и конечностей фигуры. Изобретённый греками, этот тип позы лежал в основе европейской скульптуры вплоть до XX века. Наконец, в период поздней классической греческой скульптуры (IV век до н.э.) фигуры стали восприниматься как трёхмерные объекты, которые можно было рассматривать с любого ракурса. На этой поздней стадии также появились первые отдельно стоящие обнажённые женские фигуры. Примером скульптуры поздней классики является «Афродита Книдская» (350–340 гг. до н.э.) Праксителя.

Кто самые известные скульпторы-классики?

Ещё одной характерной чертой греческой классической скульптуры стало появление имён великих мастеров, хотя их работы известны нам в основном по более поздним римским копиям. В число величайших скульпторов входили: Каламид (активен в 470–440 гг. до н.э.), Пифагор Регийский (активен ок. 440–420 гг. до н.э.), Фидий (ок. 480–430 гг. до н.э.), Кресилай (активен ок. 480–410 гг. до н.э.), Мирон (активен в 480–440 гг. до н.э.), Поликлет (активен ок. 450–420 гг. до н.э.), Каллимах (активен в 432–408 гг. до н.э.), Скопас (активен в 395–350 гг. до н.э.), Лисипп (активен ок. 395–305 гг. до н.э.), Пракситель (активен в 375–335 гг. до н.э.) и Леохар (активен в 340–320 гг. до н.э.).

Какая самая известная греческая архитектурная скульптура классического периода?

Именно в V веке до н.э. (около 480–400 гг. до н.э.) греческое, и особенно афинское, искусство достигло своего апогея. Об этом свидетельствует создание афинского Парфенона (447–432 гг. до н.э.) — общепризнанного шедевра, сочетающего архитектуру и скульптуру. Его украшали фриз длиной около 160 метров (500 футов), сотни рельефов и колоссальная хрисоэлефантинная скульптура Афины Парфенос работы Фидия. В этот же период были возведены и многие другие известные образцы греческой архитектуры, в том числе: комплекс Акрополя (550–404 гг. до н.э.), храм Зевса в Олимпии (468–456 гг. до н.э.), храм Гефеста (ок. 449 г. до н.э.), храм Афины Ники (ок. 427 г. до н.э.) и театр в Дельфах (ок. 400 г. до н.э.). Все эти важные сооружения непременно украшались фресками и разнообразной скульптурой из мрамора, бронзы, а иногда даже из золота и слоновой кости. Там, где для украшения архитектурных элементов требовались рельефы, скульпторы создавали повествовательные композиции на сюжеты из греческой мифологии, например, Подвиги Геракла или Битва лапифов с кентаврами. Яркими примерами служат знаменитый фриз Парфенона, а также более поздний фриз из Басс (420–400 гг. до н.э.). Последний представляет собой мраморный горельеф из 23 панелей общей длиной 31 м и высотой 0,63 м, украшавший внутреннюю часть целлы храма Аполлона Эпикурейского в Бассах (ныне находится в Британском музее).

Каковы самые известные греческие статуи классического периода?

Вот краткий список величайших скульптур классической эпохи:

Леда и Лебедь (IV век до н.э.), работа круга Тимофея.
Тираноубийцы Гармодий и Аристогитон (ок. 477 г. до н.э.), Критий и Несиот.
Дельфийский возничий (ок. 475 г. до н.э.), неизвестный художник.
Дискобол (ок. 450 г. до н.э.), Мирон.
Зевс с мыса Артемисион (также Посейдон) (ок. 460 г. до н.э.), неизвестный художник.
Воины из Риаче (ок. 450 г. до н.э.), приписываются Фидию.
«Аполлон, убивающий саранчу» (Аполлон Парнопий) (ок. 450 г. до н.э.), Фидий.
Афина Парфенос (ок. 447–438 гг. до н.э.), Фидий.
Статуя Зевса в Олимпии (ок. 432 г. до н.э.), Фидий.
Раненая амазонка (440–430 гг. до н.э.), Поликлет.
Дорифор (ок. 440 г. до н.э.), Поликлет.
Афродита в садах (Venus Genetrix) (V век до н.э.), приписывается Каллимаху.
Юноша с Антикитеры (IV век до н.э.), неизвестный художник.
Аполлон Сауроктон (Аполлон, убивающий ящерицу) (IV век до н.э.), Пракситель.
Гермес с младенцем Дионисом (IV век до н.э.), Пракситель.
Афродита Книдская (350–340 гг. до н.э.), Пракситель.
Аполлон Бельведерский (ок. 330 г. до н.э.), Леохар.
Артемида с ланью (ок. 330 г. до н.э.), приписывается Леохару.
Геракл Фарнезский (оригинал ок. 320 г. до н.э.), Лисипп.
Атлет из Фано (Победоносный юноша) (350–300 гг. до н.э.), приписывается Лисиппу.
Апоксиомен (ок. 330 г. до н.э.), Лисипп.

Что происходило в греческом мире в эллинистический период?

Эллинизм — период распространения греческой культуры на соседние регионы восточного Средиземноморья и за его пределы. Его начало традиционно отсчитывается со смерти Александра Македонского (323 г. до н.э.), когда его огромная империя была разделена на три части: Антигон I Одноглазый и династия Антигонидов получили Грецию и Македонию; Селевк I Никатор и династия Селевкидов установили контроль над Анатолией, Месопотамией и Персией; а Птолемей I Сотер и династия Птолемеев правили Египтом. Наряду с Афинами, новыми культурными центрами античного мира стали такие города, как Александрия в Египте, а также Антиохия, Пергам и Милет в Малой Азии (современная Турция). В конечном счёте все эти регионы перешли под контроль римлян. Последним пал Египет в 31 г. до н.э. — это событие знаменует конец эллинизма и начало римской скульптуры. Чтобы узнать об искусстве за пределами Греции, см.: Искусство Месопотамии (4500–539 гг. до н.э.) и Искусство Древней Персии (3500–330 гг. до н.э.).

