Американская архитектура читать ~41 мин.

Колониальная архитектура (ок. 1600–1720)

Архитектура первых поселенцев в Северной Америке традиционно известна как колониальная. (См. также: Американское колониальное искусство). Этот ранний архитектурный стиль был так же разнообразен, как и сами переселенцы, среди которых были испанцы, англичане, шотландцы, ирландцы, голландцы, немцы, французы и шведы. Каждая группа иммигрантов привозила с собой строительные традиции своей родины, адаптируя их к условиям нового мира. Примером может служить североевропейская средневековая готика, повлиявшая на облик деревенских домов и амбаров. Всего выделяют семь основных колониальных стилей, включая:
Испанская колониальная архитектура — стиль, во многом основанный на испанской архитектуре барокко. Он появился в Америке раньше других и с середины XVI века распространился на территории Флориды, Нью-Мексико, Техаса, Аризоны и Калифорнии.
Колониальная архитектура Новой Англии, для которой характерны дубовые каркасы и деревянная обшивка внахлёст (clapboard), основанные на английских образцах.
Голландская колониальная архитектура, где чаще использовались камень и кирпич по прототипам из Фландрии и Голландии.
Шведская колониальная архитектура, распространённая в низовьях реки Делавэр. Именно от неё произошёл традиционный американский «сруб», характеризующийся круглыми брёвнами с выступающими концами.
Пенсильванский колониальный стиль, основанный на английских прототипах, который быстро трансформировался в изысканный георгианский стиль.
Французская колониальная архитектура, возникшая в Приморских провинциях Канады, Квебеке и долине реки Святого Лаврентия. Французы также привнесли так называемый квебекский стиль в свои поселения вокруг Великих озёр и в долине Миссисипи. На глубоком юге, в Луизиане и её столице Новом Орлеане, был распространён другой отличительный французский строительный стиль.
Южный колониальный стиль, для которого типичны кирпичные строения с большими выступающими дымоходами, возникший на территории Виргинии и обеих Каролин.

Георгианская архитектура в Америке (ок. 1700–1770)

В течение XVIII века, вплоть до Американской революции, доминирующий архитектурный стиль (а точнее, совокупность стилей) в английских колониях назывался георгианским, в честь трёх британских монархов: Георга I, Георга II и Георга III. Американская георгианская архитектура включала три различных направления:
стиль барокко сэра Кристофера Рена (1632–1723) и его последователей;
палладианский стиль архитектуры Возрождения, разработанный Андреа Палладио (1508–1580), который привнёс сбалансированность и симметрию, ставшие визитной карточкой георгианских проектов;
неоклассический стиль — возвращение к греческим и римским архитектурным принципам, вошедший в моду во второй половине XVIII века (подробнее см. ниже). Примерами георгианской архитектуры в Америке служат Индепенденс-холл в Филадельфии (1745) и Королевская часовня в Бостоне (1750). Однако самым известным зданием в георгианском стиле является Белый дом по адресу Пенсильвания-авеню, 1600, в Вашингтоне. Это георгианский особняк в палладианском стиле, спроектированный ирландско-американским архитектором Джеймсом Хобаном (1762–1831). В качестве образца он использовал Лейнстер-хаус в Дублине и проект из «Книги архитектуры» (1728) Джеймса Гиббса.

Неоклассическая архитектура в Америке (ок. 1776–1920)

Между 1776 и 1850 годами существовало два основных варианта американской неоклассической архитектуры:
федеральный стиль и 
греческое возрождение. Оба стиля основывались на архитектурных принципах, разработанных и усовершенствованных древнегреческой и римской цивилизациями. Эти античные образцы считались наиболее подходящими моделями для зарождающейся демократии Соединённых Штатов. (См. также: Неоклассическое искусство).

Федеральный стиль неоклассицизма

Термин «архитектура федерального стиля» описывает свободный классицистический стиль, процветавший до 1815 года. Он характеризуется добавлением новых античных черт, включая греческие и византийские элементы, к симметричному георгианскому стилю. На федеральный стиль повлияли археологические находки в древнеримских городах Помпеи и Геркуланум, а также творчество шотландского архитектора Роберта Адама (1728–1792) и его авторитетная книга «Работы в архитектуре Роберта и Джеймса Адамов» (1773). От георгианского стиля он отличался меньшим количеством пилястр и колонн, а также более гладкими поверхностями с минимумом деталей, которые обычно располагались на панелях, табличках и фризах. Другие характерные черты — светлые интерьеры с большими окнами и декоративный, но сдержанный внешний вид. Среди известных американских архитекторов, работавших в федеральном стиле, были Чарльз Булфинч (1763–1844), Уильям Торнтон (1759–1828), Ашер Бенджамин (1773–1845), Сэмюэл Макинтайр (1757–1811) и Александр Пэррис (1780–1852). Примеры федеральной архитектуры в Америке: Капитолий штата Массачусетс (1798), Старая ратуша (ок. 1816–17) и Гамильтон-холл (1805) — последние два здания находятся в Салеме, штат Массачусетс.

Стиль греческого возрождения в неоклассицизме

Архитектура греческого возрождения предполагала более строгое следование ценностям и стилистическим моделям греческого искусства (ок. 450–27 гг. до н.э.). Широкое применение неоклассицизма в американской и французской архитектуре способствовало возникновению ассоциации между этим стилем и республиканскими идеалами, которая сохранялась вплоть до падения Наполеона Бонапарта. В свою очередь, готическое возрождение XIX века можно интерпретировать как консервативную реакцию на неоклассический республиканизм.

Неоклассическая архитектура конца XIX века была выражением движения «Американский ренессанс» (ок. 1880–1918). Его заключительной фазой стала архитектура бозар (1885–1920), а к последним общественным проектам в этом стиле относятся Мемориал Линкольна (1922), Национальная галерея искусства в Вашингтоне (1937) и Мемориал Рузвельта в Американском музее естественной истории (1936).

Томас Джефферсон (1743–1826), третий президент США (1801–1809), был также выдающимся архитектором. Среди его архитектурных шедевров — Капитолий штата Виргиния в Ричмонде (1785–1796). В своём проекте этого прототипа американского общественного здания Джефферсон использовал упрощённые формы французского неоклассицизма. Он заменил пышный коринфский ордер на более строгий ионический, что символически отсылало к духу древних республик. Этим зданием он ясно дал понять, какие архитектурные сигналы должна была посылать молодая американская республика.

Один из самых известных проектов Джефферсона — его собственный дом, усадьба Монтичелло (1769–1809), которая сейчас является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. Основанный на центрическом плане зданий итальянского архитектора эпохи Возрождения Андреа Палладио (1508–1580), который Джефферсон изучал через призму английских загородных домов, Монтичелло представляет собой монументальное и элегантное сооружение. Его классический белый портик с четырьмя тосканскими колоннами резко контрастирует с красным кирпичом, из которого сложено всё здание. Купол на восьмиугольном барабане венчает сердце дома — просторный центральный зал, освещённый сверху круглыми окнами. Отсылки к балансу и симметрии, а также композиционное сочетание колонн, фронтонов и антаблементов, искусно подчёркнутое использованием красно-белой цветовой гаммы, стали непреходящими ориентирами для американского классицизма.