Какие изменения внесла эллинистическая греческая скульптура?

Эллинистическая греческая скульптура привнесла ряд изменений в искусство, созданное в классическую эпоху. Во-первых, монументальная скульптура перестала служить исключительно религии и превратилась в важный инструмент пропаганды для укрепления авторитарных режимов, установившихся по всему региону (в Пергаме, Александрии и т.д.). Во-вторых, по мере появления новых центров греческой культуры в Египте, Сирии, Анатолии и других странах резко вырос спрос на архитектурную и монументальную скульптуру для украшения местных храмов и общественных мест. Такое сочетание возросшего спроса и расширения функций привело к тому, что скульптура (как и греческая керамика) стала не столько искусством, сколько индустрией. В результате дизайн стал более стандартизированным, а качество исполнения порой снижалось.

И всё же пластическое искусство стало более разнообразным. Рост спроса привёл к необходимости расширения тематики. Скульпторы вышли за рамки идеализированного героизма классической скульптуры и стали изображать более широкий круг личностей, настроений и сцен. Новыми сюжетами стали: раненый варвар, мальчик, вынимающий занозу, охотница, старуха, дети, животные и бытовые сцены. Появились даже карикатуры. Подробнее об этом новом стиле см.: Пергамская школа эллинистической скульптуры (241–133 гг. до н.э.).

Примечание: в эпоху эллинизма, после смерти Александра Македонского, влияние греческой скульптуры распространилось на восток, вплоть до Индии, где она оказала большое влияние на индийскую скульптуру, особенно на греко-буддийские статуи Гандхарской школы.

Каковы основные характеристики эллинистической греческой скульптуры?

Наиболее важным изменением стала смена эстетики: эллинизм заменил безмятежную красоту классицизма более эмоциональной скульптурой, сочетавшейся с подчёркнутым реализмом. В эту новую эпоху экспрессионизма статуи стали излучать энергию и мощь — см., например, Фарнезского быка или Нику Самофракийскую (220–190 гг. до н.э.). Человеческие фигуры начали выражать страдание и сильные эмоции — см., например, «Умирающего галла» (ок. 230 г. до н.э.) или «Лаокоона и его сыновей» (ок. 42–20 гг. до н.э.). Откровенная чувственность также проявляется в таких работах, как Афродита, Пан и Эрос (ок. 100 г. до н.э.), найденная на Делосе, а для более тонкой версии см. изысканную «Афродиту Киренскую» (ок. 100 г. до н.э.). В портретном искусстве эллинизм принёс растущий интерес к психологии личности: см., например, меланхоличную, интроспективную скульптуру Демосфена (ок. 280 г. до н.э.) работы Полиевкта.

Однако некоторая безмятежность классики сохранилась в таких скульптурах, как «Три грации» (II век до н.э.) и Венера Милосская (ок. 100 г. до н.э.).

Если период высокой классики установил стандарт для Высокого Возрождения, то эпоха эллинистического искусства стала прообразом для скульпторов маньеризма и барокко. Неудивительно, что размер стал важным фактором, и скульпторы соревновались в создании всё более крупных и впечатляющих произведений. Этот процесс достиг кульминации в создании Колосса Родосского Харесом из Линдоса — сооружения размером примерно со Статую Свободы. Позже оно было включено в список Семи чудес древнего мира греческим поэтом Антипатром Сидонским.

Возможно, самым выдающимся памятником «барочного экспрессионизма» в греческой эллинистической скульптуре был огромный Пергамский алтарь Зевса, построенный около 180–160 гг. до н.э. (См. также: Эллинистические статуи и рельефы.) Памятник прославлял царей Пергама как защитников греческой цивилизации в Малой Азии и иллюстрировал их многочисленные победы над вторгавшимися с востока варварскими племенами. После фриза Парфенона Пергамский алтарь является самым масштабным образцом греческой монументальной скульптуры, известным миру. Его внешний фриз изображает Гигантомахию (битву богов и гигантов) во всей её неистовой жестокости, в то время как внутренние рельефы демонстрируют более сдержанный стиль повествования, предвосхищая более поздние разработки в рельефной скульптуре, такие как Колонна Траяна в Риме, созданная 250 лет спустя. Для более подробной информации см.: Рельефная скульптура Древнего Рима. Подробнее о ранних этапах итальянской скульптуры, живописи и архитектуры см.: Эллинистическо-римское искусство.

Каковы самые известные греческие статуи эллинистического периода?

Вот краткая подборка величайших скульптур того периода:

Колосс Родосский (292–280 гг. до н.э.), построен Харесом из Линдоса.
Крадущийся гермафродит (III век до н.э.), Лувр. Неизвестный художник.
Менелай с телом Патрокла (III век до н.э.). Автор неизвестен.
Умирающий галл (ок. 230 г. до н.э.), Капитолийский музей, Рим. Автор Эпигон.
Галл Людовизи (убивающий себя и свою жену) (ок. 230 г. до н.э.), Национальный музей Рима. Неизвестный художник.
Ника Самофракийская (Крылатая Победа) (220–190 гг. до н.э.), Лувр. Неизвестный художник.
Фавн Барберини (ок. 220 г. до н.э.), Глиптотека, Мюнхен. Неизвестный художник.
Пергамский алтарь (ок. 180–160 гг. до н.э.), Пергам, Малая Азия. Неизвестный художник.
Всадник с мыса Артемисион (ок. 140 г. до н.э.), Археологический музей, Афины. Неизвестный автор.
Фарнезский бык (II век до н.э.), Аполлоний и Тавриск из Тралл.
Спящий гермафродит (II век до н.э.), Лувр. Неизвестный художник.
Три грации (II век до н.э.), Лувр. Неизвестный автор.
Венера Медичи (150–100 гг. до н.э.), Уффици, Флоренция. Неизвестный художник.
Афродита Киренская (ок. 100 г. до н.э.), Национальный римский музей (Термы Диоклетиана), Рим. Неизвестный автор.
Гладиатор Боргезе (ок. 100 г. до н.э.), Лувр. Агасий Эфесский.
Афродита, Пан и Эрос (ок. 100 г. до н.э.), Национальный археологический музей, Афины.
Венера Арльская (ок. 100 г. до н.э.), Лувр. Неизвестный художник.
Венера Милосская (Афродита с острова Мелос) (ок. 100 г. до н.э.), Лувр. Александрос из Антиохии.
Мальчик, вынимающий занозу (Спинарио) (ок. 80 г. до н.э.), Палаццо деи Консерватори, Рим.
Лаокоон и его сыновья (42–20 гг. до н.э.), Агесандр, Афинодор и Полидор.

Где находятся лучшие коллекции оригинальной греческой скульптуры?

Большинство сохранившихся статуй и барельефов классической античности представляют собой римские копии греческих оригиналов. Их можно увидеть во многих лучших художественных музеях Греции, Италии и других стран. Вот краткий список лучших коллекций.

ГРЕЦИЯ

• Национальный археологический музей, Афины
• Музей Акрополя, Афины
• Археологический музей, Олимпия

ИТАЛИЯ

• Музеи Ватикана
• Капитолийские музеи, Рим
• Национальный римский музей, Рим
• Национальный археологический музей, Неаполь
• Национальный музей Великой Греции, Реджо-ди-Калабрия

ЕВРОПА

• Пергамский музей, Берлин
• Государственные музеи Берлина
• Глиптотека, Мюнхен
• Лувр, Париж
• Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген
• Эрмитаж, Санкт-Петербург
• Британский музей, Лондон

США

• Институт искусств Чикаго
• Художественный музей Карнеги, Питтсбург
• Музей Гетти, Лос-Анджелес
• Музей искусств округа Лос-Анджелес
• Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Наши знания о древнегреческой скульптуре

Монументальная скульптура в Древней Греции появилась примерно в 650 году до н.э., а к 600 году до н.э. она уже была важной частью греческого искусства с устоявшимся и растущим рынком. Скульпторы поставляли культовые статуи богов, посвящения в святилища, надгробные памятники, архитектурные украшения и, со временем, статуи и рельефы для богатых частных домов. От всего этого наследия сохранилось относительно немногое: многое было утрачено по естественным причинам, но ещё больше было целенаправленно уничтожено в Средние века. Причиной обычно было не религиозное рвение, а ценность материалов: мрамор пережигали на известь, а бронзу переплавляли. Чтобы уцелеть, скульптура должна была быть скрыта от глаз и рук.

Таким образом, дошедшие до нас образцы распределены неравномерно по времени, типу и качеству. Архитектурную скульптуру, оставшуюся на месте, было сложнее изъять, а при обрушении здания она могла быть погребена под обломками. Отдельные рельефы, особенно надгробия, могли упасть и, будучи засыпанными землёй, сохраниться; любую плиту с низким рельефом можно было повторно использовать как строительный блок. У отдельно стоящих статуй шансов было меньше, так как их редко полностью скрывали обломки, особенно в густонаселённых местах. Металл, конечно, стоило труда выкапывать, и поэтому было найдено менее двадцати относительно целых греческих бронзовых статуй, причём некоторые из них были извлечены из моря. Что касается мрамора, лучше всего сохранились произведения архаического периода. Поздние греки и римляне ценили их меньше, поэтому они могли быть утеряны ещё до начала эпохи массового разрушения. Кроме того, существует большой пласт находок с Афинского акрополя, где скульптуры, разбитые персами в 480 году до н.э., использовались в качестве засыпки при последующем восстановлении.

С другой стороны, римское искусство подарило нам изобилие копий популярных греческих скульптур классической и эллинистической эпох. Эти копии, некоторые из которых позднеэллинистические, но в основном римские, одновременно и помогают, и мешают изучению греческой скульптуры. Хотя копиисты переносили опорные точки с помощью измерений, этих точек было гораздо меньше, чем в современной практике. Промежуточные участки и детали вырезались вручную и зачастую небрежно, что видно при сравнении различных копий одного и того же оригинала.

В целом, копии достаточно надёжны для воспроизведения позы, но в большинстве случаев настолько грубы и нечувствительны в обработке поверхности, что скорее отталкивают, чем привлекают беспристрастного зрителя. С более тонкими деталями, где копиисты не проявляли творчества, возникают проблемы. К сожалению, первоклассных оригиналов классического или эллинистического периодов сохранилось очень мало, а произведений, известных по копиям, гораздо больше. Поэтому копии являются важным источником в любом стилистическом обзоре греческой скульптуры.