Бенджамин Латроб (1764–1820), получивший образование в Англии у архитектора-новатора Сэмюэля Пеписа Кокерелла, был ведущим представителем стиля греческого возрождения в неоклассической архитектуре и ярым поборником стилистической чистоты. В 1801 году он спроектировал Банк Пенсильвании в Филадельфии — первый пример архитектуры греческого возрождения в США. Это было строгое здание, построенное по образцу греческого ионического храма с портиками вокруг центрального купольного пространства.

Творческий подход Латроба распространялся на мельчайшие детали зданий. Например, при создании коринфских капителей он заменял классические листья аканта на более «американские» — листья табака и початки кукурузы. В 1803 году Джефферсон назначил его главным инспектором общественных зданий Соединённых Штатов, поручив руководить строительством Капитолия. Однако шедевром Латроба считается проект Балтиморской базилики (1806–1821), первого римско-католического собора в Америке. Он также завершил строительство ряда домов, в том числе Адена в Чилликоте (Огайо), дома Декейтера в Вашингтоне и виллы Поуп в Лексингтоне (Кентукки).

Одним из самых известных зданий в стиле греческого возрождения является, конечно же, Здание Капитолия Соединённых Штатов (1792–1827). Это здание, в котором заседает Конгресс — Сенат и Палата представителей, — было спроектировано Уильямом Торнтоном, Бенджамином Латробом и Чарльзом Булфинчем. Построенное в традициях греческого коринфского ордера — самого нарядного из греческих стилей, со стройными колоннами, украшенными листьями аканта и завитками, — оно полностью отделано мрамором. На вершине купола в 1863 году была установлена статуя Свободы.

Среди ведущих последователей классицизма Латроба были Уильям Стрикленд (1788–1854), Роберт Миллс (1781–1855), Итиэл Таун (1784–1844), Томас Уолтер (1804–1887) и Александр Джексон Дэвис (1803–1892). Стрикленд спроектировал Филадельфийскую товарную биржу (1832–1834) с впечатляющей башней-фонарём, созданной по образцу хорагического памятника Лисикрата в Афинах. Роберт Миллс спроектировал здания Патентного бюро и Казначейства (1836–1842) в Вашингтоне, а также монумент Вашингтона в Балтиморе (1815–1829), в основе которого лежала массивная дорическая колонна — первое подобное сооружение в Америке.

Томас Уолтер работал над зданием Капитолия США и отвечал за элегантный дизайн колледжа Жирара (1833–1847), выполненного в виде коринфского храма. Бесчисленное множество других общественных зданий по всей территории Соединённых Штатов продолжали строиться по греко-римским образцам вплоть до XX века. Дэвис был одним из ведущих архитекторов, проектировавших дома в стиле греческого храма, примером чего является дом Бауэрса (1825–1826) в Нортгемптоне, штат Массачусетс.

В 1846 году Ричард Моррис Хант (1827–1895), которого часто называют «деканом американской архитектуры», стал первым американским студентом-архитектором в Школе изящных искусств в Париже. Хант, наиболее известный как автор проекта постамента для Статуи Свободы (1886) в Нью-Йоркской гавани и здания Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке, сыграл важную роль в распространении архитектуры бозар в Америке.

Находясь под сильным влиянием искусства Возрождения, он специализировался на проектировании роскошных домов для богатых клиентов, таких как Асторы и Вандербильты. Примером служит The Breakers — роскошный особняк в стиле неоренессанс, построенный в Ньюпорте в 1892–1895 годах для Корнелиуса Вандербильта II. Он также спроектировал поместье Билтмор (1888–1895), комплекс в стиле французского ренессанса в Северной Каролине, вдохновлённый замками Блуа, Шенонсо и Шамбор в долине Луары. Хант также был одним из основателей Американского института архитекторов и был избран его президентом в 1888 году.

Другой выпускник парижской Школы изящных искусств, Генри Хобсон Ричардсон (1838–1886), был известен своей романской архитектурой, вдохновлённой творчеством Водремера. Примером является здание суда и тюрьмы округа Аллегейни (1883–1888). Чарльз Фоллен Макким (1847–1909), ещё один выпускник Школы (1867–1870), основал вместе с Уильямом Рутерфордом Мидом (1846–1928) и Стэнфордом Уайтом (1853–1906) очень влиятельную архитектурную фирму «Макким, Мид энд Уайт». Фирма создала множество зданий в классическом стиле, которые могли соперничать с лучшими образцами со времён расцвета римского искусства и инженерного дела. Примерами их работ являются Бостонская публичная библиотека (1887–1895), Капитолий штата Род-Айленд (1891–1893), Колумбийский университет в Нью-Йорке (1894–1898), вокзал Пенсильвания-Стейшн в Нью-Йорке (1902–1911), а также другие проекты, представленные на Всемирной Колумбовой выставке в Чикаго в 1893 году.

Среди известных американских архитекторов-неоклассицистов XX века — Джон Рассел Поуп (1874–1937), спроектировавший Мемориал Джефферсона и Национальную галерею искусства в Вашингтоне, и Поль Филипп Крет (1876–1945), спроектировавший здание округа Хартфорд в Коннектикуте.

Знаменитые здания позднего неоклассицизма

Монумент Вашингтону (1884)
Обелиск, воздвигнутый в честь Джорджа Вашингтона, первого президента Америки, был спроектирован в 1838 году Робертом Миллсом (1781–1855). Высотой около 555 футов (169 метров), он был закончен в 1884 году и открыт для публики в 1888 году.

Мемориал Линкольна (1915–1922)
Спроектированный Генри Бэконом (1866–1924) и построенный из мрамора и белого известняка, он создан по образцу греческого храма дорического ордера. Тридцать шесть колонн символизируют 36 штатов, входивших в состав Союза на момент смерти Линкольна.

Мемориал Джефферсона (1934–1943)
Спроектированный Джоном Расселом Поупом, Отто Р. Эггерсом и Дэниелом П. Хиггинсом, и вдохновлённый римским Пантеоном, памятник имеет уникальный круглый купол, круговую колоннаду и выполнен в коринфском ордере.

Архитектура готического возрождения в Америке (ок. 1800–1900)

Готическое возрождение в США, отчасти являвшееся консервативной реакцией на неоклассицизм, не было результатом глубоких художественных или романтических убеждений. Из-за поверхностного знакомства со стилем он применялся довольно непоследовательно.

Основанное на принципах средневековой готической архитектуры (1150–1375), первое документально зафиксированное здание в готическом стиле в Америке — особняк «Седжли» — было построено в 1798 году архитектором-неоклассицистом Бенджамином Латробом на окраине Филадельфии. Среди других зданий в стиле готического возрождения, спроектированных Латробом, были Банк Филадельфии (1807–1808) и церковь Христа в Вашингтоне (1808). Этот стиль также иногда использовали другие неоклассицисты, включая Уильяма Стрикленда (Масонский зал, Филадельфия, 1809–1811) и Чарльза Булфинча (церковь на Федерал-стрит, Бостон, 1809). Первой церковью в стиле готического возрождения стала семинария Святой Марии в Балтиморе (1807), спроектированная французским архитектором Максимильеном Годфруа.