Кроме сохранившихся оригиналов и копий, есть ещё один источник информации — античная литература. Плиний Старший (римский автор, 23–79 гг. н.э.) оставил последовательное описание греческой скульптуры в трактате «Естественная история» (Naturalis Historia), составленном им примерно в середине I века н.э. Павсаний столетием позже в своём «Описании Эллады» упоминает многие работы, которые видел во время путешествий. Кроме того, случайные упоминания скульпторов и скульптур встречаются у других авторов. Павсаний был совершенно некритичен, правдиво передавая то, что ему рассказывали, но его больше интересовала мифология, чем искусство. Рассказ Плиния в основном состоит из красочных, но не всегда надёжных анекдотов, списков скульпторов и их самых известных работ, а также ряда стилистических суждений, которые, вероятно, были заимствованы у греческого критика III века, хорошо знавшего классическую скульптуру (ок. 500–323 гг. до н.э.), но не архаическую (650–500 гг. до н.э.).

На практике наше понимание развития греческой скульптуры зависит от стилистического анализа сохранившихся работ, подкреплённого датами из исторических записей и надписей. Наиболее важными из этих дат являются: захват персами Афинского акрополя в 480 г. до н.э., что даёт нижнюю временную границу для повреждённых ими произведений; завершение строительства храма Зевса в Олимпии не позднее 456 г. до н.э.; создание скульптурного убранства Парфенона с 447 по 432 г. до н.э.; создание Ники Пеония около 420 г. до н.э.; надгробие Дексилея, убитого в Коринфе в 394 г. до н.э.; строительство Мавзолея в 350-х гг. до н.э.; украшение Великого алтаря в Пергаме, которое, скорее всего, относится к началу II века до н.э.; разрушение Делоса в 69 г. до н.э.; и возведение Алтаря Мира Августа в Риме в 9 г. до н.э.

Современное состояние знаний об древнем искусстве в Греции очень неравномерно. Для архаического периода, о котором у Плиния нет сведений, изучение стиля позволяет выстроить довольно убедительную эволюцию. То же самое — вопреки Плинию — относится и к классическому периоду почти до конца V века до н.э. Но даже здесь эксперты могут расходиться во мнениях по поводу датировки отдельных работ на целых двадцать лет. IV век до н.э. остаётся «тёмным», что бы ни говорили учебники, а эллинистический период — ещё более тёмным, за исключением, возможно, его конца. Хотя со временем должна появиться более точная информация о тенденциях, маловероятно, что у нас когда-либо будет достаточно материала, чтобы понять индивидуальные стили конкретных греческих скульпторов. Однако это не останавливает многих исследователей, которые остаются преданными изучению этого искусства.

Подробнее о влиянии греческой скульптуры на художников XX века см.: Классическое возрождение в современном искусстве (1900–1930).

Скульптурные материалы в Древней Греции

Основными материалами для греческой скульптуры были камень (особенно мрамор) и бронза. Известняк, терракота и дерево использовались гораздо реже. Существовало также несколько известных примеров резьбы по слоновой кости, в частности, хрисоэлефантинные статуи, созданные Фидием из золотых пластин и слоновой кости, закреплённых на деревянной основе.

Мрамор, который использовался с самого начала, добывался в нескольких местах Эгейского моря и его окрестностей, но не в Южной Италии и Сицилии. Греки предпочитали белые, средне- и мелкозернистые сорта, обладающие большим блеском, чем каррарский мрамор, который позже использовали римляне и который до сих пор популярен на кладбищах Западной Европы. Известняк, который классические археологи часто называют «порос», в изобилии встречается в большинстве греческих земель, и встречается очень хорошего качества. Это был самый распространённый камень для статуй в VII веке до н.э., но впоследствии он использовался в основном для архитектурной скульптуры в таких местах, как Сицилия, где мрамор был слишком дорог. Терракота также была экономичным материалом для архитектурных работ, особенно для антефиксов и акротериев. У деревянных скульптур, конечно, было мало шансов сохраниться, и, судя по древним записям, дерево редко использовалось для законченной скульптуры, хотя, возможно, формы для бронзовых статуй делались по деревянным моделям. Бронза не имела большого значения до второй половины VI века до н.э., когда ковку из листового металла сменило полое литьё, но к началу V века до н.э. она стала предпочтительным материалом для большинства типов отдельно стоящих статуй (но не для рельефов). Хрисоэлефантинные статуи, которые были слишком дорогими и, возможно, слишком хрупкими, чтобы получить широкое распространение, известны по крайней мере с середины VI века до н.э. Их особенно ценили в качестве культовых изображений в храмах. Существуют и другие, также редкие, случаи сочетания материалов: некоторые большие статуи были изготовлены в технике акролифа, то есть основной материал (например, дерево) покрывался другим (например, камнем для видимых частей тела), а иногда волосы мраморных статуй выполнялись из стукко (гипса).

Греческая скульптура была цветной, как и большинство скульптур до эпохи Возрождения. И действительно, если бы древние мраморные статуи, которые были найдены археологами и которыми восхищались в то время, сохранили свою краску, более консервативные из нас, вероятно, всё ещё ожидали бы от скульптуры цвета.

О деталях росписи по мрамору, а также по известняку и дереву, наша информация неоднородна. Для VI века до н.э. находки на Афинском Акрополе дают хорошие образцы. Есть также более поздние саркофаги из Сидона и Этрурии, где цвета хорошо сохранились, но обычно нам везёт, если мы находим хотя бы следы границ окрашенных областей. На терракоте краска сохраняется гораздо лучше после обжига, но, к сожалению, из-за обжига палитра была ограниченной и довольно грубой. Ещё одна трудность заключается в том, что в результате химического воздействия некоторые цвета могли измениться — в частности, синий иногда превращался в зелёный, — а красный, наиболее стойкий пигмент, иногда мог служить грунтовкой. Тем не менее можно утверждать, что глаза, волосы, губы и соски (а иногда и щёки) регулярно окрашивались; что женская кожа оставалась естественного цвета белого мрамора или слегка подкрашивалась; что мужская кожа часто окрашивалась в тёплый коричневый цвет; и что драпировки обычно закрашивали полностью, если только одежду не оставляли белой для контраста. Как правило, до IV века до н.э. наблюдался непрерывный прогресс в сторону более тонкого и естественного окрашивания, хотя позже стало обычным наносить позолоту на волосы.