Однако лишь в 1830-х годах, когда в Бостоне была построена серия простых гранитных церквей (например, Первая методистская епископальная церковь на Темпл-стрит), мы видим признаки зарождающегося движения готического возрождения. Сравните эти церковные здания с серией искусно выполненных деревянных церквей в готическом стиле (например, церковь Святого Петра в Уотерфорде), возведённых примерно в то же время в Пенсильвании. (См. также: Готическое искусство и Готическая скульптура).

Архитектором-новатором следующего этапа готического возрождения был Ричард Апджон (1802–1878), который прославился своей церковной архитектурой из красного песчаника, основанной на европейских формах XVI века. Церковь Троицы (1839–1846) в Нью-Йорке стала его первым крупным успехом. За ней последовало множество других церквей, чей скромный внешний вид с лихвой компенсировался красивыми деревянными аркадами и фермами в интерьерах, как, например, в Первой приходской церкви (1845–1846) в Брансуике, штат Мэн.

Плотницкая готика

Деревянная традиция, известная как «плотницкая готика», также применялась при строительстве жилых домов и коттеджей, со временем вытеснив недекорированный колониальный стиль деревянного зодчества. В количественном отношении именно этот тип частной архитектуры стал основным направлением готического возрождения в середине XIX века.

Среди значимых проектов — первый плантаторский особняк в готическом стиле (Белмид, округ Поухатан, Виргиния, 1845), спроектированный Александром Джексоном Дэвисом, а также его проекты коттеджей и домов в замковом стиле. Тем временем друг Дэвиса, архитектурный критик и теоретик Эндрю Джексон Даунинг (1815–1852), выступал за возвращение к средневековым деталям. В предпочитаемой им версии готического возрождения использовались витражи, окна-бойницы, фронтоны, башни с зубцами, горгульи и крутые крыши.

В 1841 году он опубликовал свой фундаментальный труд «Трактат о теории и практике ландшафтного садоводства, адаптированный к Северной Америке», который содержал большой раздел о сельской архитектуре. Эта работа, а также «Архитектура загородных домов» (1850) и его эссе в журнале «The Horticulturalist», который он редактировал с момента его основания в 1846 году, утвердили Даунинга в качестве арбитра хорошего вкуса в дизайне, по крайней мере, до его безвременной гибели в результате взрыва на пароходе.

Плотницкий готический стиль середины XIX века привёл к появлению «Stick Style» — каркасной деревянной архитектуры, основанной на использовании деревянных стержневых конструкций. Архитектура в стиле «Stick Style» отличается простой планировкой. Здания имеют высокие крыши с крутыми скатами и украшенными фронтонами. Этот стиль часто применялся при строительстве вокзалов и школ, а также частных домов. Наиболее декоративные варианты стиля «Стик» часто называют истлейкским. Примером дизайна в стиле «Стик» является дом Джона Н. Грисволда в Ньюпорте, Род-Айленд (1862), спроектированный Ричардом Моррисом Хантом. Примерно с 1873 года популярность этого стиля пошла на спад, и в 1890-х годах он эволюционировал в стиль королевы Анны, который имел несколько общих черт со стилем «Стик», таких как многоскатные крыши, крытые веранды и декоративные фронтоны. Подробнее см. ниже.

Позднее готическое возрождение (с 1860 года)

Под влиянием ранней викторианской архитектуры более серьёзный период готического возрождения начался в 1860 году, после начала строительства римско-католического собора Святого Патрика в Нью-Йорке (1858–1888) по проекту Джеймса Ренвика (1818–1895). Ренвик также был автором спорного проекта Смитсоновского института в Вашингтоне (1848) в неороманском стиле.

Проект собора Святого Патрика представлял собой удивительное слияние элементов собора Нотр-Дам в Реймсе (Франция) и Кёльнского собора (Германия). Он был построен из более лёгких, чем камень, материалов, что позволило отказаться от аркбутанов в пользу наружных контрфорсов. Однако приверженность Ренвика континентальным образцам (см., например, реставрации французского архитектора Виолле-ле-Дюка) заметно отличалась от подхода многих других архитекторов того периода. Они предпочитали использовать английские модели в сочетании с рекомендациями выдающегося художественного критика Джона Рёскина (1819–1900).

Примером последнего подхода является Зал выпускников Юнион-колледжа в Скенектади, спроектированный в 1858 году и завершённый в 1875 году учеником Апджона Эдвардом Поттером (1831–1904). Другие здания включают: Национальную академию дизайна в Нью-Йорке (1863–1865), здание в стиле венецианской готики с довольно грубыми формами, спроектированное Питером Б. Уайтом; и более изысканную часовню Святого Иоанна (1859) в Епископальной теологической семинарии в Кембридже, штат Массачусетс, спроектированную Уильямом Робертом Уэйром и его партнёром Генри Ван Брантом (1832–1903). Другими представителями «коллегиальной готики» были Ричард Моррис Хант, разработавший архитектурный проект Йельской школы богословия (1869), и Рассел Стерджис (1836–1909), партнёр Уэйта, который был архитектором ряда залов Йельского университета в период 1869–1885 годов.

Среди других проектировщиков зданий этого этапа готического возрождения — Джон Х. Стерджис (1834–1888) и Чарльз Бригхэм (1841–1925), ответственные за Музей изящных искусств в Бостоне (1876); Фрэнк Фернесс (1839–1912), отметившийся готическими мотивами в зданиях Пенсильванской академии изящных искусств (1872–1876) и Провиантского института (1879) в Филадельфии; Г. Г. Ричардсон (1838–1886), который использовал романские образцы в качестве основы для своего индивидуального готического стиля: см., например, церковь на Брэттл-сквер в Бостоне (1870–1872) и церковь Троицы на Копли-сквер в Бостоне (ок. 1872–1877).

Как и неоклассицизм, движение готического возрождения продолжалось вплоть до XX века благодаря таким дизайнерам, как Ральф Адамс Крам (1863–1942) и его партнёры, Бертрам Г. Гудхью (1869–1924) и Фрэнк В. Фергюсон. Они считали этот стиль особенно подходящим для зданий колледжей и университетов. Примером их работ являются Аспирантский колледж (1913) и Университетская капелла (1929) в Принстоне. Готическое возрождение распространилось даже на небоскрёбы, такие как Вулворт-билдинг в Нью-Йорке (1910–1913), спроектированный Кассом Гилбертом (1859–1934).

Архитектура Второй империи (ок. 1855–1880)

Этот стиль совпал с эпохой правления французского императора Наполеона III и был с энтузиазмом принят в Америке, в частности, для правительственных и общественных зданий (таких как больницы и приюты), а также частных домов. Наиболее узнаваемой чертой стиля Второй империи является мансардная крыша, названная в честь Франсуа Мансара (1598–1666). Эта архитектурная особенность эпохи Людовика XIV вернулась в моду в середине XIX века в Париже. Архитектура Второй империи также характеризовалась слуховыми окнами, квадратными башнями и парными колоннами для визуального увеличения высоты.

Известные здания в стиле Второй империи в Америке: Старая ратуша в Бостоне (1862–1865), построенная Гридли Джеймсом Фоксом Брайантом и Артуром Гилманом (1821–1882); Старое административное здание в Вашингтоне (1871–1888) и Старый почтамт в Сент-Луисе, Миссури (1873–1884), оба работы Альфреда Б. Маллета (1834–1890); и мэрия Филадельфии (1871–1901) по проекту Джона МакАртура-младшего (1823–1890).

Небоскрёбы: Чикагская школа (1870–1920)

В 1871 году во время одной из самых страшных катастроф в истории США город Чикаго, тогда построенный почти полностью из дерева, был практически уничтожен Великим чикагским пожаром. Восстановление города, теперь уже из камня и стали, ознаменовало революционный поворот в истории архитектуры, в частности, в строительстве небоскрёбов. (См.: Архитектура небоскрёбов (1850 – настоящее время)).

Фактически, потребность в высоких офисных зданиях в Америке уже назрела из-за высокой плотности банков, офисов, железнодорожных терминалов и складов на небольших участках растущих городов. А после изобретения безопасного лифта Элишей Отисом в 1853 году устремление ввысь стало единственным реальным вариантом для максимизации пространства и дохода от аренды. Кроме того, такие здания обеспечивали взаимную близость предприятий для ускорения коммуникаций, а также служили заметным символом коммерческого престижа. Первые «небоскрёбы» были спроектированы архитекторами-традиционалистами и стали огромным вызовом для привычных методов каменного строительства.

Чикагская школа архитектуры — это совокупность инноваций, разработанных архитекторами и инженерами, участвовавшими в реконструкции города. Перед ними стояли специфические задачи: встроить новые здания в уцелевшую городскую застройку, спроектировать технологически надёжные и огнестойкие конструкции и разработать формы, подходящие для функций новых зданий, большинство из которых предназначались для сферы услуг.

Среди этих архитекторов был градостроитель и проектировщик парков Уильям Ле Барон Дженни (1832–1907), который учился в Гарвардской научной школе и Школе изящных искусств в Париже. Он предложил новый тип многоэтажного здания — небоскрёб, в котором вертикальная высота, ставшая возможной благодаря изобретению лифта, экспоненциально увеличивала полезную площадь. Технически это стало возможным благодаря использованию металлического каркаса.

Например, для здания страховой компании Home Insurance Company Building (1884–1885) Дженни спроектировал металлический каркас из чугунных колонн, заключённых в каменную кладку, и балок из кованого железа, которые несли на себе ненесущие стены и окна на каждом этаже. (Примечание: сравните использование кованого железа Дженни с конструкцией Эйфелевой башни (1887–1889) Гюстава Эйфеля (1832–1923)).

Его ученик Дэниел Хадсон Бернем (1846–1912) разработал выразительный язык для исследования новых возможностей в дизайне и композиции больших фасадных поверхностей коммерческих зданий, к которым относились офисы, штаб-квартиры компаний, универмаги и другие крупные сооружения. Вскоре многие архитекторы активно включились в работу по созданию модели, подходящей для эволюции высотного коммерческого здания. Среди наиболее важных представителей Чикагской школы были Данкмар Адлер (1844–1900) и Луис Салливан (1856–1924), которые быстро стали её лидерами. За двенадцать лет совместной работы они создали множество зданий, в которых технико-конструктивные и типологические требования сочетались с постоянным стремлением разработать декоративные и конструктивные элементы на новом языке.

Развитие промышленных технологий и использование стальных каркасов позволило Салливану создать первые небоскрёбы, в которых несущий каркас оставался видимым. Даже в этом случае он не отказывался от декоративных элементов, которые использовал, чтобы подчеркнуть вертикальные несущие элементы, входы и очертания нижних этажей этих в остальном лаконичных и рациональных зданий.

Рассмотрим, например, спроектированный Салливаном универмаг Schlesinger & Mayer в Чикаго (1899–1904). Салливан также разработал метод проектирования небоскрёбов, разделив их на три функциональные зоны: большая входная зона на первом этаже, технический этаж (чердак) на вершине здания и «ствол» между ними с неопределённым количеством офисных этажей. Его здания наглядно демонстрируют принципы, которые должны были произвести революцию в архитектуре XX века, и не только в американской. Среди наиболее известных его проектов: Гаранти-билдинг в Буффало, Нью-Йорк (1895); Уэйнрайт-билдинг в Сент-Луисе (1890–1891); и Аудиториум-билдинг в Чикаго (1885–1889).

Небоскрёбы двадцатого века использовали целый ряд различных эстетических подходов, конструкций и строительных материалов. Некоторые получили известность благодаря своему классицизму, другие — чертам ренессанса. Около 1920 года архитекторы разработали простые кубические формы, такие как ступенчатый зиккурат, который был популяризирован в искусстве прецизионизма Чарльза Демута (1883–1935), Чарльза Шилера (1883–1965) и Джорджии О’Кифф (1887–1986). Среди известных архитекторов XX века, участвовавших в проектировании американских небоскрёбов, — Раймонд М. Худ (1881–1934), Мис ван дер Роэ (1886–1969), Джордж Хоу (1886–1955), Уильям Лескейз (1896–1969), Луис Скидмор (1897–1962), Натаниэль Оуингс (1903–1984), Джон Меррилл (1896–1975), Тимоти Пфлюгер (1892–1946), Роберт Вентури (р. 1925) и многие другие.

Пограничная архитектура (ок. 1850-х – 1890-х гг.)

Тем временем на американском Западе появлялась своя местная народная архитектура. Отчасти этому способствовал Акт о гомстедах 1862 года, который дал миллионам американцев возможность иметь собственный дом и коренным образом изменил характер поселений на Великих равнинах и Юго-Западе. Закон предлагал скромный «гомстед» — обычно 160 акров земли — бесплатно любому, кто обрабатывал её в течение минимум 5 лет и построил на ней жильё. Этот стимул способствовал появлению на Среднем Западе и Западе изолированных фермерских хозяйств, в отличие от деревень и небольших городков, распространённых на востоке и в большинстве стран Европы.

Поселенцы и фермеры использовали местные материалы для строительства своих домов, включая дёрн, брёвна, булыжник, камень и саманный кирпич. Используя простые проекты, они строили бревенчатые домики в лесистой местности и дома из дёрна на безлесных равнинах и в прериях. Дальше на запад и юго-запад поселенцы использовали широко распространённую глину для изготовления саманных кирпичей и черепицы.