Подробнее о технике живописи в Древней Греции см.: Классическая греческая живопись (ок. 500–323 гг. до н.э.) и Эллинистическая греческая живопись (323–31 гг. до н.э.).

При такой любви к полихромии неудивительно, что греки охотно добавляли аксессуары из металла, такие как серьги и оружие, — об этом можно судить по отверстиям, просверлённым для их крепления. В результате древняя скульптура выглядела намного живее, что, очевидно, производило сильное визуальное впечатление. Эффект драпировки оценить сложнее, но иногда композицию нужно было прояснить или усилить за счёт контрастного цвета, как в случае с Никой Пеония (около 420 г. до н.э.), где одно бедро было обнажено, а другое покрыто тканью. На рельефах фон был окрашен в красный или синий цвет, а на фронтонах — в синий. Что касается бронзы, греческий вкус предпочитал, чтобы она сияла, а патина (зелёный или коричневый налёт) была признаком пренебрежения, хотя в римский период некоторые коллекционеры считали патину свидетельством древности. Глаза регулярно заполняли пастой или другим веществом, а губы и соски часто инкрустировали медью или серебром. Эксперты до сих пор спорят, затемнялись ли волосы и другие участки искусственно или даже окрашивались. Поэтому, когда кто-то смотрит на греческую скульптуру, стоит приложить усилие, чтобы вспомнить, что это было нечто большее, чем просто форма.

Для рельефов естественно рисовать эскиз на подготовленной поверхности и работать по нему, но, вплоть до эллинистического периода, греческие скульпторы по мрамору не использовали подробные модели при создании статуй. Во-первых, только в последнем веке до н.э. были обнаружены следы некой системы разметки — метода, с помощью которого точки, определённые на модели, точно переносятся на блок, из которого должна быть вырезана статуя. И даже тогда точки были достаточно далеко друг от друга, чтобы оставлять большие участки для вырезания «на глаз». Во-вторых, во фронтонной скульптуре, где по крайней мере соотношение фигур должно было быть точно спланировано заранее, разные скульпторы из одной команды могли создавать драпировку своих фигур по своему усмотрению. Это очень хорошо заметно на западном фронтоне Храма Зевса в Олимпии, где на некоторых фигурах складки изображены в старой манере, а на других — новаторски.

Из-за стилистического сходства с мраморными статуями, бронзовые статуи, вероятно, также создавались с опорой на резьбу, предположительно по предварительной твёрдой модели. Едва ли раньше II века до н.э. в готовой работе появляются признаки мягкого моделирования, которого можно было бы достичь с глиной или воском. Что ещё удивительнее, такой пластической лепки нет и в терракоте. Очевидно, греческая скульптурная традиция была основана на резьбе.

Сохранившиеся оригиналы, брошенные на разных этапах создания, показывают, что обычная процедура вырезания мраморной статуи заключалась не в отделке одной части за раз (как это происходит при работе по масштабной модели), а в обработке всей фигуры поэтапно. Это означало, что скульптор почти не мог делегировать работу ассистенту и что ему постоянно нужно было помнить о целостном образе, работая над деталями. Предположительно, он начинал с нанесения контуров своей фигуры на все четыре стороны блока. Это было бы достаточно практично с простыми четырёхугольными позами, которые были обычными для скульптур до IV века до н.э.

Затем он удалял излишки камня с точностью до дюйма или около того от намеченной конечной поверхности, используя сначала киянку и долото, а затем заострённый инструмент (пуантель). Далее следовала грубая формовка фигуры остриём — инструментом, который можно распознать по ямкам, которые он оставляет. Неудобные полости (например, пространство между рукой и телом или глубокие складки драпировки) частично выдалбливались. Сверло и круглое долото использовались двумя способами: либо для просверливания отдельных отверстий, либо для серии отверстий, либо (как «бегущее» сверло) с наклонным перемещением вперёд для прорезания борозды. Метод бегущего сверла, кажется, был изобретён до 370-х годов до н.э., и, поскольку он экономил рабочую силу, вскоре стал очень популярным.

Следующим и наиболее решающим этапом была детальная моделировка поверхности резцами разных типов — зубчатым долотом (которое, кажется, было изобретено около 560 г. до н.э.), плоским зубилом и круглым долотом. Эти инструменты использовались как наклонно, так и вертикально, и обычно короткими плавными движениями.

После моделирования поверхность зачищалась рашпилем подходящей формы и толщины, а затем производилась более тонкая шлифовка абразивными материалами, вероятно, наждачной крошкой и порошком, а затем порошковой пемзой. Эта шлифовка не придавала сильного блеска, характерного для римской скульптуры. Для получения глянцевого эффекта поверхность необходимо было отполировать более мелкими абразивами. Наконец, статуя расписывалась — начиная с V века до н.э. в технике энкаустики — и к ней крепили металлические аксессуары.

Процедура создания рельефа была похожей. Сначала на подготовленном блоке рисовался эскиз. Затем контур вырезался, на более глубоких рельефах часто с использованием сверла. После этого последовательно применялись пуантель, долото, рашпиль и абразивы. Как правило, греческие скульпторы не углубляли никакие части дальше, чем это было необходимо для эффективного моделирования. Таким образом, фон имеет тенденцию быть неровным, а глубина расположения фигур определяется скорее оптическими, чем естественными соотношениями.