С увеличением доступности обработанной древесины стали более распространены дома в стиле ранчо, а также такие пограничные стили, как колониальная архитектура Монтерея. В целом, в период с 1862 по 1934 год в соответствии с Актом о гомстедах было выделено около 1,6 миллиона участков, занимавших 270 миллионов акров. (См. также: Народное искусство).

Нестандартный дизайн деревянных домов, стиль королевы Анны, развился из плотницкой готики и стиля Стик-Истлейк (см. выше). В богатых лесом районах Калифорнии в архитектуре частных домов конца XIX века использовались различные деревянные конструкции, включая стиль королевы Анны. Самым известным примером является особняк Карсона в Старом городе Юрика на заливе Гумбольдта, спроектированный Сэмюэлем и Джозефом Кэтер Ньюсомами.

На восточном побережье стиль королевы Анны развился в архитектуру «стиля шейк» (shingle style), отличающуюся более непринуждённым, деревенским обликом. Примерами являются дом Уильяма Уоттса Шермана (1874–1875) в Род-Айленде и дом Мэри Фиск Стоутон (1882–1883) в Кембридже, штат Массачусетс, оба спроектированы Г. Г. Ричардсоном; и казино Ньюпорта (1879–1881), спроектированное Чарльзом Фоллен Маккимом.

Фрэнк Ллойд Райт (1867–1959)

С появлением Фрэнка Ллойда Райта Чикаго сохранил репутацию творческого центра американской архитектуры. Говорят, что мать предрекла ему великое будущее архитектора ещё до его рождения. Он стал одним из самых плодовитых и продуктивных архитекторов XX века: к моменту своей смерти в возрасте девяноста лет он оставил после себя более 400 проектов и построек, а своими идеями и творениями внёс решающий вклад в развитие архитектуры в Северной Америке и Европе.

Его имя тесно связано с концепцией «органической архитектуры», которая, по сути, означает подход к проектированию, основанный на создании гармоничных отношений между частями здания, а также между зданием и окружающей средой. Это выражается в плавных, перетекающих пространствах и использовании натуральных материалов.

В первые годы своей карьеры Райт работал над концепцией «домов прерий»: это были дома на одну семью, спроектированные в большинстве случаев для образованной и обеспеченной элиты в пригородах Чикаго. Они отличаются вытянутыми горизонтальными объёмами, чаще всего построены на ровной земле и покрыты большими крышами с небольшим уклоном, но широкими свесами. Освещаются они лентами сплошных окон.

В 1910 году стиль Райта изменился под влиянием различных факторов, включая японское искусство, а также традиции доколумбова искусства. Это видно в «блочных домах», которые он строил на холмах Лос-Анджелеса в 1920-е годы. Например, в проекте дома Милларда (1922–1923) в Пасадене он использовал новую конструктивную систему, которую назвал «текстильными блоками»: бетонные блоки, украшенные геометрическими мотивами, соединённые друг с другом стальными креплениями. Тёплый и сухой климат Калифорнии побудил Райта использовать идеи, отличные от тех, что применялись в домах прерий Иллинойса. Его калифорнийские проекты — это блочные здания, хорошо защищённые снаружи, с внутренними затенёнными патио и водоёмами.

Прежде чем создать свой шедевр органической архитектуры, «Дом над водопадом» (Fallingwater, 1936–1937) в Бер-Ран, Пенсильвания, Райт работал над разработкой градостроительных моделей, представляя альтернативы традиционному американскому мегаполису. Одной из них был «Город широких горизонтов» (Broadacre City), спроектированный в 1934 году и основанный на идее, что каждой семье будет предоставлен участок земли в один акр. Новые архетипы, включая круг и спираль, начали появляться в его проектах примерно с 1925 года, чтобы впоследствии найти воплощение в его самых известных послевоенных работах.

«Дом над водопадом», Бер-Ран, Пенсильвания

В 1936 году владелец универмага из Питтсбурга Эдгар Дж. Кауфман поручил Райту построить дом для отдыха в обширных владениях своей семьи в Пенсильвании. Райт выбрал лесистый участок, пересечённый ручьём, в русле которого лежат большие валуны неправильной формы. Райт решил разместить будущий шедевр своей органической архитектуры вдоль ручья, на скалистом выступе прямо над водопадом.

Самым поразительным аспектом этого дома является его тесная интеграция с окружающим ландшафтом. Растения, вода и скалы проникают в комнаты, становясь частью интерьера. Дом состоит из горизонтальных плоскостей, поддерживаемых четырьмя центральными каменными опорами. Эти плоскости простираются во все стороны, образуя гладкие бетонные нависающие террасы, напоминающие перекрывающиеся подносы.

Комнаты отделены от окружающего ландшафта лентами сплошного стекла. Железобетонная лестница ведёт из гостиной прямо к ручью; лесная тропинка через небольшой мост ведёт ко входу в дом. Вход открывается прямо в гостиную, которая занимает весь основной этаж, с одной террасой, расположенной прямо над ручьём, и другой, выходящей на склон холма позади. Как обычно в интерьерах Райта, центром этого пространства является камин. Пол гостиной выложен каменными плитами неправильной формы, стены отделаны камнем, а мебель, спроектированная самим Райтом, сделана из ореха.

Спальни находятся на втором этаже; все они имеют террасы, выходящие на разные стороны. На последнем, самом маленьком этаже, расположены кабинет и спальня, которые также выходят на террасу.

Гостиная, расположенная вокруг камина, является центром дома. Благодаря большому остеклению интерьер находится в тесном контакте с окружающим лесом. Природа присутствует и внутри — в каменном полу, деревянной мебели, настенных покрытиях из натурального волокна. Природа и творение рук человека слились в органичной конструкции, где каждый материал выполняет свою функцию: камень для вертикальных опор, железобетон для горизонтальных плоскостей, а стекло и металл, окрашенные в красный цвет, обрамляют проёмы. По первоначальному замыслу Райта бетонные выступы, окрашенные в жёлтую охру, должны были быть покрыты сусальным золотом, чтобы сиять на солнце и отражаться в воде.

Среди других известных довоенных архитектурных проектов Фрэнка Ллойда Райта — административное здание компании S.C. Johnson & Son (1937) в Расине, штат Висконсин, и Талиесин-Уэст в Парадайз-Вэлли, недалеко от Финикса, штат Аризона (начало строительства в 1938 году).

Небоскрёбы ар-деко (ок. 1920–1940)

Период между окончанием Первой мировой войны и крахом Нью-Йоркской фондовой биржи в 1929 году был временем строительного бума в Соединённых Штатах, что послужило предпосылкой для роста архитектуры ар-деко. В стране расширялась сеть дорог и железнодорожных линий, росли пригороды, а небоскрёбы меняли облик крупных городов.

В эти годы европейские авангардные движения использовали технологические инновации и новые возможности строительных материалов в поисках форм, выражающих дух времени. В Соединённых Штатах, однако, по-прежнему были в моде исторические стили. В 1922 году газета «Chicago Tribune» провела конкурс на проект своей новой штаб-квартиры; 263 представленных проекта демонстрировали широкий спектр стилей. Первый приз получили Раймонд М. Худ и Джон Мид Хауэллс за неоготическое здание с каменным каркасом, увенчанное короной из шпилей.

Движение ар-деко дало людям образы и предметы, которые отражали их стремление к скорости, роскоши и современности. Его архитектура прославляла век машин, геометрические формы, а также новые материалы и технологии. Кульминацией движения стала спонсируемая французским правительством Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (1925) в Париже, где стиль был известен как «Style Moderne». Он быстро распространился в Соединённых Штатах, став более обтекаемым и модернистским в 1930-е годы.

Проекты зданий в стиле ар-деко были вдохновлены целым рядом различных источников, от абстрактного искусства до зиккуратов, а также современных художественных движений, таких как французский кубизм и итальянский футуризм. В отличие от более ранних плавных форм модерна (ар-нуво), дизайн ар-деко включал геометрические формы и ступенчатые структуры. Примерами известных небоскрёбов ар-деко в Нью-Йорке со стальными конструкциями, облицованными гранитом, являются: Крайслер-билдинг (1928–1930), спроектированный Уильямом ван Аленом (1883–1954); Эмпайр-стейт-билдинг (1929–1931) (на тот момент самое высокое здание в мире), архитекторы Шрив, Лэм и Хармон; Макгроу-Хилл-билдинг (1929–1930), автор Раймонд Худ; Ньюс-билдинг (1929–1930), авторы Раймонд Худ и Джон Мид Хауэллс; и Рокфеллер-центр (1932–1939), архитекторы Рейнхард и Хофмайстер, Харрисон и Макмюррей, Худ и Фулихукс.

Модернистская архитектура в Америке (ок. 1925–1960)

Модернистская архитектура, как часть общего движения модернизма в искусстве, была попыткой создать новые проекты для «современного человека». Она отвергала все традиционные стили, основанные на старых прототипах, и предлагала новый тип функционального дизайна, который использовал современные материалы и строительные технологии для создания новой эстетики и нового ощущения пространства.

В отличие от Европы, где модернизм зародился в первом десятилетии XX века, американская модернистская архитектура появилась только в середине-конце 1920-х годов. Это было связано с тем, что в Америке, в отличие от Европы с её сильными авангардными течениями, гораздо больше опирались на исторические образцы. (См., например, влияние Арсенальной выставки европейского модернизма). Кроме того, учитывая важность градостроительства для восстановления экономики США и рост многочисленных рынков, неудивительно, что большинство модернистских проектов 1930-х годов представляли собой крупные коммерческие здания, в частности небоскрёбы. В соответствии со своей антиисторической позицией, модернистская архитектура предпочитала упрощённые формы и лишь те украшения, которые отражали назначение и структуру здания.

Важную роль в истории и развитии модернистского движения в Америке сыграли архитекторы-эмигранты из Европы, такие как Людвиг Мис ван дер Роэ (1886–1969), Вальтер Гропиус (1883–1969) — бывший директор школы дизайна Баухаус, и Луис Кан (1901–1974). К другим важным модернистам относятся: Фрэнк Ллойд Райт, Рихард Нойтра (1892–1970), Ээро Сааринен (1910–1961), Луис Скидмор (1897–1962), Натаниэль Оуингс (1903–1984), Джон Меррилл (1896–1975), Филип Джонсон, И. М. Пей и Роберт Вентури.

Интернациональный стиль

Интернациональный стиль современной архитектуры был особым (пуристским) направлением модернизма, появившимся в Европе в 1920-х годах. Он получил своё название от «Международной выставки современной архитектуры» (1932), кураторами которой выступили историк архитектуры Генри-Рассел Хичкок (1903–1987) и архитектор Филип Джонсон (1906–2005). Выставка проходила в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, и одновременно с ней была опубликована книга. Целью Хичкока и Джонсона было определить и продвинуть стиль, который воплощал бы в себе квинтэссенцию современной архитектуры.

Для достижения этой цели они тщательно отбирали проекты, чтобы в экспозицию попали только те, которые отвечали определённым критериям. Почти все здания были европейскими, спроектированными такими мастерами, как Якобус Ауд, Вальтер Гропиус, Людвиг Мис ван дер Роэ, Эрих Мендельсон (1887–1953) и Алвар Аалто (1898–1976). Только два здания были американскими: кинотеатр Film Guild в Нью-Йорке (1929), спроектированный Фредериком Джоном Кислером (1890–1965); и дом Лавелла в Лос-Анджелесе (1929), спроектированный Рихардом Нойтрой.

Критерии, использованные Хичкоком и Джонсоном для определения своего архетипического стиля, включали три правила дизайна:
акцент на объёме, а не на массе;
важность баланса, а не строгой симметрии;
отказ от прикладного орнамента. Все здания на выставке соответствовали этим правилам и были представлены американской аудитории как образцы «интернационального стиля».

Наиболее распространёнными материалами, используемыми архитекторами интернационального стиля, были стекло для фасада, сталь для наружных опор и бетон для внутренних опор и полов. Кроме того, планировки этажей были подчёркнуто функциональными и логичными.

Хотя модернистская архитектура так и не стала очень популярной для жилых домов в Соединённых Штатах — несмотря на усилия Худа, Лескейза, Эдварда Стоуна и Нойтры в 1930-х годах — она быстро стала доминирующим стилем для небоскрёбов, а также для общественных и коммерческих зданий. (См., например, Вторую чикагскую школу архитектуры, возглавляемую гениальным уроженцем Германии Мисом ван дер Роэ, одним из величайших архитекторов, работавших в Америке). Позже этот стиль даже вытеснил традиционные исторические стили в архитектуре школ и церквей, например, в лютеранской церкви Христа Элиэля Сааринена (1949–1950) в Миннеаполисе. Более того, в архитектурных школах он оставался единственной приемлемой платформой для дизайна вплоть до начала 1980-х годов.

События 1940-х и 1950-х годов

Вторая мировая война стала одним из самых дестабилизирующих событий XX века и имела важные последствия, в том числе и в области архитектуры. Условия, породившие современную архитектуру, перестали существовать, и архитекторы были вынуждены искать новые решения, помня при этом о важности архитектурной революции 1920-х годов.

В первую очередь это коснулось знаменитых европейских архитекторов, которые переработали свой язык, чтобы избежать стерильного подражания, но сделали это, не изменяя принципам, созревшим в довоенные годы, и своему главенствующему положению в профессии. Гропиус основал группу The Architects Collaborative, члены которой спроектировали модернистский Гарвардский аспирантский центр (1949–1950), а Мис ван дер Роэ в 1938 году возглавил архитектурный факультет Иллинойсского технологического института в Чикаго и спроектировал его новый кампус. Правда, работы, созданные Гропиусом в США (в основном школы и частные дома), не отличаются той же выразительностью, что и его довоенные проекты в Германии, но Мис ван дер Роэ нашёл в Чикаго — родине небоскрёба и стального каркаса — очень подходящую среду для своего стиля.