Для фронтонных фигур применялась разнообразная практика. Иногда использовалась та же процедура, что и для отдельно стоящих статуй, хотя спина часто оставалась незаконченной. Но иногда — как с телами кентавров в Олимпии — их рассматривали как горельефы. Качество отделки было очень высоким: все видимые следы инструмента на одном этапе должны были быть удалены на следующем. Вкус в отделке был разным, но со временем стал менее требовательным. На рельефах фоны и большие нейтральные области, такие как сиденья, часто шлифовали, но не до блеска. В IV веке до н.э. некоторые скульпторы предпочитали оставлять драпировку лишь слегка обработанной рашпилем для контраста текстуры с идеально гладкой кожей, а в небольших произведениях росла тенденция к небрежности. Даже в этом случае разница между посредственной греческой резьбой и средней римской копией очевидна — копиисты лишь изредка использовали в работе долото.

Греческому скульптору обычно требовалось от шести до девяти месяцев, чтобы вырезать мраморную статую в натуральную величину.

Бронзовые статуи встречаются редко, поэтому гораздо труднее определить методы их изготовления по сравнению с мраморными. Таким образом, краткое изложение, которое следует ниже, может быть частично неверным. В течение VII и начала VI веков до н.э. некоторые значительные статуи были созданы в технике «сфирелатон»: тонкие листы бронзы определённой формы крепились гвоздями к деревянному каркасу или сердцевине, но результаты не были удовлетворительными. И хотя маленькие фигурки отливали в формы, цельное литьё было слишком дорогим (даже если технически возможным) для больших фигур. Затем, вероятно, примерно в середине VI века до н.э., для полноразмерных статуй был заимствован и развит процесс полого литья по выплавляемым моделям (или «потерянному воску»), который некоторое время использовался для небольших предметов. Греки не были достаточно продвинуты в металлургии, чтобы изготавливать большие и жёсткие литейные формы, необходимые для литья в песок, и поэтому они, должно быть, полагались на метод «потерянного воска».

Обычная последовательность работы, возможно, была примерно такой. Сначала скульптор полностью и точно готовил модель, скорее всего, из воска, глины или дерева, но в любом случае результат предполагает резьбу, а не лепку. Затем эту модель покрывали глиной (или, возможно, гипсом), чтобы сделать форму. На следующем этапе нужно было разделить форму и модель. Затем форму вскрывали; было принято отливать большие статуи из нескольких частей. Если материал модели был мягким — воск или глина — его можно было выскоблить, расплавить или смыть. Поскольку рельеф, особенно в складках драпировки, часто был сложным, это означает, что либо модель уже была разрезана на множество частей, либо требовалось столь же сложное рассечение формы. Затем открытая форма покрывалась изнутри воском такой толщины, которая соответствовала желаемой толщине бронзовой стенки готовой статуи. Далее восковая облицовка заполнялась глиной, чтобы сформировать сердечник, который соединялся с внешней формой металлическими штифтами, чтобы форма и сердечник сохраняли своё положение при плавлении воска. (Примечание: описанная процедура представляет собой непрямое литьё по выплавляемым моделям, но греческие скульпторы иногда использовали и менее экономичную прямую процедуру: когда предварительная фигура из глины, которая также служит стержнем, сама покрывается слоем воска, и этот слой заключается в оболочку из глины.)

Теперь всё было готово к литью. Формы с их сердечниками нагревали, так что воск плавился и вытекал. Расплавленная бронза заливалась в полости, оставленные воском. Поскольку высушенная на воздухе глина не выдерживает расплавленный металл, можно предположить, что после того, как воск расплавился, формы и стержни нагревали дальше, до температуры терракоты или даже выше, и металл заливался, пока они ещё не остыли. Затем, когда всё остывало, бронзовую отливку освобождали, отламывая внешнюю форму. Внутренний сердечник не всегда извлекали полностью, и его фрагменты находили внутри сохранившихся бронзовых статуй.

Предстояло ещё много работы. На этом этапе отливка имеет зернистую поверхность, которую нужно было соскоблить. Трещины и дефекты устраняли, заполняя их полосками металла. Отдельно отлитые детали соединяли вместе шпунтом и пазом, если они большие, или сваркой/пайкой, если маленькие. Детали гравировали, вставляли глаза, часто инкрустировали губы и соски медью или другим металлом, и вся поверхность тщательно полировалась, чтобы скрыть стыки и придать блеск. Блеск поддерживался, как свидетельствуют записи, за счёт нанесения масла, смолы и, возможно, битума. В целом, изготовление бронзовой статуи было сложной задачей, а риск неудачи при обжиге и литье был серьёзным. Более высокая стоимость материалов делала бронзовые статуи дороже мраморных.

Некоторые статуи, особенно маленькие, ставились на высокие пьедесталы или даже на колонны, но наиболее типичные греческие основания были относительно низкими, прямоугольными и сделаны из мрамора. В V веке до н.э. для полноразмерной статуи основание обычно было высотой менее 20–30 см. Стоящие мраморные статуи вырезали с небольшим постаментом (плинтом) вокруг ног, который вставлялся в основание и закреплялся свинцом. Бронзовые статуи крепились к основанию напрямую. См. также: Греческая металлообработка.

Обычно работа проходила под открытым небом, и, поскольку к V веку до н.э. греческие скульптуры были достаточно сложными, можно предположить, что мастера также принимали во внимание характер освещения. Эти важные факторы часто игнорируются при экспонировании греческой скульптуры в музеях, где статуи в основном устанавливаются слишком высоко, а их освещение имеет тенденцию быть односторонним и наклонным. Неправильным является и расположение длинными рядами или тесными группами. Греческая традиция заключалась в том, чтобы рассматривать каждую статую как независимый объект и размещать её на удобном свободном месте, не заботясь об эстетическом отношении к соседним статуям или зданиям.