Корпоративный модернизм

На берегу озера Мичиган Мис ван дер Роэ спроектировал свои первые небоскрёбы из стали и стекла. В сотрудничестве с Филипом Джонсоном Мис спроектировал одно из самых влиятельных зданий послевоенного периода — нью-йоркский Сигрем-билдинг (1954–1958), впечатляющий небоскрёб, чей строгий стеклянно-стальной силуэт стал прототипом для подражания. Тридцативосьмиэтажное здание на Парк-авеню было спроектировано для канадской транснациональной корпорации Seagram & Sons.

Его навесная стена из бронзы и стекла, ставшая шедевром корпоративного модернизма, образует плотную сетку, подчёркивающую строгую вертикальность здания. Его украшают серо-янтарный оттенок оконного стекла и зелёный травертин колонн у основания. Стиль Миса ван дер Роэ — простой минимализм и использование стали и стекла — был повторён другими архитекторами, такими как Филип Джонсон, Ээро Сааринен и Чарльз Имз (1907–1978), чей язык претерпел прогрессивные изменения.

Сигрем-билдинг стал олицетворением использования современной архитектуры крупными корпорациями в их поиске отличительных символов престижа в послевоенный период. Компания по страхованию жизни Connecticut General Life Insurance Company заказала фирме Skidmore, Owings, and Merrill, одной из крупнейших фирм современных архитекторов, проект своей новой штаб-квартиры в Хартфорде (1955–1957). Компания Lever Brothers ранее уже нанимала эту фирму для проектирования Левер-хаус (1952), чья площадь, похожая на парк, стеклянные стены и тонкие алюминиевые импосты несли на себе отпечаток стиля Миса ван дер Роэ.

Строгая, геометрическая эстетика технического центра General Motors (1948–1956) в Мичигане была ещё одним зданием, следовавшим принципам Миса, как и здание штаб-квартиры ООН (1947–1952), спроектированное Ле Корбюзье, Оскаром Нимейером и другими. Другие примеры модернизма 1950-х годов: башня для алюминиевой компании Alcoa в Питтсбурге (1954), спроектированная Харрисоном и Абрамовицем; и здание Inland Steel Building в Чикаго (1955–1957), спроектированное Skidmore, Owings, and Merrill. Фрэнк Ллойд Райт был одним из немногих, кто отверг прямолинейную геометрию этих офисных зданий: см., напротив, гранёный дизайн его башни Прайс-тауэр из бетона и меди (1955) в Бартлсвилле, Оклахома.

Декоративный формализм

В начале 1950-х годов, отходя от «функционализма» в сторону «формализма», современные архитекторы стали проявлять всё больший интерес к декоративным качествам различных строительных материалов и открытых структурных систем. Проще говоря, они начали использовать формальные атрибуты зданий в декоративных, даже выразительных целях.

Интересным примером этой новой эстетики стал проект Фрэнка Ллойда Райта для Музея Гуггенхайма в Нью-Йорке (1943–1959). Здание организовано вокруг спирального пандуса, который одновременно формирует выставочное пространство музея и является образующим элементом его общего дизайна. Другие американские архитекторы также использовали криволинейную структурную геометрию. Примером может служить спортивная арена в Роли (1952–1953), спроектированная Мэтью Новицки (1910–1949), где две параболические арки, поддерживаемые колоннами, и крыша из натянутой мембраны окружают массивное пространство, лишённое внутренних опор.

Терминал TWA Ээро Сааринена в международном аэропорту имени Джона Кеннеди (1956–1962) — ещё один динамичный пример монументального здания единой формы. Его геометрические формы и силуэты отражают новую формальную выразительность, зенитом которой, несомненно, стал Сиднейский оперный театр (1959–1973), спроектированный Йорном Утзоном. Более сдержанный формалистский стиль Минору Ямасаки (1912–1986) иллюстрируют его 1360-футовые башни-близнецы Всемирного торгового центра (здания 1 и 2), спроектированные в 1965–1966 годах. Другим примером формалистического оформления стал Центр Джона Хэнкока (1967–1970) от Skidmore, Owings and Merrill, который сделал особенностью здания его X-образные несущие раскосы, разработанные Фазлуром Ханом (1929–1982), вероятно, величайшим инженером-конструктором небоскрёбов XX века. Эта тенденция структурного экспрессионизма и динамичного монументализма по-прежнему присутствует в современной архитектуре: посмотрите на гладкие прямоугольные формы Центра Тайм-Уорнер (2003–2007) от SOM в Нью-Йорке.

Интересным лауреатом Золотой медали Американского института архитекторов в 1971 году стал уроженец Эстонии Луис Исидор Кан (1901–1974). Карьера Кана развивалась иначе, чем у многих из тех, о ком говорилось выше. Он получил образование до того, как интернациональный стиль укоренился в Соединённых Штатах. Он учился в Пенсильванском университете, где освоил элементы классической композиции, следуя академической традиции Школы изящных искусств: симметрия, осевое построение, правильные пропорции, иерархия частей.

Знакомство с древнеегипетской архитектурой, а также ценностями греческого и римского дизайна, привели его к созданию личного языка, который использует современные материалы и технологии для исследования и воплощения геометрических, часто монументальных, форм, связанных с историей. Его наиболее значимые работы 1950-х и 1960-х годов: Художественная галерея Йельского университета в Нью-Хейвене (1951–1953); Лаборатории медицинских исследований Ричардса в Университете Пенсильвании в Филадельфии (1957–1965); Институт биологических исследований Солка в Ла-Хойе, Калифорния (1959–1965); и Художественный музей Кимбелла в Форт-Уэрте (1966–1972), который некоторые считают его шедевром тех лет.

Постмодернистская архитектура (1970-е – настоящее время)

В 1960-е годы зародилось общее недовольство последствиями архитектуры XX века в США. Её недостатки были описаны в двух влиятельных публикациях: «Смерть и жизнь больших американских городов» (1961) Джейн Джекобс и «Сложности и противоречия в архитектуре» (1966) Роберта Вентури. Если Джекобс критиковала бездушный утопизм модернизма, то Вентури сокрушался по поводу того, что, поскольку в современных сооружениях отсутствуют какие-либо отсылки к историческим элементам, им также не хватает значимой иронии и сложности, которыми обычно обогащена архитектура.

Одна из особенно непопулярных и бездушных форм экспериментальной современной архитектуры была известна как брутализм (от французского «béton brut», что означает «необработанный бетон»). Этот термин был придуман британскими дизайнерами Элисон и Питером Смитсонами для описания геометрических бетонных конструкций, часто возводимых в районах социального упадка архитекторами-утопистами, такими как Ле Корбюзье (1887–1965).

Основная идея архитектуры брутализма заключалась в том, чтобы поощрять функциональные модели жизни, устраняя все украшения и другие визуальные отвлекающие элементы. Идея провалилась. Известные примеры бруталистского дизайна в Северной Америке: Йельское здание искусства и архитектуры (1958–1963), спроектированное Полом Рудольфом (1918–1997); и жилой комплекс «Хабитат-67» в Монреале (1966–1967), спроектированный Моше Сафди.

Что такое постмодернистская архитектура?

Джекобс и Вентури были катализаторами волны оппозиции модернизму, но не они изобрели «постмодернизм». (См. также: Постмодернистское искусство). На самом деле термин был введён американским теоретиком Чарльзом Дженксом в его книге «Язык архитектуры постмодернизма» (1977), где описываются архитектурные тенденции, возникшие в 1960-е годы в оппозиции к господствующим диктатам рационалистического модернизма.

Дело в том, что современная архитектура исключила из своего репертуара традиционные исторические формы, а также декоративные элементы. Постмодернизм стремился «очеловечить» архитектуру, используя смесь стилей, включая черты, заимствованные как из классических образцов, так и из популярной культуры. Игривая ирония, а также случайные сюрпризы и даже шокирующие элементы — всё это было неотъемлемой частью постмодернистского подхода к проектированию зданий.

В конце концов, основные элементы архитектуры, такие как колонны, арки и тимпаны, часто теряют свой первоначальный смысл, когда используются вне контекста — скажем, в качестве декоративных элементов. Постмодернистская архитектура шла по стопам поп-арта, приверженцы которого — такие как Энди Уорхол (1928–1987), Рой Лихтенштейн (1923–1997) и Клас Ольденбург (р. 1929) — уже омолаживали мир актуального искусства, используя более осмысленные популярные образы.

Следует отметить, однако, что многие архитекторы-постмодернисты начинали свою карьеру как модернисты, и поэтому многие черты модернизма перешли и в постмодернизм, особенно в работах таких архитекторов, как Роберт Вентури, Майкл Грейвс, Фрэнк О. Гери и Ричард Майер. (См. также: Художники-постмодернисты).

История постмодернистского архитектурного дизайна

Принято считать, что постмодернизм в Америке начался в 1972 году со сноса серии 14-этажных панельных домов жилого комплекса «Пруитт-Айгоу» в Сент-Луисе, штат Миссури (1955). Эти дома, построенные менее 20 лет назад по проекту Минору Ямасаки, были частью удостоенного наград жилищного проекта. В действительности это было суровое модернистское бетонное сооружение, которое стало магнитом для социальных проблем. Хотя в Европе к тому времени уже были снесены многочисленные жилые кварталы, именно снос в Сент-Луисе ознаменовал начало эры американского постмодернизма.

В 1970-х годах Роберт Вентури и его партнёры Дениз Скотт-Браун (р. 1931) и Джон Раух (р. 1930) вновь привнесли исторические отсылки, остроумие и человечность в проекты многочисленных зданий, включая: дом Ванны Вентури в Пенсильвании (1961–1964); дом престарелых Guild House в Филадельфии (1961–1966); дом Такера в Катоне, Нью-Йорк (1975); Мемориальный художественный музей Аллена в Оберлинском колледже (1976); Музей современного искусства в Сан-Диего (1996). Майкл Грейвс (р. 1934) — один из знаменитой «Нью-Йоркской пятёрки», наряду с Питером Айзенманом (р. 1932), Чарльзом Гватми (1938–2009), Джоном Хейдуком (1929–2000) и Ричардом Майером (р. 1934) — спроектировал здание государственной службы в Портленде, Орегон (1980–1982), и башню «Хумана» в Луисвилле, Кентукки (1986). В этих проектах массивность обычного небоскрёба сочетается с историческими мотивами. Подобно площади Италии в Новом Орлеане (1975–1980) и Центру выпускников Калифорнийского университета в Ирвайне (1983–1985), спроектированным Чарльзом Муром, эти уверенные, жизнерадостные сооружения призваны убедить публику, что её культурной идентичности больше не угрожает антиисторическая современная архитектура.

В 1970-х и 1980-х годах, следуя примеру поп-арта, несколько американских архитекторов приняли популистский стиль, в котором иногда присутствовали классические элементы. К ним относятся Филип Джонсон и Джон Берджи, которые спроектировали здание AT&T Building в Нью-Йорке (1978–1984), увенчанное фронтоном в стиле чиппендейл; и Роберт Стерн, который использовал классический дизайн в стиле Джефферсона для столовой Обсерватори-Хилл в Университете Вирджинии (1982–1984), но применил черты испанского колониального стиля для офисного здания Проспект-Пойнт в Ла-Хойе, Калифорния (1983–1985).

Карьера знаменитого китайско-американского архитектора И. М. Пея охватывает почти весь спектр современной архитектуры, включая интернациональный стиль, функционализм, декоративный формализм и постмодернизм. Его инновационное использование современных материалов для переосмысления исторических тем достигло высшей точки в его культовой стеклянной пирамиде (1983–1988), которая образует входной атриум в музей Лувр в Париже, и низшей точки в неудачном проекте здания Джон Хэнкок в Бостоне (1967–1976).

Другие американские проекты Пея включают лабораторию Меса Национального центра атмосферных исследований в Боулдере (1961–1967); Восточное крыло Национальной галереи искусств в Вашингтоне (1968–1978); Президентскую библиотеку и музей Джона Ф. Кеннеди в Бостоне (1965–1979); и Зал славы рок-н-ролла в Кливленде (1987–1995).

Деконструктивизм (1980-е годы)

«Деконструктивизм» — это особый стиль постмодернистской архитектуры, который развивался в Европе и США в 1980-х и 1990-х годах. Его можно определить как подход к дизайну, включающий ярко выраженную деформацию евклидовой геометрии и пренебрежение традиционными принципами пропорций.

Характерными чертами деконструктивизма являются неустойчивость, дисгармония и нерегулярность. Традиционные архитектурные атрибуты подвергаются «деконструкции» для создания внешне бессвязных форм, которые часто бросают вызов законам гравитации. Впервые эта концепция была представлена в 1988 году на выставке под названием «Деконструктивистская архитектура», организованной Филипом Джонсоном в нью-йоркском Музее современного искусства. На выставке были представлены работы семи архитекторов-постмодернистов, названных ведущими представителями нового стиля, в том числе: Фрэнк О. Гери, Даниэль Либескинд, Рем Колхас, Питер Айзенман, Заха Хадид, Бернар Чуми и группа Co-op Himmelblau.

Настоящим пионером деконструктивизма, однако, был Фрэнк О. Гери (р. 1929), который провёл первые эксперименты в области деконструктивистского дизайна в Калифорнии в конце 1970-х годов. Это была серия зданий, в которых он комбинировал необычные материалы, создавая нарочито нестабильные и ненадёжные конструкции. Среди более поздних проектов Гери: Калифорнийский аэрокосмический музей в Лос-Анджелесе (1982–1984); Концертный зал Уолта Диснея в Лос-Анджелесе (1988–2003); Музей искусств Вайсмана в Миннеаполисе (1990–1993); Музей Гуггенхайма в Бильбао (1991–1997); удивительное здание «Национале-Недерланден» в Праге (1992–1997), также известное как «Танцующий дом» или «Фред и Джинджер»; и Музей музыки Experience Music Project в Сиэтле (1999–2000).