Ещё одно предупреждение. Самые древние статуи были изменены с течением времени. С XVI по XIX век было обычным делом реставрировать, по крайней мере, наиболее очевидные повреждения. И хотя нынешняя мода не терпит реставрации, многие экспонаты до сих пор выставлены с более ранними дополнениями, иногда ошибочными. Существует довольно надёжное правило, как отличить оригинальную часть мраморной статуи от дополнения. Когда два куска камня соединяются, очень трудно скрыть линию соединения. Естественный излом оставляет неровный край, и, если линия соединения неровная, две части можно считать принадлежащими друг другу. Но поскольку для соединения нового куска со старым нужна ровная поверхность, прямая линия соединения показывает, что одна из этих частей является новой. Можно предположить, что неровная поверхность старого излома была срезана и сглажена, чтобы обеспечить чистую посадку для замены. Иногда такие замены производились в древности, но в целом прямое соединение свидетельствует о современной реставрации. Национальный археологический музей в Неаполе, унаследовавший великолепную коллекцию семьи Фарнезе, является прекрасным местом для практики этого теста на подлинность.

О более поздних скульпторах, вдохновлённых скульптурой Древней Греции, см.: Классицизм в искусстве (начиная с 800 г.).

Использование древнегреческой скульптуры

Греки использовали статуи как культовые изображения божеств, посвящения, надгробные памятники и архитектурные украшения. Только в эллинистический период они начали заказывать скульптуру, кроме небольших статуэток, для личного удовольствия. Использование рельефов было аналогичным, за исключением того, что они не служили культовыми фигурами.

Культовые статуи, иногда колоссальные, встречались сравнительно редко. Обычно одна такая статуя бога-покровителя или богини стояла во внутренней части храма (целле), но термин «культовая статуя» может вводить в заблуждение. Эти скульптуры считались произведениями человеческого мастерства, иллюстрирующими, но не воплощающими божество. Таким образом, ими восхищались, но им не поклонялись как самому богу.

Посвящения (вотивы) устанавливались в святилищах и других общественных местах частными лицами или общинами. Они могли ознаменовать победу в спорте или войне, зафиксировать клятву или штраф, выразить благодарность за успех или спасение, а также прославить жертвователя. Начиная с IV века до н.э., появились статуи в память о выдающихся гражданах. Некоторые популярные святилища, как, например, святилище Аполлона в Дельфах, были буквально переполнены такими статуями. Рельефы обычно были менее внушительными и более дешёвыми. Они сильно различались по размеру и качеству и были особенно популярны в качестве обетных подношений, как и расписные деревянные или терракотовые таблички, которые приносили бедняки. Посвящения составляли самый многочисленный класс статуй.

Надгробные памятники были ещё одним важным классом скульптуры. Те, кто мог себе это позволить, иногда предпочитали статую, особенно в архаический период. Хотя греки уважали могилы своих умерших, мемориалы над ними скорее удовлетворяли семейные чувства и тщеславие, чем религиозные нужды. Поэтому в случае чрезвычайной ситуации надгробные скульптуры могли снести и использовать как строительный камень, а в Афинах расходы на погребение даже ограничивались законодательно. Опять же, при выборе и размещении памятников мало внимания уделялось соседним участкам. Основные кладбища располагались вдоль дорог за городскими воротами, и мёртвые соревновались (иногда явно) за внимание каждого прохожего.

В греческой архитектуре, особенно в храмах, круглые скульптуры могли использоваться для акротериев и антефиксов, а водостоки (гаргульи) часто принимали форму львиных голов. Фигуры фронтонной скульптуры со временем стали почти полностью отделяться от фона, хотя по композиции и позам они всё ещё были близки к рельефам. Другие способы применения архитектурной скульптуры можно найти у народов, которые восхищались греческим искусством и подражали ему. В частности, этруски иногда ставили статуи вдоль конька крыши храма, а ликийцы — в промежутках между колоннами, украшавшими гробницы аристократов.

Большинство из этих применений скульптуры было связано со святилищами и гробницами, но даже если религия пронизывала греческую жизнь, греческое искусство ни в коем случае не было исключительно религиозным. Изображения богов и богинь, которые мыслились как полностью человекоподобные, наделялись соответствующей зрелостью и атрибутами: так, Зевс регулярно изображался с бородой, а Афина — в шлеме и с эгидой. Но греческие художники, в отличие от египтян, не были стеснены иератическими предписаниями о том, как должны изображаться боги и люди. Мерилом, по которому судили о творчестве художника, была его эстетическая ценность, конечно, в пределах, допустимых общественным мнением. Это ограничение относилось в первую очередь к скульптуре, причём к статуям в большей степени, чем к рельефам, поскольку значимые скульптуры устанавливались только в общественных местах.

Вероятно, поэтому первая статуя обнажённой женщины не появилась до середины IV века до н.э., хотя в вазописи и для статуэток (и даже в рельефной скульптуре) нагота была принята задолго до этого. Но расписные вазы и статуэтки предназначались для частных лиц, и даже если их помещали в святилище, они не выставлялись на всеобщее обозрение. Скульпторы освободились от такой сдержанности только в эллинистический период, когда общественное мнение изменилось, и они, наконец, получили возможность эксплуатировать красоту человеческого тела, не скрывая свои собственные вкусы или вкусы своих клиентов в отношении негероических, эротических и сентиментальных сюжетов.

То же самое относится и к скульптурным типам и сюжетам. На протяжении всего архаического периода двумя основными типами были «курос» (стоящий обнажённый мужчина) и «кора» (стоящая задрапированная женщина). Они могли служить культовыми статуями, посвящениями или надгробными памятниками. Точно так же, хотя и в меньшей степени, поступали с классическими преемниками куроса и коры. У некоторых богов и героев был характерный атрибут для их идентификации — змея Асклепия или дубина Геракла, — но в целом, до эллинистического периода, сюжеты статуй были скорее неспециализированными типами, удобными средствами для художественного самовыражения. Например, курос — обычный тип статуи на архаических могилах, но нет веских оснований полагать, что эти дорогие памятники воздвигали только для очень молодых людей, которые не дожили до того, чтобы отрастить бороду. Опять же, в конце VI века до н.э. стандартным посвящением на Акрополе в Афинах была кора, но из-за своего платья эта фигура не представляла Афину, которой она была посвящена. Интересно, что «агальма», одно из двух распространённых греческих слов для обозначения статуи, имело первоначальное значение «вещь, доставляющая удовольствие».

Рельефы, на которых присутствует несколько фигур, конечно, требуют некоторого связного сюжета, чтобы не быть скучными. Но в метопах и фризах храмов сюжет, обычно мифологический, не всегда был напрямую связан с божеством-покровителем. Битва лапифов и кентавров (которая занимает западный фронтон храма Зевса в Олимпии и южный набор метоп Парфенона в Афинах) произошла далеко в Фессалии и была второстепенным инцидентом в греческой мифологии. Но она дала художникам удобный повод практиковать свои навыки в изображении мужской и женской анатомии, а также совершенствоваться, изображая лошадей. Надгробные рельефы разработали свои собственные условные сцены домашнего уюта или скорби, а вотивные рельефы часто изображали соответствующих божеств с приближающимися к ним почитателями, но фигуры умерших или жертвователей оставались стандартными типами. Даже в портретах, или в том, что выдаётся за портреты, только в эллинистический период скульпторы всерьёз пытались создать говорящее сходство со своей моделью. Трудно избежать вывода о том, что при выборе и, тем более, при трактовке типов и сюжетов преобладающими мотивами были эстетические. Поэтому можно с чистой совестью наслаждаться греческой скульптурой как искусством, не беспокоясь о каком-либо эзотерическом значении.

Истоки греческой скульптуры

В VIII веке до нашей эры, по крайней мере на Крите, некоторые простые рельефы из мягкого известняка демонстрируют восточный и особенно сирийский стиль, но это было ложным началом и здесь не рассматривается. Греческая скульптура, как мы её знаем, началась с так называемого дедалического стиля, который появился к середине VII века до н.э.

Проблему происхождения лучше всего разделить на две части: как греки пришли к идее создания больших каменных статуй и откуда они взяли этот стиль? На первый вопрос есть готовый ответ: в то время греки наверняка посещали Сирию, где уже были каменные скульптуры, и, возможно, Египет, где их было ещё больше. Об истоках стиля существуют разные теории.

Наиболее распространено мнение, что ранняя греческая скульптура была основана на египетской скульптуре — из-за позы (особенно мужской фигуры), стандартной «париковой» причёски и, возможно, техники резьбы по твёрдому камню. Тем не менее, греческая мужская поза отличается от египетской наклоном и положением ног, в то время как такая причёска была знакома и в сирийском искусстве. Более того, греческие каменщики, возможно, уже использовали мрамор, а египетские формы полны, округлы и до некоторой степени индивидуализированы, в то время как у дедалических фигур есть неестественно упрощённая структура.

Другое представление о том, что дедалический стиль каменной скульптуры продолжил более ранний греческий стиль резьбы по дереву, имеет мало сторонников, поскольку греческие фигурки начала VII и конца VIII веков до н.э. радикально отличаются от дедалических по стилю, а также являются очень редкими.

Если эти возражения верны, тогда стиль греческой скульптуры не может быть заимствован ни из какой другой скульптурной школы. По своему происхождению это может быть просто развитие стиля дедалических глиняных фигурок, внезапно появившихся в начале VII века до н.э., чей стиль и техника, похоже, произошли от класса дешёвых сирийских бляшек и фигурок. Тем не менее, не каждый смог бы развить столь скромную родословную до уровня столь высокого искусства.

Если же египетское искусство не принимало непосредственного участия в создании греческой скульптуры, оно, возможно, оказало некоторое влияние позже. Нью-Йоркский курос, который был изваян около 600 г. до н.э., в некоторых пропорциях соответствует стандартной модульной сетке, используемой египтянами для построения статуи, и это может быть не совпадением. Несмотря на это, скульптор этого куроса был эксцентричным, и более ортодоксальные куросы того времени не проявляли такого соответствия. К 600 г. до н.э. скульптура, как и другие виды изобразительного искусства в европейской Греции, была хорошо развита, и то, что она заимствовала извне, было лишь случайным и, скорее всего, незначительным.

Возможно, всё было иначе в восточно-греческом регионе, на западном побережье современной Турции, где в начале VI века до н.э. появился новый и особый стиль, возможно, вдохновлённый статуэтками из слоновой кости из сирийского региона. Но по мере открытия более ранних скульптур, задачи определения истоков и влияний, несомненно, станут более сложными.

Подробнее об эволюции и хронологии изобразительного искусства см.: История искусства.
Подробнее о рельефах, фризах и статуях в Древней Греции см.: Энциклопедия визуальных искусств.

Чтобы научиться ценить трёхмерное искусство Древней Греции, см.:
Как оценить скульптуру.
О более поздних работах см.: Как оценить современную скульптуру.